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Datos de la industria del anime

La industria de Animación japonesa en 2015:
Thomas Romain


La controversia que ha rodeado el quinto episodio de Dragon Ball Súper ha planteado muchas preguntas y reveló una cierta falta de conocimiento de la producción de dibujos animados japoneses.
Nos encontramos con Thomas Romain, trabajador francés en la industria de la animación en Japón, especialmente para el estudio Satelight para arrojar una luz sobre el estado de la industria y sus trabajadores.

Hola Thomas, gracias por concedernos esta entrevista.

Se ha hablado mucho sobre la calidad cuestionable de algunas escenas de episodio 5 de Dragon Ball Super, que nos lleva a tratar de entender, a través de su experiencia, sobre la producción de anime.
ROMAIN Thomas:
Por supuesto, en esta ocasión tuve la oportunidad de twittear algunas explicaciones que permitieron una mejor comprensión de cómo es la producción de un dibujo animado en Japón. Gracias por ofrecerme este medio para profundizar sobre el tema.

Nosotros le agradecemos. ¿Cuánto cuesta, en promedio, la producción de un episodio de animación?
Thomas ROMAIN:
Los costos varían de una serie a otra, pero en promedio la producción de un episodio de la serie de televisión en Japón cuesta unos 100.000 euros. Es muy barato. Si lo calculamos en costo por minuto, esto es alrededor de 5.000 euros / minuto.
Haremos una comparación para que se entienda mejor.
Una serie animada producida en Francia, sería mucho más cara, alrededor de € 15.000 / minuto!. Sería alrededor de 25.000 euros/minuto en promedio para un largometraje estándar de la animación japonesa.
Alcanzaría hasta 50.000 euros/minuto para una serie animada estadounidense muy popular.

El estudio Ghibli le tenía mucho mayores costos de producción que el resto de la industria de la animación japonesa, en torno a los 250.000 euros/minuto por sus largometrajes. ¿Por qué?
En gran parte porque era el único estudio japonés en tener todos sus dirigentes y empleados con contratos permanentes. Y el único que puedo permitírselo debido al éxito comercial de sus obras.

Si nos fijamos en los presupuestos de los grandes estudios estadounidenses como Disney o Dreamworks, nos damos cuenta de que los presupuestos pueden elevarse a grandes sumas de dinero, superior a $ 100 millones!
No están lejos de sobrepasar el millón para producir un minuto de un largometraje de animación de nivel internacional.

Datos de la industria del anime
Departamento de producción de un estudio de anime.
Foto de Thomas Romain


¿Que criterios hacen variar los costos de una serie a otra?
Thomas ROMAIN:
Principalmente es el número de dibujos por episodio. No debemos olvidar que la gran mayoría de los dibujos animados japoneses todavía se producen de la manera tradicional, cada imagen está dibujada a mano. Este proceso requiere una gran cantidad de mano de obra.
Cuantos más dibujos incluye el episodio, mayor será el presupuesto. Lo normal es de 3.000 a 4.000 dibujos por episodios. Algunos episodios llenos de acción pueden superar fácilmente los 10.000 dibujos. Cuanto más que se mueva, más costoso será.

El uso de CGI (secuencias realizadas completamente o en parte por un software 3D) también tiene un costo.
Contrariamente a lo que a veces leo en los comentarios de los fans mal informados, los japoneses no usan 3D de hacer ahorros. Por el contrario.
La instalación de la maquinaria, la compra de licencias, el tiempo para modelar los personajes o vehículos inducen costes adicionales a los de una cadena de producción totalmente 2D. El 3D se utiliza para producir secuencias que no pudieron ser realizadas con técnicas tradicionales (movimientos de cámara, conjuntos complicados, las multitudes, efectos especiales...) o lo que cada día es más frecuente, por una falta de personal especializado (la mayoría de los robots y vehículos tiende a hacerse en 3D porque los animadores especializados en esta área son cada vez más raros).

Otro criterio que repercute en el presupuesto de una serie es la reputación de los principales miembros del staff y del reparto, así como su número. La contratación de los seiyuus o ilustradores conocidos por los fans es más cara. Y cuando se busca mejorar la calidad general de una serie, se puede pedir al diseñador de personajes para que supervise toda la serie, o en otros casos, la contratación de especialistas en animación de combate o de robots para supervisar las escenas específicas además del director de animación tradicional.

Es lógico que un mayor presupuesto permita, la mayoría de las veces, mejorar la calidad técnica global de una obra. Pero a veces el aura de un director o la motivación generada por un proyecto desafiante, empuja a los equipos para sobresalir, para lograr una calidad sorprendente, independientemente del presupuesto de producción.
Así que el dinero no lo es todo en esta industria y la mayoría de los trabajadores son, sobre todo, apasionados.

¿Cuáles son las fuentes de ingresos de la animación japonesa?
Thomas ROMAIN:
El merchandising es la fuente más importante de ingresos, muy por encima de la venta y el alquiler de vídeos. La venta de música también una fuente importante, las ventas realizadas en el exterior, los ingresos por publicidad televisiva y la adaptación en Pachinko.

Muy recientemente, surgió una nueva forma de obtener beneficios económicos de la producción de dibujos animados: la organización de los espectáculos en vivo que incorporan los personajes en el universo de la serie. Pero todavía es sólo una fuente muy marginal de ingresos, tal vez incluso sólo sea una moda pasajera. Otro punto a tener en cuenta, aunque la cifra está en constante aumento, son las ganancias obtenidas a través de la distribución de Internet aunque en Japón siguen siendo muy bajas.


Dragon Ball

¿Sigue siendo rentable producir dibujos animados en Japón?
Thomas ROMAIN:
Sí y no.
No en el sentido de que la mayoría de las series de animación producidas no generan beneficios suficientes para ser rentable. Gran parte de las obras que dependen de los inversores pierden dinero.
Pero producir animes para Japón sigue siendo rentable a gran escala.

Del total de la producción nacional, el beneficio global fue de alrededor del 10%. ¿Por qué?
Debido a que algunas producciones fenómenos (Ataque en Titánes o Evangelion, por ejemplo) generan tanto dinero que pueden compensar todas las pérdidas.

En otras palabras, si una empresa decide invertir sólo en sólo una o dos títulos por año, el riesgo es enorme. Los únicos capaces de invertir con un riesgo calculado son grandes empresas que pueden ayudar a financiar a docenas de títulos entre los que se encuentra, inevitablemente, uno o más hits.

Los Estudios de animación son estructuras modestas con poco o nada de dinero en efectivo, no son capaces de tomar mucho riesgo al apostar su propio dinero en sus creaciones. La ventaja es que no se ven afectados por los fracasos comerciales. La desventaja es que no van a recibir muchos beneficios en caso de éxito.
Los inversores no son los estudios de animación sino empresas más poderosas tales como sellos discográficos, distribuidores de vídeo, canales de televisión, editores de manga o grandes grupos publicitarios. Son ellos los que cosechan la mayor parte de los beneficios. Los estudios de producción aún se encuentran en inferioridad de posición frente a estos grandes clientes.

La última cosa a tener en cuenta, es que no hay ningún fondo público en Japón para ayudar a los productores de animé.
En Francia tenemos la suerte de tener la CNC, que ayuda al desarrollo de proyectos y participa considerablemente en la financiación de películas y series además de una serie de ayudas regionales.
En Japón no hay nada de eso, sólo podemos confiar en el dinero privado. Resta decir que esto, por supuesto, influye en el contenido.

¿Por qué las series son cada vez más cortas?
Thomas ROMAIN:
Creo que se deriva del problema de la rentabilidad que acabo de mencionar. Es arriesgado embarcarse en una producción de 26 episodios, por lo que se prefiere producir más series cortas de 13 episodios.
En caso de fracaso comercial, las pérdidas son menos importantes, y si tiene éxito, siempre se puede reiniciar la producción de 13 nuevos episodios.
Este es el escenario que conocemos para una serie que producimos actualmente en Satelight: Symphogear. El éxito de la primera temporada ayudó a lanzar la segunda temporada, los buenos resultados de la 2da a su vez hicieron posible una tercera.

Otra razón, en el caso de una adaptación del manga por ejemplo, puede ser que el trabajo básico no esté suficientemente desarrollado para encajar en 26 episodios. Este fue el caso cuando yo trabajaba en la serie Ikoku Meiro no Croisée (Croisée in a Foreign Labyrinth). Normalmente se prefiere un formato corto.

anime

¿Cómo funciona una producción estándar?
Thomas ROMAIN:
El tema es amplio, tanto que merece un libro entero. Pero voy a tratar de describir de manera muy simple los pasos principales.

Hay dos posibles puntos de partida. Si se trata de una creación original, los autores trabajan en el desarrollo de un proyecto, la mayoría de las veces dentro de un estudio, a veces como creadores independientes. Normalmente el mismo estudio de animación intenta el mismo convencer a los inversores.
Si se trata de un animé adaptado de una obra existente, el proyecto suele comenzar por los titulares de los derechos, los editores de manga, videojuegos, o varios productores. Se elige un estudio de animación, en una segunda instancia, para hacerse cargo de la producción.

La posición más importante es la del director. Este es el primero en ser seleccionado.
A su alrededor se construye un equipo clave que consiste en un escritor principal, un diseñador de personajes, un diseñador de decorado, a veces un diseñador de mecha, un gestor de composición (a veces llamado el director de fotografía), un líder colorista, un editor, un compositor, un director de sonido, etc ...
Durante la etapa de pre-producción, el director supervisa la redacción del marco general de la serie. Al mismo tiempo trabaja con los diseñadores en el desarrollo de los personajes y el entorno. La escritura de los episodios se divide entre varios guionistas.

Se realiza un script de validación, el guion gráfico (storyboard). Suele ser el director el que se ocupa de ello, en el primer episodio de una serie. Cuando se inicia la producción, otros guionistas trabajarán simultáneamente en los siguientes episodios tratando de respetar la directriz. El director controla minuciosamente este trabajo, y se vuelven a dibujar enteras las secuencias del storyboard cuando sea necesario.

Una vez que se validó el guion gráfico, se le designa un director (también conocido como director del episodio), que es responsable de supervisar hasta el más mínimo detalle, cada paso de la producción del episodio que tiene asignado.
Estará asistido por un director de animación cuyo trabajo consiste en garantizar la calidad de los dibujos y el movimiento.
Juntos, supervisan un equipo promedio de entre 12 a 15 trabajadores, cada uno de los cuales elaboran entre diez y treinta planos de acuerdo a su disponibilidad y eficacia. De estos líderes surge lo que es llamado "Genga" o planteo clave. Estos son los principales dibujos de un movimiento.

Una vez que se termina el "Genga", se continúa con el paso "Douga", que es dibujar los intervalos.
Los intervalos son dibujos intermedios que se insertan entre las poses claves para dar la ilusión de movimiento. Para la descripción de un movimiento, los japoneses utilizan por lo general 8 dibujos por segundo, pero en función del tipo de movimiento y de la calidad requerida de fluidez, se puede necesitar, en algunos pasajes, dibujar más imagenes.
Esta etapa de "Douga" a menudo se asigna a los líderes juveniles. También se suele subcontratar gran parte a otros estudios o en el extranjero.

Lo que sigue son los diseños de dibujo a color.
Ahora utilizan computadora que puede trabajar más rápido, pero básicamente es un paso manual. Se deben seleccionar los colores determinados por el líder colorista y llenar cada zona de cada dibujo con el color apropiado.
En algunos dibujos muy complejos, los errores son comunes, sobre todo cuando hay sombras muy detalladas y varios niveles de luz. Una persona es responsable de verificar como queda coloreada cada animación.

En paralelo a los trabajos de Douga y coloración, un equipo es responsable de la realización de los escenarios. Es raro que el estudio de animación tenga un equipo interno de decoradores, por lo que a menudo implica subcontratar empresas especializadas en este campo.

Cuando la serie incluye escenas 3D, los animadores 3D trabajan en paralelo a los animadores 2D. Se suele ir y venir entre los departamentos de producción cuando los planos combinan diferentes técnicas.
La logística es compleja y el tiempo a menudo es muy corto en las producciones.

A cada episodio se le asigna un único asistente de producción, el "Seisaku shinkou". Es el responsable del estrecho seguimiento de cada plan de producción, incluyendo comprobar frecuentemente la buena marcha de los trabajos de cada miembro del personal.

Una vez que estén disponibles las animaciones 2D y 3D (cuando sean necesarias), se envían todos estos elementos separados al equipo de composición para ensamblarlos y así finalizar cada plan, añadiendo diferentes efectos, como manchas, vibración de la cámara, los rayos de luz, filtros de color, etc ...
En esta etapa de composición se programan alrededor de 280 planes en promedio para un episodio de 22 minutos, luego son enviados en la sala de edición. Hay que tener en cuenta que a menudo el montaje se realiza con versiones de planes no terminados, ya que este es el cuello de botella antes de la emisión.

No debemos olvidar los efectos de sonido y voces, que también se hacen con suficiente antelación, antes de que se finalicen las imágenes, para ahorrar tiempo. El doblaje de los episodios en Japón es bastante fascinante.
Los dobladores son muy profesionales y muy eficaces. A diferencia de otros países donde los actores graban uno tras otro, en Japón todos están presentes en la sala de grabación, grabando en tiempo real. Pude suceder que se deba repetir secuencias, pero las voces normalmente se validan la primera vez.
El director y el director de sonido dirigen el montaje de voz, efectos de sonido y la mezcla de música.

El último paso es el armado del vídeo.
Se lo prepara para pasar el episodio en la televisión, se incorporan los créditos de inicio y finalización, incluidos los nombres de todos los miembros del personal. Esto nos asegura por última vez que no hay ningún problema en el episodio antes de la entrega a los organismos de radiodifusión.
Para una serie de 13 o 26 episodios, la pre-producción suele comenzar entre 9 y 12 meses antes de su liberación. La producción propia continúa durante la distribución y los equipos no se librarán de la presión hasta el día de la emisión del último episodio.

Un episodio promedio se produce en dos meses, pero generalmente los primeros episodios de una serie se hacen muy lentamente pudiendo superar los 6 meses. A la inversa, cuando el tiempo es escaso, un episodio puede ser completado en menos de cuatro semanas. En general veremos que el tiempo de producción de cada episodio disminuye gradualmente a medida que avanzamos en la serie.

japon

¿Cuáles son las principales diferencias con producciones largas como DB Super (100 episodios anunciados)?
Thomas ROMAIN:
Es el caso de series que se producen a un ritmo de emisión semanal ininterrumpida durante varios años. Estas son adaptaciones de mangas extraordinarios como Naruto, One Piece y Dragón Ball.
El ritmo de transmisión es infernal, es importante para los equipos encontrar una velocidad de crucero para acomodar la duración. No se puede tomar mucho tiempo para preparar el próximo episodio, y no podemos pedir, como en la mayoría de las series, que los miembros del equipo principal se sobre esfuercen, sabiendo que no pueden relajarse al final de la producción.

Por lo tanto, el objetivo es la eficacia, en lugar de virtuosismo. Sobre todo porque se trata de series largas que ya tienen cautiva la audiencia de jóvenes y fans. Es inútil tratar de seducir a la audiencia de los fans duros con animaciones deslumbrantes.

Hay que tener en cuenta también, de que es posible producir este tipo de serie porque los escritores y el director pueden basarse en una historia que se ha dibujado en un manga que ha sido validado por su éxito comercial. Desarrollar desde cero un trabajo de animación original que contiene muchos episodios, y producirlos a ese ritmo sería imposible.

¿Qué piensas del “caso” DB Super?
Thomas ROMANO:
Creo que el episodio fue agraviante, de hecho, de calidad fue cuestionable. Estaba bastante contento al ver a los fans protestar.

Este evento se puede utilizar para mostrar a los productores que el público no se deja engañar y no es suficiente colocar la etiqueta de "Dragon Ball" en una serie producida con bajo costo, o en malas condiciones, solo para satisfacer a los fans. El público tiene un importante papel que desempeñar. La calidad debe ser incentivada por el cine o productos relacionados con las obras de alta gama. Al mismo tiempo, no debemos dudar en criticar a aquellas obras que son mediocres. De esta manera podemos conseguir que la industria prospere.

Por medio de la calidad, se puede esperar atraer a nuevos públicos y crear un entorno propicio para el desarrollo de la animación.
Los comentarios en torno a DB Súper son también una oportunidad para revelar que hay detrás de la escena, explicar cómo se producen estos dibujos y cómo pueden llegar a tales problemas. Por otra parte, no creo que este sea un fenómeno particularmente reciente. Las dificultades que los estudios de animación japoneses encuentran tienden a empeorar, pero este medio históricamente se ha enfrentado a problemas de presupuestos muy ajustados, retrasos en producciones muy cortas y a condiciones laborales alarmantes.

Cuando llegué a Japón en 2003, me llamó la atención muchos aspectos de la producción de animación, tan diferentes de los actuales en Francia. La situación precaria de los animadores, la dedicación total de los equipos, la capacidad de auto-ayuda y la poca rivalidad entre las empresas, a veces con resultados sorprendentes de tiempo de producción y presupuestos irrisorios etc ...

Este es un entorno muy exigente y duro, pero absolutamente fascinante.


industria

Oficina de un animador – Foto de Thomas Romain

thomas romain

Oficina del director – Foto de Thomas Romain




¿Cuáles son las condiciones laborales de los trabajadores de la animación japonesa?
Thomas ROMAIN:
Las condiciones no son buenas, dado el nivel de las normas de desarrollo y de vida en Japón.
Por supuesto, depende con quienes se comparen, los animadores japoneses están en mejores condiciones que los mineros del carbón y de los trabajos inhumanos en las plantas de producción en cadena. Ellos ejercen su profesión con pasión lo que les brinda una gran satisfacción hacerlo.
Pero de todos modos, considerando la tarifa por hora, la mayoría gana menos de lo que recibirían por cualquier otro baito (pequeño trabajo).

Hay dos maneras para empezar a trabajar en este entorno.
El primero, para convertirse en animador, se empieza con el "Douga", es decir hacer los dibujos intermedios para crear la ilusión de movimiento. Es un bonito trabajo creativo y técnico, en general lleva mucho tiempo y es muy laborioso. El Douga se paga por cada dibujo, alrededor de 1,50 euros. Para los gastos de comida y vivienda, se necesitan por lo menos 15 a 20 por día, por lo que es muy difícil para los principiantes.

No es raro que los Douga ganen sólo 300 a 500 euros al mes durante los primeros años. Y es por eso, que a menudo trabajan más de 12 horas al día y también los fines de semana. Normalmente los estudios contratan a reclutas jóvenes que tienen suficientes ahorros para mantenerse o tienen el apoyo de sus familias con quienes conviven.

Otra forma es convertirse en un asistente de producción, así es como se inician muchos directores de renombre.
Un asistente de producción, shinkou Seisaku, es responsable de la producción de un episodio, controla cuidadosamente de cada plano de la caricatura. Está en contacto constante con todos los miembros del personal y los visita regularmente para recoger sus trabajos, comprueba su rendimiento, hacer cumplir los plazos, etc.

La producción se subcontrata en gran parte a autónomos y pequeñas empresas. La producción que no es digitalizada, debe llevarse físicamente durante todo el día para conseguir los diseños y llevarlos de una persona a otra. Dado que muchos de los trabajos se hacen por la noche, los asistentes de producción deben estar permanentemente disponibles, duermen poco y rara vez regresan a su casa durante el período de producción del episodio, que dura unos dos meses. A estos se paga alrededor de 1.200 euros mensuales.

Teniendo en cuenta la dureza de las condiciones de trabajo, muchos de los jóvenes trabajadores abandonan al cabo de unos meses. Sólo los perduran los más motivados, los más trabajadores, o los más eficaces. Las condiciones mejoran con las habilidades y la experiencia, pero siguen siendo duras.

El trabajo de un animador independiente se paga dentro de los 35 euros por plan del anime. Él no puede aspirar a ganar más de € 1.500 a 2.000 al mes, y eso con una gran carga de trabajo. Los directores de animación o los diseñadores de personajes pueden ganar un poco más, pero esto es una pequeña parte de la masa de trabajadores (los más talentosos).

Los horarios son por lo general muy libres, los estudios están abiertos las 24 horas del día, los 7 días de la semana.
La única restricción es que el trabajo solicitado debe hacerse a tiempo. A menudo, los trabajadores de animación (animadores, diseñadores, artistas de composición, etc.) tienen períodos de trabajo muy intensivos para completar un episodio. Debido a la gran cantidad de horas de trabajo algunos permanecen varios días en el estudio sin regresar a sus casas.

Al trabajar de manera independiente no se tienen beneficios tales como vacaciones pagadas, seguro de salud o contribución a la pensión, realmente podemos decir que las condiciones de trabajo son muy precarias. Los bajos ingresos y muchas horas no favorecen la creación de una familia por lo que muchos trabajadores permanecen solteros.
Pero ese es un problema que, en Japón, va más allá del entorno de la animación.

En resumen, aunque todas estas dificultades de trabajo en esta industria sean prohibitivas, aun así encuentran su beneficio. Para los entusiastas, trabajar con directores y diseñadores de renombre es muy emocionante y gratificante. La libertad de elegir sus proyectos y los horarios, ser respetado como artista sin tener que rendir cuentas a un superior es también una oportunidad única en la sociedad japonesa basada en los códigos de respeto y jerarquía.

Otra particularidad interesante de la industria, es su concentración geográfica. Esta cuenta con poco más de 400 empresas, de las cuales más de 350 se encuentran en Tokio. Y casi la mitad de ellas están situadas en dos distritos vecinos de Suginami y Nerima.
Históricamente es allí donde se han asentado los primeros estudios en los años 60. La producción es todavía en gran parte física, los diseños se realizan en el papel, y muchos animadores japoneses viven en esta zona.

¿La mayoría de los estudios hacen recurren a estudios extranjeros (Corea, Tailandia, Filipinas)?
ROMAIN Thomas:
Sí, absolutamente.
Muchos estudios externalizan parte de la producción. Pero sobre todo se trata de tareas muy técnicas tales como intervalos de diseños, diseño de color de los caracteres y los ajustes que se hacen con las referencias cuidadosamente preparadas en Japón.

Por otra parte, la elección de la subcontratación en el extranjero no se hace principalmente con el fin de ahorrar dinero, sino más bien para cumplir con los tiempos. El número de series producidas anualmente se ha más que duplicado desde la década de 2000. Son pocos los nuevos trabajadores entusiastas y se encuentran distantes entre sí, lo que lleva a una escasez de mano de obra que se sintió con fuerza en el sector.

Para hacer anime en el tiempo impuesto por los clientes, los estudios están obligados a reducir su nivel de demanda utilizando trabajadores menos experimentados, y recurrir a la mano de obra extranjera. Pero la proporción de ello varía de un estudio a otro, de una producción a otra, e incluso de un episodio al siguiente. A veces en algunos episodios la producción, al encontrarse con problemas de gestión importantes no tiene otra alternativa que la externalización para terminar con éxito el episodio en el tiempo establecido.

¿Hay algún anime hecho totalmente en producciones en suelo japonés?
Thomas ROMAIN:
La mayoría de las producciones se realizan esencialmente en suelo japonés. Lo que es absolutamente sorprendente teniendo en cuenta el entorno actual.
Los otros dos países más importantes en el campo de la animación, Francia y los EE.UU., hace tiempo que han externalizado casi por completo la producción de programas de televisión de animación en los países donde la mano de obra es barata, sacrificando así la calidad con fines de lucro.

estudios anime

¿Cree que la industria de animación japonesa está en crisis?
ROMAIN Thomas:
No, creo que no se puede hablar de una crisis.
El caso del sector alcanzó una cifra récord de $ 12 mil millones en 2013 (últimas cifras disponibles), y el número de obras producidas también ha tocado techo.

Sin embargo, tiene ante sí muchos retos. El mercado nacional es limitado y no fomenta la toma de riesgos. Bajas tasas de natalidad y disminución de la población no son un buen augurio para este sector que apunta principalmente a niños y jóvenes adultos. Para seguir creciendo, la animación japonesa tiene que apuntar cada vez más hacia el mercado internacional, y para ello, crear el contenido adecuado.

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Nota original y datos del entrevistado

Datos de la industria del anime

Entrevista realizada por Kubo - MANGA MAG

Thomas Romain, con sede en Japón, comenzó su carrera como diseñador de personajes y co-realizador en la compañía franco-japoneses Oban Star-Racers.
Ahora trabaja en Satelight, estudio cuyo pilar artístico es Shoji Kawamori. Trabajó en varias posiciones como animador en “Aria – The Natural”, “Bodacious Space Pirates”, “Basquash!” y “Space Dandy”.

Fuente:

http://www.mangamag.fr/dossiers/interview-thomas-romain-lindustrie-de-japanime-2015/

En japonés en la entrevista la tradujo la revista Animage

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1 comentario - Datos de la industria del anime

isakishi +1
Muy buena informacion.