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Técnicas avanzadas de Pintura

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El arte de pintar veladuras


Una veladura es una capa de pintura muy fina y de color transparente que se aplica sobre un color opaco.



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Tiene dos objetivos o cualidades:

1º. Al ser transparentes, las veladuras permiten pasar la luz que se refleja sobre la capa de pintura de base, aumentando su luminosidad.

2º. Al tener color la propia veladura, se combinan los dos colores; el de la veladura y el de la capa aplicada debajo, con lo que se genera un nuevo color muy distinto del que tendríamos al mezclar ambos colores en la paleta.




Retrato de Rembrandt, un gran trabajo tonal.

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Mediums para crear veladuras.



Resinas:

1- Medium de copal. Proporciona luminosidad a la pintura pero con los años tiende a oscurecerse y agrietarse.

2- Barniz de aceite y copal. Debe utilizarse sin mezclar con otros disolventes, pues ya contiene el aceite. También se oscurece y agrieta.

3- Barniz de almáciga. Este es uno de los mejores mediums para veladuras. Da muy buen resultado con un poco de aceite (hasta un tercio) para que al secar quede fuerte.

4- Barniz de dammar. Similar al almáciga, se debe mezclar con aceite (un tercio por tres partes de barniz). Es un barniz brillante.

5- Medium de Maroger. Sirve para veladuras o pintura opaca. Es un líquido amarillento denso y cremoso.

6- El Barniz Holandés. Uno de los barnices comercializados y que sirven también para hacer veladuras.

Tiziano, gran maestro de las veladuras, las utilizaba para ajustar el color de determinadas zonas en sus obras. Muchas veces, las aplicaba con los dedos en lugar del pincel, pues así se consigue más suavidad.





Menina de Velazquez, con gran trabajo de veladuras para añadir color a las telas.

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Colores para veladuras.

Los colores que se utilicen para crear la veladura deben ser de característica transparente. Hay colores con mayor o menos opacidad, por lo que cuanto más opaco es un color, menos dejará pasar la luz con una veladura.

También se puede diluir más esos colores con más médium. No se debe añadir en exceso el diluyente, pues el objetivo es mezclar visualmente los colores. La pintura de abajo debe estar totalmente seca o se disolvería con la nueva pintura encima.

Se pueden comprar los médiums pero si se desea crear uno con barniz de almácigo se deben poner dos partes más una parte de aceite de linaza espesado al sol.





Cómo aplicar una veladura (pintura al óleo)

Hay que apoyar el lienzo sobre una superficie horizontal para evitar que se escurra la pintura. Aplicamos la pintura con un pincel de cerda o marta, o incluso, se puede usar un pincel de marta de abanico, una brocha de afeitar (de suaves pelos), un trapo suave o con los dedos. Y se cubre la zona deseada con la capa de veladura.





Cuando usar las veladuras

No deben utilizarse para todo el cuadro sino para modificar ciertas zonas. Para rectificar el tono de color, para aclarar u oscurecer. También para intensificar las sombras y las luces.

Además, puede jugarse con veladuras más o menos densas. Y también puede aplicarse pintura opaca sobre sobre una veladura, por ejemplo para añadir un brillo blanco.

Para pintar sombras con efecto realista deben utilizarse veladuras que ajusten los tonos.

Y las veladuras, sirven también, para enriquecer de color las pinturas.















Pintar con espátula

Las espátulas se utilizan para pintar y mezclar las pinturas. Al pintar, generan masas de color que no se funden con las pinturas de debajo, pues se aplican de un modo limpio gracias al metal. Además, generan unos trazos planos y suaves, pues hay una gran diferencia entre aplicar pintura con pinceles de pelos, suaves o duros, o aplicarla con un trozo e metal con diversas formas como son las espátulas.





Melodia de la noche, por Leonid Fremov. Espectacular obra pintada completamente con espátula.

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Alan Cotton pintó esta pintura Provence, Bonnieux al atardecer del 2005, un buen ejemplo.

Las luces del sol se reflejan en los lados de las casa hacia él, las sombras en tonos azules y grises y un fondo suave sobre el cual los planos geométricos bien distribuidos y aplicados con la espátula generan un correcto escenario real de luz y color. Los toques de espátula son diestros y precisos, con óleo espeso.


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Tipos de espátulas



Hay gran variedad entre tamaños y formas pero, principalmente, hay dos tipos de espátulas de acero templado:


1. Espátulas para paleta que sirven para mezclar colores en la plancha o en la paleta. Tienen hojas delgadas y blandas, de 10 a 15 cm. de longitud, con puntas afiladas y redondeadas, y de forma recta o angular. Las angulares sirven para eliminar los grumos de pintura.

2. Espátulas para pintar. De hojas finas, delicadas y elásticas. Se usan para la aplicación y manipulación de la pintura en el lienzo. Se fabrican en multitud de formas, estilos y tamaños.

La técnica sólo se puede dominar practicando con las diversas espátulas para encontrar las que mejor se adapten a la propia mano, y así cada persona elige tamaño y forma, probando la elasticidad de la espátula conforme a la fuerza natural o agilidad de tu propia mano.




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Cómo pintar con la espátula


Se puede pintar con óleos y con acrílicos, sin diluir las pinturas para mantener el espesor y manejar mejor la pintura.

Existen tres formas principales de sujetar la espátula para pintar:

1. Para extender grandes masas de color, se sujeta el mango con fuerza, con la base plana de la espátula tocando totalmente el lienzo.

2. Para toques más sutiles se sujeta la espátula apoyando el dedo índice sobre la parte elástica de la hoja y así movemos la punta de la espátula para aplicar la pintura.

3. Sujeción habitual. Se sujeta por el mango de madera con el dedo índice sobre el puente de acero.



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Video creado por la artista Pamela Blaies







Sol de Karen Balon

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Técnica – Pintura de impasto


El impasto o empaste es una técnica que consiste en aplicar espesas las pinceladas de pintura sobre el lienzo o soporte, de modo que el volumen y la forma de las pinceladas quedan visibles y generan un efecto tridimensional y una textura añadida.




Ejemplo de pintura creada con impasto, por Frank Auerbach.

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Cómo pintar con la técnica de impasto


La técnica del impasto consiste en pinceladas empastadas, muy cargadas de pintura espesa.


La mezcla de los colores puede ser completa o parcial:

Una mezcla uniforme de los colores, mezclados totalmente. Se mezclan bien en la paleta.

O una mezcla suelta, que se suele hacer juntando los colores en el propio pincel o tomándolos de la paleta sin haber mezclado. De forma que conservan los tonos independientes pero están juntos visualmente en la misma pincelada. Esto genera una sensación muy viva, con los colores estriados al aplicar la pincelada espesa.




Húmedo sobre húmedo


Se pinta una pincelada bien cargada sobre otra masa de color aún húmeda en el lienzo. Esto genera una fusión de colores directamente en el lienzo.

Es útil controlar que la pintura esté en la punta del pincel, que sea un pincel firme (de cerda) y después aplicar la pincelada de un modo firme y homogéneo, teniendo muy claro el trazo que se va a realizar. Vigilar bien el ángulo con respecto al lienzo para que no se escape la pintura.

Se puede trabajar en horizontal si así se logra manejar mejor la pintura pero siempre se visualiza mejor el lienzo en vertical.

Con el pincel se puede hacer la mezcla, de un modo suelto, con la pintura húmeda de abajo, lo que genera dibujos estriados.

Efectos de punteados, estirar y presionar sobre el lienzo

La punta del pincel de cerda sirve muy bien para crear texturas de punteados con esta técnica de pintura espesa. Se presiona con la punta del pincel sobre el lienzo, y se retira manteniendo una posición transversal, no inclinada.




Mezcla de pinceladas

El lienzo puede contener una base de pintura plana sobre la cual se aplica el impasto. Y también es muy efectista mezclar diversos tipos de pinceladas, unas más o menos espesas, e incluso alguna veladura espesa. Se debe tener en cuenta que este es un trabajo expresivo de la propia pincelada y que por ello es la mano, e incluso el brazo, el que debe trabajar en crear los gestos, las formas y la aplicación de las masas de colores.

La fluidez, la destreza y el vigor o energía de las pinceladas le añaden una frescura y espontaneidad muy especial a la obra pictórica.

Se pueden trabajar pinceladas húmedas pero también secas, con la pintura directa del tubo e incluso algo seca después de estar en la paleta.

El grano del lienzo y la textura del soporte pueden ser un aliado en esta técnica.

Van Gogh fue un gran pintor de impasto, haciendo pinceladas cortas con pequeños toques gruesos, directos y abruptos. Y los puntillistas creaban impastos de menor nivel e igualado espesor, ideales con pinceles pequeños de cerda.

Por otra parte, la impresión de movimiento y las direcciones se crean con largas pinceladas cargadas de pintura, casi como rayados.





Impasto con movimiento creado por Van Gogh.

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Aprender a pintar sombras

Pintar sombras y luces es uno de los ejercicios más importantes en pintura. Constituye un estudio tonal que comprende a la vez el matiz del color (tipo de color: rojo, azul, verde…) y su cantidad de luz.

Las variaciones de luz, o sea el tono, constituyen la complicada visión del entorno. Vemos gracias a estas variaciones puesto que la visión del mundo no es posible ni en el extremo de máxima luminosidad, ni en el oscuridad absoluta. Por ello, todo tiene un tono más o menos cerca de la luz o de la oscuridad



La Dimensión tonal





Gradación de Blanco a Negro (el gris no tiene matiz de color). Y gradación tonal de matiz verde-azulado.

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El valor de los tonos en la imagen de grises se corresponde con el valor del tono en la imagen de verdes.

Las sombras no son todas del mismo color sino que se adaptan al color de los materiales, más la suma del color de la propia luz e incluso la suma de los otros colores que reflejan su luz.






El dibujo de las sombras



Por otra parte,la forma de las sombras es un estudio lógico y matemático. Dependerá del objeto cuya sombra se proyecta y de la superficie donde se esté reflejando. También puede haber otros elementos intermedios como la atmósfera.


Si se hace de modo irracional o se pinta una sombra deformada, la psicología humana está preparada para detectar la separación con la realidad. Por supuesto, son decisiones del artista hacer las sombras más o menos realistas, para que sean más expresivas por un motivo determinado.


Para quien desea pintar una sombra coherente con la realidad, estos son algunos principios del Efecto y la Acción de las sombras en las superficies:



Direcciones de las sombras en los objetos con un foco de luz central.

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TIPOS DE LUZ Y TONOS



Notesé cómo el objeto recibe luz dentro de su parte sombreada.

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DIBUJO DE LA SOMBRA DE UN OBJETO RECTANGULAR


La fuerza de la luz o cantidad y la posición influirá en la forma de la sombra.

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SOMBRAS EN UN OBJETO ESFÉRICO


La forma del objeto que se interpone entre el foco de luz y el suelo determina la forma de la sombra. La variedad tonal también depende de esta forma y su recepción de reflejos.

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LA BELLEZA DE LAS SOMBRAS



En esta obra de George Shook podemos ver el complejo dibujo entre zonas iluminadas y sombras proyectadas, en el propio sillón y en el suelo. El foco de luz está perfectamente definido y la representación de la realidad bien comprendida. Es este un buen ejemplo de dibujo de las sombras.

Sillón de Mimbre de Georg Shook


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Pinturas de Monet




La Urraca de Claude Monet

La sombras son azules por su relación con la nieve y el hielo. Monet pintaba las sombras con los colores complementarios. Violetas y azules como contrarios a amarillos y rojizos.


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Otoño en Argenteuil de Monet

En esta pintura las sombras de los árboles reflejadas en agua generan el enrojecimiento correspondiente a los árboles, dentro del agua. El agua recibe el tono y matiz de los árboles al recibir reflejos de luz que proviene de él.


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La sombrilla de Monet

Contraluz donde la verde hierba recibe una sombra que le añade color azul. Las ropas de la mujer tienen azules, violetas y amarillos (reflejos). El contraste de luz y sombra es espectacular y a la vez más variado por el uso de más matices de color.


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Ejemplos de iluminación


La representación de la luz en la pintura es una de las materias más importantes que se pueden aprender. La luz construye el espacio y genera la belleza de la obra. Pero junto a ella siempre están las sombras, el contraste o la difusión de la luz. Ver cómo los grandes artistas maestros de la pintura han sabido generar estos contrastes de luces y sombras mientras aplican el color nos sirve para desarrollar nuestra visión o imaginación, son ejemplos y modelos de trabajos bien hechos.




Mujer trabajando el heno al sol, Dupré.

El contraste entre luces y sombras va perfectamente encajada conforme a la dirección de la luz, que llega desde la izquierda de la imagen. Continuando esta dirección las sombras se alargan sobre el vestido y hacia el suelo.

Una composición muy sencilla donde la luz es la protagonista.

El fondo es suave y discreto, pero con la misma iluminación. Lo que da mucha coherencia a toda la obra.


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Iluminar un retrato y que la escena quede armónicamente bien entonada. Un buen ejemplo es esta pintura de August Macke, la mujer del artista con un sombrero. Pintado en 1909.

Mujer con sombrero


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Acertar los tonos que son de luz y los tonos más oscuros que forman las sombras es la clave para que el contraste sea correcto. Los planos bien estructurados y distribuidos conforme a las formas representadas. Por ejemplo, la nariz de la mujer, que tiene unas formas escultóricas destacadas. La frente también está fuertemente encajada con el tono claro / iluminado. Las sombras en los huecos de los ojos generan mucho contraste y la boca tiene el juego correcto de planos en sombra o en luz. Una preciosa composición de luces y sombras en el rostro humano.

Copiar un retrato bien iluminado como este es un buen ejercicio par aprender a pintar las luces y las sombras.









Una buena iluminación del espacio representado, marca una gran diferencia en la pintura. Tenemos buenos ejemplos de obras muy bien realizadas donde la luz ha sido perfectamente representada.

Jan Hendrik Weissenbruch pintó esta dos obras y que son un excelente ejemplo de iluminación sobre los muros de las casas. Pintor holandés, grabador, litógrafo y dibujante.



La iglesia de St Denis, 1850, pintado por Hendrik Weissenbruch.

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Hendrik Weissenbruch fue uno de los mejores representantes de la “Escuela de la Haya”, de los países bajos.

En estas dos obras las luces y las sombras están perfectamente dibujadas. Este dibujo tan correcto constituye la base para poder crear sombras creibles. Una vez creada esta base, es el color el que debe entonar con precisión las luces. En esta primera obra, el contraste de tonos, el suelo con luces y sombras y un fondo donde los edificios reciben una luz frontal, configuran una composición muy bien preparada.








La puerta de Leerdam. Una preciosa composición de luces y sombras que utiliza unos muros y edificaciones como apoyo para su suave y cálido juego. La perspectiva está perfectamente encajada. Para apreciar mejor como ha sido pintado, añado esta foto detalle donde se pueden ver los tonos aplicados en cada muro, los reflejos y las sombras:

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El pintor holandés Cornellis Springer posee algunas obras muy bien iluminadas y con un dibujo arquitectónico impecable. Nació en Amsterdam, 1817 y murió en Hilversum, 1891. Como todos los maestros de la escuela holandesa del siglo IXX, la luz está perfectamente bien tratada y le da vida a la obra



Iglesia de San Michaëlskerk de Zwolle, 1862. Ejemplo de iluminación en pintura de paisaje urbano. Luces y sombras en los muros y en el suelo de la calle.

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Aqui algunas de sus obras donde la luz está representada de un modo realista y perfeccionista, pero con matices de color que aportan mayor calidad a la imagen. Obras de realización compleja que se realizan con muchas horas de trabajo. Una pintura base sirve para entonar las formas y poder así captar esta luz. Después se van coloreando y afinando las formas.





Vista de una ciudad a lo largo de Rin, 1841.

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Paisaje urbano de Cornelis Springer. El cuadro mide 50 × 65 cm y la técnica es óleo sobre tabla.


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Rectificar o corregir en la pintura


Corregir un cuadro ya pintado siempre es un problema pero, cuando es preciso hacerlo, es mejor pensar un poco el cómo y no pintar directamente encima. Si hemos cambiado de opinión o nos hemos dado cuenta de un error en la imagen, debemos aceptar en principio que “la cagamos”, así dicho finamente…

El caso es que muchas veces merecerá la pena empezar de nuevo porque corregir una parte es como una “insulto” para el soporte. Es duro de aceptar pero … una cosa es añadir y otra suprimir algo donde queremos añadir otra cosa. Aquello suprimido siempre deja una huella y forma parte de la obra.





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Corregir errores en la pintura al ÓLEO



Corregir óleo ya seco

Cuando tenemos una pintura al óleo ya seca y deseamos cambiar una parte, podemos lijar o rascar la pintura con una lija o similar de modo que poco a poco extraemos la capa de pintura seca. Esto se debe hacer con mucho cuidado sobretodo si el soporte es una tela. La lija fina de madera puede ser más útil puesto que lija mucho y su grano es fino. Después hay que igualar la superficie del lienzo con el resto de la pintura. Así podremos añadir una capa de pintura con lo deseado. Y con mucho cuidado integrarla al conjunto.

Si no hacemos el lijado y pintamos encima directamente, las capas de pintura que se queden abajo formarán parte de la imagen.

El artista debe considerar si esta capa de pintura debajo será molesta o no será casi percibida.

El problema de pintar encima consiste en que el soporte ya ha recibido un volumen de pintura y una textura de pincelada. Aunque cambiemos un color, el espesor de la pintura de abajo y su textura se apreciarán.





Corregir óleo húmedo que aún no ha secado

Se puede disolver con esencia de trementina o aceite de lino y retirar la pintura con trapos o pinceles. Es posible recuperar el espacio rápidamente y volver a pintar encima.

Mientras la pintura al óleo no se haya secado mucho se podrá humedecer así incluso con evaporizador o spray (relleno del disolvente) . Según cómo sea el cuadro y la zona donde hay que retirar pintura, se puede colocar el cuadro en una mesa y horizontalmente de modo que, al disolver la pintura, no caiga hacia abajo y afecte a otras zonas inferiores.




Corregir errores en la pintura ACRÍLICA o GOUCHE

Los acrílicos son un paso intermedio entre la gran capacidad de corrección del óleo húmedo y la imposibilidad de la acuarela (que se seca al instante sobre un papel).

El acrílico mojado se puede retirar igualmente con un trapo limpio. Pero su secado es más rápido que el óleo y cuando ya está seco, hay que rascarlo o lijarlo. Si se pinta sobre el acrílico seco se notará especialmente porque esta pintura posee mucha transparencia.

Para hacer que un color se vuelva más opaco hay que añadir blanco o negro, lo que hace que quede perdido el color. Se puede hacer esto para aplicar el tono y después añadir una veladura (transparente) con el color puro.




Corregir errores en la ACUARELA

Es casi imposible corregir una acuarela, excepto cuando el error es leve. Tanto si se una lejía como un papel absorbente para retirar el color… se notará. La acuarela es especialmente sensible a cualquier retoque o corrección puesto que su soporte es el papel. Su arte se basa en la calidad de la pincelada hecha a la primera.

Si la obra es más libre que una representación, siempre se puede oscurecer la zona afectada por una mancha o error pictórico.

Como remedio desesperado se puede hacer un cambio a Gouche o temperas (pinturas que tiene una base de color blanco y que si permiten tapar colores). Pero con ello se cambia de técnica, asi que… ¡Qué Dios te ayude!




Más vale prevenir que curar

Todo el problema de la corrección de obras radica en que una pintura se realiza globalmente. Todas sus partes están unidas desde el principio y la pintura va creciendo con las aplicaciones que hace el artista. Este conjunto madura unido hasta su finalización.

Es como la vida del cuadro: Nace, crece, se desarrolla y cuando el artista lo da por terminado, muere dejando un brillante reflejo de lo que es y será eternamente. Corregir o borrar es querer volver atrás en el tiempo, es querer educar a un adulto que de niño fue malcriado… se puede pero, ¡que duro y difícil va a ser! De verdad, el cuadro es como un hijo… si cuando ya es mayorcito quieres reformarlo acabará rebelándose contra ti y deformándose para tu mayor disgusto.

Más vale prevenir que curar, dice el dicho… en nuestro caso, como creadores, más vale prepararse bien antes de empezar a pintar que tener que corregir nuestros errores impulsivos después. Y a la hora de corregir hay que analizar primero las posibles soluciones en vez de pintar encima directamente.

Y una última cosa, no hay que tener miedo a equivocarse porque todas las equivocaciones en esta vida, nos encaminan hacia el acierto final.











Técnica de Absorción o Tonking y Rascado de la pintura


La pintura es de William Palmer. Las pinceladas verticales realzan el efecto de lluvia. Mientras los perfiles nítidos de las formas se han suavizado deslizando el pincel sobre la superficie. Es con el propio pincel como se raspa la pintura y se elimina para crear un efecto.

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La técnica de Absorción

Se utiliza con la pintura húmeda o recién aplicada. La técnica de Absorción se conoce también como Tonking, en honor a su inventor, el profesor Tonks, que enseñaba en la Slase School of Fine Arts de Londres a principios del siglo XX. Se trata de la supresión parcial de la pintura. Esta técnica se creó para arreglar o mejorar obras donde el exceso de pintura suponía un defecto.

Se puede absorber la pintura sobrante con un paño mojado en disolvente, o con papel absorbente.

Creará suavidad en la pintura donde podremos volver a pintar la forma correcta.

Se coloca el papel absorbente sobre la tela pintada y se frota suavemente. Normalmente esta técnica se aplica hacia la mitad de una sesión o al final de la misma, para disponer en la siguiente fase de una superficie lisa.

Algunos artistas van construyendo su pintura con fases sucesivas aplicando esta misma técnica, pues al absorber y suavizar la pintura también se aprecian los colores de las capas anteriores y es una forma de crear “veladuras”.

Por supuesto, será por medio de las pinceladas como se irá controlando el proceso.





La técnica del Rascado en seco

La técnica del rascado permite eliminar la pintura seca sin que se pierda el dibujo base. Se puede hacer con espátula o con papel de lija. Basta con rascar la pintura hasta obtener una superficie lisa y dejarla así. No pasa nada si se transparenta el soporte, pues luego pintaremos encima de nuevo.

Se puede utilizar para crear efectos atmosféricos, pues el rascado deshace el excesivo contraste o tonos demasiado oscuros.

Se recomienda no usar el rascado y el tonking en todo el cuadro sino solo por zonas, pintando el resto de forma normal.

Sin embargo la evolución de las técnicas hace del tonking una nueva forma de crear formas y texturas visuales.

El rascado final constituye a veces la última fase de la elaboración de una obra. Aunque no es un procedimiento normal, algunos artistas como Whistler, lo utilizan con cierta frecuencia.





Iluminación de Richard Florsheim. En este lienzo con óleo se ha utilizado el tonking o raspado para quitar la pintura de ciertas zonas y suavizar las formas y los colores, con el fin de acentuar el aspecto desdibujado de la ciudad y sus reflejos nocturnos. Incluso en algunos puntos se aprecia el color blanco del soporte

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Técnica del esgrafiado o rascado del óleo en pinturas de Paul Klee



La técnica del esgrafiado o rascado de la pintura se refiere a cuando hacemos dos capas de pintura y rascamos la capa superior. Se pueden usar diversas técnicas pictóricas. Por ejemplo, es famosa la que utiliza ceras manley, con las que se colorea el papel y luego se cubre todo con una pintura acrílica, de modo que no se fusiona con la cera y se puede rascar.

Pero en el caso del óleo existe un método que consiste en pintar una capa húmeda (es decir, que aún no se haya secado) y rascarla de modo que se vea la pintura seca de abajo o directamente el soporte. Esta técnica es la utilizaba Paul Klee.



Villas florentinas (Florentinische villen) de 1926. Óleo sobre tela, 49,5 x 36,5 cm. Museo National d´Art Moderne, Paris.

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En esta obra, Paul Klee pinta cuadros de color debajo y los cubre con otras masas de color en formas rectas. Después el dibujo esgrafiado une todo el conjunto, entre viéndose el color inferior.




¿Cómo hacer el esgrafiado o rascado de la pintura?

Se pinta el fondo con los colores deseados. Se deja secar esta capa de color. Se pinta después encima con otros colores. Antes de que se seque se empieza a rascar la pintura, que así sale muy fácilmente.

Para esgrafiar se utiliza una punta de madera (que puede ser de un pincel viejo, rompiendo su punta para afilarla), o puede usarse una espátula o cualquier instrumento útil para rayar.

Cada vez que se rasca se debe limpiar la pintura que se retira del raspador.


Esta técnica sirve para definir perfiles o detalles con mucho dibujo, por ejemplo, encajes en ropas. Si el color que tenemos abajo hace contraste con el que pintamos encima, entonces el esgrafiado resaltará más. Lo usaban así pintores como Rembrandt y Goya. Pero Paul Klee la utilizó de un modo más sutil y mágico, aportando ese toque infantil de la propia técnica y con maestría a la vez.



Pintura de Paul Klee creadas con la técnica del rascado de óleo húmedo

Flecha en un jardín, pintado por Paul Klee en 1929.


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Técnica del Frotado o Frottage


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El frotado en óleo se realiza con papeles sobre el lienzo. Si se desea modificar la técnica, se puede utilizar papel de periódico, papel absorbente e incluso trapos de tela. Pero la técnica básica es con papel no absorbente, para que la pintura permanezca en el lienzo.

Las técnicas de Frotado o “Frottage” sobre papel permiten poner una textura debajo de la hoja, por ejemplo, una moneda, una hoja seca de un árbol, cualquier textura sobre la cual ponemos el papel. Y a continuación, frotando con una barra de color, un lápiz de grafito o de colores, con ceras, u otros materiales que permiten atrapar la textura en la hoja de papel.




Técnica del frottage sobre lienzo, para acrílico y óleo.



Frotado con papel liso


A. Extender sobre el lienzo una mancha de color utilizando abundante pintura cremosa. Procurar que la capa de pintura sea bastante gruesa para que sea opaca y cubra la textura del lienzo.

Colocar un trozo de papel no absorbente sobre la pintura, presionando suavemente y retirándose con cuidado. Se podrá observar ahora la textura irregular que se ha producido.


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B. Para modificar esta textura y conseguir otras formas, se vuelve a colocar el papel sobre la mancha y se puede mover o restregar. Al principio saldrán formas impredecibles pero con la práctica se puede conocer cómo serán las texturas según como frotamos y movemos la pintura con el papel impregnado.

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C. Extendemos una mancha de color espesa. Formamos una bola con un trozo de papel no absorbente, lo estiramos parcialmente y lo aplicamos sobre la pintura húmeda.

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D. Al retirar el papel arrugado hemos de tener cuidado. La textura es distinta a la conseguida con el papel liso, pues tendrá más zonas en contraste, unas más lisas y otras más texturadas.

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Pintura creada con la técnica de frotado o frottage


En la técnica que hemos visto, es la textura la que se pone encima del lienzo, pero en la técnica de frotado para papel, es el papel el que se pone encima de la textura y así se calca frotando o rozando el lápiz sobre ella.

En esta pintura de Max Ernst las formas de puntos o pequeñas manchas se han aplicado con frottage, aplicando una textura de ese tipo llena de pintura, lo cual hace que solo se haya manchado con la textura sobresaliente en forma de puntos.



Las pinturas y dibujos de Max Ernst, a quien se atribuye la invención de esta técnica sirven como buen ejemplo de aprovechamiento y desarrollo de esta técnica.

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Dibujo de Max Ernst realizado frotando sobre la hoja de papel con un lápiz grafito y con la hoja sobre las texturas.

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9 comentarios - Técnicas avanzadas de Pintura

macadamQuejoso
Copado
gpatera +1
Gracias, vengo haciendo una serie de arte, que termina mañana!
izjecuss
Comparto... gran trabajo my friend... un grande...
gpatera +1
Gracias, da laburo, pero ver como lo disfruta la gente que le gusta el arte, es la mejor recompensa!!
perfeccionfugaz
Muy bueno me gustan mucho los post sobre pintura, te sigo +10
gpatera +1
Bienvenido al barco, nos seguimos!
Corleonew80
Increible, gracias, te dejo +10. Me encantaron las primeras pinturas y lo bien que explicaste lo de las sombras, un detalle en el q ahora me fijare mas. Te soy sincero y no se demasiado sobre arte pero algunas pinturas me hacen sentir y eso ya me llena; unas ramas inclinadas q sugieren un suave viento, la tonalidad de la luz q hace pensar en un atardecer fresco y tranquilo, una mirada q externa un sentimiento. Imagino q ese es el objetivo, tocar uno o varios de los sentidos.
Corleonew80
Increible, gracias, te dejo +10. Me encantaron las primeras pinturas y lo bien que explicaste lo de las sombras, un detalle en el q ahora me fijare mas. Te soy sincero y no se demasiado sobre arte pero algunas pinturas me hacen sentir y eso ya me llena; unas ramas inclinadas q sugieren un suave viento, la tonalidad de la luz q hace pensar en un atardecer fresco y tranquilo, una mirada q externa un sentimiento. Imagino q ese es el objetivo, tocar uno o varios de los sentidos.
gpatera +1
Me alegra que lo disfrutes, yo cuando empece a meterme en esto sabia 0, pero leyendo, investigando, abriendo la cabeza, y eligiendo, te vas metiendo, es adictivo, no todas las obras tienen que gustarte, pero las que te gusten pregúntate porque, que hay ahí que te llega al cerebro directo. El análisis que haces es correcto que sentidos te toca el cuadro, y porque. Gracias por comentar y nos leemos!!
animalsworld
Muy bueno el post, va a mis favoritos y los 10 para que sume
gpatera
Gracias por los puntos, espero lo disfrutes, si revisas mis posts hay toda una serie de arte, y estoy preparando varios posts para la semana que viene!