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bueno gente! como ya vimos mucho de camaras lentes, y toda esa basura, ahora quiero meterme mas en lo que es la parte artistica, y lo que es una foto en si

asi que sin mas preambulo vamos con el post

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balance de blancos

Temperatura de color

Cuando se dice que determinada luz tiene una temperatura de tantos ºK, lo que se está diciendo en realidad es "cual es la longitud de onda predominante".

La temperatura del color es una característica que nos dice qué tipo de luz nos va a dar una luminaria.Se refiere a grados de color, no de temperatura térmica.

Por ejemplo:

2.500ºK: Amarillo (serían 2220ºC)
3.200ºK: Anaranjado
5.000ºK: Blanco
6.500ºK: Blanco azulado
10.000ºK: Azulado

Temperatura de color

La Temperatura de color de una fuente de luz se define comparando su color dentro del espectro luminoso con el de la luz que emitiría un Cuerpo Negro calentado a una temperatura determinada. Por este motivo esta temperatura de color generalmente se expresa en kelvin, a pesar de no reflejar expresamente una medida de temperatura.

fotografia

Representación aproximada de la temperatura según ciertos colores

Generalmente no es perceptible a simple vista, sino mediante la comparación directa entre dos luces como podría ser la observación de una hoja de papel normal bajo una luz de tungsteno (lámpara incandescente) y a otra bajo la de un tubo fluorescente (luz de día) simultáneamente.

• 1700 K: Luz de una cerilla
• 1850 K: Luz de vela
• 2800 K: Luz incandescente o de tungsteno (iluminación doméstica convencional)
• 3200 K: tungsteno (iluminación profesional)
• 5500 K: Luz de día, flash electrónico (aproximado)
• 5770 K: Temperatura de color de la luz del sol pura
• 6420 K: Lámpara de Xenón
• 9300 K: Pantalla de televisión convencional (CRT)
• 28000 - 30000 K: Relámpago[1]

Aplicaciones

La temperatura de color se usa en muchas ramas de la industria y la técnica, concretamente en fotografía, cine, teatro y vídeo donde su efecto produce colores dominantes que pueden afectar a la calidad de la imagen. Igualmente es utilizada en astronomía y, concretamente, analizando el espectro de una estrella, se puede relacionar su clasificación y, además para determinar el desplazamiento con respecto a la Tierra; así, si la estrella se ve en tono rojizo, se trataría, bien de una estrella fría, bien de una estrella que se aleja de nosotros o que se acerca si se trata de tonos azulados (ver Corrimiento al rojo).

Video, y cámaras digitales

La mayoría de las cámaras digitales pueden ajustar la temperatura de color al hacer un zoom sobre un objeto de color blanco y activando la función "white balance" (balance de blancos), indicándole a la cámara que dicho objeto es blanco; entonces la cámara toma el verdadero blanco como blanco y ajusta todos los otros colores a partir de este. El "balance de blancos" es necesario especialmente en locales interiores bajo luz fluorescente y cuando se mueve la cámara de una situación específica de luz hacia otra.

Muchas cámaras cuentan con una función de balance automático de blancos que procura determinar el color de la luz y corregirlo acorde al cálculo. Si bien este proceso solía ser poco fiable, ha mejorado sustancialmente con las cámaras digitales actuales, que permiten generar el correcto balance de blancos en diferentes situaciones de iluminación.

El balance de blancos puede también ser corregido en post-producción de una manera similar a como se hace con las cámaras, sin embargo en algunos casos puede perderse la calidad de la imagen. otro campo donde se usa la temperatura del color es en el acuarismo, tanto marino como de agua dulce. En los marinos es importante para el crecimiento de corales y en agua dulce para las plantas, esto solo por mencionar dos casos. y también se usa con fines netamentes esteticos.

fotografo

La formación de la visión humana del color

En la visión humana, los conos captan la luz en la retina del ojo. Hay tres tipos de conos (denominados en inglés S, M, y L), cada uno de ellos capta solamente las longitudes de onda señaladas en el gráfico. Transformadas en el cerebro se corresponden aproximadamente con el azul, verde y rojo. Los bastones captan las longitudes de onda señaladas en la curva R.

La visión es un sentido que consiste en la habilidad de detectar la luz y de interpretarla. La visión es propia de los animales teniendo éstos un sistema dedicado a ella llamado sistema visual. La primera parte del sistema visual se encarga de formar la imagen óptica del estímulo visual en la retina (sistema óptico), donde sus células son las responsables de procesar la información. Las primeras en intervenir son los fotorreceptores, los cuales capturan la luz que incide sobre ellos. Los hay de dos tipos: los conos y los bastones.

Otras células de la retina se encargan de transformar dicha luz en impulsos electroquímicos y en transportarlos hasta el nervio óptico. Desde allí, se proyectan al cerebro. En el cerebro se realiza el proceso de formar los colores y reconstruir las distancias, movimientos y formas de los objetos observados.

Las células sensoriales de la retina reaccionan de forma distinta a la luz y a su longitud de onda. Los bastones se activan en la oscuridad, y sólo permiten distinguir el negro, el blanco y los distintos grises. Los conos sólo se activan cuando los niveles de iluminación son suficientemente elevados. Los conos captan radiaciones
electromagnéticas, rayos de luz, que más tarde darán lugar a impresiones ópticas.

Los conos son acumuladores de cuantos de luz, que transforman esta información en impulsos eléctricos del órgano de la vista. Hay tres clases de conos, cada uno de ellos posee un fotopigmento que sólo detecta unas longitudes de onda concretas, aproximadamente las longitudes de onda que transformadas en el cerebro se corresponden a los colores azul, rojo y verde. Los tres grupos de conos mezclados permiten formar el espectro completo de luz visible.

La percepción del color, a nivel cerebral, se procesa por dos tipos de neuronas presentes en el área de la corteza visual específica para el color. Estas neuronas recogen la información emitida por los conos y la vuelven a codificar en dos dimensiones de pares antagónicos: ROJO -VERDE y AZUL - AMARILLO. O dicho de otra manera, estas células se excitan o inhiben ante la mayor intensidad de la señal del ROJO frente al VERDE y del AZUL frente a la SUMA DE ROJO y VERDE.

Se denomina visión fotópica a la que tiene lugar con buenas condiciones de iluminación. Esta visión posibilita la correcta interpretación del color por el cerebro.

Muchos mamíferos de origen africano, como el ser humano, comparten estas características genéticas descritas: por eso se dice que tenemos percepción tricrómica. Sin embargo, los mamíferos de origen sudamericano únicamente tienen dos genes para la percepción del color. Existen pruebas que confirman que la aparición de este tercer gen fue debida a una mutación que duplicó uno de los dos originales.

En el reino animal los mamíferos no suelen diferenciar bien los colores, las aves en cambio, sí; aunque suelen tener preferencia por los colores rojizos. Los insectos, por el contrario, suelen tener una mejor percepción de los azules e incluso ultravioletas. Por regla general los animales nocturnos ven en blanco y negro.

Curso

El ABC del derecho del fotógrafo sobre su obra

De todas las formas de propiedad que existen, la propiedad autoral sobre una obra es la más indiscutible. Sobre ella se edifica el acceso al conocimiento y a la creación de la cultura. La ley al proteger la obra artística estimula la creatividad, y en las fotografías también la conservación de los patrimonios culturales.

La fotografía es objeto de protección por parte del derecho de autor. La ley protege la fotografía como obra, exigiendo como único requisito que la misma sea original. Todas las fotografías originales son protegibles independientemente de su valor artístico o documental. La originalidad no depende del motivo elegido para la obra, ya que la particularidad va a estar dada por la impronta del fotógrafo.

En principio podría considerarse que toda fotografía tiene elementos originales y que, en consecuencia es protegible; salvo en los casos en que la persona que toma la fotografía no ejerce influencia alguna sobre la composición y los demás elementos importantes de la imagen.

¿Quién es el propietario autoral de una fotografía?

La propiedad de una fotografía pertenece a su autor, el fotógrafo. El fotógrafo como creador tiene sobre su obra el derecho moral de ser reconocido como tal (derecho a la paternidad), a que se la mantenga como la creó (derecho a la integridad) y el derecho patrimonial de apropiarse de los beneficios económicos que ella produzca.

¿Cuál es el alcance de los derechos del fotógrafo?

El fotógrafo tiene un derecho exclusivo sobre su obra, es el único que puede autorizar cada utilización de la misma. El puede impedir que terceros usufructúen los beneficios económicos que la misma genere. Como titular originario de la obra puede disponer libremente de la misma. Puede publicarla, reproducirla, distribuirla, exhibirla, impedir su publicación, en fin, autorizar las demás posibilidades de uso, onerosa o gratuitamente. Todas estas prerrogativas son independientes entre sí, la transmisión de una de ellas solo puede depender de una manifestación expresa y concreta de la voluntad del autor. Deberá tenerse en cuenta que la ley establece que las obras fotográficas no firmadas, publicadas por un diario o revista u otras publicaciones periódicas, si hubiesen sido obtenidas por éste o por una agencia de informaciones con carácter de exclusividad se considera que la titularidad de uso de la publicación les pertenece.

Obra hecha por encargo

Si se tratase de una obra hecha por encargo, en la cual se le han dado al fotógrafo tan sólo ciertas precisiones o lineamientos, el mismo conserva sobre su fotografía los derechos morales de la misma. Los derechos a explotar económicamente su obra dependerán de los térmínos del acuerdo celebrado previamente con quien la encargó. En el caso de una fotografía efectuada en el marco de una relación laboral; el titular de los derechos patrimoniales sobre la misma es el empleador. En consecuencia, Éste podrá utilizarla o autorizar su uso a terceros. No obstante, el fotógrafo conserva el derecho a ser reconocido como autor de la fotografía y a que la misma sea utilizada tal como la creó, sin modificaciones que la afecten de acuerdo a su criterio y conforme a los fines que le fue requerida.

¿Cuándo se autoriza el uso de una foto?

Cuando un fotógrafo autoriza el uso de su foto, en principio permite ejercer los derechos patrimoniales, pero debe interpretarse que la misma no podrá ser, a su vez, negociada por el autorizado a terceras personas; salvo que expresamente se haya establecido lo contrario. El Derecho de Autor tiene como principio la interpretación restrictiva de los contratos de uso de las obras intelectuales y, como consecuencia de ello, lo que no esté expresamente establecido en las condiciones otorgadas en ese uso no puede presumirse en contra del autor. Los contratos deben ser interpretados restrictivamente en cuanto al alcance de los derechos autorizados en los mismos. El permiso para utilizar una obra queda limitada a lo que expresamente se fijara para la misma. Por ejemplo, si se ha autorizado el uso de una foto a un periódico, se presume que solo éste medio podrá utilizarla y no concederla a otro, sin el visto bueno del fotógrafo.

Fotografía vs. Fotografiado

Tratándose de una fotografía sobre una persona deben tenerse en cuenta dos derechos diferentes: el derecho del fotógrafo sobre su obra y el derecho del fotografiado sobre su propia imagen. El derecho de una persona sobre su imagen implica que para retratarla, hacer público su retrato y ponerlo en el comercio, es necesario contar con su consentimiento. No obstante, aún habiendo dado su consentimiento, el fotografiado puede cambiar de idea y revocarlo en cualquier momento. En tal caso deberá responder por los daños que pudiera haber ocasionado. Este derecho a la intimidad tiene sus excepciones: si la persona ha sido fotografiada y la publicación del retrato se efectúa con fines culturales o con motivo de acontecimientos de interés público o que se hubiesen desarrollado en público.

Plazo de protección

La duración de la protección del derecho del fotógrafo sobre su obra es menor a la protección acordada a las otras obras protegidas por el derecho de autor. El plazo es de veinte años contados a partir de la primera publicación.

¿Cómo puede hacer valer sus derechos el fotógrafo?

El titular de una obra fotográfica, en el caso de infracción a sus derechos puede recurrir a la justicia civil y penal. En caso de incumplimiento de un contrato o acuerdo previsto, el fotógrafo tendrá derecho a exigir el cumplimiento del mismo o a ser resarcido patrimonialmente por los daños y perjuicios que se le hubieran ocasionado. También podrá reclamar daños y perjuicios en el caso de utilización de una foto sin su autorización. Podrá asimismo, solicitar medidas cautelares, como por ejemplo impedir o suspender la publicación, secuestrar material en infracción, etc.. Si bien el autor de una fotografía goza de protección penal sobre la misma, este derecho se ve condicionado, ya que la acción penal prevista en caso de reproducción ilícita no procede si la fecha, lugar de publicación, nombre o identificación del autor no se encuentran inscriptos sobre la fotografía.

¿Qué debe hacer el fotógrafo para proteger su obra?

En contradicción con el principio que sostiene que el derecho de autor sobre su obra nace con la creación, para gozar de la protección que la ley otorga deberá registrar la misma en la Dirección Nacional de Derecho de Autor, pues en la Argentina persiste esa formalidad que se tiende a eliminar en los demás paises.

La Dirección Nacional de Derecho de Autor es un organismo estatal que depende del Ministerio de Justicia y cuya sede se encuentra en la calle Talcahuano N° 618, Ciudad de Buenos Aires.

El registro tiene como principal función administrar el sistema de publicidad establecido en la Ley 11.723. Allí se deberán realizar los depósitos de las obras inéditas en un sobre cerrado y lacrado, previo pago de la tasa correspondiente. Dicho depósito deberá ser renovado cada tres años. En un sobre pueden ser guardadas varias fotos bajo un mismo título. Si la obra ya ha sido publicada deberá inscribirse en la Cámara del Libro ubicada en Av.. Belgrano N° 1580, Piso 4°.

El plazo para efectuar el depósito es de noventa días a partir de la primera publicación. Si se omite dicho registro sus derechos quedan "suspendidos".

Se produce la paradoja de que si bien el autor es titular del derecho, no lo puede ejercer.
Si otra persona hubiese utilizado la obra en infracción mientras el derecho se hallaba suspendido, nada podrá hacer el titular para hacerlos valer durante ese período. El registro es requisito necesario e indispensable para gozar de la protección legal, excepto que la fotografía hubiese tenido su primera publicación en un país que no la exija. Sí la obra se encuentra comprendida en una publicación registrada, como por ejemplo un diario o una revista, la misma se encuentra protegida.

No obstante, la obligación de efectuar el registro pesa en cabeza del autor, y si la editorial no lo hubiese efectuado, el fotógrafo no queda eximido de hacerlo.

Algunas consideraciones sobre lo expuesto

Muchas veces la presión de los medios y la necesidad de conservar la fuente de trabajo hacen que resulte problemático para un profesional actuando individualmente defender el valor que su obra posee. Por otra parte, el control del uso indebido de la obra también resulta de difícil implementación, haciéndose necesario la intervención de entidades encargadas de la gestión de sus derechos, creadas por los propios fotógrafos, formando desde ellas vínculos internacionales con las demás asociaciones. La mejor manera de proteger un derecho es tomar conciencia del mismo, así como de sus alcances y se su implicancia. La tarea que los fotógrafos desarrollan, no siempre reconocida, resulta de gran importancia para la cultura y la información, mucho más aún en una época donde se privilegia la imagen.

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Reglas De Composición

Cuando se va a tomar una fotografía, el fotógrafo tiene la opción de elegir entre varios ángulos, distancias, formas de encuadre, enfoque, exposición, entre otros. A esto le llamamos composición, a la selección de cada uno de los aspectos técnicos que conforman y dan un significado artístico a una fotografía.

Las reglas de composición, son un conjunto de herramientas que le permiten al fotógrafo expresar sentimientos y emociones a través de una imagen, ya que cada parámetro técnico escogido durante la captura de la fotografía, produce distintas sensaciones, como puede ser armonía, alegría, tristeza y otras.

Esta es la razón principal, por la cual es importante memorizar y aplicar en el momento preciso las distintas reglas de composición existentes.

Algunos conceptos técnicos, que son usados para realizar la composición y pueden ser trabajados directamente por el fotógrafo son los siguientes:

- Encuadre.
- Tiempo de exposición.
- Enfoque.
- Perspectiva.
- Profundidad de campo.

Reglas De Composición

En este artículo trataremos algunas reglas de composición de forma resumida, que debes tener siempre presentes. Estas reglas, te serán herramientas muy útiles cuando realices tus fotografías.

1. Ley de los tercios

La regla o ley de los tercios, es una de las más comunes y usadas por los fotógrafos hoy en día. Básicamente, lo que se hace con esta regla es trazar dos líneas horizontales, y dos verticales en el encuadre. De esta forma, se forma una cuadrícula con cuatro puntos de intersección.

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Según la ley de los tercios, el ojo humano tiende a desviar un poco la mirada del centro de la imagen, llegando así a los mencionados puntos de intersección, los cuales son más llamativos e interesantes para la vista. Por lo tanto, ubicar el punto de interés en el centro de la imagen es un error de composición. A este error se le conoce como Ojo de buey, y el resultado que se obtiene es el de una imagen que transmite poco interés y dinamismo al observador.

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El enmarcado (o framming en inglés), es una técnica de composición fotográfica, en la que el punto de interés se encierra con marcos naturales o artificiales presentes en la escena.

Es común el uso de arboles, ramas, marcos de construcciones, e incluso personas y animales para realizar este tipo de fotos. Cualquier objeto es permitido en esta técnica.

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Los beneficios de aplicar esta técnica son los siguientes:

1. Se percibe mejor el contexto en el que está localizado el fotógrafo. Provee más información sobre el sitio en el que está ubicado.

2. A diferencia de una imagen corriente, en esta se da mayor sensación de profundidad ya que se puede establecer una diferencia entre objetos cercanos y lejanos lo cual hace más llamativa la imagen.

3. Este tipo de fotografías atraen más la atención hacia el centro de interés.

4. Generalmente, las diferencias de tonos entre el marco y el resto de la imagen crean un contraste llamativo.

5. Dado que es un tipo de fotografía poco común, se hace más atractiva e interesante.

Para obtener un buen enfoque, se puede hacer uso del concepto de distancia hiperfocal, usando un angular y enfocando al marco, para que tanto este como el escenario queden enfocados.

3. Las lineas

Las líneas son un elemento de composición muy importante, y uno de los más efectivos para guiar la vista del observador a lo largo de la fotografía.

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Todas las líneas sirven para guiar la vista del espectador, sin embargo, las líneas convergentes son las más eficaces para ubicar la mirada en un punto específico, como se observa en la imagen anterior, en la cual, las líneas convergen en el punto más distante de la carretera.

6. La iluminación.

La iluminación es un factor determinante a la hora de tomar la fotografía. Existen dos tipos de iluminación: La luz natural y la luz artificial.

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La luz natural es aquella que se encuentra en el medio ambiente y sus dos fuentes principales son el sol y la luna.

La luz natural cambia de dirección, intensidad y colores a lo largo del día. Es diferente cuando el sol está en su máximo, que al amanecer o el atardecer. Sin embargo, la calidad de la luz es mejor al atardecer, ya que se mejora el contraste, y las luces no son tan intensas, permitiendo así, capturar todo el rango dinámico de la escena en la cámara.

Por el contrario, a horas en las que el sol se encuentra en su máximo resplandor, aparecerán zonas negras o quemadas, ya que el rango dinámico de la cámara se queda corto para cubrir todo el rango dinámico de la escena.

A diferencia de la luz natural, con la luz artificial se pueden controlar todas las propiedades mencionadas anteriormente. Este tipo de iluminación es proporcionada por bombillas o flash.

7. Las figuras geométricas.

Las figuras geométricas juegan un papel importante en la imagen. Son llamativas y agradables al ojo humano y están presentes en la naturaleza.

Para crear una figura geométrica como un circulo, un triangulo, u otras, basta con cambiar un poco el encuadre o rotar algunos grados la cámara. Los resultados al conseguir figuras geométricas, serán fotografías más interesantes para el observador, que una simple foto plana.

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8. El color

Los colores son los transmisores de emociones de una fotografía. En muchos casos, los colores producen un impacto emocional sobre el observador, incluso, antes de que este haya interpretado el contenido de la imagen. Estos se pueden clasificar en cálidos (tendencia al rojo), fríos (tendencia al azul) y ausencia de color.
Los colores cálidos darán sensaciones de actividad, amor, vida, emoción, fuerza y alegría. Están asociados con emociones fuertes.

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Por otro lado, los colores fríos transmiten sensaciones más pacificas, como serenidad, paz, tranquilidad y quietud. Están asociados con la reflexión y emociones profundas.

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Por último, la ausencia de color, expresa nostalgia, melancolía, tristeza y otros sentimientos similares. Se usa el blanco y negro especialmente para transmitir este tipo de sensaciones, y es una herramienta muy útil para lograrlo. También es comúnmente usada para mostrar personas ejerciendo un trabajo o actividad.

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9. La ley del horizonte.

La ley del horizonte es un caso específico de la ley de los tercios. En esta se recomienda que el horizonte este situado sobre una de las dos líneas horizontales que dividen la imagen.

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10. La simplicidad.

Esta ley de composición propone aislar el punto de interés del resto de los objetos de la escena. Es una de las formas más efectivas de guiar toda la atención del observador hacia lo que se quiere mostrar. Esto se debe a que aplicando esta técnica se eliminan objetos distractores que desvían la mirada hacia otras partes.

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Para lograr este efecto, es suficiente con encontrar un fondo que tenga los mismos tonos y colores en toda la zona del encuadre, y lograr desenfocar el fondo con el manejo del diafragma y la longitud focal del objetivo.

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11. Diagonales.

Las diagonales son consideradas un elemento de composición, con el cual, se logra crear imágenes más llamativas que con líneas rectas.

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Las líneas rectas dan una impresión de quietud, y no aportan buena perspectiva. Por otro lado, las diagonales mejoran la perspectiva, además, aportan dinamismo y sensación de vida a la escena.

La regla f/16

La regla 16 soleado o f/16, es una famosa combinación de valores diafragma-obturador, con la cual, se pueden lograr fotografías bien expuestas sin tener información de un exposímetro. Para este caso se dice que en un día soleado, el diafragma debe estar ajustado a f/16 y el obturador a 1/125 con un valor de iso 100.

Dado que existe una relación lineal entre todos los parámetros de exposición, a partir de la combinación inicial podemos deducir la siguiente tabla:

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Aunque la regla 16 soleado es bastante útil, se debe tener en cuenta que una velocidad de 1/125 no es lo suficientemente alta para que un objeto en movimiento aparezca nítido, por lo tanto, es recomendable usar el diafragma en f/8 a Iso 200, con el cual, se podrán capturar fotografías de mayor nitidez. Este valor de diafragma es recomendable sobre todo cuando se utilizan longitudes focales superiores a 100mm.

Como regla general, se usa la siguiente tabla, en la cual, la velocidad de obturación e iso se asumen constantes a 1/125 y 100 respectivamente.

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Ley De La Mirada Y El Movimiento

Cuando le estamos tomando una fotografía a alguien o algo, es importante tener en cuenta la dirección hacia la que este apunta o se desplaza. Por esto, existen dos leyes muy similares llamadas : La ley de la mirada y la ley del movimiento.

La ley de la mirada, nos dice que debemos dar mayor espacio libre hacia la dirección a la que nuestro punto de interés está mirando.

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Por otro lado, la ley del movimiento nos dice que debemos dar mayor espacio hacia la dirección a la que un objeto se desplaza.

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De no aplicarse estas reglas, la imagen tomada transmitirá la sensación de que el punto de interés se encuentra acorralado y con poca libertad.

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Las 13 Reglas de Composición Fotográfica

1. Identifica el centro de interés

Cada fotografía tiene (o debería tener) un centro de interés. ¿De qué es la foto? ¿Es una fotografía de tu novia? ¿Es una fotografía de las pirámides de Egipto? Debería ser obvio para cualquiera que mire una fotografía saber de qué es la foto. Es lo que se denomina el centro de interés.

Aunque se denomine centro, el centro de interés no tiene que ser necesariamente el objeto que esté en el centro de la foto ni ser el objeto que ocupa la mayor parte de la imagen.

Es la primera regla de una buena composición, ya que es la más importante. Simplemente decide antes de disparar el motivo sobre el que quieres tomar la fotografía. Todo lo que hay que hacer a partir de ahí es enfocar el elemento sobre el que queremos centrar el interés.

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2. Rellena el encuadre (Fill the frame)

Esta regla puede parecer bastante obvia, pero lo cierto es que muchas veces fallamos al aplicarla. Si queremos contar algo en una foto, ocupemos la mayor parte con ese "algo", asegurándonos que se convierte de este modo en el centro de atención. Además, de este modo eliminamos posibles elementos que resten atención.
Es un fallo demasiado común el querer sacar demasiadas cosas en una única foto. Al final, lo que conseguimos es que no quede demasiado claro qué es lo que queríamos enseñar. Ante la duda de si algo debe salir o no en la foto, quitalo.

3. Apóyate en las líneas

Las líneas son un elemento de importancia vital en las artes visuales. Las líneas nos aportan formas y contornos. Con las líneas dirigimos la mirada del espectador de una parte de la foto a otra.

Cuando vayas avanzando en el mundo de la fotografía podrás comprobar cómo las líneas son uno de los elementos más eficaces a la hora de dirigir la mirada de quien contempla nuestras fotos hacia donde queremos que mire. Las líneas horizontales, verticales y diagonales son elementos compositivos que aportan significado a las imágenes.

Un tipo especial de líneas son las líneas convergentes. Son las líneas paralelas que, por el efecto de la distancia, acaban convergiendo en un mismo punto.

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4. Trabaja el flujo

Después de las líneas, podemos tratar el flujo. El flujo es el modo en el que la mirada del espectador se desplaza de una parte de la fotografía a otra. Una manera de definir el flujo de una fotografía es mediante el uso de líneas. Pueden ser horizontales, verticales, diagonales, convergentes o divergentes. A veces el flujo creado por las líneas es nítido y claro, como los laterales de un edificio que convergen hacia el cielo), o pueden ser menos obvias.

Sin embargo, la mirada del espectador debería ser capaz de recorrer los elementos de una parte a otra de la imagen.

El flujo crea la ilusión de movimiento (o ausencia de movimiento si se desea). Las líneas diagonales se consideran generalmente más "dinámicas", mientras que las líneas horizontales y verticales se consideran más "estáticas". Un equilibrio cuidadoso de elementos estáticos y dinámicos dará un sentido global de movimiento a tus fotografías.

5. Juega con la dirección

La dirección es similar al flujo. También crea la ilusión de movimiento. Si hay algo en la fotografía que parezca estar en movimiento, tiene una dirección en la que se mueve.

Un ejemplo de esto son las luces de peatones de un semáforo. Cuando está en rojo para los peatones, la figura representa un peatón inmóvil, con las piernas juntas y los brazos bajados. Visualmente, no tiene ninguna apariencia de estar en movimiento.

Sin embargo, la figura del peatón en verde que permite cruzar tiene una dirección en la cual se está moviendo. La dirección en fotografía se puede cerar de muchas maneras.

Una figura a punto de cruzar una calle puede transmitir movimiento aunque la veamos estática y no se muevan sus brazos y sus pies, porque podemos imaginarla un segundo después cruzando la calle. Del mismo modo, un coche que aparece cortado en el lado izquierdo de una fotografía en la que solo se ve su parte delantera, podemos imaginarlo un segundo después al lado derecho de la foto.

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6. Los elementos repetidos

La repetición de algún elemento (unos globos, unos pájaros), dan un sentido de relación de distintas partes de una imagen.

Por ejemplo, una bandada de pájaros pueden estar moviéndose en grupo por el aire, definiendo formas interesantes en el cielo y añadiendo información sobre la dirección de la fotografía.

En algunas ocasiones puede aportar factores psicológicos, como el sentido de la unión y el compañerismo.

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7. Los colores siempre dicen algo

Existen dos tipos de colores, los cálidos y los fríos.

Los rojos, naranjas y amarillos forman parte de la gama de colores cálidos.

Los azules, verdes y violetas forman parte de la banda de colores fríos.

Existen muchos elementos psicológicos ligados a los colores. Por poner un ejemplo, los azules se consideran colores tranquilos, mientras que lo rojos son más temperamentales. Existe mucha literatura al respecto de la psicología del color, por lo simplemente resumiremos que el color tiene una importancia determinante en la composición.

En materia de colores hay que prestar atención también al contraste. El contraste se define como la diferencia de luminosidad entre las partes más claras y más oscuras de nuestra foto.

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8. El interés de los grupos de tres

Parece existir una percepción especial de los números impares en fotografía, y en especial de los grupos de tres elementos.

Un único elemento puede transmitir soledad o aislamiento, con dos elementos una foto puede quedar demasiado bien equilibrada y estática, y cuatro elementos pueden resultar demasiados para distribuir.

Por algún motivo que no se explicar, a las personas nos gusta el número 3. En fotografía suele funcionar la agrupación de tres elementos como centro de interés.

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9. La regla de los tercios (SI, otra vez)

¿En qué consiste exactamente la Regla de los Tercios?

La regla de los tercios consiste en dividir la imagen en tres tercios imaginarios horizontales y verticales. Los cuatro puntos de intersección de estas líneas fijan los puntos adecuados para situar el punto o puntos de interés de la foto, alejando éste del centro de la fotografía.

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Cada uno de estos cuatro puntos de intersección se denominan puntos fuertes. Cuando estemos haciendo una foto, si solo existe un único punto de interés, es preferible situarlo en uno de los cuatro puntos de intersección mencionados en lugar de hacerlo directamente en el centro de la foto.

Esto suele generar mayor atracción en el espectador que cuando el centro de interés esta en el mismo centro de la fotografía.

¿Y si tengo varios centros de interés?

En caso de que en la foto hubiera dos centros de interés, es recomendable buscar dos de estos puntos, y siempre que sea posible opuestos, formando una diagonal en la foto.

¿Cuándo aplico la Regla de los Tercios?

Lo normal es aplicarlo al hacer la foto.

No te preocupes si al principio no identificas bien a través del visor o la pantalla de tu cámara dónde se encuentran esos puntos imaginarios. Es normal que al principio te cueste un poco, pero con el tiempo irás cogiendo práctica.

Algunas cámaras réflex traen unas guías en el propio visor que ayudan a tomar referencias.

10. El espacio negativo

Se considera espacio negativo los grandes espacios vacíos, normalmente en blanco o negro, dentro de una fotografía, normalmente a un lado.

El alejamiento del elemento central de la imagen, rellenando el resto de la foto de un espacio vacío nos permite transmitir una información adicional de soledad, aislamiento o calma a la imagen.

Aunque no es un recurso que vayamos a utilizar habitualmente, no está de más conocerlo. Está enfrentada a la regla de composición consistente en rellenar el encuadre comentada más arriba en este mismo artículo.

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11. Trabajando las tres dimensiones: frente y fondo

El contenido del frente y del fondo de una foto es importante. Tanto en el fondo como en el frente tienen aplicación otros elementos compositivos como los colores o las líneas.

Lo importante en el frente y en el fondo es que no haya demasiados detalles que puedan distraer la vista del espectador del centro de interés.

La mejor herramienta con la que contamos para marcar la diferencia entre el frente y el fondo de nuestras fotos es la profundidad de campo. Gracias a la apertura del diafragma que utilicemos a la hora de hacer fotografías, conseguiremos mayor o menor nitidez en el fondo.

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12. El enmarcado natural

Existen elementos que pueden ayudar a poner un marco al centro de interés de la foto.
Algunos de estos elementos son muy claros, tapando completamente parte de la foto, como puertas, ventanas o puentes.

Otros actúan de una forma menos clara, simplemente orientando nuestra vista. Es el caso de las señales de tráfico o las ramas de los árboles, ...

Cualquier elemento que "encierre" el centro de interés nos permitirá enmarcar la foto, dirigiendo la atención hacia el elemento deseado.

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13. Las curvas en S

Las curvas en "S" son un elemento muy recurrente en fotografía. Está relacionado con la sensualidad. También transmiten moviento y ayudan a conducir la mirada.

En la vida cotidiana encontramos muchos recursos que nos permiten aplicar curvas en "S" en nuestras fotografías. Una carretera, un camino, el curso de un río, ... Son elementos visuales muy potentes que dan interés a la fotografía.

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Estética

Concepto de estética

La estética es la ciencia que estudia e investiga el origen sistemático del sentimiento puro y su manifestación, que es el arte, según asienta Kant en su "Crítica del juicio". Se puede decir que es la ciencia cuyo objeto primordial es la reflexión sobre los problemas del arte
.
Si la Estética es la reflexión filosófica sobre el arte, uno de sus problemas será el valor que se contiene en su forma de manifestación cultural, y aunque un variado número de ciencias puedan ocuparse de la obra de arte, sólo la Estética analiza filosóficamente los valores que en ella están contenidos

Vertientes de la estética publicitaria


La primera teoría estética de algún alcance fue la formulada por Platón, quien consideraba que la realidad se compone de formas que están más allá de los límites de la sensación humana y que son los modelos de todas las cosas que existen para la experiencia humana. Los objetos que los seres humanos pueden experimentar son ejemplos o imitaciones de esas formas. La labor del filósofo, por tanto, consiste en comprender desde el objeto experimentado o percibido, la realidad que imita, mientras que el artista copia el objeto experimentado, o lo utiliza como modelo para su obra. Así, la obra del artista es una imitación de lo que es en sí mismo una imitación. En su diálogo El Banquete indicaba la diferencia entre contemplar la apariencia de belleza y alcanzar la propia idea de lo bello. El pensamiento platónico tenía una marcada tendencia ascética.

Aristóteles también habló del arte como imitación, pero no en el sentido platónico. Uno podía imitar las “cosas como deben ser”, escribió, y añadió que “el arte complementa hasta cierto punto lo que la naturaleza no puede llevar a un fin”. El artista separa la forma de la materia de algunos objetos de la experiencia, como el cuerpo humano o un árbol, e impone la forma sobre otra materia, como un lienzo o el mármol.

Para Aristóteles y Platón, la estética era inseparable de la moral y de la política. El primero, al tratar sobre la música en su Política, mantenía que el arte afecta al carácter humano y, por lo tanto, al orden social. Dado que Aristóteles sostenía que la felicidad es el destino de la vida, creía que la principal función del arte es proporcionar satisfacción a los hombres.

El gran impulso dado al pensamiento estético en el mundo moderno se produjo en Alemania durante el siglo XVIII. En su Laocoonte o los límites entre la pintura y la poesía (1766), el crítico Gotthold Ephraim Lessing sostuvo que el arte está autolimitado y logra su elevación sólo cuando estas limitaciones son reconocidas.

Durante los siglos XVIII y XIX la estética permaneció dominada por el concepto del arte como imitación de la naturaleza. Novelistas como los británicos Jane Austen y Charles Dickens, y dramaturgos como el italiano Carlo Goldoni y el francés Alexandre Dumas, presentaban relatos realistas sobre la vida de la clase media. Los pintores neoclásicos (como Jean Auguste Dominique Ingres), románticos (como Eugène Delacroix) o realistas (como Gustave Courbet) representaban sus temas extremando el cuidado en el detalle natural.

En la estética tradicional se asumía también con frecuencia que las obras de arte son tan útiles como bellas. Los cuadros podían conmemorar eventos históricos o estimular la moral. La música podía inspirar piedad o patriotismo. El teatro, por la influencia de Dumas y el noruego Henrik Johan Ibsen, podía servir para criticar a la sociedad y, de ese modo, ser útil para reformarla.

En el siglo XIX, no obstante, conceptos vanguardistas aplicados sobre la estética empezaron a cuestionar los enfoques tradicionales. El cambio fue muy evidente en la pintura. Los impresionistas franceses, como Claude Oscar Monet, eran denunciados por los pintores academicistas por representar lo que ellos pensaban deberían ver, bastante más de lo que realmente veían, como eran las superficies de muchos colores y formas oscilantes causadas por el juego distorsionante de luces y sombras cuando el Sol se mueve.

A finales del siglo XIX, los postimpresionistas como Paul Cézanne, Paul Gauguin y Vincent van Gogh estuvieron más interesados en la estructura pictórica y en expresar su propia psique que en representar objetos del mundo de la naturaleza. A principios del siglo XX, este interés estructural fue desarrollado por los pintores cubistas como Pablo Ruiz Picasso, mientras que la inquietud expresionista se reflejaba en la obra de Henri Matisse y otros fauvistas, así como en expresionistas alemanes de la categoría de Ernst Ludwig Kirchner. Los aspectos literarios del expresionismo pueden verse reflejados en las obras del sueco August Strindberg y del alemán Frank Wedekind.

En estrecha relación con estos enfoques, hasta cierto punto no figurativos del mundo plástico, cobró relevancia el principio del “arte por el arte”, derivado de las tesis de Kant según las cuales el arte tenía su propia razón de ser. La frase fue por acuñada en 1818 por el filósofo francés Victor Cousin; a su doctrina se adhirieron el crítico británico Walter Horatio Pater y el pintor estadounidense James Abbott McNeill Whistler. En Francia resumió el credo de los poetas simbolistas como Charles Baudelaire. A partir de entonces, el principio del arte por el arte pasó a ser esencial en la mayor parte de las vanguardias

Cuatro filósofos de finales del siglo XIX y principios del siglo XX aportaron con sus respectivos pensamientos las principales influencias estéticas contemporáneas.

En Francia, Henri Bergson definió la ciencia como el uso de la inteligencia para crear un sistema de símbolos que describa la realidad aunque en el mundo real la falsifique. El arte, sin embargo, se basa en intuiciones, lo que es una aprehensión directa de la realidad no interferida por el pensamiento. Así, el arte se abre camino mediante los símbolos y creencias convencionales acerca del hombre, la vida y la sociedad y enfrenta al individuo con la realidad misma.

En Italia, el filósofo e historiador Benedetto Croce también exaltó la intuición, pues consideraba que era la conciencia inmediata de un objeto que de algún modo representa la forma de ese objeto, es decir, la aprehensión de cosas en lugar de lo que uno refleje de ellas. Las obras de arte son la expresión, en forma material, de tales intuiciones; belleza y fealdad, no obstante, no son rasgos de las obras de arte sino cualidades del espíritu expresadas por vía intuitiva en esa misma obra de arte.

El filósofo de origen español Jorge Ruiz de Santayana razonó que cuando uno obtiene placer en una cosa, el placer puede considerarse como una cualidad de la cosa en sí misma, más que como una respuesta subjetiva de ella. No se puede caracterizar ningún acto humano como bueno en sí mismo, ni denominarlo bueno tan sólo porque se apruebe socialmente, ni puede decirse que algún objeto es bello, porque su color o su forma lleven a llamarlo bello. En su ensayo El sentido de la belleza (1896) propuso novedosos argumentos para una consideración fundamentada del fenómeno estético.

El pedagogo y filósofo estadounidense John Dewey consideraba la experiencia humana como inconexa, fragmentaria, llena de principios sin conclusiones, o como experiencias manipuladas con claridad como medios destinados a cumplir fines concretos. Aquellas experiencias excepcionales, que fluyen desde sus orígenes hasta su consumación, son estéticas. La experiencia estética es placer por su propio interés, es completa e independiente y es final, no se limita a ser instrumental o a cumplir un propósito concreto.
Recursos estéticos poco usables

A la percepción humana le parecen estéticamente agradables las armonías y simetrías en las formas, los colores suaves, los bordes con transiciones suaves, los degradados, etc. Sin embargo en muchos casos estos recursos gráficos dificultan la usabilidad de los sitios Web. Por otro lado los recursos exactamente contrarios (colores chillones, fuertes contrastes, etc.) aunque también pueden ser estéticamente agradables, son excesivamente llamativos y tras su utilización masiva en publicidad generan la llamada "ceguera a los banners" o insensibilización a este tipo de recursos.

Publicidad

Pequeñas píldoras de hígado de Carter

La dificultad de los médicos para acceder a las áreas rurales de Estados Unidos a finales del siglo XIX facilitó el éxito de las compañías que patentaban medicinas. Estas compañías insertaban anuncios de sus productos en periódicos y revistas, donde afirmaban que estaban "garantizados para curar sus enfermedades". Otro medio de anunciarse eran las tarjetas comerciales (hoy llamadas tarjetas publicitarias), que se imprimían a cientos y se repartían en diferentes lugares públicos. La tarjeta comercial que se observa en la imagen anunciaba las pequeñas píldoras de hígado de Carter, que en teoría curaban la "jaqueca", el trastorno biliar, el estreñimiento y el mal aspecto.

No existe unanimidad científica a la hora de definir el proceso histórico de la publicidad. Mientras que para un sector de la doctrina pueden rastrearse los antecedentes de la publicidad en la vida urbana de Grecia y Roma, para otros autores ésta no tiene historia.; es contemporánea de la actual sociedad de consumo. Evidentemente, solo en esta sociedad de hoy se dan las circunstancias económicas y sociales que posibilitan la eclosión de la publicidad; mas la actividad publicitaria, considerada como información, ha recorrido un camino paralelo a los acontecimientos económicos de la Humanidad; por eso, aun admitiendo su más correcta inserción dentro del ámbito de la Historia de la economía, no puede negársele un valor peculiar desde el punto de vista de la publicidad, pese a que se manifieste de un modo primario o elemental.

Partimos, pues, del dato de que el desarrollo e historia de la publicidad nace y crece junto con el desarrollo e historia del comercio. Innecesario parece advertir que no todos los modos de expresión de la publicidad aparecieron simultáneamente. La forma más elemental de la publicidad está representada en el pregonero, quien de viva voz proclama las excelencias de productos o servicios. Junto a esta actividad oral surge la exposición, como expresión del interés de los mercaderes para dar a conocer al público las características físicas de la gama diversa y multicolor de las mercaderías que transportaban; de este modo, los interesados podían comprobar y palpar los objetos por los que se sentían atraídos.

Mas tarde, el establecimiento del comerciante en un lugar fijo le lleva a descubrirle la necesidad de que su comercio sea plenamente identificable, e inconfundiblepara su posible clientela; para remediarla, cuelga sobre la puerta de su tienda la enseña o muestra que, a modo de faro o guía, alerta a los compradores avisándoles de los apetecibles productos que en aquel lugar están en venta.

Estos cauces publicitarios coexisten durante siglos, acompañados de la forma primitiva del cartel, que al aparecer la imprenta conseguiría multiplicar su difusión, y que alcanzaría su mayoría de edad con el advenimiento de la litología en 1795. Un paso adelante da el periódico, todavía hoy uno de los primeros vehículos de publicidad. En 1631, Téophraste Reanaudot publica en París LA GAZETTE, a la que considera "excelente soporte de publicidad". El 26 de Mayo de 1657 sale en Inglaterra el PUBLIC ADVISER, al que sigue, en 1702, el DAILY COURANT, y más tarde, en 1730, el DAILY ADVERTISER, que habría de subsistir hasta comienzos del siglo XIX; todos planeados como vehículo de la publicidad.

En 1810, se publicaban en EE.UU. 350 periódicos que insertaban anuncios en sus páginas. En 1836, Emile De Girardin funda en París LA PRESSE y empieza a admitir anuncios en sentido moderno; ha descubierto que la necesidad es realmente la fuente de ingresos necesaria para el abaratamiento de y pervivencia de la prensa. En la Exposición de Londres de 1851 aparecen masivamente y por primera vez las marcas comerciales; en 1864, el norteamericano Walter Thompson funda la primera agencia de publicidad.

El salto final hacia las formas actuales de manifestación de publicidad se produce en el siglo XX: prensa, radio, cine y televisión, por este orden, son los medios informativos que acogen los mensajes de la publicidad, y los difunden de manera masiva, constante y clamoros .

" La publicidad es una técnica mediante la cual se intenta comunicar un mensaje a un conjunto determinado de personas con el fin de persuadirlas en una dirección: La del comunicador " José Lorenzo González.

Función de Persuasión

La persuasión ha sido una de las funciones más importantes y que la publicidad ha desarrollado más ampliamente, ya que el producto tal como es, seguramente, no posee suficientes atractivos y nos recuerda la vida cotidiana.

Decir que cada mañana al ir al trabajo, vaya con el coche que vaya, uno va a encontrar atascos, probablemente no sería un buen argumento publicitario.

Sin embargo, si una marca de coche propone que con él uno irá seguro y vivirá la aventura, este argumento hace olvidar la realidad y va directamente a deseos más profundos y sutiles, la necesidad de seguridad y las ganas de aventura.

Para persuadir, la publicidad utiliza procedimientos como órdenes, amenazas, sugestión, asociaciones en serie, reflejos condicionados, apelación a la imagen de uno mismo, etc.

Función Económica

Esta función está destinada a que la publicidad sea rentable para quien la promueva, es decir, tiene que hacer vender el producto o imponer la idea al mayor número de personas posibles. La principal resistencia para cumplir está función es el individuo mismo, ya que la publicidad se dirige a personas o clases sociales que pueden comprar los productos, es decir, que en general, tienen sus necesidades fisiológicas básicas cubiertas y, por tanto, sus deseos se dirigen hacia nuevos objetivos. Es, pues, la función de crear nuevas necesidades. Por este motivo, la sugestión prevalece sobre la argumentación.

Función de Seguridad y de Rol

La publicidad nos presenta la posibilidad de llevar vidas diferentes, una vida de fantasía, una posibilidad de evadirse de la rutina o de vivir mejor. Esta situación se propone como maravillosa, pero el cambio de vida también significa riesgo para el espectador, por lo que este cambio es del todo necesario que se presente acompañado de seguridad. ¿ Cómo tendremos seguridad de lo que se nos propone, nos interesa o nos hará felices?. Pues siguiendo al pie de la letra la receta que se nos propone (que nos son otras que la adquisición del producto que se nos presenta). El universo creado por la publicidad es un universo seguro pero estático, donde es muy importante que cada uno esté en su sitio y cumpla su función.

Otro aspecto importante de esta función es la seguridad que se presenta al individuo en su role social. Si uno pertenece a una clase determinada o tiene tal o cual profesión, ha de vestir de tal manera o ha de utilizar tal producto comercial. De esta manera, queda afianzado su role en la colectividad a la que pertenece.

Función Estética

Es indudable que en la publicidad hay un importante papel creativo y que, debido a los presupuestos que mueve y a su necesidad de llegar al público, tiene un notable interés técnico y semiótica. La publicidad también crea una estética determinada, unos cánones: sus colores, composiciones, ritmos de montaje, etc., tanto a nivel ambiental como a nivel personal (necesidad de tener el cuerpo de tal manera, de esta prenda de vestir, de tales palabras o gestos, etc.). Esta estética ha tenido un papel importante en todo el siglo XX debido principalmente a dos motivos, la estética de la publicidad se ha desarrollado permanentemente a través de los medios de comunicación de masas, llega de una manera continua a todo el mundo y sus mensajes van destinados, de forma agresiva, a sentimientos profundos de las personas.

Sociedad y persona se ven envueltos en una estética y en una manera de comunicar. Finalmente, hay que tener en cuenta que la publicidad ha llegado a un grado de normalidad y de saturación de información que
el anunciarse en los espacios destinados a la publicidad no significa ningún impacto, y con la posibilidad del cambio de canal el espectador prefiere ver otras cosas que los espacios de publicidad. Esa situación está llevando a profundos cambios y a buscar nuevas fórmulas, tanto en el tratamiento de la publicidad misma (publicidad dentro de un programa, financiar un espectáculo deportivo, cultural, etc.), como en la estructura de los guiones de televisión, condicionados, muchas veces, a situar el momento más interesante en el instante previo al corte publicitario.

En conclusión las vertientes de la estetica publicitaria son muy importantes ya que sin estas no serian llamativas y no tendrian una mayor atracción al ojo humano y no serian de mucha importancia como se pretende que sea;
Estas vertientes no deben estar observadas solamente por el pensamiento del diseñador, si no por toda las personas que lo vean lo consuman o entre otras.


Curso


fin

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4 comentarios - querias aprender de camaras y fotografia? este es tu post 5

alan_chiki +1
quisiera fotografiar una de estas
fotos