Este flash es muy util para analizar el guernica en sus detalles y personajes.


link: http://estaticos.elmundo.es/elmundo/2006/graficos/jun/s1/el_guernica_25.swf

Dejo un análisis de la obra por si les pareció poco.

FUENTE DE LA MONOGRAFÍA: http://www.alipso.com/monografias/guernicatp/



“Guernica”



de Pablo Picasso









Durante un prolongado período de actividad creativa prácticamente ininterrumpida, Pablo Picasso impulsó, desarrolló y casi agotó las posibilidades del arte del siglo XX, en el que combinó sus inquietudes políticas con un constante afán de renovación estética.

Pablo Ruiz Picasso nació en Málaga, España, el 25 de octubre de 1881. Su padre, pintor y profesor de dibujo, lo inició en las artes plásticas, para las que demostró desde su infancia una extraordinaria aptitud. Durante la instancia de la familia en La Coruña, donde había sido destinado su padre, maestro de arte, dio nuevas muestras de su arrolladora vocación y mas tarde, ingreso en el Escuela de Bellas Artes de Barcelona y en la Academia de Bellas Artes de San Fernando de Madrid. Desde 1900 realizó viajes constantemente desde esa ciudad a Barcelona y a París, donde acabaría por instalarse en el Bateau Lavoir, taller que compartiría con André Derain y el holandés Kees van Dongen. El círculo que fue ampliado por otros artistas daría origen a la llamada escuela de París.

En el intervalo comprendido entre los años 1900 y 1906, en la creación picassiana sucedería en el período azul, con obras como “Pobres a orillas de mar” y “el viejo guitarrista” , el período rosa en el que pintó principalmente arlequines y gente de circo, del que datan cuadros como “Acróbatas de la bola” y “Familia de saltimbanquis”. Estas dos épocas, haciendo referencia a las tonalidades dominantes en sus composiciones, se caracterizan por una evanescente atmósfera dominada por efectos cromáticos que envuelven a las figuras. A estas etapas en las que realizó además sus primeros grabados, sucedieron progresivas aproximaciones al estilo del que Picasso sería considerado creador y máximo exponente junto con Georges Braque: el cubismo.

El punto de partida de tal evolución lo constituyó el cuadro “Las señoritas de Aviñón”, realizado en 1907 y conservado en el Museo de Arte Moderno de Nueva York. Los trazos esquemáticos y rostros de esta pintura inspirados en las máscaras africanas darían paso a un a breve fase de transición conocida como época negra.Ya plenamente cubistas con representación de las tres dimensiones espaciales mediante el abandono de la perspectiva, son obras como el retrato de “Ambroise Vollard” y “Los tres músicos”.

En 1917 Picasso viajo a Italia con su amigo Jean Cocteau para preparar los decorados y figurines del ballet parade, con música de Erik Satie y coreografía de Sergueí Diaghilev, con quién colaboraría durante años en escenografías como la de El sombrero de tres picos de Manuel de Falla y Pulcinella de Igor Stravinski. Junto con estos decorados creo una serie de collages, tanto pictóricos como escultóricos, en los que introdujo componentes de papel, vidrio, tela y otros materiales: las composiciones convulsas y curvilíneas que alterno con la creación cubista tuvieron su culminación en el célebre “Guernica”.

Retirado en su taller de París durante la Segunda Guerra Mundial, al ser liberada la ciudad en 1944 de la ocupación alemana, reanudó su producción artística e incrementó su compromiso político. En 1944 se afilió al Partido Comunista Francés y asistió desde entonces a varios congresos mundiales por la paz, en los que se había adoptado como símbolo una paloma por él diseñada. La pintura de Picasso se tornó ecléctica, con influencias expresionistas y surrealistas, aunque en todas sus composiciones predominaba la absoluta libertad conceptual de su espíritu creador. De 1952 datan los murales “La paz” y “La guerra”, para la capilla de Vallauris, y de 1958 el gran panel mural para la sede de UNESCO en París.

Parte de la producción de sus últimos años se orientó a la interpretación, singular y adecuada a su concepción del arte, de obras maestras del pasado como los 44 cuadros que componen una serie de las “Meninas”, inspirada en el famoso lienzo de Velázquez. La creación pictórica en Picasso se vio brillantemente complementada por una amplia serie de grabados, entre los que cabe reseñar las series de la “Minotauromaquia” y la titulada “Sueño y mentira de Franco”, y por esporádicas incursiones en el ámbito de la cerámica y de la escultura. Destacan en este último campo, obras como “Construcción: cabeza” (1931), de una primera época constructivista, y “La cabra” (1950). Desde la década de 1950 se celebraron en todo el mundo exposiciones retrospectivas de la obra de quien el poeta francés Paul Eluard afirmara: “Entre los hombres que mejor han de mostrado estar vivos, y de los que nadie podrá decir que han pasado por la Tierra sin pensar, sin duda Pablo Picasso constituye un caso aparte.”

Picasso murió en su retiro de Mougins, en la Riviera francesa el 8 de abril de 1973.



El Cubismo


Introducción


En la primera mitad del siglo XX se produjo una revolución en la práctica del arte. Los cubistas encabezaron esta revolución, rompiendo con la convención de que el arte debía ser una representación fiel del mundo. El término “cuvismo”fue acunado por un critico y pretendía ser despectivo.

Cronológicamente es el movimiento artístico surgido en Francia a comienzos del siglo XX, a continuación del fauvismo francés y del primer expresionismo alemán. El movimiento duró desde alrededor de 1907 hasta entrada la década de 1920. Arrancan con un cuadro de Picasso, “Las señoritas de Avignon” de 1907. Entre 1909 y 1913 se da el cubismo analítico. En lo que se refiere a la producción de Picasso, el cubismo se prolonga hasta 1926.



Acerca del Cubismo . . .



Es importante destacar los elementos estructurales y constructivos de la composición: la línea, la forma y el plano. Los cubistas buscaron nuevas respuestas a la antigua cuestión de cómo representar el mundo real tridimensional sobre un lienzo plano bidimensional. Empezaron a analizar los objetos desmantelándolos en sus figuras geométricas y reestructurándolos con el fin de mostrar las muchas facetas de cada forma en una sola imagen. Por consiguiente, representaban lo que se conoce de un objeto más que lo que realmente se ve.

Fue indiscutiblemente Picasso quien fue el primero en encontrar una solución al problema de proporcionar el efecto de volumen sobre una superficie plana que, tal como luego se comprendió con mayor claridad, constituía la primordial dificultad planteada a su generación.

Para explicarlo lo más fácil posible, el volumen se había obtenido siempre, desde el Renacimiento, por medio del claroscuro. Pero, por cómodo que fuera este método, no dejaba de comportar un inconveniente: el de “ensuciar” los colores.

Por reacción contra impresionistas y fauves, el color es considerado destructivo, puramente sensorial y al principio los colores se limitaron a una escala cromática muy reducida, a base de tierras y ocres, tonalidades neutras, en el polo opuesto de las radiantes tonalidades de los impresionistas. Sin embargo, según André Lhote “El pintor cubista prosigue con otros medios la tarea de disgregación de lo real esbozado por el impresionismo”: el impresionismo se atuvo al color y lo exalto superlativamente y el cubismo se concentro a la forma y junto a sus componentes estructurales le concedió un interés preferencial. De aquí el geometrismo que caracteriza a los inicios de la tendencia. Surge el problema del espacio.

La solución aportada por Picasso consistía en modelar el volumen no ya por el color en sí, sino por una suerte de dibujo coloreado, dando por medio de ciertas series de rasgos paralelos o de proyecciones, direcciones lineales destinadas a sugerir dicho relieve.

Luego de 1908, adoptó una técnica distinta de la precedente. Renunciando a los colores puros y violentos, se limitó desde entonces al uso de tonos neutros y en general apagados, como ya se ha explicitado anteriormente, como si temiera que cierta riqueza cromática perjudicara la expresión de los elementos formales. Y lo que resulta más sorprendente aún es que volvió al claroscuro que había intentado suprimir, pero a un claroscuro elemental y violentamente afirmado destinado a modelar los volúmenes con la mayor nitidez posible, volumen que él reducía, por otra parte, a sus elementos esenciales. A esta segunda fase cubista del genio Picasso, es en la cual se puede situar a su “Guernica”.

Lo que diferencia al cubismo de la pintura antigua es que no se trata ya de un arte de imitación, sino de un arte de concepción que tiende a elevarse hasta la creación.

Según Braque “No se puede querer hacer una vez mas lo que la naturaleza hizo ya en forma perfecta.”

En relación con lo aquí apuntado ha de señalarse la tendencia a eliminar del tema cualquier contenido o significado, tanto simbólico como sentimental o emotivo. El tema, el objeto de los cuadros es para los cubistas una pura entidad estructural, valida solo en si mismo como estricta realidad plástica y no como representación o intencionalidad. Sin embargo, la copiosa y proteica obra de Picasso rebasa ampliamente los limites de una tendencia o escuela pacificas ya que el propio Picasso aclara “La pintura no esta hecha para decorar habitaciones, es un instrumento de guerra ofensivo y defensivo contra el enemigo” por lo que sus obras como “Guernica”, están repletas de sentimientos y contenidos.



Acerca del cuadro....



El “Guernica” de Picasso fue un encargo del Gobierno de la República para el pabellón español de la Exposición Internacional de París de 1937. Desde 1939 permaneció en el MoMA de Nueva York y fue devuelto a España en 1981, una vez restablecidas las libertades democráticas, siguiendo los deseos de Picasso. Concebido y pintado en tan solo un mes en su estudio parisiense, este mural pretendía ser un grito contra la atroz guerra civil que desangraba a España y contra la crueldad del hombre en general. Picasso, a la cabeza de la pintura de vanguardia, estaba política y moralmente ligado con la causa republicana y antifascista, y por ello era inevitable que el cuadro levantara agrias polémicas tanto en el terreno de las artes como en el de la política.



Pequeña introducción sobre la Guerra Civil Española.



En España, durante el régimen imperante del fascismo, el general Francisco Franco (1892 - 1975) desató una revuelta armada en 1936 por miedo a las políticas de izquierda del gobierno republicano y el colapso del orden público. Fue el inicio de una sangrienta Guerra Civil que duró tres anos. Los nacionales de Franco contaban con el apoyo militar y económico de Italia y Alemania (Comandadas por Mussolini y Hitler respectivamente) y las fuerzas republicanas recibieron ayuda de la URSS y las “Brigadas Internacionales”de voluntarios, que en su mayoría favorecían el comunismo.

Las luchas fueron cruentas y sobre todo los nacionales probaron muchas tácticas de “guerra total”. En abril de 1937, aviones alemanes arrasaron la ciudad vasca de Guernica en una primera muestra de lo que sería el bombardeo de ciudades en 1940 - 45.

En abril de 1939, la guerra terminó con la victoria de los nacionales y Franco se convirtió en el caudillo de un gobierno falangista neofascista.

El Horror de Picasso ante la Guerra Civil Española le inspiró el violento y monumental Guernica (1937), una de sus mayores obras.



Mas allá de la Pintura:



Picasso nació en Málaga (España) y, aunque vivió la mayor parte de su vida en Francia, siempre fue consciente de sus orígenes.

El hecho que motivo el cuadro fue la destrucción de Guernica, capital histórica del País Vasco y símbolo de sus fueros, el lunes 26 de abril de 1937, día de Mercado. A las cuatro y media de la tarde la aviación nazi, de conformidad con el general Franco, arrasó la indefensa villa. De sus 7000 habitantes, 1064 resultaron muertos y 889, heridos.



EN MAYO DE 1937, EL SALVAJE BOMBARDEO DE GUERNICA POR PARTE DE LOS AVIONES FRANQUISTAS LE INSPIRABA EL MAYOR CUADRO TRAGICO DEL SIGLO XX.



En el verano de 1936 Picasso se encuentra en Mougins, un pueblecito de los Alpes – Maritimes. Sus amigos están allí, al su alrededor: Dora Maar, Christian Zervos, el editor de arte y su mujer, el poeta Rene Char, Paul Rosenberg, su marchante y el pintor y fotografo Man Ray. Por la noche mientras cenan en la terraza del hotel donde se alijan Picasso, Eluadr y Nush, la conversación gira en torno de la guerra civil española.

Las noticias son malas: entre los republicanos se producen numerosas bajas y el fascismo se extiende. El año 1937 es el elegido por el gobierno francés para celebrar la exposición universal. Para los republicanos del Frente Popular es vital que el gobierno español esta bien representado en ella, de modo que piden a Picasso que haga algo para el pabellón español, algo que muestra claramente al mundo hacia qué lado se dirigen sus simpatías y apoyos. Picasso promete algo muy grande, algo que ocupara una pared entera del pabellón español en la Exposición. Para ello necesitan un local inmenso donde trabajar. Dora Maar lo encuentra: una hermosa casa del siglo XVII en la calle de los Grands Augustins, en pleno corazón de París.

El 1ro de mayo de 1937 llega a París la atroz noticia: los bombarderos alemanes enviados en apoyo de Franco han llevado a cabo un salvaje ataque contra la pequeña ciudad vasca de Guernica. Han bombardeado a la hora en que las calles estaban casi llenas.

Un mes más tarde, el 4 de junio de 1937, sale un cuadro del estudio: “Guernica” es expuesto ante los ojos del público. Picasso acaba de responder a una horrible matanza con el cuadro más violento y perturbador que que jamás se halla pintado. A los sangrientos bombarderos ciegos del horror y la necedad, el ha respondido sin pestañear con una bomba de vitrolio. Guernica será el mayor cuadro trágico del siglo XX.



Guernica (350 x 782 cm. , óleo sobre lienzo)



Guernica, símbolo de la rebelión, del grito de indignación ante los horrores del fascismo.

Entre el 1ro de mayo y principios de junio de 1937, Picasso realizó 45 croquis. Los elementos principales aparecen ya en los primeros bocetos: el toro, la portadora de luz y el caballo.

Picasso expresa en este lienzo un drama universal: el de la guerra, la violencia ciega, los niños muertos, las madres desconsoladas. Para decir esto utiliza su universo personal y recupera las figuras de las corridas de toros -caballo y toro-, símbolo de brutalidad y obscuridad. La tonalidad general de los colores es la del luto: Picasso limito deliberadamente su paleta al negro, el blanco y el gris. Las formas son planas y simples, como en un cartel, a fin de que resulten más impactantes.

“La pintura no esta hecha para decorar las casas, es un instrumento de guerra ofensiva y defensiva contra el enemigo.”

La pintura esta dispuesta a modo de friso de templo griego, y su estructura compositiva sigue el típico encuadramiento triangular. La primera línea de fuerza en torno de la que se organiza la tensión del grupode figuras es una poderosa diagonal que empuja la mirada del espectador de derecha a izquierda.

A despecho de su carácter violentamente expresionista y polémico, atestigua la búsqueda tenaz de un sistema de signos plásticos capaz de expresar en una imagen única muchos aspectos de un mismo rostro o de un objeto.


Símbolos


El toro


La tauromaquia es un tema recurrente en la obra de Picasso. Pese a las declaraciones del pintor a Jerome Seckler en 1945 -de la que se desdijo después- de que simboliza la brutalidad, la imagen sigue siendo ambigua. En obras anteriores, el toro aparece representado como simbolo de la fuerza noble y justicia.



La “ausencia” de color


La austeridad cromática conviene al tema del cuadro. La primera imagen que Picasso recibió del bombardeo le llego por los periódicos franceses, lo cual propicia la teoría de que fue la interiorización del horror lo que hizo que Picasso reflejara la tragedia en negros entintados y un blanco sepulcral.





Madre e hijo:



Un niño muerto en brazos de sus madre. De las complejas imágenes cubistas del cuadro, ésta es una de las que se interpretan al instante: la lengua de la mujer, semejante a un puñal o un fragmento de cristal, representa su pavoroso grito de madre. Estas lenguas como cuchillos, expresión de un enorme desgarro, se encuentran también en el caballo y en el toro.



La cabeza cortada


En el suelo, en primer término, aparece el cuerpo de un soldado muerto; algunos quieren ver en esta figura, la única masculina del cuadro, la representación de un miliciano de la República. Si se compara el “Guernica” con “La batalla de san Romano”, de Ucello y la destrucción masiva de Picasso.



Referencia de Goya


La figura de la derecha alza los brazos como si quisiera impedir la caída de las bombas vomitadas desde las alturas. La postura recuerda a la del personaje central de “Los fusilamientos del 3 de mayo” de Goya. Efectivamente cabe establecer un paralelismo entre los acontecimientos que motivaron ambos cuadros: en los casos se trataba de una brutalidad salvaje descargada sobre inocentes.



El simbolismo de la flor:



En el Guernica se puede hacer algo más que ver un cuadro. Toda la obra es un gran grito suspendido. Es posible oír el relincho del caballo, el alarido impregnante de una mujer que mira el cielo, el bramido feroz del toro, el terrible gemido de madre y el llanto de las mujeres que miran al caballo, y al fondo, el crepitar de las llamas. En medio de ese atroz estruendo, el silencio de la flor que brota junto a la espada del guerrero un tenue hilo de esperanza.



Crucifixión moderna


La figura de la madre con el niño muerto, que compone una suerte de Piedad, y las mujeres que contemplan al caballo herido con miedo y lástima apuntan ciertas similitudes con la iconografía tradicional de la crucifixión y el descendimiento. Picasso se había inspirado en “El altar de Isenheim”, de Grunewald, para pintar su Crucifixión (1930). Aquí busca quizás una imagen moderna y laica que exprese el sufrimiento del hombre sin alusión expresa al simbolismo cristiano.



Rostros cubistas


Todas las caras obedecen al estilo cubista, que solapa las distinciones entre perfiles y frontales, y permite al artista reagrupar los rasgos a su antojo. La angustia reflejada en el rostro en el rostro de la mujer que sostiene al niño muerto resulta especialmente conmovedora, tal vez por el contraste de estilo entre la cara de la madre y una representación más convencional de la criatura.

El por qué de la elección


La elección de esta obra se debió primeramente a que la obra de Pablo Picasso tiene nuestra total admiración. Fue un artista que pasó por muchos períodos evolutivos y que, al contrario de muchos de sus colegas, no se dejó llevar por la corriente, sino que creó un estilo particular. La manera directa de expresar sus pensamientos, los colores a través de los cuáles lo hace, el trazo, la fuerza que deja traslucir en su mensaje…

Todo lo anterior, reconociendo que la época que lo enmarca fue muy particular, tanto por la guerra como por el lugar en donde él se hallaba, lo transforman en el mayor exponente en su período; creador de una corriente que fue tan singular como Pablo Picasso.

De mente genial, soberbia y prácticamente inalcanzable fue el artista elegido, que supo plasmar en un cuadro inigualable, como lo es Guernica, toda su inteligencia y la realidad cruel que en esos años se vivía.

Tales fueron las causas de nuestra elección.



Bibliografía:



* “Enciclopedia Temática Guinness”, Tomo 2, LA NACIÓN, Edición especial, 1994.

* “Enciclopedia Británica”

* “Historia del Arte”, Tomo 4, Salvat Editores, Edición especial para LA NACIÓN, Barcelona, 1995.

* “Enciclopedia de Historia del Arte”

* “Picasso”, Bemadac y Banchet.

* “Picasso”, Christian Zervos, Paris, 1953.