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[Megapost] Historia de la Música Electrónica - Parte 1

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La Historia de la Musica Electronica - Parte 1: Origines

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Siempre quise hacer esta clase de post, de donde viene algo tan glorioso como la Musica Electronica merece ser contado, traduje y complemente lo que ven escrito en este post, espero les guste, Disfruten!!!

[Megapost] Historia de la Música Electrónica - Parte 1


La música electrónica es aquel tipo de música que emplea para su producción e interpretación instrumentos electrónicos y tecnología musical electrónica. En general, puede distinguirse entre el sonido producido utilizando medios electromecánicos de aquel producido utilizando tecnología electrónica. Ejemplos de dispositivos que producen sonido electromecánicamente son el telarmonio, el órgano Hammond y la guitarra eléctrica. La producción de sonidos puramente electrónica puede lograrse mediante aparatos como el theremin, el sintetizador de sonido y el ordenador.
La música electrónica se asoció en su día exclusivamente con una forma de música culta occidental, pero desde finales de los años 1960, la disponibilidad de tecnología musical a precios accesibles permitió que la música producida por medios electrónicos se hiciera cada vez más popular. En la actualidad, la música electrónica presenta una gran variedad técnica y compositiva, abarcando desde formas de música culta experimental hasta formas populares como la música electrónica de baile.


Finales del siglo XIX hasta comienzos del XX

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La habilidad de grabar sonidos suele relacionarse con la producción de música electrónica, si bien no es absolutamente necesaria para ello. El primer dispositivo conocido capaz de grabar sonido fue el fonoautógrafo, patentado en 1857 por Édouard-Léon Scott de Martinville. Podía grabar sonidos visualmente, pero no estaba hecho para reproducirlos de nuevo. En 1878, Thomas A. Edison patentó el fonógrafo, que utilizaba cilindros similares al aparato de Scott. Aunque se siguieron utilizando los cilindros durante algún tiempo, Emile Berliner desarrolló el fonógrafo de disco en 1887. Un invento significativo, que posteriormente tendría una gran importancia en la música electrónica, fue la válvula audión, del tipo tríodo, diseñada por Lee DeForest. Se trata de la primera válvula termoiónica, inventada en 1906, que permitiría la generación y amplificación de señales eléctricas, la emisión de radio, la computación electrónica, y otras variadas aplicaciones.
Con anterioridad a la música electrónica, existía un creciente deseo entre los compositores de utilizar las tecnologías emergentes en el terreno musical. Se crearon multitud de instrumentos que empleaban diseños electromecánicos, los cuales allanaron el camino para la aparición de instrumentos electrónicos. Un instrumento electromecánico llamado Telharmonium (en ocasiones Teleharmonium o Dynamophone) fue desarrollado por Thaddeus Cahill en los años 1898-1912. Sin embargo, como consecuencia de su inmenso tamaño, nunca llegó a adoptarse. Se suele considerar como el primer instrumento electrónico el Theremin, inventado por el profesor Léon Theremin alrededor de 1919–1920. Otro primitivo instrumento electrónico fue el Ondes Martenot, que se hizo conocido al ser utilizado en la obra Sinfonía Turangalila por Olivier Messiaen. También fue utilizado por otros compositores, especialmente franceses, como Andre Jolivet.

Lastimosamente en esa época aun no había forma de grabar sonido, así que no existe una grabación de cómo sonaba un Telharmonium.

Así es una Ondes Martenot:

link: http://www.youtube.com/watch?v=v0aflcF0-ys

Así es un Theremin:

link: http://www.youtube.com/watch?v=w5qf9O6c20o

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Nueva estética de la música

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En 1907, justo un año después de la invención del tríodo audion, Ferruccio Busoni publicó Esbozo de una Nueva Estética de la Música, que trataba sobre el uso tanto de fuentes eléctricas como de otras en la música del futuro. Escribió sobre el futuro de las escalas microtonales en la música, posibles gracias al Dynamophone de Cahill: "solo mediante una larga y cuidadosa serie de experimentos, y un continuo entrenamiento del oído, puede hacerse este material desconocido accesible y plástico para la generación venidera, y para el arte".
Como consecuencia de este escrito, así como a través de su contacto personal, tuvo Busoni un profundo efecto en multitud de músicos y compositores, especialmente en su discípulo Edgard Varèse.

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Futurismo

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En Italia, el futurismo se acercó a la estética musical en transformación desde un ángulo diferente. Una idea fuerza de la filosofía futurista era la de valorar el "ruido", así como dotar de valor artístico y expresivo a ciertos sonidos que anteriormente no habían sido considerados ni siquiera remotamente como musicales. El "Manifiesto Técnico de la Música Futurista" de Balilla Pratella, publicado en 1911, establece que su credo es: "presentar el alma musical de las masas, de las grandes fábricas, de los trenes, de los cruceros transatlánticos, de los acorazados, de los automóviles y aeroplanos. Añadir a los grandes temas centrales del poema musical el dominio de la máquina y el victorioso reinado de la electricidad". El 11 de marzo de 1913, el futurista Luigi Russolo publicó su manifiesto "El arte de los ruidos" (en italiano en original, "L'arte dei Rumori". En 1914, organizó el primer concierto del "arte de los ruidos" en Milán. Para ello utilizó su Intonarumori, descrito por Russolo como "instrumentos acústico ruidistas, cuyos sonidos (aullidos, bramidos, arrastramientos, gorgoteos, etc.) eran manualmente activados y proyectados mediante vientos y megáfonos". En junio se organizaron conciertos similares en París.


link: http://www.youtube.com/watch?v=BbbmPD7NuDY

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1920-1930

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Esta década trajo una gran riqueza de instrumentos electrónicos primitivos así como las primeras composiciones para instrumentación electrónica. El primer instrumento, el Etherophone, fue creado por Léon Theremin (nacido Lev Termen) entre 1919 y 1920 en Leningrad, aunque fue posteriormente renombrado como el Theremin. Gracias a él se realizaron las primeras composiciones para instrumento electrónico, opuestas a aquellas realizadas por los que se dedicaban a crear sinfonías de ruidos. En 1929, Joseph Schillinger compuso su Primera Suite Aerofónica para Theremin y Orquesta, interpretada por primera vez por la Orquesta de Cleveland y Leon Theremin como solista. Además del Theremin, el Ondes Martenot fue inventado en 1928 por Maurice Martenot, quien debutó en París. El año siguiente, Antheil compuso por primera vez para dispositivos mecánicos, aparatos productores de ruidos, motores y amplificadores en su ópera inacabada Mr. Bloom. La grabación de sonidos dio un salto en 1927, cuando el inventor estadounidense J. A. O'Neill desarrolló un dispositivo para la grabación que utilizaba un tipo de cinta recubierta magnéticamente. No obstante, fue un desastre comercial. Dos años más tarde, Laurens Hammond abrió una empresa dedicada a la fabricación de instrumentos electrónicos. Comenzó a producir el Órgano Hammond, basado en los principios del Telharmonium junto a otros desarrollos como las primeras unidades de reverberación. El método foto óptico de grabación de sonido utilizado en el cine hizo posible obtener una imagen visible de la onda de sonido, así como sintetizar un sonido a partir de una onda de sonido. En la misma época, comenzó la experimentación del arte sonoro, cuyos primeros exponentes incluyen a Tristan Tzara, Kurt Schwitters, Filippo Tommaso Marinetti y otros.


link: http://www.youtube.com/watch?v=LbCT36qJyF8

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1940-1950

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Desde alrededor de 1900 se utilizaba el magnetófono de alambre magnético de baja fidelidad (lo-fi).4 y a comienzos de los años 1930 la industria cinematográfica comenzó a convertirse a los nuevos sistemas de grabación de sonido ópticos basados en células fotoeléctricas.5 En esta época la empresa alemana de electrónica AEG desarrolla el primer magnetófono de cinta práctico, el "Magnetophon" K-1, revelado en el Berlin Radio Show en agosto de 1935.6
Durante la Segunda Guerra Mundial, Walter Weber redescubrió y aplicó la técnica AC bias, que incrementó dramáticamente la fidelidad de las grabaciones magnéticas al añadir una frecuencia alta inaudible. Extendió en 1941 la curva de frecuencia del Magnetophone K4 hasta 10 kHz y mejoró la relación señal/ruido hasta 60 dB7 sobrepasando cualquier sistema de grabación conocido en aquel tiempo. En 1942, AEG ya estaba realizando pruebas de grabación en estéreo. No obstante, estos dispositivos y técnicas fueron un secreto fuera de Alemania hasta el final de la Guerra, cuando varios de estos aparatos fueron capturados y llevados a Estados Unidos por Jack Mullin y otros. Estos grabadores capturados sirvieron de base para los primeros grabadores de cinta profesionales que fueron comercializados en Estados Unidos, el Model 200 producido por la empresa Ampex, con el apoyo del actor Bing Crosby, que se convirtió en uno de los primeros artistas en grabar programas de radio y grabaciones originales de estudio en cinta.
La cinta de audio magnética abrió un vasto campo de posibilidades sonoras para músicos, compositores, productores e ingenieros. La cinta de audio era relativamente barata y muy confiable, y su fidelidad en la reproducción mejor que cualquier otro medio de audio conocido hasta la fecha. Más importantemente, y a diferencia de los discos, ofrecía la misma plasticidad que la película: puede ser ralentizada, acelerada o incluso reproducirse al revés. Puede editarse también físicamente, incluso sólo segmentos de la cinta. O unirse diferentes trozos de cinta en loops infinitos que reproducen continuamente determinados patrones de material pregrabado. La amplificación de audio y el equipo de mezcla expandieron todavía más allá las posibilidades de la cinta como medio de producción, permitiendo que múltiples grabaciones fueran grabadas a la vez en otra cinta diferente. Otra posibilidad de la cinta era su capacidad de ser modificada fácilmente para convertirse en máquinas de eco para producir de modo complejo, controlable y con gran calidad efectos de eco y reverberación (lo que es prácticamente imposible de conseguir por medios mecánicos).
La difusión de las grabadoras finalmente condujo al desarrollo de la música de cinta electroacústica. El primer ejemplo conocido fue compuesto en 1944 por Halim El-Dabh, estudiante en El Cairo, Egipto. Grabó los sonidos de una antigua ceremonia zaar con un grabador de alambre pesado, y en los estudios de Radio Oriente Medio proceso el material con la reverberación, eco, controles de tensión y de re-grabación. El trabajo resultante se titulo “La expresión de Zaar” y fue presentado en 1944 en una galería de evento de arte en El Cairo. Mientras que sus primeros experimentos en la composición basada en cinta no eran ampliamente conocidos fuera de Egipto en la época, El-Dabh es también notable por su trabajo posterior en la música electrónica en el Columbia-Princeton Electronic Music Center a finales de 1950.


link: http://www.youtube.com/watch?v=NGT7J-SNC6w

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Música concreta

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Pronto los músicos comenzaron a utilizar el grabador de cinta o magnetófono para desarrollar una nueva técnica de composición llamada música concreta. Esta técnica consiste en la edición de fragmentos de sonidos de la naturaleza o de procesos industriales grabados conjuntamente. Las primeras piezas de "musique concrète" fueron creadas por Pierre Schaeffer, quien colaboró con Pierre Henry. En 1950, Schaeffer dio el primer concierto (no emitido) de música concreta en la École Normale de Musique de Paris. Posteriormente ese año, Pierre Henry colaboró con Schaeffer en la Symphonie pour un homme seul (1950), la primera obra importante de música concreta. En París en 1951, en lo que se convertiría en una tendencia global, RTF creó el primer estudio para la producción de música electrónica. También en 1951, Schaeffer y Henry produjeron una ópera, Orpheus, para sonidos y voces concretos.


link: http://www.youtube.com/watch?v=q2o9VyuJSD4

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Elektronische Musik

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Karlheinz Stockhausen trabajó brevemente en el estudio de Schaeffer en 1952, y posteriormente durante muchos años en el Estudio de Música Electrónica de la WDR de Colonia en Alemania.
En Colonia, el que se convertiría en el estudio de música electrónica más famoso del mundo, inició actividades en la radio de la NWDR en 1951, después de que el físico Werner Meyer-Eppler, el técnico de sonido Robert Beyer y el compositor Herbert Eimert (que se convertiría en su primer director, hasta 1962), convencieran al director de la NWDR, Hanns Hartmann, de la necesidad de dicho espacio. El mismo año de su creación, ‬1951,‭ fueron transmitidos los primeros estudios de música electrónica en un programa vespertino de la propia radio y presentados en los‭ Cursos de Verano de Darmstadt.‭ ‬En‭ ‬1953‭ ‬hubo una demostración pública en la sala de conciertos de la Radio de Colonia donde se dejaron escuchar siete piezas electrónicas.‭ ‬Los compositores de los estudios electrónicos eran Herbert ‬Eimert,‭ ‬Karel ‬Goeyvaerts,‭ ‬Paul‭ ‬Gredinger,‭ Henry ‬Pousseur y Karlheinz Stockhausen. En su tesis de 1949, Elektronische Klangerzeugung: Elektronische Musik und Synthetische Sprache, Meyer-Eppler concibió la idea de sintetizar música enteramente desde señales producidas electrónicamente. De esta manera, la Elektronische Musik se diferenciaba abruptamente respecto a la musique concrète francesa, que utilizaba sonidos grabados a partir de fuentes acústicas.
Con Stockhausen y Mauricio Kagel como residentes, el estudio de música electrónica de Colonia se convirtió en un emblema del avant garde, cuando se empezó ya a combinar sonidos generados electrónicamente con los de instrumentos tradicionales. Ejemplos significativos son Mixtur (1964) y Hymnen, dritte Region mit Orchester (1967). Stockhausen afirmó que sus oyentes le decían que su música electrónica les daba una experiencia de "espacio exterior", sensaciones de volar, o de estar en "un mundo de ensueño fantástico".


link: http://www.youtube.com/watch?v=zhDhj_Jmjno

Así era un Trautonium:

link: http://www.youtube.com/watch?v=-tQQEChMq1A

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Musica Electronica Japonesa

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Si bien los primeros instrumentos eléctricos como el Ondes Martenot, el Theremin y el Trautonium eran poco conocidos en Japón con anterioridad a la Segunda Guerra Mundial, algunos compositores habían tenido conocimiento de ellos en su momento, como Minao Shibata. Varios años tras la Segunda Guerra Mundial, diferentes músicos en Japón comenzaron a experimentar con música electrónica, a lo que contribuyó el apoyo institucional, lo que permitió a los compositores experimentar con el último equipamiento de grabación y procesamiento de audio. Estos esfuerzos dieron lugar a una forma musical que fusionaba la música asiática con un nuevo género y sembraría las bases del dominio japonés en el desarrollo de tecnología musical durante las siguientes décadas.
Tras la creación de la compañía Sony (conocida entonces como Tokyo Tsushin Kogyo K.K.) en 1946, dos compositores japoneses, Toru Takemitsu y Minao Shibata, de modo independiente escribieron sobre la posibilidad de utilizar la tecnología electrónica para producir música hacia finales de los años 1940. Hacia 1948, Takemitsu concibió una tecnología que pudiera "traer ruido dentro de tonos musicales atemperados dentro de un pequeño y complejo tubo", una idea similar a la musique concrète que Pierre Schaeffer había aventurado el mismo año. En 1949, Shibata escribió sobre su concepto de "un instrumento musical con grandes posibilidades de actuación" que pudiera "sintetizar cualquier tipo de onda de sonido" y que sea "manejado muy fácilmente," prediciendo que con un instrumento tal, "la escena musical sería cambiada drásticamente". Ese mismo año, Sony desarrolló el magnetófono magnético G-Type.
En 1950, el estudio de música electrónica Jikken Kobo sería fundado por un grupo de músicos que querían producir música electrónica experimental utilizando magnetófonos Sony. Entre sus miembros estaban Toru Takemitsu, Kuniharu Akiyama y Joji Yuasa, y estaba apoyado por Sony, empresa que ofrecía acceso a la última tecnología de audio. La compañía contrató a Takemitsu para componer música electroacústica electrónica para mostrar sus magnetófonos. Más allá del Jikken Kobo, muchos otros compositores como Yasushi Akutagawa, Saburo Tominaga y Shiro Fukai también estaban experimentando con música electroacústica entre 1952 y 1953.

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Musica Electronica Americana

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En los Estados Unidos, la música electrónica estaba siendo creada ya en 1939, cuando John Cage publico Imaginary Landscape, No. 1, utilizando dos tornamesas de velocidad variable, grabaciones de frecuencia, piano silenciado, y platillos. John Cage compuso cuatro " Imaginary Landscape" más entre 1942 y 1952, los cuales incluyen los componentes electrónicos. En 1951, Morton Feldman, quien más tarde colaboraría con Cage, produjo una pieza titulada Marginal Intersection, grabada para vientos, metales, percusión, cuerdas, 2 osciladores y efectos de sonido de remachado y la puntuación utiliza la notación gráfica de Feldman.
The Music for Magnetic Tape Project fue formado por miembros de la Escuela de Nueva York (John Cage, Earle Brown, Christian Wolff, David Tudor y Morton Feldman), y duró tres años, hasta 1954. Cage escribió de esta colaboración: "En esta oscuridad sociales, el trabajo de Earle Brown, Morton Feldman, y Christian Wolff sigue presentando una luz brillante, por la sencilla razón de que en los distintos puntos de la notación, el rendimiento y la audición, la acción es provocativa”. Cage completa Williams Mix en 1953 mientras trabajaba con la TMMTP. El grupo no tenía instalación permanente, y tenía que depender de tiempo prestado en estudios de sonido comerciales, incluyendo el estudio de Louis y Bebe Barron.


link: http://www.youtube.com/watch?v=GLDxqnksY80

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Musica Estocástica

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Un importante desarrollo lo constituyó la aparición de ordenadores utilizados para componer música, en contraposición de la manipulación o creación de sonidos. Iannis Xenakis comenzó lo que se conoce como "musique stochastique" o música estocástica, un método de componer que emplea sistemas matemáticos de probabilidad estocásticos. Se utilizaban diferentes algoritmos de probabilidad para crear piezas bajo un set de parámetros. Xenakis utilizó papel gráfico y una regla para ayudarse a calcular la velocidad de las trayectorias de los glissandos para su composición orquestal Metastasis (1953-1954), pero posteriormente pasó a utilizar ordenadores para componer piezas como ST/4 para cuarteto de cuerda y ST/48 para orquesta.


link: http://www.youtube.com/watch?v=n2O8bMlEijg

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Mediados hasta finales de los 1950 y el Columbia-Princeton Center

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En 1954, Stockhausen compuso su Elektronische Studie II, la primera pieza electrónica en ser publicada como banda sonora. En 1955, aparecieron más estudios electrónicos y experimentales. Fueron notables la creación del Studio de Fonologia, un estudio en el NHK de Tokio fundado por Toshiro Mayuzumi, y el estudio de Phillips en Eindhoven, Holanda, que se trasladó a la Universidad de Utrecht como Instituto de Sonología en 1960. La banda sonora de Forbidden Planet, de Louis y Bebe Barron, fue compuesta completamente mediante circuitos caseros y magnetófonos en 1956.
El primer computador del mundo en reproducir música fue el CSIRAC, que fue diseñado y construido por Trevor Pearcey y Maston Beard. El matemático Geoff Hill programó el CSIRAC para tocar melodías de música popular. No obstante, el CSIRAC reproducía un repertorio estándar y no fue utilizado para ampliar el pensamiento musical o para tocar composiciones más elaboradas. El impacto de los computadores continuó en 1956. Lejaren Hiller y Leonard Isaacson compusieron Iliac Suite para un cuarteto de cuerda, la primera obra completa en ser compuesta con la asistencia de un computador utilizando un algoritmo en la composición. Posteriores desarrollos incluyeron el trabajo de Max Mathews en Bell Laboratories, quien desarrolló el influyente programa MUSIC I. La tecnología de vocoder fue otro importante desarrollo de esta época.
En 1956, Stockhausen compuso Gesang der Jünglinge, la primera gran obra del estudio de Colonia, basado en un texto del Libro de Daniel. Un importante desarrollo tecnológico fue la invención del sintetizador Clavivox por Raymond Scott, con ensamblaje de Robert Moog. El sintetizador RCA Mark II Sound Synthesizer apareció en 1957. A diferencia de los primeros Theremin y Ondes Martenot, era difícil de usar, requería una extensa programación, y no podía tocarse en tiempo real. En ocasiones denominado el primer sintetizador electrónico, el RCA Mark II Sound Synthesizer utilizaba osciladores de válvula termoiónica e incorporaba el primer secuenciador. Fue diseñado por RCA e instalado en el Columbia-Princeton Electronic Music Center, donde sigue actualmente. Posteriormente, Milton Babbitt, influenciado en sus años de estudiante por la "revolución en el pensamiento musical" de Schoenberg, comenzó a aplicar técnicas seriales a la música electrónica.
También en 1957, Kid Baltan (Dick Raaymakers) y Tom Dissevelt lanzaron su álbum debut, Song Of The Second Moon, grabado en el estudio de Phillips. El público sigue interesado en los nuevos sonidos que se crean en todo el mundo, como puede ser deducida por la inclusión de la Varèse Poème électronique, que se presento con más de cuatrocientos altavoces en el Pabellón Phillips de la Feria Mundial de Bruselas en 1958. Ese mismo año, Mauricio Kagel, un compositor argentino, compuso Transición II. El trabajo se realizó en el estudio WDR de Colonia. Dos músicos tocan en un piano, uno de la manera tradicional, y el otro tocando las cuerdas, el marco, y la caja. Otros dos artistas utilizan la cinta para unir a la presentación de sonidos en vivo con el futuro de los materiales pregrabados de un “pretérito incierto” y su pasado de las grabaciones hechas antes de la actuación.


link: http://www.youtube.com/watch?v=x7MmrfRr0Hg


link: http://www.youtube.com/watch?v=D7AIiTeKBUc

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1960-1970

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Estos fueron años fértiles para la música electrónica, no solo para la música académica sino también para algunos artistas independientes a medida que la tecnología del sintetizador iba volviéndose más accesible. Hacia esta época, una poderosa comunidad de compositores y músicos trabajando con nuevos sonidos e instrumentos que se habían establecido y estaban creciendo. 1960 fue testigo de la composición Gargoyle de Luening para violín y cinta, así como la premiere de Kontakte de Stockhausen para sonidos electrónicos, piano y percusión. En Kontakte, Stockhausen abandonó la forma musical tradicional basada en un desarrollo lineal y en un clímax dramático. En este nuevo acercamiento, que él denominó como "forma momento", recuerda a las técnicas de "cinematic splice" del cine de principios del siglo veinte. El primer de estos sintetizadores en aparecer fue el Buchla. Apareciendo en 1963, fue producto del esfuerzo del compositor de música concreta Morton Subotnick. El theremin había sido utilizado desde los años 1920 pero mantenía una cierta popularidad gracias a su utilización en numerosas bandas sonoras de películas de ciencia ficción de los años 1950 (por ejemplo The Day the Earth Stood Still de Bernard Herrmann). Durante los años 1960 el theremin hizo aparaciones ocasionales en la música popular.
En Reino Unido en este período, el BBC Radiophonic Workshop (creado en 1958) emergió como uno de los estudios más productivos y renombrados del mundo, gracias a su labor en la serie de ciencia ficción Doctor Who. Uno de los artistas electrónicos británicos más influyentes de este período fue Delia Derbyshire. Es famosa por su icónica ejecución en 1963 del tema central de Doctor Who, compuesto por Ron Grainer, según algunos la pieza más conocida de música electrónica del mundo. Derbyshire y sus colegas, entre los que se encuentran Dick Mills, Brian Hodgson (creador del efecto de sonido TARDIS), David Cain, John Baker, Paddy Kingsland y Peter Howell, desarrollaron un amplio cuerpo de trabajo que incluye bandas sonoras, atmósferas, sintonías de programas y efectos de sonido para BBC TV y sus emisoras de radio. . En 1961 Josef Tal creó el Centre for Electronic Music in Israel en la Universidad Hebrea, y en 1962 Hugh Le Caine llegó a Jerusalén para instalar su Creative Tape Recorder en el centro.
Milton Babbitt compuso su primer trabajo electrónico utilizando el sintetizador (llamada Composition for Synthesizer) que fue creada mediante el RCA en el CPEMC. Las colaboraciones ocurrían superando las barreras de los océanos y de los continentes. En 1961, Ussachevsky invitó a Varèse al Columbia-Princeton Studio (CPEMC). Fue asistido por Mario Davidovsky y Bülent Arel. La intensa actividad del CPEMC y en otros sitios inspiró la creación en San Francisco del Tape Music Center en 1963 por Morton Subotnick, con otros miembros adicionales como Pauline Oliveros, Ramón Sender, Terry Riley y Anthony Martin. En el otro lado del Atlántico tuvo lugar el Primer Seminario de Música Electrónica, en 1964 en Checoslovaquia, organizado en el Radio Broadcast Station de Plzen.
Se siguieron desarrollando nuevos instrumentos. Uno de los más importantes avances tuvo lugar en 1964, cuando Robert Moog introdujo el sintetizador Moog, el primer sintetizador analógico controlado por un sistema integrado modular de control de voltaje. Moog Music introdujo posteriormente un sintetizador más pequeño con un teclado, llamado Minimoog, que fue utilizado por multitud de compositores y universidades, haciéndose muy popular. Un ejemplo clásico del uso del Moog de gran tamaño es el álbum Switched-On Bach de Wendy Carlos.
En 1966 Pierre Schaeffer fundó el Groupe de Recherches Musicales (Grupo de Investigación Musical) para el estudio y la investigación de la música electrónica. Su programación está estructurada a partir de un compromiso en los procesos de difusión, investigación y creación de la música contemporánea y las tendencias en videoarte e imagen más actuales. Sus exhibiciones y conciertos son reproducidas en tiempo real mediante dispositivos electrónicos, interfícies de audio-video y una plantilla de músicos y video artistas nacionales e internacionales abiertos al uso de tecnologías punta.

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link: http://www.youtube.com/watch?v=K6pTdzt7BiI


link: http://www.youtube.com/watch?v=gbzw8VNkA5o


link: http://www.youtube.com/watch?v=usl_TvIFtG0


link: http://www.youtube.com/watch?annotation_id=annotation_449329&feature=iv&src_vid=WY2AeD0Tn4Y&v=sJ5593eQL_U

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Musica por Ordenador

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CSIRAC, el primer computador en tocar música, lo hizo públicamente en agosto de 1951. Una de las primeras demostraciones a gran escala de lo que se conoció como computer music (en inglés, "música por ordenador" fue una emisión nacional pre grabada en la red NBC para el programa Monitor el 10 de febrero de 1962. En 1961, LaFarr Stuart programó el ordenador CYCLONE de la Iowa State University (un derivado del Illiac) para tocar canciones sencillas y reconocibles a través de un altavoz amplificado adherido a un sistema originalmente utilizado para temas administrativos y de diagnóstico. Los últimos 1950, los años 1960 y la década de 1970 vieron también el desarrollo de grandes marcos operativos para síntesis informática. Desde 1957, Max Mathews de Bell Labs desarrolló los programas MUSIC, culminando en MUSIC V, un lenguaje de síntesis directa digital. En París, IRCAM se convirtió en el principal centro de investigación de música creada por computador, desarrollando el sistema informático Sogitec 4X, que incluía un revolucionario sistema de procesamiento de señal digital en tiempo real. Répons (1981), obra para 24 músicos y 6 solistas de Pierre Boulez, utilizó el sistema 4X para transformar y dirigir a los solistas hacia un sistema de altavoces.

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Electronica en vivo

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En Estados Unidos, la electrónica en directo fue llevada a cabo por primer vez en los años 1960 por miembros del Milton Cohen's Space Theater en Ann Arbor, Míchigan, entre los que estaban Gordon Mumma y Robert Ashley, por individuos como David Tudor hacia 1965, y The Sonic Arts Union, fundada en 1966 por Gordon Mumma, Robert Ashley, Alvin Lucier y David Behrman. Los festivales ONCE, que mostraban música multimedia para teatro, fueron organizados por Robert Ashley y Gordon Mumma en Ann Arbor entre 1958 y 1969. En 1960, John Cage compuso Cartridge Music, una de las primeras obras de electrónica en vivo. Los compositores y músicos de jazz Paul Bley y Annette Peacock fueron de los primeros en tocar en concierto utilizando sintetizadores Moog hacia finales de los 1960. Peacock hacía un uso regular de un sintetizador Moog adaptado para procesar su voz tanto en el escenario como en grabaciones de estudio.


link: http://www.youtube.com/watch?v=XBWvAptaoNU

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Popularización: 1970-1980, Década de los Sintetizadores.

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Moog, a finales de 1963, conoció al compositor experimental Herbert Deutsch, quien, en su búsqueda por sonidos electrónicos nuevos, inspiró a Moog a crear su primer sintetizador, el Moog Modular Synthesizer El Moog, aunque era conocido con anterioridad por la comunidad educativa y musical, fue presentado en sociedad en el otoño de 1964, cuando Bob hizo una demostración durante la Convención de la Sociedad de Ingeniería de Audio (Audio Engineering Societen) celebrada en Los Ángeles. En esta convención, Moog ya recibió sus primeros pedidos, y el negocio despegó. La compañía Moog Music creció de forma espectacular durante los primeros años, haciéndose más conocida cuando Wendy Carlos edita el álbum Switched on Bach. Bob diseño y comercializó nuevos modelos, como el Minimoog la primera versión portátil del Moog Modular, el Moog Taurus (teclado de pedales de una octava de extensión, con transposición para bajos y agudos), el PolyMoog (primer modelo 100% polifónico), el MemoryMoog (polifónico, equivalía a seis MiniMoog's en uno), el MinitMoog, el Moog Sanctuary, etc.
Moog, no supo gestionar bien su empresa y esta paso de tener listas de espera de nueve meses a no recibir ni un sólo pedido. Agobiado por las deudas, perdió el control de la empresa, que fue adquirida por un inversionista, aunque continuó diseñando instrumentos musicales para él hasta 1977, cuando abandonó Moog Music y se mudó a un pequeño poblado en las montañas Apalaches. Sin Bob, la Moog Music se fue a pique poco después. KORG, en 1967 Kato se acercó al Ingeniero Fumio Mieda, quien deseaba iniciarse en la construcción de teclados musicales. Impulsado por el entusiasmo de Mieda, Kato le pidió construir un prototipo de teclado y 18 meses después Mieda le presentó un órgano programable. La compañía Keio vendió este órgano bajo la marca Korg, hecha de la combinación de su nombre con la palabra órgano, en inglés (Organ).
Los órganos producidos por Keio fueron exitosos a finales de los años 60' y principios de los 70' pero, consciente de la competencia con los grandes fabricantes de órganos ya establecidos, Kato decidió usar la tecnología del órgano electrónico para construir teclados dirigidos al mercado de los sintetizadores. De hecho, el primer sintetizador de Keio (MiniKorg) fue presentado en 1973. Después del éxito de este instrumento, Keio presentó diversos sintetizadores de bajo costo durante los años 70' y 80' bajo la marca Korg.

http://www.youtube.com/channel/HCo7JD7x6uSAY
link: http://www.youtube.com/channel/HCo7JD7x6uSAY

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Nacimiento de la música electrónica popular

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A finales de 1960, músicos de rock y pop, como The Beach Boys y The Beatles, comenzaron a utilizar instrumentos electrónicos, como el Theremin y el Mellotron, para complementar y definir su sonido. A finales de la década, el sintetizador Moog tuvo un lugar destacado en el sonido de las bandas emergentes del rock progresivo, como Pink Floyd, Yes, Emerson, Lake & Palmer, y Génesis haciéndolos parte de su sonido. El rock progresivo instrumental fue particularmente importante en la Europa continental, lo que permitió que bandas como Kraftwerk (considerados los padres de la electrónica contemporánea), Tangerine Dream, Can, Faust y de eludieran la barrera del idioma para hacer música electrónica global. Su sintetizador pesado, denominado "Kraut Rock", junto con el trabajo de Brian Eno (por una tiempo, el teclista de Roxy Music), sería una gran influencia en la posterior synth rock. El rock a nivel electrónico también fue producido por varios músicos japoneses, incluyendo Isao Tomita's Electric Samurai: Switched on Rock (1972), que contó con sintetizadores Moog haciendo interpretaciones de canciones de pop y rock contemporáneo, y el álbum de rock progresivo “Benzaiten” de Osamu Kitajima (1974). A mediados de la década de 1970 se vio el surgimiento de músicos de arte electrónico como Jean Michel Jarre, Vangelis y Tomita, quienes con Brian Eno fueron una influencia significativa en el desarrollo de la música New Age. Después de la llegada del punk rock, una forma de básica de rock sintetizado en crecimiento, se utilizaban cada vez más más nuevas tecnologías digitales para sustituir a otros instrumentos. Bandas pioneras incluyen Ultravox con su sencillo de 1977 "Hiroshima Mon Amour", Yellow Magic Orchestra de Japón, Gary Numan, Depeche Mode, The Human League, Orchestral Manoeuvres In The Dark Army y Tubeway del Reino Unido, y Devo de los EE.UU. Yellow Magic Orchestra, en particular, surgió como pionero del SynthPop, ayudado con su álbum homónimo (1978) y Solid State Survivor (1979). La definición del sistema MIDI y el desarrollo de audio digital hicieron que el desarrollo de música puramente electrónica fuera mucho más fácil. Estos desarrollos también llevaron al posterior crecimiento del synthpop, que después de su aprobación por el movimiento New Romantic, permitió a los sintetizadores dominar el pop y el rock de los años 80. Grupos clave incluyen Duran Duran, Spandau Ballet, A Flock of Seagulls, Culture Club, Talk Talk, Japón y los Eurythmics. El Synthpop a veces utilizaba sintetizadores para reemplazar todos los demás instrumentos, hasta que el género comenzó a sufrir de anti-popularidad a mediados de la década de 1980.


link: http://www.youtube.com/watch?v=cNd4eocq2K0

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El nacimiento del MIDI

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En 1980, un grupo de músicos y comerciantes de música se reunieron para estandarizar una interfaz que los nuevos instrumentos pudiesen utilizar para comunicar instrucciones de control con otros instrumentos y equipos. Esta norma fue apodada Musical Instrument Digital Interface (MIDI) y es el resultado de una colaboración entre los principales fabricantes de circuitos secuenciales inicialmente, Oberheim, Roland, y más tarde, otros participantes que incluyeron Yamaha, Korg y Kawai. Un documento fue escrito por Dave Smith de SC que propuso a la Sociedad de Ingeniería de Audio en 1981. Luego, en agosto de 1983, el MIDI 1.0 se terminó. La tecnología MIDI permite que una sola pulsación de tecla, movimiento de la rueda de control, el movimiento del pedal, o el comando de un microordenador active todos los dispositivos en el estudio a distancia y en sincronía con cada dispositivo de respuesta de acuerdo con condiciones predeterminadas por el compositor.
Los instrumentos y software de la norma MIDI hicieron posible un potente control de instrumentos sofisticados fácilmente al alcance de muchos estudios y particulares. En eso, los sonidos acústicos se reintegraron en las posteriores grabaciones a través de estudios de sampleo. Miller Puckette desarrolló el software gráfico de procesamiento de señales para 4X llamado Max (en honor a Max Mathews) y más tarde portado a Macintosh (con Dave Zicarelli, que extiende la operación del código abierto) para el control MIDI en tiempo real, con lo que la disponibilidad de composición algorítmica para la mayoría de los compositores con modestos conocimientos de programación informática.

[Megapost] Historia de la Música Electrónica - Parte 1


Sintesis Digital

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En 1975, la empresa japonesa Yamaha licencia los algoritmos para la síntesis de modulación de frecuencia (síntesis FM) de John Chowning, que había experimentado con FM en la Universidad de Stanford desde 1971. Ingenieros de Yamaha empezaron a adaptar el algoritmo de Chowning para su uso en una sintetizadora digital de frecuencias, la adición de mejoras, tales como el método de "escalamiento clave" para evitar la introducción de distorsión que normalmente se produjo en los sistemas analógicos durante la modulación de frecuencia. Sin embargo, el primer sintetizador digital comercial para ser lanzado sería de la compañía australiana Fairlight, el Fairlight CMI (Computer Musical Instrument) en 1979, como el primer sistema práctico y polifónico sintetizador/sampler digital. En 1980, Yamaha finalmente lanzó el primer sintetizador digital FM, la Yamaha SG-1, pero a un precio bastante elevado. En 1983, Yamaha introdujo el primer sintetizador independiente digital, el DX-7, que también utiliza la síntesis FM y se convertiría en uno de los sintetizadores más vendidos de todos los tiempos. El DX-7 era conocido por sus reconocibles tonalidades brillantes que se debió en parte a una frecuencia de muestreo de 57 kHz.


link: http://www.youtube.com/watch?v=nmp9yqhsjqg

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El uso de la música en los videojuegos, Chiptune

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La nueva disponibilidad de ordenadores personales de bajo costo en los años 80 y 90 llevó a la aparición del Chiptune. Chiptunes, chipmusic, o la música chip es música escrita en formatos de sonido donde muchas de las texturas sonoras se sintetizan o se secuencian en tiempo real por medio del chip de sonido de una consola de videojuegos o un ordenador, a veces incluyendo la síntesis basada en muestras y reproducción de muestras de bits baja. Muchos dispositivos de sintetizadores de Chiptune eran presentados junto con la reproducción de samples con una baja tasa de reproducción por bit. El sonido lo-fi característico de la música de chips inicialmente fue el resultado de las limitaciones técnicas de las primeras tarjetas de sonido, sin embargo, el sonido se ha convertido en las más reconocidas características de los primeros videojuegos (1980-85), como Super Mario Bros de la compañía nipona Nintendo.


link: http://www.youtube.com/watch?v=uhscMsBhNhw

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1980-1990

historia

Hacia finales de los años 1980, los discos de música de baile que utilizaban instrumentación exclusivamente electrónica se hicieron cada vez más populares. Esta tendencia ha continuado hasta el presente, siendo habitual escuchar música electrónica en los clubs de todo el mundo. En eso, se empiezan a distinguir los géneros de la música electrónica (Italo disco, Música electro, Techno, Música house, Acid house, Rave, Jungle, Drum and Bass y Música trance).
En los años 1990, comenzó a ser posible llevar a cabo actuaciones con la asistencia de ordenadores interactivos. Otros avances recientes son el la composición Begin Again Again de Tod Machover (MIT y IRCAM) para “Hyperchelo”, un sistema interactivo de sensores que miden los movimientos físicos del chelista. Max Mathews desarrolló el programa "Conductor" para control en tiempo real del tempo, la dinámica y el timbre de un tema electrónico.


link: http://www.youtube.com/watch?v=rYP1ymJHOIQ

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El inicio del nuevo siglo, el 2000

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A medida que la tecnología informática se hace más accesible y el software musical avanza, la producción musical se hace posible utilizando medios que no guardan ninguna relación con las prácticas tradicionales. Lo mismo ocurre con los conciertos, extendiéndose su práctica utilizando ordenadores portátiles y live coding. Se populariza el término Live PA para describir cualquier tipo de actuación en vivo de música electrónica, ya sea utilizando ordenador, sintetizador u otros dispositivos.
En esta década surgen diferentes entornos virtuales de estudio construidos sobre software, entre los que destacan productos como Reason de Propellerhead y Ableton Live, que se hacen cada vez más populares. Estas herramientas proveen de alternativas útiles y baratas para los estudios de producción basados en hardware. Gracias a los avances en la tecnología de microprocesadores, se hace posible crear música de elevada calidad utilizando poco más que un solo ordenador. Estos avances han democratizado la creación musical llevando a un incremento masivo en la producción musical casera disponible para el público en internet.
El avance del software y de los entornos de producción virtuales ha llevado a que toda una serie de dispositivos antiguamente solo existentes como hardware estén ahora disponibles como piezas virtuales, herramientas o plug-ins de los software. Algunos de los softwares más populares son Max/Msp y Reaktor, así como paquetes de código abierto tales como Pure Data, SuperCollider y ChucK.


link: http://www.youtube.com/watch?v=Qg-nIAnUZwE

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Circuit Bending

[Megapost] Historia de la Música Electrónica - Parte 1

El Circuit Bending (o circuitos flexibles) es la personalización creativa de los circuitos dentro de los dispositivos electrónicos de bajo voltaje, como pedales de guitarra que funcionan con baterías, juguetes de niños pequeños e incluso los sintetizadores digitales, con el fin de para crear nuevos instrumentos musicales y visuales. Haciendo hincapié en la espontaneidad y el azar, las técnicas de Circuit Bending se han asociado comúnmente con la música ruidosa (como el Kraut Rock), aunque muchos músicos contemporáneos más convencionales y grupos musicales han llegado a experimentar con instrumentos ya "doblados". El Circuit Bending por lo general implica el desmantelamiento de la máquina y la adición de componentes tales como interruptores y potenciómetros que alteran el circuito. Con el renovado interés de “doblar” circuitos de sintetizadores analógicos, el Bending se convirtió en una solución barata para muchos músicos experimentales para crear sus propios generadores de sonido analógico individual. Hoy en día muchos esquemas se pueden encontrar en los generadores de sonido y sintetizadores, resultado del Circuit Bending, como la consola de Atari Punk o el Dub Siren, así como modificaciones sencillas para juguetes como los famosos Speak & Spell que a menudo son modificadas por dobladores automáticos. Reed Ghazala, que comúnmente se conoce como el "Padre de Circuit Bending", debido a sus descubrimientos iníciales con el Speak & Spell, ha ocupado el aprendizaje y talleres desde el inicio de su trabajo.

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Si no cogiste nada del post, te dejo este video:


link: http://www.youtube.com/watch?v=bhvPNOsMZyA
Link 2da Parte (haz click en la imagen)


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Comentarios Destacados

4djes +1
Realmente INCREIBLE
Twist23 +1
Uffff a favoritos +10 reco y toda esa garla, a empezar a leerlo!
Mighoet +2
Les voy a dar un adelanto. la segunda parte sale el martes (si dios y mi internet me lo permiten) sera sobre los GENEROS de la musica electronica, que son casi 85 diferentes!!!!

16 comentarios - [Megapost] Historia de la Música Electrónica - Parte 1

4djes +1
Realmente INCREIBLE
Twist23 +1
Uffff a favoritos +10 reco y toda esa garla, a empezar a leerlo!
Mighoet +2
Les voy a dar un adelanto. la segunda parte sale el martes (si dios y mi internet me lo permiten) sera sobre los GENEROS de la musica electronica, que son casi 85 diferentes!!!!
asiesche +4
Muy buen post.
Ahora, no confundir la esencia de lo que fue la música electronica creada por compositores y lo que hoy en dia se le llama "música electrónica". Si bien se utilizan herramientas heredadas de esta evolución compositiva, no tiene las mismas caracteristicas. Hoy en dia, alguien que se recibe de compositor puede ,y de hecho lo hacen, componer música electrónica. Pero tales composiciones tienen una base teórica que la fundamenta.
Twist23 +1
La base para la producción de la música, entre ella la música electrónica, es simplemente, estudiar música. Tan simple como eso, tarde o temprano, se nota la diferencia.
4djes +1
Los puntos los debo, espero acordarme mañana porque realmente los merece
gabriel-larra +1
No leí nada pero te dejo puntos







Mañana lo leo
nonmaggot +1
Pero que chulo te quedó, felicidades!!!
EmanuelZun +1
Gracias por la mención!

+10, reco y favs porque esto se ve como para leerlo en un viaje
Naa luego me lo leo
4djes +1
Puntos pagados, realmente muy merecidos.
ArielDM_3 +1
Desde ya te dejo los 10 por el laburo. Muy buen post, los inicios de la ME fueron extremadamente experimentales y eso es lo que me atrae bastente!
De a poco voy viendo cada etapa allí propuesta!
chongus +1
woowwww imprecionante!!!!
pretronix +1
buen post amigo sigue adelante viejo as mas post!!!!!
qkis +1
un trabajo excepcional!!
aporte sublime!!
te rayaste....+10