Wassily Kandinsky: Abstracción pura.



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«El color es en general un medio para ejercer una influencia directa sobre el alma. El ojo es el martillo templador. El alma es un piano con muchas cuerdas. El artista es la mano que, mediante una tecla determinada, hace vibrar el alma humana.»


Wassily Kandinsky


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La Vida del artista


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Kandinsky nace el 4 de diciembre en Moscú. en el seno de una familia acomodada dedicada al comercio de té, y aunque pasó más de la mitad de su vida en Alemania y Francia, conservó un fuerte vínculo emocional con su ciudad; en 1871 La familia se traslada a Odesa donde sus padres se separan. Su tía se hace cargo de su educación. En 1876—1885 Recibe las primeras clases de música y dibujo. Asiste al Instituto Humanista de Odesa.

1886, Comienza a estudiar derecho y economía en la Universidad de Moscú.

1889, Toma parte en una expedición a Wologda con motivo de un programa de investigación organizado por la «Sociedad de Ciencias Naturales, Etnografía y Antropología». El arte popular del Norte de Rusia le causa una profunda impresión.

1892, Termina sus estudios universitarios con el examen de licenciatura en Derecho. Contrae matrimonio con su prima Arija Tschimiakin.


1893, Trabaja como asistente en la Universidad de Moscú. Escribe la tesis “Sobre la legalidad de los salarios obreros”.

1895, Entra a trabajar como director artístico en la imprenta Kutscherev de Moscú.

Durante sus primeros treinta años, la pintura solo fue la afición apasionada de un joven sonador y romántico, pero convencional. Estudió Derecho y E conomía, y su brillante carrera académica le deparó una cátedra en Economía, a la que renuncio para trasladarse en 1896 a Munich y dedicarse a la pintura, Rechazando un ofrecimiento de la Universidad de Dorpat.




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Primeros Contactos


Wassily Kandinsky: Abstracción pura.


La capital bávara era uno de los centros artísticos más activos de Europa, donde se gestaba el Jugendstil, versión alemana del modernismo. Allí Kandinsky se transforma en animador de Pequeñas asociaciones de artistas modernos que promueven exposiciones. En 1897 Conoce al pintor Alexej iawlensky y a Marianne von Werefkin. Visita la exposición de la “Secesión de Munich” y estudia el Jugendstil.

En 1898 Intenta sin éxito ser admitido en la academia de arte de F. von Stuck. Continua trabajando de forma autodidacta.


En 1900 Es admitido en la academia de Franz von Stuek por la misma época que Klee. En febrero presenta sus trabajos en la exposición de la “Asociación de Artistas Moscovitas”.

En 1901 En mayo funda la asociación artística “Falange” junto con Rolf Niczky, Waldemar Hecker, Gustav Freytag y Wilhelm Hüsgen; es elegido presidente de la misma. En invierno abre sus puertas la «Escuela de pintura de la Falange» dirigida por él. Phalanx, es el primero de esos grupos, que expone obras impresionistas, simbolistas y modernistas, las tres influencias más visibles en los primeros cuadros de Kandinsky. Por estos mismos años hace sus primeros grabados en madera—xilografías—, una técnica de gran tradición en Alemania desde la Edad Media, y conoce a Alexei Jawlenskv y Paul Klee, dos de los artistas con los que encontrara mayores afinidades en distintas etapas de su vida.

En 1902 Conoce a Gabriele Münter, una pintora con la que mantendrá una intensa relación intelectual y amorosa hasta 1914 que le llevará a separarse de su primera mujer.

En 1903 En la VII Exposición de la Falange se presentan cuadros de Claude Monet. Tras el cierre de la “Escuela de la Falange” recibe una oferta de Peter Behrens para impartir clases de pintura decorativa en la Escuela de Artes Aplicadas de Dusseldorf. Kandinsky rechaza el ofrecimiento. Un año más tarde, en 1904 En la IX Exposición de la Falange, dedicada a A. Kubin, presenta dibujos y grabados en color. 15 obras suyas se exhiben en la “Asociación de Artistas Moscovitas”.
Trabaja en una teoría del color.
En septiembre se separa de su esposa y visita numerosas ciudades con Münter.
Se publica en Moscú su álbum de xilografías “Poemas sin palabras".
Primera exposición en el “Salón de Otoño” de París, en el que tomará parte hasta 1910.
En diciembre se celebra la XII y última exposición de la Falange.


1905, Participa en la exposición de la “Asociación de Artistas de Munich”. Se convierte en miembro de la “Confederación de Artistas Alemanes".
Expone en el “Salón de independientes” de París.




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Fusión y Equilibrio


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Entre 1906 y 1908 viaja por Europa en compañía de Münter a París donde vivirá hasta fines de año. Expone en numerosas exposiciones, como el “Salón de Otoño”, junto con los artistas del “Puente” en Dresde y con la “Secesión” en Berlín, donde conoce el fauvismo y el cubismo. La influencia del color fauve se advierte en los cuadros que pinta en Murnau entre 1908 y 1909. Al siguiente Año Exhibe 109 obras en el “Museo de Peuple” de Angers.
Vive con Münter en Berlín, desde septiembre hasta abril.


El 22 de enero de 1909 se funda la “Nueva Asociación de Artistas de Munich", cuya primera exposición tiene lugar del 1 al 15 de diciembre en la “Galería Moderna Thannhauser” en la capital bávara. Comienza a trabajar en la composición escénica «El son amarillo».
Publica en París el libro «Xilografías» y expone en el «Salón de los Independientes».
Pinta sus primeros cuadros sobre vidrio inspirados en la tradición artística de Baviera.
Realiza las primeras «Improvisaciones». En ese año funda la Nueva Asociación de Artistas de Munich conocida por sus siglas en alemán NKVM con Jawlenskv, Kubin y Münter entre otros, al tiempo que empieza a fraguarse el entramado ideológico que desembocará en la abstracción: se interesa por la teosofía y las ciencias ocultas a través de los escritos de Rudolf Steiner y Helena Blavatskv, muy populares entonces en los círculos culturales europeos; inicia por otra parte, su amistad con Arnold Schönberg, creador de la música dodecafónica, con lo que toman cuerpo sus ideas sobre la sinestesia y la consustancialidad de música y pintura, y las exposiciones de la NKVM acogen obras de algunos de los pintores modernos más importantes de París como Picasso, Derain, Braque o Vlaminck.
Estudio para composición II o Cuadro con arqueros son cuadros todavía figurativos, en los que el tema parece disolverse cada vez más en una vorágine de formas coloreadas al estilo fauve, y atestiguan el estado de la carrera de Kandinsky durante estos años.




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Hacia la Abstracción


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El 10 de enero de 1911 dimite como presidente de la NKVM. Junto con Marc y otros artistas publica «En lucha por el arte» como respuesta al panfleto de Carl Vinnens «Protesta de los artistas alemanes». Primeros planes para el almanaque «El jinete azul». El 2 de diciembre, durante la preparación de la III Exposición de la NKVM, el jurado rechaza su «Composición V»; Marc y Münter abandonan el grupo.
El 18 de diciembre se inaugura la primera exposición de «El jinete azul» en la Galería Moderna Thannhauser.


Este despojamiento progresivo de la representación no tiene buena acogida en la NKVM. Kandinsky tantea su definitivo camino a la abstracción y escribe De lo espiritual en el arte, publicado en 1911 en la editorial Piper de Munich.; y sus famosas óperas de color, que nunca se representaron en vida del artista.
En 1912, Junto con Jawlensky y Münter, abandona la NKVM para fundar El Jinete Azul, su último y más famoso grupo muniqués. Allí coincidida con Franz Marc, con quien comparte las exposiciones del grupo y la edición de un almanaque, en 1912, en el que exponen sus fundamentos teóricos y recogen las fuentes artísticas que les interesan: Desde artistas modernos —Picasso, Derain— hasta el arte africano y el folclore ruso y alemán. Con El Jinete Azul exponen, además de Kandinsky y Marc, August Macke, Schönberg y pintores de París como Roben Delaunay o el aduanero Rousseau. Kandinsky está sumido ya en la abstracción.


El estallido de la Primera Guerra Mundial en 1914 lo devuelve a Rusia, donde la Revolución de 1917 promueve una de las vanguardias artísticas más activas y singulares del siglo XX. Los postulados espiritualistas y románticos de Kandinsky encajaban mal con el radicalismo de constructivistas y suprematistas, pese a lo cual ocupó importantes cargos en la administración artística y cultural del nuevo estado soviético. Su labor en distintos organismos se tradujo en la creación de museos por toda Rusia, así como en programas de enseñanza artística. El 11 de Febrero de 1917 se casa con Nina Adreevsky, hija de un general. Pasan su viaje de bodas en Finlandia. Nace su hilo Vsevdod, que muere en 1920, y cuatro años después vuelve a Alemania en un viaje de trabajo del que no retomará.

En 1918 es el Cofundador de un nuevo modelo para el escenario artístico ruso. Se convierte en miembro del Colegio de Artistas Moscovita fundado por Tatlin (más tarde en el departamento de artes plásticas del Comisariado Popular IZONARKOMPROS) y defiende la postura del «Arte absoluto».
Desde junio de 1919 es director del «Museo de Cultura Pictórica» en Moscú (hasta enero de 1921). En noviembre se convierte en presidente de la Comisión rusa de Adquisición para los museos y del Departamento de Artes Plásticas del Comisariado para la Formación Popular (IZONARKOMPROS). A principios de diciembre se presentan, en la 1 Exposición Estatal de Moscú, trabajos de artistas rusos junto con obras de Kandinsky, Kasimir Malevitsch y El Lissitzky.


En 1920 es cofundador del «INChUK» (Instituto de Cultura Artística). A partir del otoño dirige un taller de los «SUOMAS» (Talleres estatales artístico-técnicos). Presenta 54 cuadros en la XIX Exposición del Comité Central de Moscú. En otoño se agudiza el conflicto con Rodtschenko. A comienzos de 1921 abandona el INChUK y los talleres de pintura mural.

1921, Colabora en la organización de la RAChN y en la Academia rusa de Historia del Arte, dirige el departamento fisico-psicológico siendo elegido vicepresidente. Dirige el taller de reproducciones.
En diciembre de 1921 vuelve a Alemania.


Walter Gropius le ofrece formar parte del claustro de la Bauhaus, donde dirigirá el Taller de Pintura decorativa y el curso de iniciación desde 1922 a 1933. Allí se reencontró con su amigo Klee, y junto con él, Jawlensky y Feininger formará Los Cuatro Azules (1924). Durante estos años la obra de Kandinsky se disciplina; al color se añade la geometría y la interacción de la forma, y su pintura se aprovecha de las múltiples tendencias que coinciden en distintos momentos en la Bauhaus.



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Contra Corriente


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Obligado a abandonar Alemania por el ascenso del nazismo, que incluye su obra en la siniestra nómina del arte degenerado, se instala en Neully, cerca de París, en 1933. Allí espera encontrar un clima propicio, pero la escena francesa está entonces dominada por corrientes poco afines a la abstracción. En 1934 Entra en contacto con el grupo «Abstracción-Creación» expone en la «Galerie des Cahiers d'Art»; conoce a Constantin Brancusi, Robert y Sonia Delaunay, Fernand Léger, Joan Miró, Piel Mondrian, Antoine Pevsner, Hans Arp y Alberto Magnelli. André Breton Intenta ganarlo para la causa surrealista con poco éxito.

En 1937 Sus cuadros se exhiben en la exposición «Arte degenerado», 57 obras suyas son confiscadas de los museos alemanes.

Adquiere la nacionalidad francesa en 1939 tanto Kandinsky como su esposa, y termina su último gran cuadro “Composición X”.

El último tramo de su obra se produce en tranquilidad, pero ante la incomprensión de la crítica; hay que destacar aquí el apoyo de su galerista, Jeanne Bucher, que le organizó incluso exposiciones semiclandestinas durante la ocupación alemana. Sus últimas obras se alejan de la geometría de la Bauhaus, optando por formas orgánicas y biomórficas.

En 1944 Se celebra la última exposición en vida del artista en la Galerie L'Esquisse de París. Kandinsky muere de arteriosclerosis el 13 de diciembre en Neuilly-sur-Seine a la edad de 78 años; no pudo ver su definitiva consagración tras el triunfo de la abstracción en los años de posguerra.




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Los Ecos de la Pintura Europea


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Dos acontecimientos determinaron la vocación artística de Kandinsky en 1895: una representación de Lohengrin, de Wagner, y el impacto que le produjo el cuadro Montón de heno, de Claude Monet, en una exposición impresionista en Moscú.

Si el primero apunta la temprana vinculación de la pintura a la música, el segundo prefigura el futuro de una pintura no figurativa. Lo que impresiono a Kandinsky fue, precisamente, que no pudo reconocer el tema del cuadro a pesar de lo cual le cautivó. “Inconscientemente - escribió más tarde- se desacreditaba al objeto como elemento pictórico inevitable”.

No es de extrañar que sus primeros pasos en la pintura acusen la influencia del color, impresionista primero, y fauve después. En París, donde expuso en 1907, pudo ahondar en el conocimiento de la obra de muchos de estos pintores, a los que luego invitaría a las exposiciones de Phalanx, entre 1901 y 1904 —Monet, Signae, Valloton, Toulouse-Lautrec— y, sobre todo, de la NKVM, donde colgaron obras Braque, Derain, Van Dongen, Le Fauconnier, Picasso, Rouault y Vlaminck.




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Romanticismo y Modernismo del Norte


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Cuando Kandinsky llega en 1896, Munich es uno de los núcleos modernistas más importantes de Europa.

En 1892 se había fundado la Secesión, un grupo de artistas escindidos del academicismo oficial en el que militaban los pintores más importantes del momento, como Lovis Corinth o Franz von Stuck. Ese mismo año comienza a publicarse la revista Jugend, de la que el modernismo alemán toma su nombre -Jugendstil-; en su órbita trabajaban personajes como Hermann Obrist y August Endell.

Esta influencia puede verse en algunas obras de Kandinsky, como el cartel para las exposiciones de Phalanx, pero lo que más le vincula a Munich es su vocación por el idealismo romántico, ya apuntada en Rusia.
Kandinsky asimila el tono melancólico del simbolismo, otra de las corrientes imperantes en la Secesión, y su gusto por bosques y lagos. La correspondencia interna entre el color y las emociones del alma está implícita en ese legado romántico, que Kandinsky funde con la influencia del color fauve.




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La Disolución de lo Figurativo


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Entre 1908 y 1910 Kandinsky vive una etapa de serenidad en lo personal que se traduce en un notable avance artístico. Pasa largas temporadas pintando en Murnau, donde compra una casa, con Gabriele Münter.

Hasta al menos 1912 no dejan de aparecer objetos reconocibles en los cuadros, pero las bases de la abstracción están ya sólidamente asentadas. El tema se disuelve cada vez más en las masas de color, aunque todavía no se atreve a prescindir de aquél por completo para no caer en lo decorativo, para no hacer cuadros, “por decirlo de una forma burda, similares a una alfombra o una corbata.

La belleza del color y la forma —afirma convencido— no es meta suficiente para el arte. La metáfora musical es la vía que asegura la conexión espiritual de la pintura. Es ahora cuando empieza a llamar a sus cuadros, dependiendo de su grado de elaboración, impresiones, improvisaciones y composiciones, como si de pequeñas piezas sinfónicas se tratara.




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Punto y Linea


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Kandinskv trabajó durante once años —de 1922 a 1933— en la Bauhaus, primero en Weimar y luego en Dessau y Berlín.

La experiencia docente le obligo a sistematizar y dar cuerpo doctrinal a su lenguaje pictórico, cosa que hizo, sobre todo, en el libro Punto y línea sobre el plano. Publicado en 1924.

La idea de las equivalencias musicales y emocionales del color, enunciada en De lo espiritual en el arte, sigue estando en la base de su pintura, pero ahora combinada con la interacción de la forma. La teoría del color de Kandinskv parte de la polaridad del rojo y azul, complementada por las antinomias secundarias blanco/negro y verde/rojo.

Estas parejas pueden resumirse siempre en oposiciones claro/oscuro y frío/cálido, dando lugar a combinaciones más complejas, como la del amarillo —suma de verde y azul— y el rojo. Las formas geométricas agudizan o retraen el carácter de cada color y señalan direcciones y puntos de tensión en la superficie del cuadro. Kandinsky supo, sin embargo, mantener la teoría en sus justos límites, aplicándola con libertad, sin caer nunca en una pintura que fuera la mecánica ejecución de una fórmula.




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Obra


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Titulo: "Sillones de playa en Holanda"
Material: Óleo sobre cartón.
Medidas: 24 x 32.6 cm.
Museo: Städtische Galerie im Lenbachhaus. Munich





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Titulo: "Iglesia en Murnau", 1910
Material: Óleo sobre cartón.
Medidas: 64.7 x 50.2 cm.
Museo: Städtische Galerie im Lenbachhaus. Munich




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Titulo: "Primera acuarela abstracta",1913
Museo:Centro Georges Pompidou
Características:49,6 x 64,8 cm.
Material:Acuarela



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Titulo: "Cuadro con mancha roja",1914
Museo:Centro Georges Pompidou
Características:130 x 130 cm.
Material:Oleo sobre lienzo




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Titulo: "Negro y violeta", 1924




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Titulo: "Amarillo-rojo-azul", 1925
Material: Óleo sobre lienzo
Medidas: 127 x 200 cm.
Museo: Centre Georges Pompidou. París




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Titulo: "Composición VIII", 1925
Material: Óleo sobre lienzo.
Medidas: 140 x 201 cm.
Museo: Guggenheim. Nueva York




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Titulo: "Composición IX", 1936
Material: Óleo sobre lienzo.
Medidas: 113.5 x 195 cm.
Museo: Centre Georges Pompidou. París




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Titulo: "Transverse Line", 1923
Material: Óleo sobre lienzo.
Medidas: 141 x 202 cm.
Museo: Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen. Dusseldorf




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Titulo: "Composición VII", 1913
Material: Óleo sobre lienzo.
Medidas: 195 x 300 cm.
Museo: Galería Estatal Tretjakov. Moscú




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Titulo: "En azul", 1925
Material: Óleo sobre lienzo.
Medidas: 80 x 110 cm.
Museo: Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen. Dusseldorf




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Titulo: "Composición X", 1939
Material: Óleo sobre lienzo.
Medidas: 130 x 195 cm.
Museo: Kunstsammlung. Nordrhein-Westfalen. Dusseldorf




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En su libro “De lo espiritual en el arte”, Kandinsky, define el arte envuelto dentro de un concepto místico , se ve influenciado por el pensamiento teosofico y parte de la filosofía oriental.

Como la teoría de platón de el mundo de las ideas , las formas, sonidos y todos los elementos físicos conectan con el mundo espiritual a través de la sensibilidad, de la percepción del artista. Para Kandinski, el arte es un lenguaje universal, accesible a cualquier ser humano es una expresión del espíritu, siendo las formas artísticas reflejo de ello.

Desde el mismo título, este libro de Wassily Kandinsky esta encaminado a llevar a cabo la formula de los expresionistas (Bello es lo que brota de la necesidad anímica interior. Bello es lo que es interiormente bello.), a la vez intenta unificar de manera sistemática de una teoría artística basada en las nuevas figuraciones de vanguardia.

Podemos definir “De lo espiritual en el arte” como una respuesta hacia las dificultades y cuestiones surgidas en su época, responde a la necesidad de organizar una serie de ideas en las cuales apoyarse para esclarecer el método artístico usado por el y muchos de sus contemporáneos.




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«Es hermoso lo que procede de una necesidad interior del alma.
Es hermoso lo que es interiormente hermoso».


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Les queria agradecer a todos, por los puntitos, las reco's, coments y demas en mi post anterior.
El post sigue en los Top's del año de la categoria música asi que fue mucho mas de lo que esperaba.
Me alegra muchisimo que les gustara tanto!.
Les mando un beso grande.
Muchas gracias a todos!.


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