Historia del Arte: Renacimiento

Renacimiento es el nombre dado al amplio movimiento de revitalización cultural que se produjo en Europa Occidental en los siglos XV y XVI. Sus principales exponentes se hallan en el campo de las artes aunque también se produjo la renovación en la literatura y las ciencias, tanto naturales como humanas.
El nombre Renacimiento se utilizó porque éste retomó los elementos de la cultura clásica. Planteó una nueva forma de ver el mundo y al ser humano, el interés por las artes, la política y las ciencias, cambiando el teocentrismo medieval, por el antropocentrismo renacentista.
El Renacimiento comenzó como un movimiento orientado por artistas e intelectuales en Italia. Es fruto de la difusión de las ideas del humanismo, que determinaron una nueva concepción del hombre y del mundo.
Es un renacer de las artes donde los asuntos representados, desde el punto de vista ético y estético se liberaron de los vínculos del concepto de vida cristiano.
Para ellos el arte ya no era un servicio anónimo, ofrecido a Dios y a la iglesia, sino un himno personal en alabanza a la belleza; así, se perfecciona el dibujo y se utiliza como base de la pintura. La cuna del Renacimiento fue Florencia. Naturalmente la pintura no se liberó en seguida de la influencia gótica, pero gradualmente evolucionó hacia un nuevo concepto de la belleza. En el dibujo, los cuerpos adoptan formas naturales y se vuelven plásticos; se procura destacar la expresión facial, que algunas veces revela los grandes conflictos del alma. En el siglo XV adquiere preponderancia el retrato, a las personas pudientes les gusta retratarse de busto o en medallón, y por tanto surge multitud de personas cuyos rasgos quedan labrados en madera. Raramente se ve un desnudo entre la profusión de vírgenes y santos, sólo con suma discreción se insinúa la mundana sensualidad en ciertas representaciones del arte eclesiástico, por ejemplo, las referentes a mártires y pecadores. Al principio, la mayoría de las imágenes alusivas a la carne pecadora se situaban en la periferia de grandes escenas decorativas, donde el artista tenía más libertadde expresión; ya en el siglo XIV, se prefiere interpretar estos temas por medio del desnudo femenino. Entre los representantes más significativos del Renacimiento, podemos destacar por sus majestuosas obras pictóricas a Sandro Botticeli, Miguel Ángel Buonarroti, Durero, Tintoretto, El Greco, Leonardo de Vinci y Rafael Sanzio; de ellos, algunos como Leonardo de Vinci, por ejemplo, destacó más como dibujante, ya que a través del dibujo realiza sus famosos estudios anatómicos; sus dibujos están plenos de rasgos finos pero firmes, destacando las expresiones humanas y también se puede apreciar que están envueltos en una sutil y fina aureola de luz difusa.
Se llama Renacimiento al gran movimiento artístico y filosófico que se produce en Europa, en Italia en primer lugar, a fines del siglo XV, y que muestra como principal característica, que se manifiesta particularmente en las artes, su admiración por la antigüedad clásica, que toma como modelo. El nombre de Renacimiento alude a lo que este movimiento quiso ser: un renacer o volver a nacer de la cultura grecolatina. Comenzó como un movimiento orientado por artistas e intelectuales en Italia, bajo el signo del Humanismo; es un renacer de las artes donde los asuntos representados, desde el punto de vista ético y estético se liberaron de los vínculos del concepto de vida cristiano. Para ellos el arte ya no era un servicio anónimo, ofrecido a Dios y a la iglesia, sino un himno personal en alabanza a la belleza.
La cuna del Renacimiento fue Florencia. Naturalmente la pintura no se liberó en seguida de la influencia gótica, pero gradualmente evolucionó hacia un nuevo concepto de la belleza. La cultura greco-romana había sido desplazada durante la Edad Media. En esta época lo novedoso es el arte gótico y bizantino, pero en Roma, estas nuevas concepciones artísticas, enmarcadas en el acto religioso no tienen mayor auge, debido a los recelos de los sabios humanistas orientales que emigran a esta ciudad después de la caída de Constantinopla; es así como al ser rechazado el estilo gótico y bizantino, y puestas en un primer plano las antiguas formas greco-romanas, surge el arte del renacimiento, que se expande por toda Europa (Francia, Inglaterra, Alemania y la Península Ibérica, especialmente).
Desde una perspectiva de la evolución artística general de Europa, el Renacimiento significa una «ruptura» con la unidad estilística que hasta ese momento había sido «supranacional».

CARACTERÍSTICAS GENERALES DEL ARTE RENACENTISTA
- Imitación de la arquitectura y la escultura de Grecia y Roma.
- Realización de una belleza ideal, ajustada a cánones dictados por la razón.
- Búsqueda de la serenidad y el equilibrio que proceden de la armonía del todo.
- Creación de obras, cuya claridad y perfección, atributos exigidos por la razón universal, les dan una validez permanente.

ARQUITECTURA
La arquitectura del renacimiento empleó los órdenes clásicos (jónico, corintio y dórico), combinándolos entre sí en un mismo tipo de construcción, pero no tal y como aparecen en la arquitectura grecorromana sino al amparo de la inventiva y originalidad del arquitecto renacentista, de esta manera surge el estílo "colosal" propio de esta arquitectura.
En este nuevo acontecer arquitectónico se le da mucha importancia a la arquitectura civil, construyéndose los Palacios Municipales, que presentan un aspecto de fortaleza, el Palacio de Habitación, que es de inventiva renacentista y presenta en su exterior forma de cubo con tres pisos, que culmina en una cornisa; y las Villas, que fueron construidas en las afueras de Roma, tenían grandes pabellones con terrazas, escalinatas y patios internos, jardines y parques.
La arquitectura religiosa renacentista, utiliza en sus inicios la planta de la basílica cristiana, sin embargo, el centro adquiere mayor importancia por el empleo de la Cúpula, que desplaza a la ojiva gótica y presenta los famosos Ojos de Buey (aberturas circulares). En relación con los elementos constructivos, tenemos que los muros son de ladrillo o sillería, con apariencia robusta, las bóvedas usadas fueron: las de "cañón seguido", "rincón de claustro", "de arista" y la "cúpula"; se usan arcos de medio punto; las ventanas suelen ser de varias formas: rectangulares, gemeladas (dos arcos de medio punto subdividido en otros dos), con alfeizar saliente, o en forma de tabernáculo.

ARQUITECTOS RENACENTISTAS
- ITALIA: Filippo Brunelleschi, Donato Bramante da Urbino, Rafael Sanzio, Miguel Ángel Buonarroti.
- ESPAÑA: Diego de Siloé, Juan Herrera.
- FRANCIA: Salomón de Brosse.

ESCULTURA
El origen de la escultura renacentista se remonta al siglo XIII, en Toscana, con el escultor Incola Pisano, quien se encarga de esculpir del púlpito del Baptisterio de la catedral. Este escultor es el que se atreve a exteriorizar la ruptura con la severidad bizantina y con las ideas artísticas del arte gótico, pero su obra queda aislada.
Es en los siglos XIV y XV, donde se comienza la época de mayor furor de la escultura renacentista. En esta época se advierte:
a. Vehemencia por la naturaleza y el desnudo idealizado o natural.
b. Expresión de los sentidos y pasiones humanas.
c. Reinterpretación modernizada de los cánones clásicos.
d. Temáticas diversas: mitología, religión, historia, leyendas, etc.
La escultura renacentista es el primer medio expresivo que reacciona contra el estilo gótico. Esta presenta variaciones de acuerdo con el siglo en que se desarrolla. Así es como al siglo XIII se denominó Época Arcaica, los siglos XIV y XV, Época Clásica y el siglo XVI, Época Barroca.

CARACTERÍSTICAS DE LA PINTURA RENACENTISTA
• Es narrativa: expone historias y sucesos, reales o ficticios, sacados de la religión, de la mitología o de la historia.
• Es realista: las figuras humanas o de animales, y los objetos inanimados están reproducidos con el mayor cuidado porque se parezcan en todo a sus modelos reales.
• El cuadro se presenta como un escenario: un espacio cúbico, sugerido por medio de los recursos que enseña la perspectiva geométrica recién descubierta y dan la ilusión de profundidad. El punto de vista del pintor suele estar en el centro del cuadro.
• La composición está sometida a esquemas intelectuales, es decir, razonados. Suele preferirse la forma simétrica en la distribución de las figuras.
• En cuanto a los esquemas de composición preferidos, el triangular (con el vértice arriba o invertido) y el rectangular con la división del espacio en segmentos áureos. En algunos casos, los triángulos son dos combinados.
• En general, es una pintura dibujística, que se fundamenta en el poder definidor y expresivo de la línea, y considera el color como un accidente de la materia de importancia secundaria. Las formas se cierran con un dibujo de trazo continuo y su separación del fondo es absoluta.
• Se da interés preferente al cuerpo humano, en particular al desnudo, cuya anatomía se estudia y copia cuidadosamente.
• A partir del siglo XV, se usará en vez del temple, la técnica del óleo, inventada por los pintores flamencos, que facilitará el desarrollo de la pintura de caballete.

EL DIBUJO Y EL GRABADO
Los grandes pintores del renacimiento fueron dibujantes de primera. Los apuntes, bocetos y estudios que conocemos de Boticelli, Durero, Buonarroti, da Vinci o Sanzio, quienes se destacaron por su majestuosa obra pictórica, revelan gran maestría en el manejo del lápiz. El que más se destaca como dibujante es Leonardo da Vinci, ya que a través del dibujo realiza sus famosos estudios anatómico. Su dibujo está pleno de rasgos finos pero firmes, destacando las expresiones humanas.
Sin embargo, el dibujo como técnica independiente, con valor por sí misma, no fue considerado en la época, quedando reducido sólo a un medio auxiliar de la pintura, para tomar apuntes rápidos del natural o hacer estudios de composición, perspectiva, movimiento, anatomía y otros aspectos del cuadro que iba a pintarse.
Las técnicas que solían emplear eran el carboncillo, la sanguina, el lápiz y la tinta sobre papel. Pero si el dibujo no tuvo mucho interés para los artistas del renacimiento, en cambio el grabado, sobre todo entre los alemanes fue muy cultivado y se trabajó como una técnica autónoma, paralela a la de la pintura, en sus dos formas principales: el grabado en metal (calcografía) y el grabado en madera (xilografía), a cuya difusión contribuyó el reciente invento de la imprenta en 1450.



Etapas del Renacimiento
•TRECENTO:
siglos XIII y XIV. Coincide con el período gótico europeo.
aparecen los “protorenacentistas” que van a ser los precursores del pleno Renacimiento.
Lo nuevo en el Renacimiento no es el interés por la naturaleza, sino el carácter científico, metodico con que es estudiada.
El concepto de personalización va a hacer del hombre renacentista un hombre de multiples intereses, que si bien no se constituye por primera vez en observador de la naturaleza, si va a transformar la obra de arte en un “estudio de la naturaleza”.
Si bien el medio social y cultural condiciona las manifestaciones artísticas, el artista se independiza y es él quien va a marcar las pautas del nuevo estilo.
En la estructura social del Medioevo, el artista tenia rango de artesano, ya que una natural disciplina social le imponía condiciones limitativas; no trabajaba para el mundo, sino para que su obra cobijara la plegaria.
Durante todo el Medioevo la arquitectura fue el arte dominante. En el Renacimiento es la pintura la que se vuelve preponderante, como consecuencia de la importancia que adquiere el dibujo. Se dibujan los planos arquitectónicos y los detalles son explicados por medio del boceto, ya sea como trabajo previo a la realización de una escultura o la construcción de una máquina de guerra. Se dibuja también la composición de una pintura sobre el trazado armonico y se bocetan estudios de anatomía.
Por estar tan unido el dibujo a la pintura, es a través de su estudio donde podemos encontrar los cambios que se van operando en la historia de este estilo. Hacia fines del siglo XIII, los artistas se interesan por dar a su composición un acento de verosimilitud. Los personajes son colocados sobre paisajes esquematicos y bajo columnatas y construcciones arquitectónicas, con un fondo de cielo azul. Las fisonomías buscan reflejar los sentimientos. La concepcion en general sigue siendo religiosa.
Pero el sistema socio-economico ha cambiado, impera el racionalismo económico, lo que va a dar lugar al capitalismo occidental. La libre competencia se opone al ideal corporativo de la Edad Media.
El desarrollo de la cultura humanista lleva aparejado una revalorización del clasicismo greco-romano.
Todo esto unido a la ultilizacion de nuevos materiales y a la aparición de los mecenas encarnados en los grandes señores y los Papas, van a configurar un estilo cuyas características nos van a indicar que se debilita el simbolismo metafísico, se acentua la personalidad del artista y nace el genio.
El hombre tiene la intención de plantear un espacio de tipo perspectivo donde representar el plano tridimensional en un plano bidimensional.
En esta etapa se puede ver claramente el uso de aureolas en las representaciones religiosas, también pretenden dar volumetría a los cuerpos.


Artistas más representativos del Trecento:

Giotto (1267 – 1337):
Giotto inaugura la tridimensionalidad del arte mural italiano, dando así un corte radical con el bizantino y abriendo el camino para los volúmenes y el humanismo del renacimiento italiano.
El espacio de Giotto se basa en la necesidad de crear un entorno natural a sus figuras volumétricas combinando recursos del ilusionismo greco-romano y la plasticidad del relieve gotico como textura visual. En realidad la ambientación se asemeja a una escenografía un tanto acartonada. La perspectiva aparece comprimida para contener a los personajes, utilizando 6 o 7 figuras para representar una multitud.
La figura humana es maciza, solida y austera y parecen de condición humilde, vestidos con simplicidad. Se observan pocos desnudos y solo cuando el tema lo requiere. Señala el volumen, que va a tomar de las esculturas de Roma, quebrando los colores con blanco y negro, en oposición a la figura plana del Romantico y el Gotico.
La expresión que le imprime a los rostros nos habla de un observador de la naturaleza, si bien se traducen en acciones y gestos parcos y lacónicos. Los personajes sagrados traducen un sentimiento humano, el que suele destacarse por el vacio que lo rodea.


- Llanto sobre cristo muerto:
Historia del Arte: Renacimiento
Es una composición muy cuidada, los gestos y las actitudes de todos los personajes están dispuestos de modo que la vista se fije en Cristo muerto, además del paisaje con la roca que sigue la misma dirección, y el único elemento vegetal que tiene la escena. La dirección de las líneas, mas que los rostros demasiado uniformes, dan agilidad a la escena. Los angeles volando permiten un escorzo (escorzo: proyección perspéctica mediante la cual es posible representar un objeto o figura de tres dimensiones, en profundidad perceptual) más audaz.


- Expulsion de los diablos de Arezzo:
da vinci
La arquitectura intenta reflejar lo que podía ser mas monumental en una ciudad italiana de la época. El cielo que envuelve la composición no tiene profundidad y las líneas perspectivas no guardan relación entre sí, haciendo caso omiso del punto de fuga. Los colores están atenuados y el interés por reproducir las partes arquitectónicas y sus detalles es evidente.


- Entrada a Jerusalem:
renacimiento
la composición sigue la tradición medieval por la actitud de la figura de Cristo de un tamaño un tanto mayor que el resto. Los dos grupos laterales aparecen superpuestos insinuando la perspectiva y dando marco a la escena. La arquitectura de fondo presenta un aspecto escenográfico. Los ángeles del fondo, si bien más pequeños, no guardan relación por la intensidad de la definición.



•QUATTROCENTO:
(palabra italiana que significa cuatrocientos, por los años pertenecientes al siglo XV, los años 1400) es uno de los períodos más importantes del panorama artístico europeo. Se sitúa a lo largo de todo el siglo XV,
La esencia del quattrocento se acentua en el principio de unidad con efecto de fuerza total, de un todo completo. El cuadro es un microcosmos, equilibrado, autónomo. La impresión de realismo traduce no radica en realidad en la exactitud de lo que reproduce, sino en su propia coherencia; a la armonía de todos los elementos entre sí.
En la primera mirad del Quattrocento comienza la época de las biografias de artistas; la primera que se escribe de un artista plástico es de Brunelleschi y Ghiberti escribe la primera autobiografía. Vemos un innegable desplazamiento de la atención, desde las obras de arte a la persona del artista.
El artista del Quattrocento comienza a firmar sus obras, y los artistas comienzan a pintar autoretratos.
Para la Edad Media, la obra tenia solo el valor del objeto; el Renacimiento le añadió el valor de la personalidad, pone a la capacidad del artista por encima de la realización misma. Esta concepción explica por qué el Renacimiento ve en el dibujo, con sus discontinuidades, una forma típica de arte.
El precio de la obra tenia relación con las dimensiones de la misma (se cotizaba por pie cuadrado); posteriormente se cotiza por el tiempo que insume el trabajo y más tarde por la calidad.
El artista del Quattrocento pintaba obras que podían ser identificadas por cualquier persona con su mismo bagaje cultural ya que representaban en sus personajes gestos establecidos, por ejemplo: para expresar vergüenza se colocaban las manos sobre los ojos; para representar dolor, una o dos manos sobre el pecho y para expresar autoridad se eleva una mano con el índice extendido.
Pero al transcurrir el Quattrocento, si bien el color es vivo aun, va a dejar de lado el brillo de los dorados y el código de los gestos por una concepción mas científica de la composición al introducir la perspectiva lineal y el rigor matematico y geométrico de la Seccion Aurea, lo que da por resultado el sentido de proporción característico de este estilo.

•Concepto espacial: Se convierte el espacio en una “figura” en la cual confluyen y se manifiestan ideales, mitos, conocimientos científicos y técnicos, estructuras sociales, instituciones. El arte entonces, es un hecho social; no porque dependa en forma determinada de la sociedad, sino porque cada lenguaje es parte de la estructura social, y como el arte es un lenguaje, es un hecho social.

•Perspectiva: La representación de la tercera dimensión no es nueva, ya desde Giotto se sugiere la sensación de espacio, de profundidad. Lo que si es nuevo y revolucionario es la aportación de un método que pretende ser matematico y científico que convierte a la perspectiva lineal en el sistema de representación figurativa que condiciona nuestra forma de visión casi hasta nuestros días, por lo menos hasta el movimiento cubista. Gracias a la perspectiva, la pintura tiene el reconocimiento del arte liberal y no mecanico, es decir que podrá ser considerada como disciplina intelectual.
Basicamente, podría decirse que todas las líneas paralelas que se pierden en la distancia dan la sensación de unirse en un punto, el que denomina punto de fuga. Pero el angulo donde convergen las líneas depende de la situación del observador.
Uno de los aportes más importantes del Renacimiento va a ser la creación del método de representación del espacio que conocemos como perspectiva lineal. La paternidad del invento se atribuye a Brunelleschi, arquitecto creador del elemento característico de la arquitectura renacentista: la cúpula.
La perspectiva de Brunelleschi nace de una necesidad de exactitud y de “coherencia del escenario” de la pintura, más alla de lo que representan.
La mayoría de los pintores del Quattrocento utilizaban la “perspectiva artificialis” o con un único punto de fuga.


Artistas más representativos del Quattrocento:

• Fra Angelico (1400 – 1455): Este artista muestra una relación con Giotto sobre todo en el tratamiento de la luz y la distribución de las figuras en el espacio compositivo; sin embargo no puede decirse que sea un nuevo sucesor de Giotto, ya que el naturalismo presente, especialmente en las figuras, y la moderna plasmación de la arquitectura en sus obras, corresponden a una etapa posterior a él. Mantiene elementos caracteristicos del Trecento como las aureolas y las alas.

- La Anunciación:
rafael
aparece un marco arquitectónico plenamente renacentista. Sitúa a la Virgen y el ángel en el interior de un recinto arquitectónico basado en los principios de Brunelleschi. La sensación de profundidad se aumenta por la pequeña ventana que da al jardín, apenas esbozada. Los colores suaves y entonados contribuyen a acentuar el recogimiento de la escena.


• Piero Della Francesca (1520 – 1492): Sus composiciones son siempre equilibradas, tanto por la estructura espacial latente como por el tratamiento que logra dar a las gamas cromáticas.
El factor lumínico acentua la intensidad de los colores, incluso en una técnica como la del fresco, que tiende a las calidades mate.
Aparecen construcciones arquitectónicas para establecer espacios diferenciados y mayor profundidad a sus pinturas.
No utiliza la talla jerarquica (los personajes mas importantes dentro de una composición solían tener un tamaño mayor a los demás) ni las aureolas.
Los seres representados adquieren personalidad propia, incluso al margen de la historia que trata, hasta dotarlos de vida interior, capaces de comunicar al espectador sus estados anímicos.

-Bautismo de Cristo:
leonardo
Los niveles de profundidad están dados por los cuatro arboles que se van degradando en dimensión y relacionan coherentemente el primer plano con el fondo del paisaje. La luz radiante, casi sin sombras, y la gama de colores claros y frios, recortan as figuras, destacando la solida geometría de la composición. La descripción de los elementos vegetales es minuciosa, descriptiva; y algunos elementos simbolicos, como en este caso el rio Jordán que aquí aparece casi como un charco de agua, diseñado mas bien en función compositiva que naturalista.

-La Flagelación:
Miguel Angel
El empleo de la perspectiva matematica crea y al mismo tiempo ayuda a resolver un problema de composición sumamente complejo, planteando enigmas en cuanto a su significado simbolico. A la izquiera esta la sala de juicios cerrada por una columnata de estilo corintio. Cristo aparece atado a una columna siguiendo la tradición que indica que la figura sagrada debía estar indicada por el punto de fuga.


• Paolo Ucello (1397 – 1475): Ucello utiliza en sus composiciones la “perspectiva naturalis”, donde aparecen distintos puntos de fuga, resultando la composición mas agil y dinámica.
A la etapa de plena madurez de Ucello corresponde la celebre Batalla de San Romano (1456). Se trata de un conjunto pictórico constituido por tres tablas pintadas al temple, si bien actualmente se encuentran distribuidas en diferentes museos: Louvre (París), Galería de los Uffizi (Florencia) y National Gallery (Londres).
París:historia del arte
Florencia:cinquecento
Londres:quattrocento
La sensación de movimiento no solo parte de las difíciles posturas de los cuerpos de seres humanos y animales, sino del mismo esquema compositivo y acentuado por una gama cromática audaz.


•Andrea Mantegna (muere en 1431):
Su obra “Cristo muerto” es una de las representaciones en escorzo más audaces que existen en toda la historia de la pintura.

-Cristo muerto:
Trecento
Mantegna logró conseguir el efecto de que la imagen de Cristo yacente “sigue” al espectador al punto donde éste se traslade. Este efecto ha sido logrado al utilizar la perspectiva invertida, es decir con dos puntos de fuga lo que da un mayor campo visual de la perspectiva clásica con un solo punto de fuga. El color utilizado contribuye a subrayar éste particular efecto. La gama cromática está constituida por tonalidades intermedias de rosas, beiges, ocres, grises, verdes y azules. El impacto de la imagen de Cristo yacente se acentua por la crudeza y realismo con que trata el rostro sufriente y las heridas visibles en las manos y pies.


•Sandro Botticelli (1445 – 1510):
Su obra presenta una independencia bastante acusada con respecto a los artistas anteriores. Se ocupa de temas diversos, tanto sagrados como profanos. A través de la figura humana el artista capta tanto la naturaleza corpórea como el espíritu: el cuerpo es un contenedor de emociones que resuelve sobre todo a través de estructuras lineales, recurriendo a dar acentos emotivos y liricos. El cuerpo humano se convierte en el elemento visible de la armonía expresando uuna síntesis entre lo científico y anatomico (corporal) y los modos de expresión (espiritual).

-La primavera:
Historia del Arte: Renacimiento
la figura central corresponde a Venus, diosa del amor y de la belleza. Se reconoce la identidad de este personaje por su asociación con el niño que se encuentra justo encima de ella: Cupido. En la parte derecha se encuentra un personaje de extraña coloración gris-verdosa que sopla hacia la figura femenina más cercana, se trata de la representación de uno de los vientos, el Céfiro, mientras que la joven a quien persigue es Clorys. En su boca aparece una rama que preconiza su transformación encarnado en el siguiente personaje: Flora, diosa del bosque y de las flores, y que nace en primavera. Boticelli capta aquí la transformación o metamorfosis como la que tiene lugar en los versos de Ovidio.
La figura de Venus modera la escena y Cupido dirige sus flechas de amor hacia uno de los personajes que danzan en el grupo formado por tres figuras femeninas situadas a la izquierda de la diosa. Dicho grupo corresponde a las Tres Gracias constituido por Castidad, Pulcritud y Voluptiosidad. Junto a ellas, se encuentra Mercurio, amante de Venus. Ambos dioses: Mercurio y Venus, aparecen relacionados por el color rojo de sus túnicas.
La ordenación compositiva del paisaje, guía el relato.

-El nacimiento de Venus:
da vinci
Venus es el centro del cuadro. Los personajes de la izquierda se han interpretado como los vientos que con su soplo contribuyen a otorgarle su esencia espiritual. A la derecha y con un manto de flores, dispuesta a cubrir a Venus, aparece Flora.
La escena se ambienta en un paisaje luminoso, en oposición a la densidad de “La primavera”. Predomina en esta obra la línea curva sobre la recta, dando como resultado una sensación de suavidad y calma.


•Escultura Quattrocento
Los escultores van a dar otro contenido y significación a sus obras. La primera es que se interesan por la representación humana, no como símbolo, sino como el hombre como individuo, para lo cual realiza estudios de anatomía, de los musculos, de los huesos, como construcción interna y no solo la forma externa.
Donatello, el mas grande escultor del Quattrocento, representa por primera vez en occidente, el cuerpo humano desnudo; revolucionario también es el esquema curvo, en forma de S, que para el Gótico fue desconocido y que en el Renacimiento se va a convertir en regla. Tambien utiliza esquemas de composición basado en la unión y contraposición de las curvas.
Es necesario agregar a estas características una constante preocupación por la búsqueda de técnicas, tanto en el perfeccionamiento de las ya conocidas, como en la exploración de medios nuevos.
Tambien idearon nuevos métodos para la proyección de sus obras, como el empleo de la perspectiva. A partir de esta revolución dada en el dibujo, el escultor puede estudiar en el papel todos los angulos. En efecto, esta escultura se realiza en bulto completo y se estudian sus partes laterales y posterior tanto como la frontal.

La única obra que encontré es el “David”
-David:
renacimiento
esta escultura realizada en bronce constituye el paradigma del canon de belleza masculina, el David, de Donatello (de 159 centímetros de alto y una circunferencia de 51 centímetros).


•CINQUECENTO:
Se sitúa a lo largo de todo el siglo XVI, y es la segunda fase del movimiento conocido como Renacimiento, quizás la más importante. Los pintores tienen el dominio de las técnicas y hacen obras de elevada calidad que reflejan un sentido de belleza y nobleza. Así se llama también Alto Renacimiento.
A lo largo del s.XVI la capital artística de Italia va a "trasladarse" a Roma, principalmente por la enorme influencia del Papado, el cual se convertirá en gran protector de los artistas y contratante de obras.
Se puede hablar de dos etapas, una clásica, hasta 1530 en la que predomina el sentido de la medida, la proporción y el equilibrio; y otra manierista en la que se rompe la escala humana. Es ahora cuando se fija el modelo antropocéntrico. Predominan las plantas centralizadas y los edificios que conservan la simetría.

Arquitectura del Cinquecento
Equilibrio, austeridad, robustez y predominio de la arquitectura sobre la decoración son características principales de las edificaciones cinquecentistas clasicistas. Se emplean ahora los volúmenes con un sentido plástico, buscándose el contraste y el juego mediante la conjugación de las formas y el manejo de la luz (elementos cuyo uso teatral se buscará deliberadamente, exagerándolo, durante el periodo manierista).
A lo largo de este siglo XVI se inicia el desarrollo y ejecución de uno de los más importantes planes arquitectónicos como será el destinado a la creación de la basílica de San Pedro del Vaticano. Adjudicada inicialmente su construcción a Bramante, el fallecimiento del mismo dará lugar a la elección del pintor Rafael, cuya participación en el proyecto se verá truncada de igual modo por su muerte, siendo realmente el relevo del posterior elegido (Antonio de Sangallo el Joven) el verdadero artífice del edificio: Miguel Ángel. Éste va a recuperar el plan inicial de planta central propuesto por Bramante y a construir la magnífica cúpula que lo corona, convirtiéndola en referencia de todo el conjunto.


Pintura del Cinquecento
Dos grandes figuras vendrán a completar la lista de maestros renacentistas, aunque esta vez en lo que a pintura se refiere: Leonardo da Vinci y Rafael, el primero de los cuales será el prototipo absoluto de hombre del Renacimiento (pintor, escultor, inventor, etc.). Siendo Miguel Angel Buonarroti, Leonardo Da Vinci y Rafael Sanzio los máximos representantes del Cinquecento.

-Leonardo Da Vinci (1452 – 1519):
La filosofía Neoplatónica imperante en Florencia es rechazada por Leonardo ya que su mentalidad es profundamente científica, lo que traduce en sus multiples actividades. Ya sea en sus tratados sobre la perspectiva, sus escritos sobre anatomía, y sus dibujos y escritos sobre ingeniería, botánica, fisiología, geometría, física, química y óptica; además de los numerosos experimentos que realiza, o su producción literaria y sus estudios de música. Leonardo revela con su polifacetismo la personalidad inherente al humanista completo. Debido a la gran cantidad de actividades que realizaba, trabajaba sus obras pictóricas con materiales que no eran los más optimos por cuestiones de tiempo.
Su metodología se basa en la observación directa de la naturaleza y del ser humano; sus personajes están dotados siempre de una psicología y a través de esos rostros donde se percibe el recato, la alegría, la angustia, el observador toma contacto con lo mas intimo de su ser.
Introduce la “perspectiva atmosférica”, los objetos pierden nitidez a medida que se alejan, lo que le da mayor naturalismo.

-La adoración de los magos:
rafael
realizada en 1481/82, sitúa a la Virgen en el centro de la composición, y en torno a ella distribuye en forma de circulo los restantes personajes, eliminando la prioridad de unos sobre otros. La forma triangular donde se inscribe la escena principal esta determinada por los Magos y enmarcada por la roca, cubierta por personajes que mas que adorar parecen suplicar.
En el fondo, en una banda horizontal, se desarrolla una escena de guerra sobre una arquitectura en ruinas. Esta aparente incongruencia temática, está perfectamente relacionada con el motivo principal desde el punto de vista de la composición; al observar los dos nucleos compositivos del fondo, aparece un esquema de triangulo invertido que se engarza sobre la cabeza de la Virgen con el del primer plano.

-La Virgen de las rocas:
leonardo
realizada en 1483/86. La construcción compositiva de esta pintura esta muy ajustada a una rigurosa composición de esquema piramidal. La mano de la Virgen cae en la intersección de la línea vertical y horizontal del trazado armonico. El brazo derecho extendido, sigue la dirección diagonal del triangulo que encierra a las figuras. El Niño y el ángel están ubicados en el segmento menor del trazado. El fondo de rocas diseñan el paisaje dejando pasar la luz del cielo, que permite al pintor exponer su maestria para trabajar la perspectiva atmosférica.

-La Gioconda:
Miguel Angel
realizada en 1503/1505. Podemos considerarla como la autobiografía pintada del artista, espejo de su afinado cerebralismo y sabiduría técnica, que se traduce en una gracia tangible en un rostro que no es excepcional, lograda por la sutileza del modelado en claroscuro. Es un cuadro simple en cuanto a su esquema compositivo, el esquema piramidal; por otro lado, en el rostro, la boca, la nariz y los ojos quedan encerrados en un circulo perfecto.
En esta obra, la técnica del “sfumato” (esfumado: que es el paso de la máxima luz a la máxima sombra) alcanza por primera vez su máxima expresión, es decir que el color queda supeditado al factor esencialmente lumínico.

-El hombre de Vitruvio:
historia del arte
Tenemos una de las más celebres tentativas por comprender las proporciones del cuerpo humano. Sostiene que el ombligo es el centro del cuerpo, y que un círculo centrado en él debe tocar los dedos de las manos y los pies, teniendo los miembros extendidos. También señaló que la distancia entre la cima de la cabeza y la planta de los pies viene a ser igual a la distancia de los brazos en cruz, formando un cuadrado.


•Rafael Sanzio (1483 - 1520):
Si para Leonardo la relación figura-fondo se expresa a través de la lumisnosa atmosfera, Rafael se basa en la medida y la proporción, utilizando formas ovoides como si se tratara de módulos arquitectónicos. Él se inclina a seguir la estética Neoplatónica considerando al arte como un hecho mental.
Se focaliza en la pintura más que en otras manifestaciones artísticas, por los multiples encargos que tiene por parte de los Papas.

-La Escuela de Atenas:
cinquecento
Fue realizado entre 1509/10. El fondo está construido por una arquitectura de porporciones solemnes. En el centro de la composición aparecen dos figuras enmarcadas por una puerta con arco de medio punto. Se trata de Platón, quien bajo su brazo sostiene el "Timeo" y con el otro levantado señala el cielo con el dedo. La otra figura representa a Aristóteles, el cual lleva en una mano el volumen de la "Etica", mientras su otra mano señala el suelo. Así, en los gestos de ambos filósofos se expresa toda su doctrina, con lo que Rafael demuesra que capáz de exponer las ideas más complejas por medio de imágenes de gran simplicidad. Entre los personaes representados en esta obra, se ha podido reconocer a Sócrates, situado a la izquierda de los anteriores. El conjunto de este fresco es de una grandiosidad monumental; el resto de las figuras tambien corresponden a sabios y filosofos de la antigüedad. El análisis plástico de ésta obra nos lleva a observar que en él se ha perseguido un espacio de gran profundidad, integrando el cielo a través de una dirección que avanza.

•Miguel Angel Buonarroti (1475 – 1564) :
Asciende en el arte a una altura tal que antes de él no hay ningun ejemplo. Se siente tan responsable de su obra que renuncia a títulos y distinciones, para aceptar solamente a su tarea de artista.
Miguel Ángel no amó nunca los floridos paisajes de los quattrocentistas. Cuando el tema lo abligaba a representar la naturaleza, se limitaba al número imprescindible: una roca desnuda, un monte desolado o un tronco pelado, donde el hombre se enfrenta cara a cara con la primitiva creación. En Miguel Ángel la tensión espiritual es principal y se percibe con extraordinaria fuerza.
No se puede separar en Miguel Angel su obra pictórica de su obra de su obra escultórica. En primer lugar, porque él se consideraba escultor y no pintor –aunque su obra en éste último campo es excepcional- su pintura está marcada por un peculiar modo de sentir y expresar el espacio.

-La Sagrada Familia:
quattrocento
Conocida también como “Tondo Doni”, por su configuración circular. Los desnudos del fondo son interpretados como profetas y también como una contraposición entre el mundo pagano (los desnudos), y el cristiano, con los personajes del primer término que comprendían el cristianismo. Asimismo se hace una alusión directa al donante, por la postura de la Virgen que parece pedir a San José que le done (“doni”) el Niño.
Los recursos del lenguaje pictórico se manifiestan plenamente en esta obra, en el tratamiento de una perspectiva diversa, con un punto de fuga rebajado en las figuras del fondo con respecto al plano de las figuras principales.
El color es luminosos y llamativo, acentuando la articulación plástica de las masas, dando a la obra un clima de solemnidad.

-Bóveda de la Capilla Sixtina:
Realizada entre 1508 y 1512. Miguel Angel realiza estos frescos por encargo del Papa Julio II.
•Creación de Adán:
Trecento
Sin hacer uso de la perspectiva tradicional, la estructura de ésta obra es no sólo dinámica, sino de gran profundidad. El espacio es envolvente y la franja que corta diagonalmente la obra cuya mano se acerca al dedo de Dios, sin tocarlo, dando a la escena una mayor fuerza expresiva, aparece marcando la naturaleza propia de cada figura: Adán recostado lánguidamente en la roca desnuda y Dios generando el torbellino del acto creativo. La figura femenina que aparece debajo del brazo izquierdo del Padre y que es atribuida a Eva, sintetiza el sentido teológico de la eternidad del Creador, sin un antes y un después, la mujer ya estaba concebida.

•Sibila Délfica:
Historia del Arte: Renacimiento
Es la más admirada de la serie por su belleza física y viste como alusión a la cultura griega. Estilísticamente se relaciona con las Virgenes que realiza Miguel Angel en su juventud.

•Profeta Ezequiel:
da vinci
Por su actitud parece preso de agitación o cólera, indicando algo a la figura que está a su lado, al parecer un ángel.

•Juicio Final:
renacimiento
Es encargado por el Papa Clemente VII en 1534; el fresco debía tratar el tema de la Resurrección. Miguel Ángel trabaja con la corrección óptica en las casi 400 figuras, que tienen una altura que varía entre 250 cm y más para los personajes de la parte superior, y 155 cm para los de las inferiores.
En “El juicio final”, la figura de Cristo emerge gigantesca. Su potencia física está lejos de la concepción clásica. Los grupos, más espaciados en la parte inferior, se van haciendo densos en medida que ascienden. Esta inversión de la perspectiva, exaspera el movimiento; intensificando el contraste dramático de las masas de luz y sombra, que llega a la cima en el halo luminosos que como una espiral que expande su fuerza, tiene su origen en la figura de Cristo.



Escultura del Cinquecento
No es posible hablar de escultura renacentista italiana sin nombrar a uno de los más grandes e importantes artistas de esta disciplina (y no sólo del momento) como es Miguel Ángel; la calidad de su trabajo y su capacidad para obtener "vida" del mármol no puede, incluso a día de hoy, por menos que causar una completa admiración.
En él es posible encontrar los distintos registros que se sucederán a lo largo de este s.XVI, desde aquellas obras iniciales donde se acatan todas las reglas clásicas hasta el manierismo terrible, por completo visionario, de sus "esculturas inacabadas" (ejemplo de las cuales puede citarse la Pietá Rondanini).
Sus primeras realizaciones, alrededor del año 1500, siguen la línea típica del siglo XV: serenas dentro de su majestuosidad, claroscuro controlado, buen estudio anatomico pero sin exuberancias, y sobre todo un pulido muy acabado. Los esquemas en que se agrupan las figuras son geométricos y simples.
En esta etapa las esculturas de Miguel Angel se vuelven mas esbeltas y la melancolía se traduce en los rostros. Los fornidos torsos terminan en delicadas manos y pies, las cabezas son pequeñas; las líneas que envuelven a las figuras son ovaladas describiendo un eje en torno al cual se efectua un movimiento de rotación en espiral. El tratamiento plástico se vuelve sintetico.

-Pietá (Piedad):
rafael
realizada en 1498, es la única obra firmada por el artista. El rostro de la Virgen, reclinado hacia el Hijo sin vida humana, traduce una silenciosa firmeza; hay dolor, pero retenido por algo que es mas fuerte que es la angustia materna.
Utiliza una técnica de tallado de mármol muy complicada: la técnica de tallado directo (tallado en una sola pieza), lo que no permitía ningún tipo de corrección. La composición piramidal, esquema predilecto del Renacimiento, encierra figuras de la Virgen y Cristo, proporcionalmente más pequeño que María, expresando asi una derivación final y, al mismo tiempo, para no alterar la geometría del grupo piramidal. Con esta obra nace la gran escultura cristiana moderna, síntesis de la perfeccion helenística y de la espiritualidad medieval. Está perfectamente resuelta la dificultad para dar unidad a dos cuerpos adultos estando uno sentado y otro acostado.

-David:
leonardo
Se anticipa el gigantismo que caracteriza la obra de Miguel Angel, no solo en tamaño sino en la concepción heroica de los personajes; tiene 517 cm de altura.
Las virtudes de un personaje bíblico debían representar la nueva forma de gobierno: vigilancia, fortaleza, ira. La vigilancia estaría representada por la mirada que se dirige al lado izquierdo, considerado desde la Edad Media, el lado de mal. La fortaleza, a través de un cuerpo poderoso y una musculatura solida aunque idealizada. La ira se traduce en la expresión del rostro, con el ceño fruncido.
En las obras de gran tamaño Miguel Angel distorsiona las proporciones, para adaptarlas al lugar de observación de quien la contempla; así, si hacemos una toma frontal de la escultura, veremos que la cabeza es demasiado grande para el cuerpo, pero vista desde abajo la relación es correcta.

-El Moisés:
Miguel Angel
Moisés es un ser cósmico. Resulta evidente los elementos de que se halla formado el hombre según los antiguos: el cabello es una llamarada, la barba una cascada, los miembros y paños (sobre todo el que está en la pierna derecha), las rocas, es decir la tierra misma.
Miguel Angel acentua el contraste entre los dos lados de la figura: a la izquierda, el lado de las fuerzas del mal contra las que se revela Moises, con formas abiertas y móviles; a la derecha líneas severas, cerradas, la estabilidad consciente en que se apoya. El drama interior se traduce en la flamígera cabellera, en el ceño fruncido de la frente abultada y en la mirada pesada de los ojos hundidos.


Fuentes:
http://es.wikipedia.org/wiki/Arte_del_Renacimiento
http://www.monografias.com/trabajos13/histarte/histarte.shtml#ARTE
http://www.arteespana.com/cinquecentoitaliano.htm
Y mi cuadernillo de la facultad


Espero que les sirva y les haya gustado. Pido disculpas si hay algun error de ortografía, es porque copié una parte de un cuadernillo de la facultad (como ya dije en las fuentes). Si les parece que falta algo, o hay alguna obra o dato relevante para agregar, me avisan y lo agrego!

27 comentarios - Historia del Arte: Renacimiento

@nahupunk
muy buen post me re salvaste las papas........
@22Guillo22 +1
Impresionante, muchas gracias, habria que premiar estos posts, te dejaria puntos, pero soy novato..... te felicito.
@juan_ig007
copaaaaaadoo esto me lo estudie yo pa rendirr en diciembre
me saque un 8

pero me hacs acordar
hdp
toma 10
@kriswe10 -1
no me spamees el correo de taringa
ya arto he aguantado teniendo lleno
de mierda el del msn
@diosloki
mui buena info enceserio mis 10+ para vos

suerte, espero que llegues a nuevo usser
@ju4n107
Muy bueno, Aca te dejo un blog que encontre que es de dibujo, esta excelente


WWW.DIBUJO-WEB.BLOGSPOT.COM



:D :D :D :D :D :D :D :D
@LEPANTO
Buen post. Van 10 puntos
@nico_patas
MUY GROSA TU INFOOO
ME RE SRIER A MI TMB PARA LA FACU, ME LO LLEVO A FAVORITOS
HOY ME QUDE SIN PUNTOS SINO TE DABA
UN ABRAZO!
@TSP09
CAPO! Muchas gracias! Me es muy util para el cole (voy al Monserrat) y estamos viendo esto.. muchas gracias, TE DEJO MIS 10
@josprieto
Recontra bueno el post !! Te doy todo, lo vale...... van mis 10
@hosen
Muy buen post!!
@Mati_21_10
Mati_21_10 dijo:podes poner imagenes

perdon, no las habia visto por q no se habian cargado
@negramurguera
Muy bueno, bien completo
Gracias por compartir
@gringuito008
Excelente, rindo en febrero y estoy recopilando info para leer en las vacaciones del laburo! +10, un beso!
@pabloxd_65
gringuito008 dijo:Excelente, rindo en febrero y estoy recopilando info para leer en las vacaciones del laburo! +10, un beso!

ESTOY IGUAL
@nick009988 +1
gracias genio esta re completo esto me viene de diez para la lección de mañana