(Michelangelo Buonarroti) 1475-1564

Nació en Caprese, Florencia, Italia. Insigne pintor, escultor, arquitecto y poeta del ranacimiento italiano. Maestro destacado por su colaboración en el desarrollo del arte occidental. Sin duda es este el artista al cual todos sus contemporáneos y siguientes quieren emular.

Sus primeros pasos serios en la pintura, fueron en el estudio de Ghirlandaio, otro de los maestros superdotados italianos, quien quedaba estupefacto al ver las creaciones de Miguel Angel, las cuales no imitaban las suyas como otros discípulos de su academia.

A los 22 años Miguel Angel esculpe para el Vaticano: La Pieta (La Piedad, mármol de 174 centímetros de alto y ancho de 195), en la Basílica de San Pedro, obra incomparable en la historia del arte europeo. A esto se suman los frescos que pinta en la Capilla Sixtina, admirados desde su creación.



- Miguel Ángel - Algunas Pinturas e Interpretaciones
Ignudi

Fecha:1509
Museo:Capilla Sixtina (Roma)
Material: Fresco


Los expertos sitúan este Ignudi en la órbita de Luca Signorelli, una de las fuentes que inspiró a Miguel Ángel en la ejecución de sus trabajos. La figura hace pareja con otro Ignudi en el espacio de la Sixtina dedicado a la Embriaguez de Noé, ubicándose ambos sobre el Profeta Joel. El escorzo al que se somete la figura contrasta con la serenidad del rostro, manifestándose las cualidades de Buonarroti al estar más interesado por la exaltación de la potencia física que por las expresiones, enlazando con su faceta de escultor.


italia
Achim-Eliud

Fecha:1511-12
Museo:Capilla Sixtina (Roma)
Características:
Material: Fresco
Estilo:Renacimiento Italiano


Para la ejecución de este luneto Miguel Ángel empleó cuatro jornadas: una para la cartela sobre la cornisa, otra para el grupo de la derecha y dos para el grupo de la derecha. Los datos bíblicos sobre Achim y Eliud son bastante escasos considerándose que serían las dos figuras que encontramos en la izquierda presentadas como un anciano recostado y un niño. En la derecha aparecería la madre de Eliud dando de comer a un hijo menor. Las posturas de las figuras adquieren un significativo movimiento, manifestando acentuados escorzos que anticipan el Manierismo, destacando su potencia escultórica al acentuar su anatomía bajo los paños plegados. La fuerza del rostro del anciano indica la capacidad de Buonarroti para transmitir expresiones en sus obras, no limitándose a ofrecer un excelente dibujo y un atractivo colorido. El deseo de romper el marco arquitectónico se pone de manifiesto al proyectar el pie del anciano hacia el espectador y los paños donde se sienta la mujer. Este luneto se ubica en la pared derecha de la capilla respecto del altar, entre Jacob-Joseph y Zorobabel-Abiud-Eliachim.


obras
Aminabad

Fecha:1511-12
Museo:Capilla Sixtina (Roma)
Material: Fresco


El príncipe de los levitas Aminabad aparece sentado frente al espectador en la zona izquierda del primer luneto de la pared izquierda respecto al Juicio Final. A su lado encontramos a una joven que se peina en una postura contraria, mostrando un cierto gesto de melancolía. Los paños de la mujer se ciñen a su cuerpo dejando apreciar su potente anatomía casi masculina, creando un espectacular escorzo con la tensión de su cuerpo y dotándola de volumetría al cruzar sus piernas y proyectar el brazo hacia el espectador al igual que ocurre con Aminabad cuya perspectiva frontal está resuelta con maestría, obteniendo una figura con gran volumen. Ambas figuras aparentemente aisladas parecen buscarse con la mirada, pudiendo tratarse de algún significado hasta hoy oculto.


vaticano
Asa y sus padres

Fecha:1511
Museo:Capilla Sixtina (Roma)
Material: Fresco



En los triángulos y los lunetos de la Capilla Sixtina, Miguel Ángel situó las escenas relativas a los antepasados de Cristo. En esta escena que contemplamos el padre del futuro rey Asa aparece en primer plano desconsolado, recibiendo el apoyo de su hijo mientras la madre queda en penumbra. Resulta sugerente el contraste entre los brillantes colores de primer plano y las sombras profundas del fondo pasando casi desapercibidas las figuras del pequeño y su madre. Una vez más los escorzos se adueñan de la composición, adaptándose las figuras al marco para crear una mayor sensación de intimidad. Por eso los especialistas consideran que en esta serie Buonarroti se permitió una mayor libertad creativa debido a su importancia secundaria en el conjunto. Roboam y sus padres es su compañero, formando conjunto con la Creación de Adán.


renacimiento
Asa-Josaphat-Joram

Fecha:1511-12
Museo:Capilla Sixtina (Roma)
Material: Fresco


El luneto de Asa-Josaphat-Joram se encuentra ubicado en la pared izquierda de la Capilla Sixtina respecto al Juicio Final, entre Ezequías-Manasses-Amon y Jessé-David-Salomón. La figura de la izquierda del conjunto se identifica con Josaphat mientras que en la derecha hallamos una escena maternal donde se identifica a Joram como el pequeño que abraza a la madre con más violencia debido al agresivo carácter que manifestó de adulto. El gesto caricaturesco de Josaphat y el dinamismo del grupo maternal hacen de este luneto uno de los más atractivos de la serie.


pintor
Azor-Sadoch

Fecha:1511-12
Museo:Capilla Sixtina (Roma)
Material: Fresco


Los especialistas han querido ver un autorretrato de Miguel Ángel en la figura del hombre que se sitúa en la zona derecha del luneto, como si se tratara de un filósofo clásico en sintonía con los que pintara Rafael en la Escuela de Atenas. Al apenas existir datos bíblicos sobre estos antepasados de Cristo no se han efectuado interpretaciones en relación con los personajes. El movimiento provocado por el escorzo en las posturas de las figuras parece preludiar el futuro Manierismo, destacando también el brillante colorido y la volumetría gracias a esos rotundos cuerpos que se intentan ocultar bajo los pesados ropajes.


escultor
Bacanal de amorcillos

Fecha:1533 h.
Museo:Royal Library, Windsor Castle
Características:27´4 x 38´8 cm.
Material: Dibujo


Son numerosos los dibujos conservados de Miguel Ángel donde demuestra su facilidad en esta faceta del arte que también se aprecia en sus pinturas como se puede admirar en los Ignudi de la Sixtina. La preocupación de Buonarroti hacia el movimiento es recogida en esta bacanal infantil donde los amorcillos aparecen en las más disparatadas posturas, creando una sensación de dinamismo insuperable. Los cuerpos agotados de los sátiros de primer plano contrastan con el movimiento de los pequeños, especialmente los que transportan un equino en el centro de la composición, interesándose el maestro por las expresiones de cada uno de ellos. La capacidad narrativa de Miguel Ángel sabe manifestar la tensión del ambiente, contando la historia con gran acierto. Con este tipo de composiciones se anticipará al Manierismo.


Miguel Angel
Batalla de Cascina

Fecha:1505-06
Museo:Colección Particular
Material: Dibujo


En 1504 el regidor de la República de Florencia, Soderini, encargaba a Miguel Ángel un cartón con la Batalla de Cascina que sirviera como precedente al fresco que decoraría la sala del Consejo del Palacio "Vecchio" de la capital toscana. En la pared de enfrente se situaría la Batalla de Anghiari que ya se había encargado a Leonardo, convirtiéndose la sala en el lugar donde competirían artísticamente los mejores creadores de la ciudad. Buonarroti inició los trabajos en marzo de 1505, acabándolos hacia el mes de noviembre del año siguiente; el cartón se ejecutó en una estancia del hospital "dei Tintori" en San Onofre, junto a la iglesia de Santa María Novella, desde donde se llevó a su destino. En la segunda mitad del siglo XVI fue dividido en varios fragmentos que se han ido perdiendo, encontrándose en la actualidad copias parciales como ésta que contemplamos, realizada posiblemente por Aristoteles da Sangallo, apuntándose también a Bastiano da Sangallo. Algunos especialistas consideran que Miguel Ángel inició la ejecución del fresco que fue interrumpida de manera inmediata, quedando el encargo sin realizar por parte de ninguno de los dos maestros.La historia que se recoge en la Batalla de Cascina está inspirada en la "Crónica" de Filippo Villani que narra los hechos acaecidos el 29 de julio de 1364 cuando el jefe de las tropas florentinas que iban a atacar Pisa, Galeotto Malatesta, se sitúa a seis millas de la ciudad, en los lugares de Cascina. El calor reinante provoca que los soldados se despojen de sus armas y se bañen en el Arno, momento que sería aprovechado por los pisanos para atacar. Pero Marino Donatti dio la alarma, resolviéndose el enfrentamiento a favor de los florentinos.Buonarroti ha sabido interpretar en esta composición la tensión de una batalla y el movimiento, utilizando figuras desnudas para su ejecución, conservándose algún dibujo preparatorio apreciándose la calidad y firmeza del trazo para obtener una obra maestra del Renacimiento.


online
Capilla Sixtina. Bóveda

Fecha:1509-11
Museo:Capilla Sixtina (Roma)
Material: Fresco


Cuando Julio II accedió al trono papal en 1503 decidió enriquecer la decoración de la bóveda, encargando seis años más tarde los trabajos a Miguel Ángel quien empleó tres años en la realización. Buonarroti elaboró en tres periodos sus frescos; el primero entre enero y septiembre de 1509; el segundo entre septiembre de 1509 y septiembre de 1510; y el tercero y último entre enero y agosto de 1511. Trabajaría sólo, sin ninguna colaboración de ayudantes, sin permitir ningún acceso a la capilla durante su labor. Parece ser que Julio II había pensado en una serie de doce Apóstoles como temática de la bóveda pero fue cambiada para representar diversos asuntos del Antiguo Testamento junto a una serie de sibilas y profetas que hablaron de la llegada de Cristo. En los lunetos sobre las ventanas y en los triángulos por encima de éstos se situarían los antepasados de Cristo mientras en las pechinas de la bóveda se narrarían cuatro historias de la salvación del pueblo de Israel. La bóveda fue dividida en nueve compartimentos que narrando una escena bíblica cada uno, alternando grandes espacios con otros más menudos que se acompañan de ignudis, jóvenes desnudos en sintonía con la estatuaria clásica. La Creación de la Luz, la Creación de las plantas y los astros, la Creación del mundo, la Creación de Adán, la Creación de Eva, el Pecado Original y la Expulsión del Paraíso, el Sacrificio de Noé, el Diluvio Universal y la Embriaguez de Noé son las diferentes escenas que van de pared a pared de la bóveda, distribuidos en una decoración arquitectónica de pilastras y entablamentos fingida. Miguel Ángel siguió de esta manera las bóvedas de los monumentos romanos, cubriendo con su pintura todo el espacio, tratando de engañar al espectador.


arte
Castigo de Amán

Fecha:1511
Museo:Capilla Sixtina (Roma)
Material: Fresco


El Castigo de Amán y la Serpiente de bronce son las historias que recogen las pechinas situadas en la pared del Juicio Final, frente a Judith y Holofernes y David y Goliat. Los especialistas consideran a las primeras como realizadas en último lugar, fechándolas en 1511, interesándose Miguel Ángel en toda la serie por el movimiento y el dramatismo del momento, sin perjuicio del color.La escena que contemplamos está inspirada en el texto bíblico de Esther. Mardoqueo tuvo un sueño en el que se le mostró de forma simbólica el peligro y la liberación que iba a pasar el pueblo judío. Mardoqueo descubrió al rey Asuero por medio de la bella Esther una conspiración de los eunucos patrocinada por Amán, el primer ministro. Amán se propuso exterminar a los judíos y logró un decreto del rey para obtener su objetivo pero Mardoqueo, valiéndose una vez más de Esther, consiguió cambiar la opinión de Asuero y fue el ministro Amán el condenado al patíbulo. Miguel Ángel recoge en la pechina tres momentos de la historia: a la derecha el rey Asuero mandando venir a Mardoqueo para ofrecerle una recompensa; a la izquierda el consejo celebrado por el rey para castigar a Amán, y en el centro el castigo de Amán, clavado en una cruz aunque en la Biblia se habla de su ahorcamiento. Algunos especialistas consideran que esta escena tiene una alusión directa a las intrigas cortesanas que se daban a menudo en la corte pontificia.Lo más significativo del conjunto es el escorzado movimiento de las figuras, especialmente Amán y Asuero en su lecho, destacando la potente anatomía de las figuras desnudas inspiradas en las estatuas clásicas, aludiéndose al grupo helenístico del Laoconte.


Imágenes
Caída de Faetón

Fecha:1533
Museo:Royal Library, Windsor Castle
Características:41´3 x 23´4 cm.
Material: Dibujo


Faetón era, según la mitología griega, hijo del Sol y de Climena. Su deseo fue conducir el carro de su padre durante un día pero su inexperiencia le llevó a provocar una catástrofe. Los caballos del carro del Sol, cuando descubrieron que su dueño no era el guía, se lanzaron a un rápido camino que provocó el incendio de la Tierra y la casi eliminación del Universo. Júpiter puso fin a la loca carrera disparando su rayo contra el carro que cayó sobre la tierra convertido en bola de fuego. El misterioso río Erídamo le acogió en sus aguas.Miguel Ángel interpreta en este dibujo el mito de Faetón colocando en la parte superior de la composición a Júpiter lanzando el rayo, los caballos cayendo junto a Faetón en el centro mientras en la parte baja de la escena contemplamos a Erídamo tumbado junto a una vasija de la que brota agua y a las hermanas de Faetón, las Heliadas, que acudieron a llorar a su tumba y fueron convertidas en álamos en la orilla del río. La violencia y el movimiento se adueñan del episodio, manifestando Buonarroti su maestría en la interpretación del cuerpo humano desnudo y en la consecución del movimiento violento, consiguiendo con la caída de los caballos y del joven uno de los escorzos más sugerentes de la historia.


óleo
Conversión de San Pablo

Fecha:1542-45
Museo:Capilla Paolina (Roma)
Material: Fresco


La situación de esta pintura, pareja de la Crucifixión de San Pedro, es sumamente inverosímil y se ha tratado en el comentario al citado fresco de San Pedro. En esta ocasión nos referiremos a las características estéticas del fresco, igualmente aplicables a su pareja. Las limitaciones del espacio debieron justificar en parte la aglomeración de personajes y la confusión general que reina en la composición. Pero también debemos pensar que se trata de algo deliberado por parte del autor, que está narrando un episodio traumático de la vida de San Pablo, cuando perseguía a los cristianos y el rayo de Dios le cegó hasta que se convirtió a la fe. El séquito de San Pablo, formado por soldados y criados, está en medio de un impresionante revuelo. La mano de Cristo señala a Pablo, caído en el suelo y cegado por la luz divina. Todos los personajes, soldados y caballos, se alejan del centro como sacudidos por una explosión y Pablo queda solo y desvalido en el centro, ayudado por uno de sus hombres. El resto trata de protegerse los ojos con manos y escudos, mirando con desconcierto al cielo. Muchas figuras están de espaldas, una pose predilecta en Miguel Ángel que de esta manera realizaba minuciosos estudios anatómicos de formas atléticas y musculosas. El caballo en escorzo, del que vemos los cuartos traseros, está inspirado directamente en los caballos de las Batallas de Paolo Ucello, que sirvieron de modelo para casi todos los pintores del Renacimiento, incluidos Leonardo da Vinci o Alberto Durero. El cielo, con Cristo bajando con un poderoso impulso entre sus ángeles y corte divina, retoma la idea del Juicio Final, con una estructura en remolino ascendente por un lado, y descendente por el otro.


capilla sixtina
Creación de Adán

Fecha:1510
Museo:Capilla Sixtina (Roma)
Material: Fresco


La Creación de Adán ha marcado la mirada del hombre desde el momento en que se pintó hasta nuestros días. Esta imagen ha sido determinante en la formación del arte tal y como hoy lo entendemos, y es considerada la alegoría más sugerente y poética del origen del ser humano como ser que participa en la divinidad, sea cual sea ésta. La Creación de Adán sigue el mismo método de representación que la Creación de Eva, fingiendo dos planos de realidad, uno de los cuales es la misma realidad del espectador. Dios, tras haber creado luz y agua, fuego y tierra, a todos los animales y seres vivos, decide crear un ser a su imagen y semejanza, crearse de nuevo a sí mismo. Dios llega a la tierra en una nube, rodeado de ángeles y envuelto en turbulencias que crea su mismo poder irresistible. En tierra, la figura de Adán ya está modelada, esperando ser insuflada de vida. Adán está totalmente pegado a la tierra, como surgiendo de ella: su mano se levanta débilmente, sin fuerza propia, sin objetivo. Y en ese punto el dedo de Dios concentra toda la fuerza terrible de la creación para transmitirla a su criatura y convertirla en lo que es. El detalle aislado de las dos manos resume en sí mismo el misterio de la creación, de la vida humana.


Caprese
Creación de Eva

Fecha:1509-10
Museo:Capilla Sixtina (Roma)
Material: Fresco


En esta imagen se mezclan y confunden dos métodos diferentes de pintar la figura humana: por un lado, los personajes de la escena central, vistos frontalmente según los códigos tradicionales de la pintura como una ventana a la realidad. Esta imagen debía ser vista desde el suelo, a varias decenas de metros de altura, totalmente en vertical. Rodeando el marco de este cuadro fingidamente sujeto al techo, hay otras figuras de mayor tamaño, vistas en escorzo, como si fueran personas reales que se sujetan al techo y a las que podemos ver en diagonal y en relieve; están distribuidas por todo el techo sin seguir las normas de representación de la perspectiva geométrica. Miguel Ángel está planteando un trampantojo, una imitación de la realidad en el espacio pintado. Según su propuesta, en el techo de la Capilla Sixtina, los profetas, los ángeles y las sibilas están sosteniendo los cuadros que narran la historia sagrada para que el fiel lo vea.


- Miguel Ángel - Algunas Pinturas e Interpretaciones
Creación de la luz

Fecha:1511
Museo:Capilla Sixtina (Roma)
Material: Fresco


En el Génesis (1, 19) se narra el episodio central de esta escena: "Al principio creó Dios el cielo y la tierra. La tierra era soledad y caos y las tinieblas cubrían el abismo, pero el espíritu de Dios aleteaba sobre las aguas. Entonces dijo Dios: "Haya luz", y hubo luz. Vio que la luz era buena y la separó de las tinieblas, y llamó a la luz día y a las tinieblas noche. Hubo así tarde y mañana: Día primero". La figura del Creador, en un sensacional escorzo, se afana en realizar la separación, ofreciéndonos Miguel Ángel la superficie sobre la que hallamos a Dios dividida en luz y tinieblas. Viste una túnica rosácea, al igual que en la Creación de las plantas y los astros, donde observamos espectaculares reflejos lumínicos que convierten el color en blanco. Alrededor de la escena central encontramos a cuatro ignudis en variadas posturas rompiendo con la simetría de las primeras escenas. Las figuras desnudas sujetan los broncíneos medallones y las guirnaldas vegetales, exhibiendo una potencia anatómica de gran belleza, anticipando con sus escorzos el Manierismo y el Barroco.


italia
Creación de las planetas y los astros

Fecha:1511
Museo:Capilla Sixtina (Roma)
Material: Fresco


En el Génesis (1, 14-20) se nos narra de la siguiente manera la creación de los astros: " Después dijo Dios: "Haya luminares en el firmamento que separen el día de la noche, sirvan de signos para distinguir las estaciones, los días y los años, y luzcan en el firmamento del cielo para iluminar la tierra". Y fue así. Hizo, pues, Dios dos luminares grandes, el mayor para el gobierno del día y el menor para el gobierno de la noche, y las estrellas. Los colocó Dios en el firmamento del cielo para iluminar la tierra, regular el día de la noche y separar la luz de las tinieblas. Y vio Dios que esto era bueno. Hubo de nuevo tarde y mañana: Día cuarto". Este episodio del Génesis ha sido pintado por Miguel Ángel en la zona derecha de la composición, presentándonos a Dios con las brazos abiertos creando con su dedo hacedor el sol y la luna, acompañado de un amplia corte de angelotes. En la zona de la izquierda hallamos una figura de espaldas que vuelve a ser Dios creando ahora las plantas según el Génesis (1, 11-14): "Dijo después Dios: "Produzca la tierra hierbas, plantas sementíferas de su especie y árboles frutales que den sobre la tierra frutos conteniendo en ellos la simiente propia de su especie". Y fue así. Produjo la tierra hierbas, plantas sementíferas de su propia especie y árboles frutales que dan fruto conteniendo en ellos la simiente propia de su especie. Y vio Dios que esto era bueno. Hubo de nuevo tarde y mañana: Día tercero". Algunos estudiosos han visto en la figura de espaldas al Caos en fuga o la Noche, siendo más correcta la interpretación de unificar los días tercero y cuarto de la creación en una sola escena, algo muy habitual en el mundo gótico.Las figuras que representan a Dios no pueden estar más escorzadas, mostrando Miguel Ángel la fuerza divina de la creación a través de la potencia escultórica del hacedor. Los personajes flotan en el aire y las telas que visten se ciñen a su cuerpo para manifestar su potente anatomía, exhibiendo Buonarroti un soberbio dibujo. Tras la reciente restauración - limpiando el fresco de repintes posteriores y pegamentos adheridos - se puede apreciar la delicada gradación de los grises y violetas que afectan a la túnica del Creador, utilizando el foco del sol para proyectar luz en los rostros de Dios y los ángeles de su corte. Miguel Ángel pintó esta escena en siete jornadas empezando por la esquina superior derecha. Los discos del sol y la luna fueron pintados directamente sobre el "intonaco" con un compás.


obras
Creación del Mundo

Fecha:1511
Museo:Capilla Sixtina (Roma)
Material: Fresco


Las primeras pinturas de la Capilla Sixtina de Miguel Ángel eran de 1509, como el profeta Zacarías. Ya entre 1510 y 1511 Miguel Ángel había empezado las escenas principales del Génesis, rematando la creación del hombre y la mujer. Los trabajos eran lentos y penosos, y Miguel Ángel apenas contó con ayuda de sus discípulos; además, el artista pretendía seguir trabajando en su proyecto faraónico para la tumba esculpida de Julio II. Este proyecto constituía el máximo interés del artista, pero Julio II no dejaba de presionarle para que terminara la Capilla Sixtina, que Miguel Ángel odiaba por apartarle de sus tareas. Sin embargo, la obra por la que ha pasado a la fama de la Historia es sin duda este techo y la pared del altar, pintados al fresco con una maestría nunca más igualada. En la escena que contemplamos, el artista pinta a Dios emergiendo del caos confuso previo a su palabra, para separar las aguas de las tierras y de este modo crear el mundo por la sola acción del verbo. Sin embargo, Miguel Ángel traduce el efecto de la palabra en un gesto poderoso, en el que Dios separa ambas manos, cada una de ellas recipientes de poder, como si fueran dos mundos opuestos que han de ser arrojados cada uno a un lado del universo. Para hacernos una idea de la continuidad de las diversas escenas en el techo de la Sixtina, indicaremos que el hombre y la mujer presentes en la parte superior de la imagen son los mismos de la parte inferior de la Creación de Adán.


vaticano
David y Goliat

Fecha:1509
Museo:Capilla Sixtina (Roma)
Material: Fresco


En la pechina derecha de la pared frente al Juicio Final encontramos esta famosa escena bíblica (I Samuel, 17) donde el joven David vence al gigante Goliat en combate al noquearle con una piedra lanzada con su honda. El momento elegido por Buonarroti es la decapitación de Goliat con su propia espada, escena contemplada por varias figuras en el fondo, desproporcionadas en relación con David y la perspectiva tradicional. El episodio está cargado de acción y movimiento al recurrir a dos figuras escorzadas de gran potencia anatómica, recortadas ante la tonalidad blanca de la tienda de campaña que sirve de fondo. La intensidad dramática del momento se refuerza con la iluminación empleada al crear contrastes de luz y sombra que recuerdan a Leonardo, destacando la intensidad de las ropas de ambos contendientes.


renacimiento
Descenso en el sepulcro

Fecha:1511 h.
Museo:National Gallery de Londres
Características:159 x 149 cm.
Material: Oleo sobre tabla


Las modificaciones y los añadidos al óleo que aparecen en esta tabla impiden atribuirla con absoluta certeza a Miguel Ángel, considerándose que podría ser un trabajo de un discípulo - apuntándose a un tal Carlo - bajo la atenta mirada del maestro. La composición está inspirada en Mantegna, continuando con el empleo de figuras escultóricas, de gran potencia anatómica, muy del gusto de ambos artistas. Las figuras ocupan la mayor superficie del espacio, quedando una diminuta franja al fondo para el paisaje donde observamos las montañas transparentes que aparecen en las obras de Leonardo y Rafael.


pintor
Desnudo masculino

Fecha:1505-06
Museo:Colección Particular
Material: Dibujo


Son numerosos los dibujos conservados del cartón de la Batalla de Cascina, encargado a Miguel Ángel para la decoración de la sala del Consejo en el palacio de la "Segnoria" en Florencia. En este soldado de espaldas podemos advertir la admiración del maestro por la anatomía humana desnuda que más tarde continuará en los Ignudis de la Sixtina. La seguridad y firmeza de los trazos indican la maestría de Buonarroti, quien llegó a diseccionar cadáveres de manera subrepticia para conocer mejor la estructura del cuerpo humano y poder así representarlo con mayor verismo.


escultor
Diluvio Universal

Fecha:1509
Museo:Capilla Sixtina (Roma)
Material: Fresco


Siguiendo al biógrafo Condivi, la escena del Diluvio Universal fue la primera que Miguel Ángel pintó en la bóveda de la Sixtina. Las diferencias en la calidad de la ejecución entre las diversas partes del fresco indican que inicialmente el maestro se encontró con variadas dificultades en relación con la técnica y con los ayudantes que pensó en contratar, considerando más tarde trabajar en solitario para lo que se encerró en la capilla sin permitir acceder a nadie, aunque algunas manos sí trabajaron en este fresco como su buen amigo Granacci o Bugiardini.El Diluvio se incluye entre los episodios bíblicos inspirados en la vida de Noé al considerar a este patriarca como una prefiguración de Cristo. Su narración está inspirada en el Génesis (6-8) y Buonarroti nos presenta al fondo de la composición el Arca y una nave repleta de personas que intentan salvarse de las aguas. En la zona de la derecha la cima de un monte emergido sobre las aguas sirve de refugio a un grupo que se cubre con una tela a modo de tienda mientras que en la izquierda otro grupo de refugiados intentan su salvación, manifestándose todo tipo de reacciones en sus rostros: rabia, angustia, temor, piedad, egoísmo, amor ...


Miguel Angel
Embriaguez de Noé

Fecha:1509
Museo:Capilla Sixtina (Roma)
Material: Fresco


La embriaguez de Noé es la historia que se narra en el primer compartimento de la bóveda de la Capilla Sixtina, situándonos en la pared frente al altar. La escena se presenta en el centro del espacio, acompañada por cuatro ignudis que sostienen dorados medallones. Noé duerme borracho y desnudo junto a un gran tonel, escena que es contemplada con burla por su hijo Cam mientras Jafet cubre la desnudez del padre y Sam reprocha al burlador. En el fondo encontramos al patriarca sembrando la vid, considerándose que los efectos del vino son asociados al trabajo rural. Como en todo el conjunto, la composición se caracteriza por la potencia anatómica de las figuras desnudas, recordando a los relieves antiguos, lo que indica la mentalidad escultórica de Miguel Ángel. Las iluminaciones son potentes, creando contrastes de claroscuro, obteniendo así una mayor intensidad dramática en la narración. La aparición de Noé en la iconografía está justificada por su papel como prefiguración de Cristo.Los ignudi refuerzan la idea del relieve al situarse en perspectiva ante la escena bíblica para crear un espacio fingido e inexistente, manifestando unas sensacionales posturas escorzadas. El desnudo de la zona inferior derecha se ha perdido por las filtraciones de agua que ha sufrido la capilla a lo largo del tiempo.


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Expulsión del Paraíso

Fecha:1509-10
Museo:Capilla Sixtina (Roma)
Material: Fresco


Miguel Ángel situó en esta escena dos episodios del Génesis (3): la tentación y la expulsión del Paraíso de la misma manera que se venía haciendo en el mundo gótico. En la zona izquierda de la composición hallamos a los primeros padres junto al árbol de la tentación en cuyo tronco se enrosca una serpiente con tronco femenino que entrega el fruto a Eva, recostada sobre unas rocas exultante de belleza - inspirándose el maestro en la antigüedad clásica - mientras que Adán parece intentar evitar la tentación. En la derecha se ubica la expulsión del Paraíso protagonizada por un ángel vestido con una túnica roja que espada en ristre procede a arrojar a los pecadores del Edén, destacando sus rostros de tristeza y el envejecimiento de Eva. Ambas escenas tiene lugar al aire libre, recortándose las figuras sobre un fondo celeste, destacando los escorzos y el movimiento que manifiestan.Las figuras están inspiradas en Jacopo della Quercia; sus anatomías son potentes, escultóricas, volumétricas, perfectamente dibujadas por el maestro que también se preocupa por sus expresiones, dotando de fuerza, energía y tensión a los diferentes momentos que nos presenta, recurriendo al color como elemento transmisor de sensaciones. El interés narrativo que Buonarroti nos presenta también resulta interesante, obteniendo una composición muy acertada en la que se aprecia la primacía del cuerpo humano desnudo, enlazando con los principios escultóricos que él siempre manifestará.


arte
Ezequiel

Fecha:1510
Museo:Capilla Sixtina (Roma)
Material: Fresco


Miguel Ángel se encontró con un enorme espacio a cubrir con sus pinturas. Las escenas no podían ocupar por sí mismas el techo sin quedar sueltas, sin coherencia, por lo que el artista decidió pintar el techo con una falsa estructura arquitectónica, entre cuyos elementos colocó ignudi (hombres fuertes desnudos), putti (angelitos y amorcillos), efebos (adolescentes), profetas y sibilas, fingiendo ser reales, es decir, vistos en escorzo como si estuvieran realmente apoyados en aquellas estructuras fingidas. En el centro, y a modo de cuadros rectangulares pegados al techo, las escenas del Antiguo Testamento y el Génesis. A un lado de la bóveda están los principales profetas del Antiguo Testamento. Ezequiel se aproxima a la llegada de Dios y ha abandonado sus textos para escuchar a los ángeles niños que le susurran la venida del Mesías y la proximidad del Juicio Final.


Imágenes
Juicio Final

Fecha:1537-41
Museo:Capilla Sixtina (Roma)
Características:1370 x 1220 cm.
Material: Fresco


La zona superior de la composición, más de la mitad de la pared, está ocupada por el mundo celestial presidido por Cristo como juez en el centro de la escena, inicialmente desnudo y en una postura escorzada, levantando el brazo derecho en señal de impartir justicia y cierto temor a los resucitados. A su lado, la Virgen María, rodeadas ambas figuras por un conjunto de santos, apóstoles y patriarcas que constituyen el primer grupo circular. A ambos lados de este grupo central diferentes mártires, vírgenes, bienaventurados y Confesores de la Iglesia forman una segunda corona. En los lunetos superiores aparecen dos grupos de ángeles que portan los símbolos de la Pasión: la corona de espinas, la cruz y la columna, ofreciendo las más variadas posturas y reforzando la sensación general de movimiento. Buonarroti quiso representar de esta manera la salvación de la Humanidad a través de la llegada de Cristo en la parte más elevada de la pared. A los pies de Cristo se sitúan dos santos que ocupan un lugar privilegiado: San Lorenzo, que porta la parrilla de su martirio, y San Bartolomé, con una piel que alude a su muerte, apreciándose en su rostro un autorretrato del pintor. En la zona intermedia podemos encontrar tres grupos; en la izquierda, los juzgados que ascienden al Cielo mientras que en la parte contraria se ubican los condenados que caen al Infierno, ocupando los ángeles trompeteros el centro para despertar a los muertos de la zona inferior que se desarrolla en el espacio izquierdo de este último tramo. En la zona inferior derecha hallamos el traslado de los muertos en la barca de Caronte ante el juez infernal Minos -la figura de la esquina con serpientes enrolladas alrededor de su cuerpo- y la boca de Leviatán. La escena se desarrolla sin ninguna referencia arquitectónica ni elemento de referencia, emergiendo las figuras de un azulado cielo donde flotan con una energía y seguridad difícilmente igualables.





Fuente http://www.artehistoria.jcyl.es/genios