Hola acá les dejo mi primer post (q emoción!!!!) jajaj bueno espero q alguien lo disfrute y les sea útil.
Prometo que el proximo va con imágenes así no es tan pesado

Ejemplos de las presentaciones de colecciones de moda de la actualidad
En esta última década las presentaciones de colecciones de moda han apostado fuertemente a la creatividad. Para realizar el siguiente análisis he escogido algunos de los diseñadores que ha mi criterio han sido los más destacados e innovadores en la forma de presentar sus colecciones.

Alexander McQueen

Ha sido uno de los diseñadores más innovadores por la forma de presentar sus colecciones, las cuales siempre han tenido un fuerte impacto en la moda y ha sabido combinar en de manera equilibrada la pasarela con el arte del performance. El uso de la tecnología es una característica destacada de la firma combinado con inspiración de artistas plásticos son recursos que ayudan a comprender y contextualizar la inspiración utilizada por el diseñador.
Algunos de sus presentaciones más innovadoras:
SS 1999 “Weird Science” texto extraído de www.semioticadelamoda.blogspot.com
“Dentro de su colección primavera/verano de 1999 Mcqueen presenta Weird Science, uno de sus “espectáculos” más aclamados. La modelo Shalom Harlow aparece sobre una plataforma giratoria llevando una falda blanca a modo de vestido. Curiosamente, la falda se convierte en un lienzo en el momento en que dos robots comienzan a rociarla con sprays aleatoriamente.
El diseñador lleva así al ámbito de la creación de Moda la reflexión que proponía la instalación Les Amants (1991) de Rebecca Horn dentro del mundo del arte, en la que dos robots se acercan simulando una relación amorosa mientras pintan aleatoriamente una pared blanca. ¿Qué hace única a una obra de arte o a una prenda de moda?, ¿su exclusividad, su creador, la idea o es simplemente lo fortuito? En el caso de Mcqueen, importa el gesto de la modelo. Primero asustada por el acecho de los dos robots, la modelo simula entrar en una especie de éxtasis cuando la están pintando, lo que nos recuerda al gesto prototípico del artista en su proceso de creación.”.


SS 2001 “Voss” texto extraído de www.semioticadelamoda.blogspot.com
“Dentro de sus múltiples incursiones en lo grotesco y lo siniestro, destaca la colección Voss (primavera/verano 2001)Los signos clave en la obra del fotógrafo Joel-Peter Witkin (cadáveres, insectos o miembros cercenados en ambientes similares a un manicomio) se adaptan a una puesta en escena en la que Mcqueen reflexiona sobre los lazos que unen lo bello con lo feo en sus múltiples formas (lo grotesco, lo enfermo, lo deforme…).
Nos encontramos ante una caja hecha de paredes transparentes para el observador externo y de espejos para los que se encuentran en su interior. Las modelos llevan trajes de fiesta rasgados, rotos o descosidos que contrastan con vendas, parches y otros signos que nos remiten al dolor y a la enfermedad. El diseñador busca además generar en el observador sentimientos cercanos al horror y a lo siniestro valiéndose de la película Los Pájaros, por lo que algunas de ellas llevan pájaros disecados a modo de tocado o de complemento.

Así, simulando encontrarse en una celda hecha de espejos, miran su reflejo con gestos patéticos y obsesivos. Finalmente, aparece una caja metálica que se abre para dejarnos ver la figuración real de esta fotografía de Witkin (Sanitarium,1983), de tal forma que Mcqueen nos muestra la obra que ha inspirado todo lo que hemos visto antes en el interior de de esa celda espejos”.







SS 2003 “Irere” en esta colección el diseñador se inspira en el viaje de una mujer que naufraga en una isla y muta desde pirata hasta conquistador y finalmente, como la diosa amazónica. Para presentar esta colección se utiliza una pantalla del tamaño de una pared que nos relata mediante un audiovisual cual es la inspiración de esta colección, (interactuando constantemente pantalla-desfile) por ejemplo al comenzar el desfile nos muestra el momento en que esta mujer cae al agua. Y simultáneamente comienzan a desfilar las modelos con sus vestidos totalmente empapados dándonos la impresión de que salieron de la pantalla. Esto es un giro interesante en la relación entre lo que puede ser una pantalla clásica de un desfile y el desfile de las modelos.
En otro momento una modelo en la pantalla desaparece en el bosque, y regresa iluminada por un sensor de calor, en el desfile se traduce como una explosión de un arco iris tropical: colores brillantes en las formas voluminosas como las aves del paraíso.





SS 2004 “Deliverance” colección inspirada en la película: Baile de ilusiones (They Shoot Horses, Don't They?). Para presentar esta colección se entrenaron a las modelos con la ayuda del coreógrafo Michael Clark, las cuales que bailaron en la duración de la presentación mostrando la colección. Este es un claro de ejemplo de cómo se traslada la inspiración a la presentación de la colección de forma literal.

AW 2006 “Widows of culloden”
En homenaje a las mujeres que perdieron a sus esposos en la sangrienta batalla de Culloden, McQueen vuelve a Escocia para su inspiración. Este show será recordado por el holograma proyectado de Kate Moss antes de comenzar el desfile, es un ejemplo donde vemos la historia como inspiración combinado con la tecnología para generar un producto innovador.



2009 Plato’s Atlantis
Inspiración: texto extraído de alexandermcqueen.com
“Cuando Charles Darwin escribió El Origen de las Especies, nadie podía saber que la capa de hielo se derriten, que las aguas se levantaban y que la vida en la tierra tendría que evolucionar para poder vivir bajo el mar una vez más o morir. Venimos de agua y ahora, con la ayuda de la tecnología de células madre y la clonación, hay que volver a ella para sobrevivir.
Con aumento de las aguas, la humanidad retornará al lugar de donde vino.
"pero por otra parte, no soy Nostradamus ..." - Alexander McQueen.


No nos equivoquemos, esto no es ciencia ficción, se trata de la evolución.
Alexander McQueen lleva su firma de ingeniería de impresión a nuevos niveles tecnológicos. Cada impresión es única, diseñada específicamente para cada prenda individual.”.
Para representar esta inspiración el show comienza mostrando en una pantalla una mujer desnuda en la arena junto a dos serpientes que se funden para luego dar lugar a la pasarela donde dos brazos robóticos con cámaras en sus extremos se retuercen filmando la pasarela y el público que se ve proyectado en la pantalla. Las primeras pasadas muestran mujeres-reptiles que a medida que pasan son observadas por las cámaras de estos brazos robóticos. Luego se reproducen imágenes de una mujer flotando en el agua por lo cual en la pasarela simultáneamente las modelos pasan a mutar de reptiles a seres humanos acuáticos. Arte, tecnología, y espectáculo conviven una vez más en las presentaciones de McQueen la cual también fue la primera presentación de moda que se ha podido ver en directo desde internet de la historia.



Bernhard Willhelm



Bernhard Willhelm, diseñador de origen alemán cuyo exótico estilo lo han llevado a ser uno de los diseñadores referentes y más destacados de su país. Cada colección es un experimento entre el límite del buen y mal gusto:
“…Tengo que exagerar para encontrar la esencia de una idea. Al comenzar una colección, lo más importante es llevar a cabo una idea bastante clara... Una temporada estuve en la basura, así que basé mi colección en la recopilación de datos sobre Happy Meal de McDonald's... Yo diseño para expresar algo. Trabajar en libertad de hacer lo que quería desde siempre me atrajo. Siempre he tenido la sensación de que estaba en una prisión. Tal vez por eso siempre he perseguido lo exótico.”.
www.hintmag.com/hinterview/bernhardwillhelm/bernhardwillhelm1.php
Sus presentaciones han tenido un fuerte impacto en estos últimos años las cuales tienen referencias en los antiguos happenings y el estilo del surrealismo. Algo interesante de destacar de la manera de presentar sus colecciones es la utilización de elementos de la vida cotidiana que interactúan con modelos. Sus shows no tienen grandes inversiones, ni un desarrollo de tecnologías por lo contrario sus instalaciones se basan en utilizar elementos que el mismo denomina surrealistas: texto extraído de dazeddigital.com
“DD: ¿Cuál es el significado de lo que los modelos están haciendo en la presentación?
Bernhard Willhelm: Yo quería que esta interacción entre estos objetos surrealistas y modelos. Voy a dejarlo abierto a la gente cómo quieren interpretarlo. Es bueno dar algo que ver los modelos en lugar de tener que subir y bajar de una pasarela.”.


Gareth Pugh
“El volumen y la geometría salen de dimensiones cotidianas y urbanas y se convierten en elementos de un universo inusual y excitante. Su inspiración siempre es íntima, dramática y lúdica, su trabajo de confección es impecable y minucioso. Su concepto es el balance perfecto y la armonía de lo contradictorio y opuesto: el blanco y el negro, la rigidez y la fluidez, entre otros. Y su creatividad una prueba pura de que haces lo que eres: está destinado para ser así.”.
http://www.fashionradicalsnews.com/gareth-pugh-the-new-fashion-darling.html
Además de ser uno de los diseñadores con colecciones más innovadores e impactantes, en marzo presentó su colección otoño-invierno 2009/10 a través de un video dirigido por Ruth Hogben, en Paris fashion Week.
Para lanzar su reciente colección en la Pitti Uomo 2011 utilizó la iglesia de Orsanmichele donde en medio de estatuas de 1337 y con la ayuda de dos megapantallas colocadas como cúpulas presentó su colección con un audiovisual realizado por Ruth Hogben, inspirado en la época renacentista.






Jum Nakao fuente: http://www.rocketmagazine.net/?p=290

“Dentro de la obra más representativa y famosa del diseñador se encuentra la colección “A costura do invisível” presentada en el 2004, durante el marco de Sao Paulo Fashion Week, causando un revuelo mediático impresionante y su retirada de las pasarelas convencionales.
Un sello distintivo de su trabajo es ésta conciliación que hace de dos campos a simple vista incompatibles, por una parte el armado y trabajo artesanal de los proyectos y por otra, los recursos tecnológicos de punta. Para Jum, lo más importante es crear experiencias, momentos de reflexión para crear vínculos de identificación con las personas, con los cuerpos vestidos.
Las prendas de A costura do invisível, fueron construidas en papel vegetal, confeccionadas y trazadas a mano, involucrando 700 horas de trabajo y mantenidas en completo secreto durante su elaboración. Durante la plataforma de moda brasileña, el diseñador realizó un performance, en el que al finalizar el desfile, las modelos rasgaban los vestidos inspirados en la indumentaria del siglo XIX, dejando cuerpos “desnudos”.
La idea era generar una atmósfera lúdica, en donde las personas se proyectasen dentro del trabajo, de ahí la utilización no aleatoria de las pelucas de Playmobil ya que en esa estética, el cuerpo puede dedicarse y ser lo que sea. De esta forma, el performance conecta con el espectador y lo involucra, ante la fragilidad de un material tan básico como el papel siendo destruido ante sus ojos.
Para el creativo, la idea del papel y su metáfora, nace del material como “lugar de esbozo, de anotaciones y como parte insustituible del proceso creativo. Materialidad frágil, transitoria, y sensible al paso del tiempo. Una obra blanca, inacabada, vacía, apta para ser impregnada de significados, de poesía, de levedad necesaria para que una creación fluya”
Actualmente Jum Nakao realiza diferentes proyectos colaborativos, seminarios y workshops para escuelas de diseño, curaduría para museos, consultorías sobre moda y expone parte de su obra en diferentes ciudades del mundo.


Cassette Playa
Esta marca poco conocida hasta el momento de la diseñadora Carri Mundane ha hecho su incursión más importante mediante su presentación de “neuromance” en la pasarela londinense de la Fashion Week 2010 utilizando la tecnología de realidad aumentada.
En su presentación utilizó solo tres modelos los cuales llevaban un código que al ser interpretado por una cámara digital revelaba una serie de imágenes virtuales que eran mezcladas con la realidad en una gigantesca pantalla, mezclando lo real con lo virtual. De esta manera consiguió romper el pilar más importante de un desfile: la pasarela, y así, modelo tras modelo se iban situando delante de una especie de lector de símbolos que, al ritmo de una la banda sonora, entraba en funcionamiento gracias a unos pequeños jeroglíficos estampados en unas camisetas blancas, tele transportando al público a un mundo 3D.

Thom Browne
Es uno de los diseñadores de moda masculina que está imponiendo tendencias en los últimos tiempos. Conocido por su sistemática reducción de las piezas clásicas de sastrería como por la elaborada puesta en escena de sus desfiles, organizados en piscinas, pistas de tenis o velódromos y siempre cuidadosamente coreografiados.
Todos sus desfiles se organizan con una coreografía similar que cambia según el tema de cada colección. El esquema que sigue es el siguiente: en vez de aparecer los modelos uno por vez, estos llegan todos juntos o ya se encentran ubicados en la “pasarela”, por lo general cubiertos con una prenda estándar para todos igual que hace alusión a la inspiración de la cual se trata el desfile. Para comenzar a mostrar la colección, cada modelo se saca esta prenda y así comienza a mostrar los looks de la colección.
Por ejemplo el desfile SS 2010 presentado en París el show comenzó con todos los modelos vestidos de astronautas y banderas de EEUU y Francia en cada una de las butacas del público. Luego cada modelo se quitó su correspondiente traje y desfilo como en una pasarela tradicional, en un entorno también galáctico construido por Oscar Niemeyer.
“El envoltorio galáctico resultó ser tan sólo un juguetón guiño a esa infancia que Browne parece reivindicar para el hombre contemporáneo. Despojados de él, los modelos lucieron distintas variaciones de un traje de verano abiertamente inspirado en los uniformes colegiales.”.
http://www.newsfashionweek.com/thom-browne-aterriza-en-par-s/







Viktor & Rolf

Estos diseñadores que se definen por tener un estilo romántico comenzaron presentando sus colecciones en galerías de arte como los diseñadores “outsider” del sistema pero en este momento son parte del circuito de los diseñadores más exitosos del mundo y podríamos definirlos como uno de los diseñadores que encabezan las fashion performers.
En una entrevista realizada por yodona.com cuando le preguntan el porqué de sus presentaciones contestan:
“Viktor: Es lo que más nos gusta, alejarnos de las presentaciones clásicas y al uso de un 'show' de moda: para nosotros es una pieza en sí mismo porque la actuación durante el espectáculo es muy importante, básica.
Rolf: Cada temporada ponemos en común nuevas ideas, nuevas ganas de mostrar nuestro trabajo, dotándole de un 'plus' de diferenciación. Metidos en un calendario de una semana intensa de colecciones si todos hicieran lo mismo, que aburrido sería para los periodistas y para nosotros los diseñadores.”.
http://www.elmundo.es/yodona/2008/06/17/moda/1213691407.html


1999 Black Light En esta colección cada uno de los elementos se muestra en la pasarela en dos diferentes luces. A la luz normal donde toda la colección fue visible, mientras que en luz negra, sólo los elementos blanco podían ser vistos.



1999 “Russian Doll” esta colección se inspiró en las matriuscas rusas y para su presentación utilizaron una sola modelo que vistieron en capas de vestidos colocados uno por uno imitando a las famosas muñecas rusas.






2002 “Blue Screen” para realizar esta presentación los diseñadores utilizaron la tecnología de bluescreen. A medida que las modelos realizaban un desfile de manera convencional, en las pantallas las prendas azules que desfilaban eran “sustituidas” por imágenes.



2006 “Upside down” Esta presentación nos muestra todo a lo inverso, cuestionando el orden establecido por las pasarelas. El desfile comienza con los diseñadores, luego salen las modelos juntas aplaudiendo e inmediatamente comienzan a salir una por una. Transmitiendo la impresión de que estamos viendo el desfile “para atrás” o de manera inversa, no solo el decorado estaba al revés sino muchos de los diseños presentados también pasaron por este proceso.









2007 “The fashion show” para este desfile los diseñadores innovan nuevamente sobre el concepto de pasarela para ello cada modelo significó un “fashion show” particular. Debido a que cada uno de sus vestidos se extendía hacia un equipo de luces y sonidos llevado por cada modelo.

2009 “Shalom” Como hemos visto cada vez más la tecnología se funde con la moda, en este caso el dúo holandés rechazo la propuesta de presentar su colección en la Semana de la Moda de Paris para poder presentar su colección de manera on-line (siendo los primeros en realizarlo).
Este video fue lanzado el 2 de octubre de 2009 paralelamente a la Semana de la Moda de París, en el se utilizó solo una modelo que desfila por una pasarela digital. Presentación de moda en respuesta a la crisis mundial que se vivió ese año.
También se pudo tener experiencia VIP virtual de un desfile de modas ya que se pudo ver el backstage, el maquillaje y peinados de las modelos.


2010 “Glamour factory”
Todos los recursos utilizados en años anteriores se fundieron en este show donde los diseñadores aparecieron en un escenario giratorio donde la modelo Kristen McMenamy estaba cubierta con nueve capas de tapados y vestidos los cuales se iban sacando y poniendo a las modelos que iban entrando hasta llegar al límite de un body color piel.
Una vez McMenamy semi desnuda el proceso se reanudó en sentido inverso.



gracias ! y comenten que es mi primer post jajja