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Megapost: Maestros del Comic - Parte 3

HERGÉ

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Georges Prosper Remi nació en 1907, hijo de Alexis Remi (empleado de una casa de confección para niños) y Elizabeth Dufour, ama de casa. Georges tuvo un único hermano menor, Paul, con el que nunca tuvo mucho contacto.
Georges Remi empieza a dibujar historietas en los márgenes de sus cuadernos escolares cuando sólo cuenta siete años de edad. Bélgica acaba de ser invadida por los alemanes, y este hecho inspira las aventuras de un chico que hace las mil una jugarretas al invasor.

En el año 1921, Georges Remi se incorpora a los Boy-scouts, con cuyo espíritu amante de los indios pieles rojas se identificará plenamente. Con ellos realiza Hergé sus primeros viajes en campamentos de vacaciones en España, Austria, Suiza e Italia. Empieza a publicar sus historietas en la revista Le Boy-Scout, donde firma por primera vez (1924) con el seudónimo de Hergé, formado por las iniciales de su nombre invertidas. Recién acabados sus estudios secundarios (1925), Georges Remi entra a trabajar en el departamento de suscripciones del diario Le XXem Siècle; mientras sigue colaborando en Le Boy-Scout Belge, donde publicará su verdadera primera serie: Totor, jefe de patrulla de los Abejorros (1926-1930), que ya anuncia a Tintín en diversos aspectos.

El director del periódico, Norbert Wallez, anima a Hergé -autodidacta- a leer, a instruirse e ilustrarse, y lo convierte en el “chico para todo”, el que se ocupa de la composición, la compaginación, las ilustraciones, retratos, rótulos, decoración, planos, tarjetas…


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Más adelante el padre Wallez le encarga la realización de un suplemento juvenil del periódico -Le Petit Vingtième-, cuyo primer número aparecerá en 1928.
En un principio, Hergé ilustra una serie con texto escrito por el redactor deportivo del periódico, pero enseguida decide lanzar su propia serie. Así nacen, en 1929, Tintín y Milú. Los tres primeros álbumes: Tintín y los soviets, Tintín en el Congo y Tintín en América son publicados por Le Petit Vingtième, en cuyo suplemento semanal aparecen a partir de 1930 dos nuevos personajes: Quique y Flupi.
.En el año 1932, Hergé se casa con Germaine Kieckiens, secretaria de Le XX Siecle.
1933
A partir de 1934, Ediciones Casterman publica los álbumes de las aventuras de Tintín, que van apareciendo regularmente hasta 1940. Entre Los cigarros del faraón y El Loto Azul tiene lugar un encuentro decisivo para Hergé. Conoce al que será su gran amigo Tchang Tchong-Jen, joven estudiante chino de Bellas artes en la Universidad de Lovaina, (ver el texto de El Loto Azul) quien le introduce en la compleja realidad de China y su cultura. Él se encargó de escribir todos los textos en chino, y también fué el responsable de que Hergé se sumergiera tanto en la cultura y la historia china como en la realidad del momento. Esto queda patente en muchos de los carteles, que hacen alusión al conflicto que tenía entonces la China con el Japón.“Tchang” Podemos reconocer a Tchang en el personaje de Hergé de su mismo nombre y apellidos, el pequeño gran amigo de Tintín.

A partir de ahora, Hergé se documentará bien a fondo sobre los lugares a los que debe de viajar Tintín, y cuidará minuciosamente cada detalle. En 1936, y a petición del semanario francés Coeurs Vaillants, Hergé crea una nueva serie -Las Aventuras de Jo, Zette y Jocko-, que viene a añadirse a las ya existentes. Será éste un período de gran actividad para el ilustrador, quien además de los cómics, realizará portadas de libros, revistas y numerosos trabajos publicitarios. En mayo de 1940, Bélgica es invadida por las tropas alemanas. Desaparecen Le Vingtième Siècle y su suplemento semanal Le Petit Vingtième.
En octubre de este mismo año, Hergé entra como redactor jefe del suplemento juvenil Soir Jeunesse, del periódico Le Soir. Ediciones Casterman reduce el número de páginas de los álbumes de Tintín por las restricciones de papel que conlleva la guerra, pero en cambio empiezan a editarse en color, y los antiguos álbumes se colorean y se adaptan al nuevo formato. La liberación de Bélgica llega en 1944. El alto mando aliado toma la decisión de apartar de su trabajo a todos los periodistas que han colaborado en la redacción de cualquier periódico durante la ocupación, independientemente de su implicación política. Y como Hergé había estado en trabajando en Le Soir, aunque fuera en la revista infantil, fue puesto bajo sospecha.

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Habrá que esperar hasta 1946, año en que aparece el semanario belga Tintín, para que Hergé vuelva a resurgir. En 1950 se crea Estudios Hergé, que reunirá una docena de colaboradores, entre ellos Bob de Moor, Edgar Pierre Jacobs, Baudouin van den Branden, Jacques Martin y Alice Devos. Al final de los años cincuenta, Hergé entra en un período de trastornos personales. Su verdadera terapia la constituye su trabajo de Tintín en el Tíbet, que se publica en 1960. Este mismo año, Tintín es llevado al cine con El misterio del Toisón de Oro, y cuatro años más tarde Tintín y las naranjas azules.

En el primer congreso del Cómic en Nueva York (1972), Hergé recibe el homenaje oficial de los grandes ilustradores americanos. Será el primero de numerosos premios que recibirá por el conjunto de su obra.
En el parque Wolvendael, en Uccle, Bruselas, podemos encontrar la bella estatua de Tintín y Milú esculpida por Nat Neujean, inagurada en 1976.

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En 1982 Hergé cumple 75 años y la Sociedad Belga de Astronomía decide bautizar con su nombre al planeta descubierto en el 1953 por el astrónomo Silvain Arend. El planeta Hergé se sitúa entre Marte y Júpiter.
La última aventura del famoso reportero -Tintín y el Arte Alfa- se vio truncada por el fallecimiento de su creador, quien había dejado indicaciones precisas para que no se continuaran las aventuras de su personaje. Finalmente, la obra fue publicada inacabada tal como la había dejado Hergé. La obra de Hergé se caracteriza por su trazo limpio y firme, donde no cambian ni tramas ni sombras, y por unos decorados muy elaborados. En sus álbumes, Hergé volcó lo que consideraba esencial en su trabajo: la búsqueda de la perfección a la hora de narrar una historia con el máximo de claridad y legibilidad posibles.

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Y que decir de Tintín, el amigo que todos desearíamos tener, periodista que recorre el mundo viviendo fantásticas aventuras, buena persona y valiente como pocos, amigo de sus amigos, ¡y dueño de Milú, el perro mas conocido del mundo! Y sus personajes, auténtico muestrario de la personalidad y de la fauna humana. Todos estos elementos han hecho de Tintín un héroe de ficción perfectamente engranado en su tiempo y que en la actualidad es patrimonio de millones de personas en el mundo. Tintín quizas sea actualmente uno de los personajes que al que más páginas le han dedicado en internet, tanto de empresas editoriales como de particulares, que a veces han llegado a realizar webs muy bonitas e interesantísimas, con muchísimas páginas, analizando cada uno de los detalles de estos extraordinarios comics.

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PAGINA WEB: http://www.tintin.com/


JACK KIRBY

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Nacido Jacob Kurtzberg, es considerado uno de los autores más influyentes de la historia del comic book estadounidense, apodado como el Rey.

Esencialmente autodidacta, Kirby cita entre sus influencias los artistas Alex Raymond y Milton Caniff.

Kirby empezó su carrera profesional en 1935, trabajando como dibujante en prensa y estudios de animación para el estudio de animación Max Fleisher en series como Betty Boop o Popeye.

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De ahí pasó al Lincoln Newpaper Syndicate en 1936, donde produjo tiras cortas de periódico como “Black Buccaneer”, “Detective Riley”, “Cyclone Burke”, “Adbul Jones” y “Socko the Seadog”, que firmó con Jack Curtiss. En 1939 se unió al famoso equipo Eisner-Iger. Durante este periodo dibujó carácteres como “The Lone Rider”, “Blue Bolt” y “Blue Beetle” para compañías como Novelty y Fox, usando una gran variedad de pseudónimos como Curt Davis, Fred Sande, Ted Grey o Charles Nicholas. En 1940 creó al Capitán América junto a Joe Simon para Timely. El carácter se convirtió inmediatamente en un icono americano. Kirby y Simon colaboraron hasta 1956, trabajando para varios editoriales como National y Harvey Comics. Dibujó el episodio inicial de Captain Marvel Adventures para Fawcett en 1942y se ocuparon de títulos como “Boy Commandos”, “Newsboy Legion” y “Boy’s Ranch”.

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Después de volver de la Segunda Guerra Mundial, Kirby y Simon trabajaron en todo tipo de géneros, como la serie negra, historietas infantiles, románticos, de horror o westerns en comics como “Fighting American”, “Police Trap”, “Bullseye” o “In Love”. Después de trabajar en Archie Comics y National/DC, volvió a Timely donde inició una nueva era para el comic de superhéroes junto al escritor y editor Stan Lee.

Junto a Stan Lee, creó gran parte de los personajes más importantes de Marvel, como los Cuatro Fantásticos (1961), Hulk y Thor (1962), la Patrulla X (1963) o Pantera Negra y Estela Plateada (1966). También participó en el proceso creativo de Spiderman e Iron Man. Formó tándem junto a Stan Lee en los 102 primeros números de Fantastic Four, estableciendo un récord sólo superado en 2006 por Ultimate Spider-man. Durante esta época llevaría un ritmo frenético de trabajo y se calcula que llegó a dibujar hasta un centenar de páginas al mes.

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Kirby empezó a ocuparse de los guiones de colecciones secundarias como las historias de los Inhumanos en Amazing Adventures vol.2 o Chamber of Dearkness, pero dejó Marvel en 1970 para volver a D.C. como escritor, editor y dibujante, bajo la dirección editorial de Carmine Infantino. En D.C. realizó su “Cuarto Mundo” en “Superman’s Pal Jimmy Olsen” y en los nuevos títulos “Nuevos Dioses”, “Mister Miracle” y “Forever People”.

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Con El Cuarto Mundo Kirby pretendía continuar su reflexión sobre la mitología y la divinidad iniciados en Los 4 Fantásticos y Thor. También creó otras series como “OMAC”, “Kamandi”, “The Demon” o una nueva encarnación de “Sandman”, trabajando nuevamente con Joe Simon por última vez.En 1975 volvió a Marvel donde creó los Eternos (1976), el Hombre Máquina (1977) y el Dinosaurio Diabólico.

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En 1978 empezó a dedicarse a los dibujos animados y sus trabajos en la historieta serían cada vez más esporádicos. En 1993 hizo para Topps Comics la saga de la Ciudad Secreta, dejando inacabada con su muerte una adaptación de la Biblia a la historieta.

PAGINA WEB: http://www.kirbymuseum.org/


JOHN BYRNE

John Byrne nació en Inglaterra en 1950, pero se mudó a Canadá con su familia en 1958, donde pasó su infancia y juventud, y se suele considerar más canadiense que inglés.
Debutó profesionalmente a mediados de los 70 trabajando para la editorial Charlton, y pronto comenzó a colaborar para Marvel en Iron Fist o Marvel Team Up (colección protagonizada por Spiderman en team-ups con otros personajes Marvel), ambas con guiones de Chris Claremont.

En 1978 comienza una mítica etapa en La Patrulla-X (que acaba de ser relanzada con éxito con Chris Claremont como guionista), en unos números que se suelen considerar la mejor etapa de los personajes de toda su historia. Mientras tanto, dibuja paralelamente otros cómics, entre los que mencionaremos una etapa en Capitán América (1980-81; con guiones de Roger Stern, con quien Byrne trabaría amistad).

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En 1981 abandona La Patrulla-X, y ya como autor completo [de ahora en adelante los cómics realizados por Byrne son siempre como autor completo, excepto cuando se indique lo contrario], se encargó de una extensa etapa en Los 4 Fantásticos (1981-86). Números que están considerados como la segunda mejor etapa de los personajes después de la realizada por Stan Lee y Jack Kirby, además de una de las más extensas realizadas por un mismo equipo creativo en la serie, después del más de un centenar de números que firmaron Lee/Kirby en su día). En este periodo también lanza una nueva colección dedicada a Alpha Flight, dedicada a un supergrupo canadiense creado por Byrne para La Patrulla-X y de cuya colección se encargó durante 28 números (1983-85), aunque el propio autor reconoce que es uno de sus peores trabajos y que no se sintió satisfecho en la colección a pesar de ser personajes creados por él mismo. En el número 29 se “intercambia” colecciones con los autores de Hulk, y realiza durante medio año la colección del gigante esmeralda (periodo que sin embargo le basta para poner patas arriba la serie al separar fisicamente a Hulk y Banner y casar a Bruce Banner con su eterna novia Betty Ross).


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La Marvel de Byrne

En 1986 se encarga de capitanear el relanzamiento de las colecciones de Superman con la miniserie The Man of Steel (que redefinía los orígenes del personaje), e inmediatamente pasa a escribir y dibujar durante dos años (1987-89) dos de las tres colecciones regulares del personaje. En 1986-87 dibuja la miniserie Legends, el eventro-crossover del año de DC que sirvió para lanzar varias nuevas series post-Crisis en tierras infinitas y que sirvió para que Byrne dibujara a la mayoría de personajes principales del Universo DC.

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En 1989 regresa a Marvel, donde lanzaría una colección regular dedicada Hulka (donde realizaría uno de los cómics más curiosos e ingeniosos de la década, mezcla de comedia y cómic de superhéroes) y se encargaría como autor completo de la colección de Los Nuevos Vengadores (Avengers West Coast) y guionizaría un puñado de números de Los Vengadores. Al año siguiente inicia una etapa como guionista de Iron Man (1990-92, con dibujos de John Romita Jr.) y lanza una colección de Namor para Marvel (que Byrne inició como autor completo, y luego realizaría los guiones para un debutante dibujante Jae Lee) y realiza el especial Batman 3D para DC (que se debía ver en 3 dimensiones utilizando unas gafas especiales). En 1991 realiza la miniserie Omac (con el personaje creado por Jack Kirby) y retoma Hulka, donde realizar los últimos 20 números de la colección (#31-50, 1991-93).

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En 1992 marca un punto y aparte importante en la carrera de Byrne, puesto que ese año y hasta 1994 finaliza progresivamente sus etapas en las series en las que venía trabajando (Namor, Iron Man, Hulka) y decide volcarse en comics de creación propia para Dark Horse, en pleno auge de Image. Así, en 1992 debuta el cómic de superhéroes “made in Byrne” Next Men (que muchos consideran su trabajo más personal dentro de los superhéroes, además del que marcó el final de la mejor época del autor), del que realizó un total de 31 números numerados del 0 al 30. Otros trabajos de creación propia que realiza en este periodo son el especial 2112 o las miniserie Babe y Danger Unlimited, que pasaron todos con más pena que gloria. En 1994 también dibuja un especial de la franquicia Aliens (Aliens: Earth Angel) paraDark Horse. Así, Next Men marcaría el inicio de una etapa de acusable decadencia del autor, tanto a nivel de dibujo como de guiones, y durante gran parte de la década su producción caería en picado en interés. Durante años Byrne iria encadenando uno tras otro trabajos que resultarín un fracaso a nivel de ventas, nivel creativo (teniendo su punto más bajo en Spider-man: Capítulo Uno) o ambos, y que en el mejor de los casos pasan con discrección. En definitiva, todo un cúmulo de desaciertos que provocaron que bastantes lectores daban a Byrne por acabado como autor.

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En 1995, tras el fracaso de sus cómics para Dark Horse, Byrne vuelve a DC, para la que realiza el crossover Darkseid vs. Galactus (en 1996 también realiza otro crossover para DC, Batman & Capitán América, un “Otros Mundos” que sirvió como precedente para Superman/Batman: Generaciones) y se encarga de la colección regular de Wonder Woman (#101-136, 1995-98). En 1997 escribe el guión de Genesis (miniserie de 4 números que sirvió de macrocrossover anual de DC), además de lanzar la nueva colección Jack Kirby’s Fourth World con los personajes del imaginativo Cuarto Mundo creado por Kirby -encabezados por Darkseid y compañía-, que solo duró 20 números (meses después Walter Simonson retomó a los personajes en Orion, con mejores resultados creativos).

En 1998 Byrne finaliza sus dos encargos mensuales con DC y pasa a colaborar activamente con Marvel. Comienza con Spiderman: Capítulo Uno (1998-99) , serie limitada de 12 números que narraba de nuevo el origen de Spiderman “actualizandolo” a los tiempos que corren, y que sirvió de pistoletazo de salira para un relanzamiento con un nuevo número 1 de las colecciones de Spiderman, en el que Byrne participó dibujando los primeros 18 números de Amazing Spiderman (1998-2000). En 1999 también realiza para Marvel los guiones para dos nuevas series: el relanzamiento -con nuevo #1 incluido- de Hulk (Marvel le relevó de la colección tras solo 8 números) y para una nueva serie regular de Spider-woman (con un personaje introducido durante su etapa en Spiderman y que duró 18 números antes de ser cancelada).

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Sin embargo 1998 tambíen marca la publicación de la serie de series limitadas Superman/Batman: Generaciones (1998-99, 2001 y 2003), a la que seguiría la serie mensual X-Men: Los años perdidos (1999-2001), dos trabajos que sin llegar al nivel de antaño dejan una lectura agradable y entretenida y han servido para reconciliar a parte de los lectores con el autor. Sin embargo en este periodo también realiza otros dos cómics con personajes totalmente nuevos, y a pesar de tener una premisa curiosa han pasado con más pena que gloria (la maxiserie Marvel: La generación perdida, 2000) o directamente se han saldado con un fracaso absoluto (Lab Rats -DC Comics, 2002-, una serie regular que tuvo unas ventas tan desastrosas que fue cancelada en el #8).

En la actualidad, después de un arco en la JLA junto a Chris Claremont, está otra vez en el candelabro (que diría la otra), en un alarde de fuerza está dibujando tres colecciones a la vez: Doom Patrol, Demon y Action Comics…Lo mejor de todo es que, a pesar de las críticas por ignorar todo lo que habían hecho anteriormente con la Doom Patrol, la serie es entretenida (bastante diría yo) y el dibujo, aunque no es el de antaño, se puede calificar como bueno…

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PAGINA WEB: http://www.artofjohnbyrne.com/


JOHN ROMITA JR.

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John Victor Jazzy Romita nace el 24 de junio de 1930 en Brooklyn (Nueva York) y se gradúa en la Escuela de Arte Industrial de la ciudad diecisiete años después.

Sus primeros encargos son de carácter publicitario y comercial, aunque ya en este momento su intención es trabajar en el cómic. Lo hace como entintador en diferentes publicaciones hasta 1951, año en el que conoce a Stan Lee, quien le bombardea enseguida con un montón de trabajos publicados en la prehistoria de Marvel. También dibuja, en 1953, el fallido revival del Capitán América.

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Romita permanece en la Casa de las Ideas hasta 1957, año en el que emigra a National Periodicals, donde se ocupa de historias románticas durante ocho años.

En 1965, el hijo pródigo vuelve a casa a petición de Stan Lee. En pocos meses, entinta algún número de The Avengers, dibuja Daredevil y, por último, se convierte en el artista fijo de The Amazing Spider-Man a partir del The Amazing Spider-Man #39.

En años posteriores, pasa por colecciones como Captain America o The Fantastic Four y asciende a director artístico de Marvel. Desde este puesto, diseña a personajes como Lobezno o Punisher, y entrena a varias generaciones de dibujantes, agrupados en los Romita Raiders, un ejército de artistas dedicado a detectar y corregir posibles errores gráficos de los tebeos Marvel.

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Jubilado en 1995, su último trabajo es el especial Spider-Man / Kingpin: to the Death, con guión de Stan Lee y protagonizado por Spiderman, su personaje más popular, y por Daredevil, su favorito.

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KATSUHIRO OTOMO

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Katsuhiro Otomo es uno de los máximos responsables de que el manga y el anime se hayan puesto de moda en Occidente. Estamos hablando de uno de los monstruos sagrados para muchos de los seguidores del tebeo y de la animación japonesa, por lo que se hace inevitable hablar de él, dado que su influencia ha sido tan enorme que no sería justo hablar de manga y no dedicarle un espacio para comentar su obra. Su obra Akira invadió Estados Unidos. Literalmente. Desde entonces, el fenómeno manga no ha dejado de crecer en aquel país. No fué el primer autor japonés de prestigio en Norteamérica, pero sin duda marcó un hito al doblegar sus férreos mercados. La obra constituyó un éxito sin precedentes y con la fama allí obtenida se preparó la invasión europea, comenzando así la primera oleada del manga en nuestro país. Cuenta entre sus fans a cineastas tan reconocidos como James Cameron y los hermanos Wachowski.

Otomo nació en Hasama, en la prefectura de Miyagi, en 1954. Estudió en el instituto Sanuma, cuna de varios artistas de manga. Es adicto a las películas norteamericanas, en especial a 2001, Una Odisea en el Espacio (196 8) de Stanley Kubrick y a Rebelde sin causa (1955), de Nicholas Ray. También es un fan entusiasta del cómic american y, especialmente, del europeo. Su debut en el mundo del manga se produjo con Jyu-seï (concida en Occidente como A Gun Report, 1973), una adaptación de Matteo Falcone, la obra de Prosper Mérimée para la revista Manga Action, de la editorial Futubasha. Continuó dibujando historias cortas hasta 1982, que posteriormente han sido recopiladas en varios volúmenes: Henzeru to Gueretu (CBS-Sony Shuppan, 1982): 21 parodias de novelas y cuentos clásicos como Hansel y Gretel, Cenicienta, Blancanieves, Aladino, El viejo y el mar o Moby Dick; Short Peace (Futubasha, 1986): 9 historias relatando el modo de vida de los estudiantes; Highway Star (Futubasha, 1981): 10 historias; Good Weather (Kitansha, 1981), 10 historias; Boogie Woogie Waltz (Kitansha, 1982), con las primeras obras del autor y otros trabajos experimentales, dedicados fundamentalmente a describir la parte más sórdida de la vida moderna en Tokyo: rock, tráfico de drogas y perversiones sexuales.
Sayonara Nippon (Futabasha ,1981) es un único volumen, que además de tres historias cortas, contiene una serie donde se narran las peripecias de dos japoneses en Nueva York. Un profesor de artes marciales y una chica tienen problemas para integrarse en Manhattan. La serie consta de cinco capítulos. Esta obra permanece inédita en España. El autor la realizó después de una visita a la Gran Manzana.

En 1979 publica su primera obra relativamente larga (unas cincuenta páginas), Fireball, que resultó todo un éxito en Japón, debido a su estilo de dibujo. También era su primer obra de ciencia ficción, cosa que no quiere decir, como quieren ver algunos, que en ella se perfile su archiconocida obra. Ni de lejos, vamos. El único parecido que tiene Bola de Fuego (como se tradujo al castellano) con Akira es que también se trata de una obra apocalíptica. Ha permanecido inconclusa hasta la fecha. En cualquier caso, no es nada del otro mundo.

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En 1990 Kodansha publicó Kanojo no omoide, que tiene todas las papeletas para ser la mejor recopilación de historias cortas de Otomo. Además de la mencionada Fireball, contiene otras trece historias de temática muy diversa. En ciertas partes de esta obra se puede observar la clara influencia de Moëbius (fijaros en el Rey Pulpo que acompaña estas líneas). Prácticamente ninguna de las historias tiene un planteamiento claro (más bien las cosas suceden y los personajes están ahí, en muchas ocasiones ni con suficientes viñetas para estar definidos), y aunque a veces sus planteamientos temporales sean bastante curiosos (hay historias que parecen ya empezadas y otras que parece que se cortan súbitamente), he de decir, que para mi gusto, contiene al único Otomo que de verdad me ha interesado en alguna ocasión. Esta recopilación, publicada en España en dos tomos por La Cúpula, es quizás la mejor muestra de los trabajos de Otomo que merezca la pena leer.
Algunas de sus historias hasta está verdaderamente bien (Swing en tono menor), en algunos casos hay anécdotas más o menos simpáticas (El genio de la botella, Noé, El viejo y el mar, La Mesa Redonda), algunas son auténticas salidas de tono (Electric Layland) y también hay auténticos peñazos (Adios a las armas). En cualquier caso, Kanojo no omoide tiene dos virtudes: una, que su lectura es presentable; dos, con ella puede uno formarse una muy acertada opinión acerca del autor. Por cierto, Norma Editorial también publicó Adiós a las armas en el número 141 de la revista Cimoc, dejándole además la portada del número al autor (me vais a perdonar por no incluir la portada en el post, pero tengo los Cimocs en un trastero que tendría que vaciar previamente para poder escanearla y la verdad, no es una cosa que me pida el cuerpo en este momento; ya la incluiré en el futuro, cuando tenga que echar mano de ellos por cualquier otro motivo). La primera obra realmente concebida como tal es Kibun wa mo Sensu (Futabasha, 1982). Prepublicada por en la revista Action y recopilada más tarde, en 1982, en un único volumen de más de 300 páginas, su guión está realizado por Toshihiko Yahagi, famoso escritor y director de cine, que realiza una adaptación de su propia novela. Katsuhiro Otomo se encarga sólo de la parte gráfica. Es una historia bélica, donde dos soldados japoneses y uno americano luchan en el mismo bando a pesar de que sus ideales son bastante diferentes. Toshihiko Yahagi es el autor de la novela The Wrong Goodbay (2005) y ha colaborado con otros ilustres mangakas como Jiro Taniguchi.

Domu (Futabasha, 1983) es otra obra larga. Su publicación comenzó en Action Comics en 1980 y con ella ganó el Grand Prix de ciencia ficción de Japón en 1983, que recayó por primera vez en un manga. Más que una historia de ciencia ficción, está mejor encuadrada dentro del género del terror psicológico, donde, como en muchas de sus historias están presentes los grandes complejos urbanos (no en vano, la trama acontece en un gran bloque de apartamentos), la violencia y la parasicología. La obra es excelente en el apartado gráfico y el comienzo de la historia, muy atractivo. Pero como suele ser habitual en este autor, al final, el argumento se desinfla como un globo. Este es uno de los típicos problemas del manga (y no sólo de este género): una buena idea, brillante en algunos casos, comienza de una forma impecable, atractiva visual y argumentalmente, atrapando al lector desde el primer momento, pero a medida que va transcurriendo la acción, la historia se va estirando y estirando de manera innecesaria, en muchos casos para llegar a un final decepcionante (cuando hay un final, que otras veces ni eso).

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Aunque parte de este problema tiene que ver con las diferencias entre la mentalidad europea y la japonesa (los europeos estamos acostumbrados a la introducción, desarrollo y desenlace), una gran cantidad de mangas se recrean excesivamente en la parte gráfica, titubeando argumentalmente una vez pasados los primeros capítulos. Sin embargo, en un buen manga, el lector europeo está capacitado para superar este efecto, ya que en ese caso, los recursos narrativos se sobreponen a esta situación, pero es frecuente encontrarse con historias en las que parece que la obra se ha cerrado en falso. Domu quizás sea la obra más “occidental” de Otomo, en ese sentido, pero sin embargo, cuando uno termina su lectura, tiene la sensación de que la obra es la que domina al autor y no a la viceversa (a pesar de sus atractivas composiciones de página y sus atractivos logros visuales).

En 1982, Otomo cambia de editorial, trasladándose a Kodansha y en Diciembre de ese año comienza a publicar en la revista Young Magazine la que es considerada como su obra magna, Akira. Inicialmente, iba a ser una obra de una longitud similar a las anteriores, pero terminó creciendo hasta alcanzar una extensión superior a las 2.000 páginas que el autor no terminó hasta 1990. La historia arranca en el año 2030, en la megalópolis de Neo-Tokio. Todos los elementos favoritos del autor se conjugan en esta apocalíptica obra: grandes conjuntos urbanos, la violencia, el miedo al hundimiento del país, la parasicología, … Con un atractivo visual innegable y tras un comienzo francamente prometedor, la obra hace, sin embargo, aguas por los cuatro costados en lo que a guión se refiere.

Entre la forzada y limitada confrontación entre Tetsuo y Kaneda, los dos jóvenes protagonistas, la pericia del guionista se va consumiendo, quizás engullida por alguna de las entidades ectoplasmáticas que pululan por sus páginas. Le falta unidad temática y le sobran escenas de persecuciones, explosiones, rayos láser y demás. Al terminar la lectura, uno duda acerca de donde han quedado más escombros: si en la devastada Neo-Tokio o en el guión que acaba de concluir. Fuegos de artificio por todos lados para una obra hueca y sin sustancia, aunque tiene bellas imágenes, que proviene fundamentalmente de los niños envejecidos. Al final, se vislumbra una pobre metáfora que relaciona juventud y poder de una forma tan artificial como tramposa. La obra fue recopilada en seis volúmenes entre 1984 y 1993. En Estados Unidos, la obra fue coloreada mediante ordenador por Steve Oliff para la mejor asimilación por parte del lector occidental, dado que como casi todos los mangas, la obra original es en b/n (excepto las páginas de introducción). La esmerada aplicación de Steve Oliff no desmerece el trabajo gráfico de Otomo , por lo que actualmente existen dos ediciones de la obra: una a color (difícil de encontrar hoy en día) y otra en b/n (para los puristas que quieran apreciar el espectacular dibujo del japonés).

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Después de Akira, Otomo, ya en el papel de super estrella, emprendió una nueva obra, esta vez sólo como guionista: The Legend of Mother Sarah. Comenzó a publicarse por entregas en Enero de 1990, también en Young Magazine. Su publicación no finalizó, entre mútliples parones, hasta Noviembre de 2.004. El dibujo es de Takumi Nagayasu, colaborador habitual de Kazuo Koike y con el que ha realizado obras como Oniwa o Kiba Harishi y, es sobre todo conocido por su colaboración con Shou Funimura en Dr. Kumahige.

Todas estas obras están inéditas en España. No he leído la obra, aburrido ya de Otomo, así que os transcribo la sinopsis que aparece en la edición española de Norma: una mujer se embarca en un viaje solitario y peligroso para encontrar a tres personas en una búsqueda que atemorizaría a los guerreros más fuertes y valientes. Debe probarlo o morir en el intento, porque las tres personas son su vida, su pasado y su futuro. Son sus hijos. Años después, a medida que otros viajeros desafiaban el árido paisaje y a sus depredadores, yendo de una colonia polvorienta a otra, se dejaban escuchar historias sobre una mujer de gran fuerza, sabiduría y clarividencia. Las historias se convirtieron en una leyenda…

A partir de este momento, Otomo dejará el manga totalmente apartado para dedicarse por completo al cine, salvo en contadas excepciones (desde un primer momento estuvo implicado en la animación). El caso es que en 1991 estrena el largometraje de imagen real World Apartment Horror. Esta película tendría una adaptación al manga con el mismo título (Kodansha, 1991) realizada por Satoshi Kon. El argumento gira en torno a un yakuza (yakuza es el término que designa a la mafia japonesa, y por extensión, a sus miembros) que debe expulsar a unos inmigrantes ilegales que han ocupado un apartamento, con el objeto de que sus jefes puedan vender el solar.

En 1995 se publica la historia Dog afternoon dentro del recopilatorio Sultan Boueitai (Dobun Shoin), donde de nuevo Otomo sólo participa como guionista. La historia fue publicada originalmente en 1982 en la revista Young Magazine. En ella, unos jóvenes motoristas son captados para formar parte de una organización yakuza que está inmersa en una lucha de poder. El dibujante de toda la recopilación es Akihiko Takadera. El guión del resto de historias es de Kimiyoshi Takekawa.

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En 1995 se publica la historia Dog afternoon dentro del recopilatorio Sultan Boueitai (Dobun Shoin), donde de nuevo Otomo sólo participa como guionista. La historia fue publicada originalmente en 1982 en la revista Young Magazine. En ella, unos jóvenes motoristas son captados para formar parte de una organización yakuza que está inmersa en una lucha de poder. El dibujante de toda la recopilación es Akihiko Takadera. El guión del resto de historias es de Kimiyoshi Takekawa.

También en 1995 realizó una historia dentro del número 4 de la serie Batman: Dark & White, una serie en blanco y negro de pequeñas historias realizadas por diferentes autores aportando su visión del personaje. En dicha serie los únicos autores no americanos son él, Tanino Liberatore, el argentino Jorge Zaffino y José Muñoz (si asimilamos al danés Teddy Kristiansen al mercado americano). Finalmente, en 2002, realizó el texto de un libro para niños Hipira, un travieso pequeño vampiro, ilustrado por Shinji Kimura.


MARK MILLAR

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Mark Millar es un guionista de historietas o tebeos nacido en Coatbridge, Reino Unido, el 24 de diciembre de 1969.

Mark Millar es uno de los más aclamados y exitosos autores del cómic estadounidense actual, guionista de algunas de las series de mayor éxitos de crítica y público de los últimos años, como The Authority, Ultimate X-Men o The Ultimates. Su popularidad no es menor que la controversia que suscitan sus historias, repletas de sexo y violencia, con un humor negrísimo, en las que trata provocativamente temas políticos y sociales así como otros más personales, mezclando continuamente el naturalismo, el drama y la acción más desenfrenada. Sus críticos han señalado el uso recurrente de sus temas y argumentos, así como la debilidad de sus diálogos, mientras que su partidarios disfrutan con sus planteamientos atrevidos y su estilo provocador y dinámico.

Millar quiso ser guionista de historieta desde que conoció a Alan Moore en una sesión de firmas a mediados de los 80. Sin embargo, no fue hasta que necesitó dinero después de dejar la universidad que se decidió a escribir profesionalmente. Consiguió su primer trabajo a finales de los 80 como guionista de la serie Saviour, con dibujos de Daniel Vallely, para Trident Comics. Saviour era uno de los títulos más populares de la editorial; se trataba de una extraña mezcla de narrativa posmoderna, religión, sátira y acción superheroica, que serían los elementos por los que más adelante Millar sería conocido. También escribió The Shadowmen para Trindet, pero sólo se publicaron dos números porque la editorial quebró en 1991, dejando los dos títulos de Millar inacabados. En esta época también comenzó a escribir en la clásica cabecera inglesa 2000 AD, dando inicio a una extensa colaboración.

El trabajo de Millar en Reino Unido llamó la atención de DC Comics y en 1994 comenzó a escribir la serie Swamp Thing, introduciéndose en el mercado estadounidense. Los primeros cuatro números de Millar fueron co-escritos junto con Grant Morrison, gran amigo suyo con cuyo enfoque sobre la historieta coincide en buena parte, pero fue Millar quien se asentó en el título y consiguió un gran éxito de crítica para lo que era una colección en declive. Durante los años siguientes, Millar compaginó su trabajo en 2000 AD con sus guiones para DC, escribiendo incluso títulos de Superman, aunque a los largo de la década los 90 fue desplazando paulatinamente su esfuerzo hacia EE. UU. En DC realizó un trabajo notable en títulos como The Flash, también co-escrito con Morrison, o diversos spin-off de la Justice League, a la par que escribía en otras series como Vampirella, de Harris Comics, o Skrull Kill Krew, de Marvel Comics.

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El éxito le llega a Millar en el 2000, al suceder a Warren Ellis como guionista de la serie The Authority de Wildstorm (subdivisión de DC), donde jugó sus mejores bazas y ganó una notable reputación. La exitosa serie creada por Ellis se basaba en la premisa de situar a los superhéroes dentro del mundo contemporáneo real, rodeados de conflictos internacionales y política. Manteniendo los aspectos más notorios de la colección, Millar y el dibujante Frank Quitely añadieron un estilo más polémico a las historias al tiempo que aumentaron el nivel de violencia gráfica. The Authority sufrió censura por parte de DC que causó cierta fricción entre Millar y la editorial, especialmente con el editor Paul Levitz, agrabándose aún más a partir de los sucesos del 11 de Septiembre, cuando DC se hizo aún más sensible a la violencia y las escenas de destrucción en sus colecciones. Los 12 números que guionizó Millar tuvieron una edición accidentada, sufriendo retrasos en la distribución y alteraciones en el dibujo que se dejaron notar en las ventas, lo que aumentó la frustración de Millar por las continuas objeciones de DC a su estilo y el contenido de sus historias. Aún escribiría para DC Superman: Red Son, otra de sus pequeñas joyas, pero abandonaría definitivamente la editorial en 2002.

Convertido ya en un guionista de prestigio, es contratado por Marvel Comics para lanzar Ultimate X-Men dentro de su nueva línea Ultimate. Ésta pretendía reformular los personajes más populares de la editorial adaptándolos al siglo XXI, haciéndolos más atractivos para un público nuevo y más accesibles al carecer de la continuidad del Universo Marvel. Ultimate X-Men supuso un enorme éxito de crítica y público para Marvel y Millar; además, coincidió también con el éxito de New X-Men de Morrison y dio definitivamente a la edtorial el empujón que su editor jefe Joe Quesada estaba buscando. Millar se había convertido en uno de los principales arquitectos de la línea Ultimate y continuaría expándiéndola con un nuevo y también exitoso título, The Ultimates, donde presentó su particular y contundente visión de los Vengadores. Ultimate X-Men y The Ultimates se convirtieron en las dos series mejor vendidas de Marvel en los últimos años. Millar dejó Ultimate X-Men pero no abandonó su relación con Marvel. Guionizó personajes tan populares como Spiderman o Lobezno, trabajando con el dibujante John Romita Jr.; escribió la serie Trouble, que suscitó también cierta controversia por su descripción del sexo adolescente y su insinuación de que sus personajes eran versiones jóvenes de personajes de Spiderman como la Tia May; y guionizó, de nuevo dentro de la línea Ultimate, los primeros seis números de “Ultimate Fantastic Four junto con Brian Michel Bendis, otro de los guionistas actuales de mayor éxito.

Megapost: Maestros del Comic - Parte 3

En 2004, Millar puso en marcha su proyecto personal de crear su propia línea de historietas, a la que llamaría Millarworld, cuyos títulos serían publicados simultáneamente por cuatro editoriales diferentes. The Unfunnies, publicada por Avatar, no llegó a completarse, aparentemente por problemas legales, y Run, que debía ser publicado por Image y contar con dibujos de Ashley Wood, nunca llegó a ver la luz. Sin embargo, Dark Horse publicó con cierto éxito Chosen, una especie de actualización de Saviour. Y aún mayor aceptación obtuvo Wanted, serie publicada por Top Cow, con dibujos de J.G. Jones, que partía de la premisa de que los supervillanos habían vencido a todos los supehéroes del mundo y de la que se está trabajando incluso en una posible adaptación cinematográfica.

En 2005, diversas acciones ciertamente estrambóticas giraron la atención hacia Millar, entre las que se cuenta el perder una apuesta de 5.000 dólares con Harry Knowles sobre el casting de la nueva película de Superman y un intento de relacionar a Eminem con la película de Wanted que los representantes de Eminem negaron públicamente. Millar anunció el 1 de noviembre de 2005 que se tomaría seis meses sabáticos de su trabajo en los cómics como parte de su recuperación de una seria enfermedad crónica. Planea volver a escribir cómics en 2006, incluyendo entre sus planes nuevos títulos del sello Millarworld.

4 comentarios - Megapost: Maestros del Comic - Parte 3

bonachon
Fijate que en la info e imagen es John Romita Sr. pero los graficos y el titulo son de John Romita Jr. Supongo que quisiste poner al padre pero el hijo creo que tambien merece su lugar aca.
federiico
En general es todo lo más popular pero para maestros del comic me parece que te dejaste una lista larga. Por ejemplo a Jiro Taniguchi.



Saludos.
josselo
baah.. estos seran maestros pero de ser los mejores estan a 20mil leguas..

los mejores son el viejo Breccia (el mejor historietista de todos los tiempos) y le siguen Hugo Pratt, Manara, etc... hay miles