Contenido del Post:
Historia del Dibujo
Materiales de Dibujo
Posturas y Hábitos al dibujar
Inicio al dibujo artístico
Empezar a dibujar
Compocición y equilíbrio del Dibujo
Descompocición en volúmenes
Teoría del color
Aprender a dibujar Árboles y plantas
Aprender a dibujar animales
Cómo dibujar caricaturas





Historia del Dibujo
El ser humano siempre ha tenido la necesidad de representar todo lo que le rodea, encontrando en el dibujo, el medio más ameno para realizar este deseo. Los primeros dibujos se remontan en el Paleolítico Superior, hace 35.000 años, cuando el Homo sapiens representaba sobre las superficies rocosas de las cuevas o sobre la piel de los abrigos, animales que cazaba. Un ejemplo de esta manifestación artística lo encontramos en las pinturas rupestres de las cuevas de Altamira, en Cantabria (España).

Más tarde, los egipcios supieron valerse de este arte para decorar las construcciones más imponentes de la historia; las pirámides. Había pasado miles de años y el dibujo había evolucionado substancialmente. Se había pasado de la composición monotonal y estática de la prehistoria al equilibrio, minuciosidad y colorido de las representaciones teológicas en templos y santuarios. Ahora hacia falta detallar la figura de los dioses para agradecerles la esplendor del imperio egipcio.

Habría que avanzar hasta el S.VI a.C. para encontrar, en los griegos los máximos representantes del equilibrio en el dibujo. Preocupados por centrarse en la expresión cándida humana, la despojan de todo abalorio o connotación sobrenatural, consiguen centrarse y obtienen las proporciones consideradas armónicas hasta el momento. He aquí la unidad y avenencia entre la realidad y la figura.

Los romanos, 500 años después aportaron la diversidad que faltaba. Mantener otro imperio sobre un territorio tan extenso precisaba de un ejercito y una disciplina ejemplar para subyugar a tantas culturas diversas sobre el mismo mando. Eso, facilitó, en cierta parte, el abandono de lo artístico y ornamental para acercarse a una doctrina más práctica y útil para esa época; hacían falta sólidas edificaciones con las que mantener la autoridad sobre los continuos ataques de los invasores. Obtuvieron en el dibujo el medio para reflejar lo que serían las próximas construcciones. Surgieron los primeros planos y con ellos nació la arquitectura. El dibujo técnico ya precisaba de mayor técnica y conocimientos matemáticos que lo que se había forjado hasta el momento.

De la Edad Media, S.VIII-S.XV, es donde se conservan un numero mayor de obras integras. Durante esta etapa predomina las representaciones vivaces. Vuelve a imponerse la espectacularidad y los aderezos, sin dar oportunidad a actuar al color; simplemente es el trazo el encargado de marcar el detalle. La invasión árabe introduce un revolucionario soporte para el dibujo y la pintura: el papel. Invención china que facilitará que la ilustración deje se ser una actividad exclusiva de monjes sobre pergaminos de cañas y piel, para convertirse en algo más alcanzable para la población. Es a partir de ese momento cuando se puede manifestar el fulgor del color. Cabe destacar, también, la introducción al uso de la pluma metálica o la tinta como la conocemos actualmente.

Desde Italia y avanzando entre la etapa gótica, segunda mitad del S.XV, el Renacimiento se desarticula de lo religioso. Ahora lo importante es reconocer la belleza y saberla expresar. Basándose en la civilización artística grecorromana (renace lo antiguo), vuelve a imponerse lo natural y escueto. Los magnates se dejan reflejar sus bustos en multitud de retratos. De la mera decoración arrinconada, el desnudo femenino empieza a adueñarse de los temas principales en las creaciones y se vuelve al estudio de la figura humana. El dibujo asciende a lo volumétrico gracias a las nuevas técnicas de coloreado. El juego de luces y sombras, junto con la perspectiva, acerca aún más la realidad al dibujo. Una manifestación de artistas demuestran este nuevo desarrollo: el Greco, Miguel Angel, Sandro Boticelli, Leonardo da Vinci.
Éste último destaca sobre los demás por su afán de investigación. Recoge bajo sus obras estudios de anatomía, invención de artilugios y una nueva manera de utilizar la iluminación en el dibujo. El esfumato disipa la línea cerrada del contorno del dibujo para aumentar de profundidad y con ello, lo que se persigue desde entonces: el acercamiento a lo natural. Por tanto el dibujo deja de ser algo espontáneo y subjetivo para convertirse en una verdadera disciplina.

El Barroco, que se estira hasta el S.VII, utiliza hasta la exageración todos los recursos aportados durante el Renacimiento para expresar desde la calamidad de la pobreza hasta lo fastuoso de la riqueza. Se rompe le rectitud y la uniformidad en las representaciones pictóricas y se intenta al máximo conmover y atraer al espectador.

A partir del S.XIX se rompe la continua uniformidad que había seguido el dibujo y se bifurca en multitud de estilos: romanticismo, realismo, impresionismo, expresionismo, fauvismo, cubismo, futurismo, surrealismo... No obstante, todos ellos utilizan lo aportado hasta la fecha como herramienta para expresar nuevos enfoques de la sociedad que están viviendo.



Materiales de Dibujo
Estudio de Dibujo

El estudio de dibujo es una habitación dedicada exclusivamente para ejercer la tarea de dibujar, colorear, recortar y otros procedimientos para obtener la obra final que pretende el artista. Es aconsejable disponer de una instancia, o sino una zona de nuestra habitación, para concentrar todo el material y herramientas en este espacio. Evitando así tenernos que desplazar cada vez que hubiéramos de coger algún utensilio por toda la casa, con lo que se consigue centrarnos más en el trabajo y aprovechamos el tiempo.

Ha de ser relativamente espaciosa. Tenemos que colocar la mesa, silla, armario, herramientas, y el dibujante. Si se nos presenta un espacio claustrofóbico no podremos trabajar bien y nos cansaremos rápidamente.

Ha de presentar las paredes de colores claros. Una instancia oscura perjudica la concentración y cansa la vista.

Para organizar el material podemos optar por situar un armario cajonero o unas baldosas de pared próximas a la mesa, de tal manera que sin necesidad de levantarnos de la silla podamos alcanzar todos los aparejos. Sin embargo, son inútiles todos estos recursos si después de dibujar dejamos el material tirado por todas partes. Es importante situar todos los objetos al lugar indicado.

La habitación ha de tener buena ventilación, es imprescindible si trabajamos con tintes o pinturas que emanan vapores. Una buena ventana, además de luminosidad proporciona un buen paso corriente.
Iluminación

A la hora de dibujar, como en cualquier otra tarea, hace falta una buena iluminación. Es preferible utilizar la luz del día por sus numerosas cualidades: proporciona una luz potente y uniforme, es gratuita, sana para la salud y nos muestra los colores en su tonalidad natural. Si no disponemos de iluminación suficiente en nuestra instancia podemos utilizar alumbrado artificial. Siempre empleando emisores que proporcionen una luz blanca; la amarilla cansa y daña la vista. Los fosforescentes y bombillas de cierta potencia (100W) ofrecen estas prestaciones.

Los instalaremos de manera que el foco dirija la luz en el lado contrario a la mano que utilicemos. Si somos diestros colocaremos la bombilla en el lado izquierdo, pero si somos zurdos la situaremos a la derecha. Con esto conseguiremos evitar proyectarnos nuestra sombra sobre el papel.
Mesa de dibujo

Lo mejor es disponer de una mesa de dibujo autorregulable en inclinación. Además de aportarnos rigidez y solidez nos habituaremos a ella resultándonos mucho más ameno a la hora de empezar a dibujar. Como su pendiente es ajustable podremos probar y encontrar el ángulo más adecuado para nosotros. Cuando compremos la mesa y la instalemos en la habitación nos tendremos que asegurar que está bien asentada al suelo. Un balanceo durante un entinte de precisión nos echará todo el trabajo por la borda. Además de estar estable también ha de aportar la rigidez para que no se mueva mientras dibujamos.
También podemos optar por utilizar un tablero de madera inclinado sobre libros o cajas. Es la solución más económica, pero la menos práctica.

Es aconsejable, aunque no imprescindible disponer de una mesa de calco.
Superficie de la mesa
El rozamiento es el causante del desprendimiento de partículas de grafito (o el material con el que estamos trabajando) sobre el papel, por eso la zona de contacto entre estos dos elementos ha de presentarse siempre constante. Así evitaremos que nuestro trazo salga irregular y tosco.
Si dibujamos sobre superficies rugosas obtendremos texturas no deseadas; aunque a veces se utilice intencionadamente como técnica de dibujo. Lo ideal son superficies lisas y duras para evitar el hundimiento de la mina sobre dicha superficie.
Si nuestro lugar de trabajo no cumple dichos requisitos podemos servirnos (como hemos comentado antes) de un tablero adicional de tamaño superior a la hoja que utilicemos para dibujar, para poder albergar toda su extensión.

Básicamente se trata de poder dibujar sobre una superficie dura, lisa e inmóvil.
Silla de dibujo

Cuando ya tengamos la mesa preparada tendremos que escoger la silla.
Ésta ha de ser cómoda, sin entrar en exageraciones como un sillón o una mecedora. Si os preguntáis por que tipo de silla decantarnos: si fija o de ruedas: Las de oficina (las que llevan ruedas) proporcionan menor estabilidad. En el dibujo no hace falta moverse tanto como lo hace un directivo o una empresaria en su oficina, por tanto estas sillas serian menos recomendadas. Las tradicionales (cuadro patas ancladas al suelo) proporcionan más solidez. Actualmente existe una amplia gama en centros especializados. Y finalmente podréis optar por el taburete. Éste último permite regular la altura pero ofrece menor firmeza.

Es cuestión de probar y descartar; viene dado al gusto de cada uno.

Reposapiés
Si estamos varias horas en la misma postura al final el cuerpo se resiente. Una buena postura evita dolores y molestias: con la espalda recta, los brazos ligeramente descansados sobre la mesa y los pies apoyados sobre el suelo.
Tenemos otra opción a parte de poner los pies sobre el suelo llano, evitando colocar las piernas recogidas sobre la misma silla recargamos los músculos, el reposa pies ayuda a estar más cómodos y a mantener una postura correcta de sentado.

Lápiz de dibujo
El lápiz de grafito
El lápiz es el objeto más elemental, además del papel claro está, para dibujar. Es éste quien mancha el papel y lo pigmenta logrando crear un rastro tras de si conocido como trazo.
¿Cómo estan formados los lápices?

El lápiz está formado por una mezcla de grafito natural pulverizado y arcilla horneados a unas temperaturas específicas.
Según la dureza de la mina se emplea una proporción mayor o menor de grafito-arcilla. A mayor arcilla mayor dureza.
Variedades de lápiz
Actualmente se puede obtener en 3 variedades: el tradicional (mina de grafito encapsulada dentro de una carcasa de madera de cedro), el portaminas (Especie de bolígrafo con minas muy finas de grafito) o el lapicero de barra (Parecido al portaminas pero con barras de grafito mucho más gruesas y resistentes. Aprox. 5mm de diámetro).

Durezas
Como se ha dicho anteriormente la proporción de arcilla marcará la dureza de la mina. El lápiz puede clasificarse en dos grupos según sea esta dureza:

Lápices duros: De mina seca, tenaz, a grisácea y algo más estrecha.
Lápices blandos: De mina aceitosa, frágil, oscura y más gruesa.

Dentro de estas dos clasificaciones existe un amplio gradiente de opciones que satisfacen todas las demandas. Desde el lápiz superduro al superblando. Para poder diferenciarlos, además de probarlos sobre el papel y experimentar por nuestra propia piel los diversos tonos que generan, observando la numeración o las letras que llevan impresa en la caña de madera.

Los lápices duros llevan la letra H (hard, duro en inglés) o números altos: 3,4,5,6...
Los lápices blandos, por el contrario, se identifican con la letra B (bold, marcado en inglés) o números bajos 0,1...

Aunque también se pueden encontrar los que mezclan números y letras, que siguiendo con el esquema anterior diferencian las diversas durezas:

Los lápices duros vienen definidos por la letra H seguido por un número (cuando más alto más duro): 2H, 3H, 4H, 5H...
Los lápices blandos vienen definidos por la letra B seguido por un número (cuando más alto más blando):2B, 3B, 4B, 5B...
Equivalencias
Números Letras
1 2B
2 HB
3 H
4 3H

Elección del Lápiz
Los lápices pueden tener el exterior (carcasa o caña) de madera o de plástico, siendo las primeras generalmente de menor calidad y dirigidas a un público infantil.
Además del material que lo envuelve también podemos seleccionar su forma exterior: redondeada o hexagonal.
La redondeada además de ser más difícil de afilar (se nos resbala entre los dedos cuando aplicamos presión) es muy inestable sobre la mesa de dibujo. Muchas mesas están ligeramente inclinadas eso hace que nuestro lápiz se deslice rodando hacia el suelo, consiguiendo así partir la punta o quebrar la mina en mil pedazos. (Una vez la mina se fragmente es casi imposible seguir dibujando con ese lápiz. Ya que al poco tiempo de rayar sobre el papel la mina irá moviéndose o caerá sin más.). La mina hexagonal soluciona este gran problema.
La elección de la dureza viene dada por el uso que se hará de nuestro lápiz: Para dibujo de gran precisión, tal como el dibujo lineal, las minas duras conservan el trazo fino y no manchan el papel, consiguiendo así resultados muy limpios y acabados. Si nuestro objetivo es realizar obras más bien artísticas las minas blandas proporcionan mayor expresividad y flexibilidad al artista.



Postura y hábitos al dibujar

La posición del artista es fundamental a la hora de dibujar.
Hemos de seguir una recomendaciones base para obtener el máximo provecho en nuestras horas de trabajo.
Distancia

La idea principal es no acercarnos ni alejarnos demasiado del papel; sin una óptica clara y general de lo que estamos dibujando no podemos obtener lo deseado. Por lo tanto, dependiendo del tamaño del lienzo o del folio debemos situarnos en distancias diferentes.

Si nuestro dibujo no supera el tamaño de una hoja DINA-4 la distancia recomendada es la de codo-cabeza. Cuando la superficie a aumentando también lo hace la distancia.

Es a distancias relativamente grandes, como en murales, cuando la intuición y la experiencia del dibujante escogen la mejor longitud
Inclinación

A la hora de dibujar, como se ha dicho hasta ahora, se ha de tener una visión generalizada de lo que estamos creando; la inclinación de la mesa ayuda a ello, a demás de proporcionar la libertad del movimiento del brazo necesaria.

Si dibujamos sobre una superficie completamente horizontal el brazo ha de realizar un esfuerzo complementario.
Cuando se extiende hacia la parte superior del papel el brazo ha de estirarse forzosamente, igualmente ocurre cuando nos acercamos el brazo hacia nosotros, que ha de replegarse.

Al inclinar el plano de la hoja alejamos la zona próxima a nosotros y acercamos la alejada, consiguiendo así un "equilibrio" favorable.
Esta inclinación también viene marcada por el tamaño de la figura: mayor tamaño-mayor inclinación, menor tamaño-menor inclinación.

En obras de tamaño grande es conveniente situar el lienzo en posición vertical para podernos mover con facilidad por todas las zonas.
Visión
La cabeza a de situarse paralela al dibujo, de manera que nuestra vista siempre sea perpendicular a la superficie donde dibujar.
Superficie

El rozamiento es el causante del desprendimiento de partículas de grafito (o el material con el que estamos trabajando) sobre el papel, por eso la zona de contacto entre estos dos elementos ha de presentarse siempre constante. Así evitaremos que nuestro trazo salga irregular y tosco.

Si dibujamos sobre superficies rugosas obtendremos texturas no deseadas; aunque a veces se utilice intencionadamente como técnica de dibujo.
Lo ideal son superficies lisas y duras para evitar el hundimiento de la mina sobre dicha superficie.

Si nuestro lugar de trabajo no cumple dichos requisitos podemos servirnos de un tablero adicional de tamaño superior a la hoja que utilicemos para dibujar, para poder albergar toda su extensión.
Material de referencia
Cuando estamos realizando un dibujo siempre se basará en un tema. Es muy aconsejable disponer de material de referencia. En revistas especializadas (si dibujamos animales disponer de revistas del mundo animal, si lo hacemos con las plantas coger un libro de botánica, etc.), en periódicos (además de informarnos diariamente ofrecen cantidad de muestras gráficas en sus fotos), cómics, cintas de vídeo, Dvds; actualmente estamos rodeados de información fácilmente alcanzable. Aunque sin embargo lo que de verdad da práctica al artista es experimentar por su propia piel. Mientras nos desplazamos, cuando vamos de compras, al trabajo; absolutamente todo es tangible de ser interpretado como una nueva inspiración. Una pequeña libreta de mano nos permite ir tomando apuntes en cualquier sitio para así aprovecharlos cuando llegamos al estudio para dibujar.




Inicio al Dibujar
El proceso de dibujo se aprende y se perfecciona con el tiempo. Esa evolución a base de práctica proporciona al artista un estilo propio y personal.
No obstante, se tiene que conocer unas leyes o principios básicos aptos para poder empezar a caminar. Sin estas nociones empezaremos con un camino muy pedregoso.

Lo primero, situarnos y coger el material.
La situación variaría según el entorno. En el interior, dentro del estudio, nos colocaremos en la mesa de dibujo; en el exterior apoyar la hoja sobre una carpeta rígida o una carpeta para conseguir rigidez.

El material, el imprescindible. No rellenar demasiado el aérea de trabajo para que éste no nos moleste al dibujar. Libreta u hoja, lápiz y goma lo básico.
Y ahora a trazar...

Actitud
La primera cosa que nos pase si intentamos dibujar a conciencia, intentando crear una obra decente, sea esa impresión que no avanzamos. Los dibujos nos salen torcidos, mal proporcionados o incluso, ese perfil tan simple a simple vista es impensable plasmarlo en nuestra hoja en estos instantes.

Esa actitud es lo primero a modificar.
No se debe pensar en lo mal que dibujamos o en la poca semejanza de nuestros dibujos; simplemente trazar, de momento, imitando literalmente las formas que nuestros ojos vean.
Para ello se debe practicar un juego de visualización y trazo.

Visualización y trazo
Coge un objeto, sitúalo delante de ti.
Mira uno segundos y realiza una línea imitando un trozo de ese objeto. Vuelve a mirar el objeto y continua trazando. Sigue el procedimiento hasta terminar el dibujo.


Te habrás dado cuenta que en este periodo no has mal interpretado tus trazos. Simplemente has ido reproduciendo tal cual veías. Esta es la idea a asimilar.

A partir de este momento vamos a realizar ejercicios para facilitar nuestro adaptación a un dibujo más espontáneo y fluido.



Empezar a dibujar

Vamos a empezar a dibujar.
Para coger soltura de la muñeca es el momento de utilizar esos folios rayados y sucios para trazar líneas rectas de arriba a bajo. Todas ellas paralelas entre si.

Cada línea ha de hacerse de un único movimiento de muñeca. La línea ha de ser suave (no se debe apretar la hoja, ya que la fricción exagerada sobre el papel entorpece el avance de la mina), rápida y constante.
Al realizar las líneas rápidamente y de un único trazo evitamos estar pensando el camino que traza la punta del lápiz. La línea sale mucho más recta y uniforme.

Rellena las últimas líneas sobre una hoja blanca, para ir perdiendo el miedo a la hoja desierta.

Ahora repite el procedimiento pero extendiendo la línea a lo largo de la hoja. Para ello, debes mover el brazo.
Como hiciste con la línea corta, el trazo ha de hacerse de un mismo tirón y espontáneo.
Las últimas líneas realízalas sobre una hoja blanca.

La última etapa será trazar círculos sobre la hoja. Han de ser círculos frescos y natural. Sin pensar en su perfección o uniformidad.

Haz un circulo. El segundo que intente imitar la dimensión del anterior. Vuelve a trazar otro circulo e imita este con el próximo. Repite hasta rellenar un par de hojas.

Terminado los ejercicios ya tendrás suficiente confianza en ti mismo como para empezar a dibujar objetos reales.

Dibujo del revés
Este ejercicio, de complemento a los anteriores, se trata de imitar un dibujo vuelto del revés.
Coge una fotografía o una ilustración que tengas por casa y dale la vuelta. Cabeza a bajo. Imita esa fotografía o ilustración irreconocible debido a su cambio de óptica.
Cuando termines dale la vuelta a los dibujos. Si has seguido los pasos anteriores y has trabajado sin prisas el resultado será sorprendente.



Dibujo sin control
Pon la mano que no usas para dibujar apartada de la hoja y fíjate en ella. Ahora intenta dibujarla sin apartar los ojos de la palma y los dedos de la mano.
Traza el contorno, los pliegues y todos los detalles con la otra mano. Como en este ejercicio no te has fijado en lo que dibujabas, no has podido introducir ideas preconcebidas de la mano. Tu dibujo es fresco y espontáneo. Representa exactamente lo que tus ojos te describían.

Dibujar lo que se vea, no lo que se crea
Coge un lápiz, sitúalo sobre la mesa y dibújalo. ¿A que ha sido relativamente fácil reproducirlo?
Coge el mismo lápiz con la mano que no dibuja y gíralo para modificar su perspectiva. A continuación dibújalo. En este momento lo más seguro que te hayas dado cuenta que cuesta mucho más y probablemente no te haya salido proporcionado. Esto se debe a que no dibujamos lo que vemos sino la idea, el concepto que tenemos en la cabeza. Al dibujar aplicamos nuestro sentido común , el cual nos perjudica la tarea. (De momento.)

El hecho de reproducirlo sin utilizar la memoria proporciona un trabajo más pesado y lento, pero más detallista y real.



Composición y equilíbriio del Dibujo

Según que hoja se utilice podrás plantear un dibujo u otro. Sin embargo la composición puede ir impuesta totalmente por el dibujante, dejando márgenes y aprovechando mejor unas u otras zonas del papel. La colocación del dibujo y de sus elementos en posiciones determinadas denotan sensaciones. El dibujo apaisado denota tranquilidad y solidez. Es apto para describir panorámicos paisajes. Un dibujo vertical demuestra fragilidad. Las ilustraciones en diagonal representan fuerza y dinamismo.
A medida que experimentemos podremos descubrir otros formatos de equilibrio



Para simplificar la teoría. Solamente tenemos que evitar centrar la atención en el centro, colocar la atención ligeramente desplazada, o incluso situarlo en un extremo de la hoja. Tenemos que entender el dibujo como un escenario de teatro donde los elementos se descomponen en profundidades. Los objetos que están más cerca del espectador, los primeros planos, son más detallados y aumentados. A medida que nos alejamos los trazos se vuelven más imprecisos y pequeños.



Descompocición del boceto en volúmenes
Ahora es el momento de subir un escalón en el arte del dibujo.
Hasta la fecha, simplemente hemos reproducido lo que veíamos tal cual. En este momento tendremos que entender lo que vemos para transformar lo de nuestro alrededor en objetos simples volumétricos.
Todo elemento puede descomponerse en agrupaciones de cubos, esferas, cilindros y pirámides.

Escoge el motivo que quieras dibujar. Es aconsejable que la primera vez que empieces a dibujar te decantes por algún objeto inmovil.Si tenias pensado escoger una persona, déjalo para más adelante, ya que aguantar la misma posición durante cierto tiempo es cansado y provocará que nuestro figurante se mueva, modificando la posición inicial.

Ve realizando líneas suaves resiguiendo las formas. En caso que se produzcan impresiciones no utilices la goma, resigue de nuevo la línea, rectificando al lado de la línea incorrecta. De este modo no se pierde tiempo ni se desconcentra de la idea actual.
Cuando acabemos tendremos ante nosotros una obra fresca, donde el artista ha ido representado líneas a medida que avanza en su creación.



Teoría del Color

El color es algo abstracto que denota sentimientos o emociones.
Para aplicarlo con criterio primeramente viene una base teórica que hay que aprender.

Para estudiarlos se tiene el circulo cromático; donde se ordenan colores primarios, secundarios y mezclas de estos.
Los colores primarios son aquellos que no se obtienen por la mezcla de ningún otro color; sin embargo a partir de la mezcla de estos se obtienen otros colores. Son ejemplo: el azul, el amarillo y el magenta o rojo.
Los colores secundarios vienen formados gracias a la mezcla de la misma cantidad de dos primarios. El verde (mezcla de amarillo y azul), naranja (mezcla de amarillo y magenta) y el violeta (mezcla de azul y magenta) son colores secundarios.
Los colores terciarios se obtienen de la mezcla de un primario con su secundario más cercano. Como se intuye variando la cantidad de mezcla de primarios con secundarios obtenemos una amplia gama de colores que se irán formando paulatinamente como una transición continua de colores.


Existe una nomenclatura de la relación entre posiciones de colores en el circulo cromático. Mientras que los colores cercanos se llaman armónicos o relativos. Los colores opuestos en el circulo cromático reciben el nombre de complementarios.


Otra relación que podemos obtener del circulo cromático según su posición es colores cálidos o colores fríos. Los colores cálidos se encuentran en la zona amarilla y sus próximos, mientras que los colores fríos son aquellos dispuestos alrededor del azul. Cada uno expresa como su nombre indica una sensación diferente de temperatura.


Otro aspecto importante en la teoría del color son los valores tonales ideales para crear atmósferas y sensaciones de profundidad o espacio. El tono refleja brillantez u oscuridad creando así una sensación de dimensión en una superficie completamente plana como puede ser un lienzo. Contraposicionando colores (o mezclando diferentes tonalidades) obtendremos temas más vivos y rítmicos.



Dibujar Árboles y plantas

Vamos a realizar un ejercicio para comenzar a dibujar árboles con facilidad.

Siguiendo la lección paso a paso sabrás como desarrollar desde el boceto hasta el entintado final.

Para seguir los pasos del dibujo debes disponer de un lápiz de grafito (de mina blanda) o un portaminas, una goma, una hoja de papel o una libreta con hojas blancas, un puntafina (para este tutorial hemos utilizado uno de grosor 0,2mm) y una hoja de papel vegetal (la usaremos si queremos mantener el boceto a lápiz intacto.)

Boceto a lápiz
Nos situamos delante de la hoja en blanco. Este espacio de vacío puede provocarnos algo de miedo si hace mucho tiempo que no dibujamos o tenemos poco práctica.
Se nos pasará con la práctica o al realizar los primeros trazos.

Realizamos una línea horizontal que representará el suelo.

Es conveniente que esta línea sea más ancha que la amplitud máxima del árbol. Así tendremos un equilibrio mayor del dibujo- obtendremos un árbol más simétrico.

Des del medio de la raya horizontal levantamos una vertical (representa el tronco) y a la altura que consideremos oportuna dibujamos un circulo más o menos preciso. No tenemos que esforzarnos demasiado ya que solo es una ayuda visual que más tarde se borrará. Según el tipo de follaje del árbol será un circulo alargado, aplastado, uniforme...

Como en este momento estamos dibujando un roble, éste tiene una copa densa y regular.

A continuación vamos realizando los detalles del árbol. Si empezamos por abajo definimos la anchura del trinco y vamos definiendo las ramas principales, las más gordas.

Ve formando la copa del árbol añadiendo más detalles.
Ten en cuenta que cuando más nos alejamos del tronco las ramas se van haciendo más delgadas. De cada rama nacen nuevas bifurcaciones de ramas más jóvenes.
Puedes fijarte en estos detalles paseando por el bosque o por los parques de tu ciudad. En botanical-online hay mucha información sobre el mundo vegetal. Puedes consultarla en línea.

Por último distribuye las aglomeraciones de hojas. Un recurso sencillo pero eficaz es dibujar manchas de diferentes tamaños sin acabar de dibujar hoja por hoja.

No te olvides de añadir la textura del tronco del árbol: arrugas, agujeros, nudos de ramas resquebrajadas

Decora esa línea impersonal del suelo con algunas hierbas o césped



Cómo dibujar animales

Esta es una lección para empezar a dibujar animales.

Te dará las pautas para entender la descomposición en figuras más simples un animal a simple vista complicado.

Para seguir con el tutorial debes disponer de un lápiz de mina blanda (o un portaminas), una goma y un cuaderno de dibujo (u hojas de papel blanco)

Instrucciones de dibujo

Vamos a dibujar un animal de compañía muy común en los hogares: el hámster.

Puedes tomar como referencia revistas de animales o vídeos, en el caso que no dispongas de ninguno en casa.

Para empezar, dibujamos un óvalo grande. (Representará el cuerpo de nuestro animal)
Encima del cuerpo nos encontramos con la cabeza. Para dibujarla simplemente trazamos un circulo pequeño en la parte superior del óvalo.

Para imaginarnos el animal es necesario marcar donde van las extremidades superiores e inferiores.

Dibujamos un triángulo (con las esquinas redondeadas) debajo de la cabeza para simbolizar los músculos de la extremidad superior.


Repetimos con otro triángulo mayor debajo del anterior.
Como las patas traseras tienen más fuerza (gracias a ellas el hámster puede correr y saltar) el músculo a de ser más grande.

...Y de los músculos que hemos dibujado salen las patas. (Las dibujamos como dos salchichas).

No te olvides de realizar la cola en el culo del óvalo.

Borramos los trazos que nos entorpezcan en la comprensión del dibujo.

Continuamos realizando el ojo derecho y las orejas.

Fíjate como de momento no detallamos el dibujo, simplemente vamos marcando poco a poco los elementos más significativos de la bestia.

Vamos continuando con los detalles.

Como el hámster tiene los ojos negros, rellena el circulo pequeño que habíamos echo dejando una pequeña mancha sin rellenar- esto dará un aspecto de reflejo en la pupila.

Continua con los pelos del bigote (trazos rápidos, sin pensar, apretando en la base y aflojando hacia el exterior.)

Los dedos tienen unas pequeñas uñas afiladas. También fíjate en los detalles de las orejas.

Vamos a acabar realizando la distribución de las tonalidades de color del pelaje mediante trazos flojos (que sean fáciles de borrar posteriormente).

Los pasos que se van a hacer a partir de ahora darán un aspecto de más salvaje o doméstico a nuestro animal.

Ve realizando trazos cortos en un mismo sentido y dirección de arriba a bajo. Empieza por rellenar las zonas que habíamos marcado en el paso anterior.

Como te habrás dado cuenta estas pequeñas líneas son los pelos del cuerpo.

Ahora que ya están las zonas marcadas más oscuras ve rellenando las demás superficies.

Debes prestar atención a la cabeza. Si te fijas en el animal de muestra en la cabeza los pelos son más delicados: más cortos y finos. Refléjalo con trazos más suaves.

Debes mantener la diferencia de tonos aplicando una mayor o menor cantidad de trazos según convenga.

Finalmente nos encontraremos con un resultado parecido al dibujo de la izquierda.

Como el dibujo está hecho a grafito puedes aplicar una capa de fijador especial para el dibujo a carboncillo (o simplemente un par de pasadas de laca) para que no se deteriore al cabo del tiempo.

Ve practicando con otros animales que te gusten.

Primero imagínatelo descompuesto en formas que tu sabes dibujar sin dificultad: círculos, óvalos, chorizos... Cuanto lo tengas esquematizado con esas formas ve añadiendo elementos propios del animal y acaba por definirlo con los detalles que lo hacen único.

Cuando más practiques más fácil te será dibujar animales. Visita zoológicos y toma apuntes rápidos que más tarde te servirán.



Cómo dibujar caricaturas


La caricatura es la técnica artística que realiza retratos de personas exagerando los rasgos más representativos de estas. Su objetivo es ridiculizar o hacer mofa de la persona que se esta caricaturizando.
A pesar de exagerar los rasgos debe mantener siempre el parecido con la persona para no perder su utilidad de retrato.

La caricatura tiene su origen en el norte de Italia de finales del siglo XVI. Era usada para retratar a los turistas que visitaban la zona.

Actualmente, a parte de recuerdo turístico, es muy usada para hacer sátira política en revistas e historietas.

Como hacer retratos de caricaturas
La primera cosa que debemos hacer para empezar a realizar la caricatura es observar la cabeza del retratado. Debemos clasificarla según su constitución: puede ser un rostro duro (musculoso con las mandíbulas muy marcadas), delgado (pómulos muy prominentes), delicado (de líneas suaves y curvas), mental (frente despejada y prominente), rechoncho (muy abultado y grueso),etc.

A continuación unos ejemplos gráficos:


Una vez ya sabemos quien tenemos delante estudiamos sus facciones más marcadas. Miramos los elementos que más nos llamen la atención.
Empezamos por los ojos. Estos pueden tener muchas formas y dimensiones: pequeños, grandes, rasgados, entrecerrados...
Según su posición también enfatizan la complexión del individuo.
A la izquierda mostramos tres ejemplos que podemos obtener según la posición que tienen los ojos en la cara.

Las cejas reflejan el estado de ánimo de las personas. Según la inclinación puede mostrar enfado, sorpresa, tristeza, alegría.

Fíjate en las cejas de la persona que quieras dibujar y refléjalas en tu retrato.

También tienen diferentes tamaño y formas. En la figura de la derecha tenemos algunos ejemplos

Tenemos en el gráfico inferior ejemplos de ojos que podemos encontrar.

Normalmente, a la misma altura de los ojos encontramos las orejas.

Si el retratado presenta unas orejas salientes lo debemos aprovechar para exagerarlas aún más. En caso de tenerlas muy juntas a la cabeza pues las esconderemos.



Otro rasgo distintivo de las personas es la nariz:


A continuación, y mirando más para abajo, nos encontramos la boca.
Lo que caracteriza la boca es el tamaño de los labios. En el gráfico de la derecha con 6 ejemplos para ir fijandoos en las formas:


Los dientes son otro factor a tener en cuenta cuando realizamos retratos caricaturescos. Podemos dibujarlos desde los más simples (sin definir los dientes), detallar los dientes delanteros, dientes pequeños, mellados.

Un recurso gráfico que utilizan los dibujantes de ilustraciones humorísticas para resaltar la maldad o bondad del ilustrado es situar los dientes en una posición u otra. Si los dientes salen de la mandíbula inferior refleja males algurios, en cambio si son dientes de la mandíbula superior nuestro personaje toma un aire pacífico y de buena persona.
Ejemplos de dientes.

Ahora que ya sabes en que partes fijarte empieza a practicar con tus amigos o familiares. Ya verás que divertido es hacer caricaturas de personas.