¿Como ser el mejor Fotografo?


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BUENO AMIGOS AHORA LES TRAIGO EN ESTE POST MUCHAS FORMAS DE COMO HACER ALGUNOS EFECTOS EN SUS FOTOS Y CON SUS RESPECTIVOS TUTORIALES, IMÁGENES DE MUESTRA, LO QUE SE NECESITA PARA CREARLAS, ETC. ES UN POST MUY LARGO ASÍ QUE DEJEN QUE CARGE UNOS SEGUNDOS Y DESPUÉS PUEDEN EMPEZAR A LEER. PRINCIPALMENTE YO USO PHOTOSHOP PARA TODOS ESTOS EFECTOS... SOLO ME QUEDA DECIR QUE DISFRUTEN Y APRENDAN



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Hacer Fotos de Estelas de Luz

¿Alguna vez te has preguntado cómo se hacen esas fotos en las que salen estelas de luz de los faros de los coches? ¿Y se te ocurre qué tipo de cosas podrías hacer para mejorar tus fotos de estelas? En este post cubro los fundamentos de este tipo de fotografías y te doy una serie de consejos para mejorar tus fotos de estelas de luz. Si quieres saber cómo hacer fotos de estelas o mejorar tu técnica y composición en este tipo de fotos, dedícame unos minutos y no te pierdas este post.

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Introducción

Recuerdo como de niño me quedaba embobado viendo las fotos de las postales en las que aparecía mi ciudad por la noche con sus edificios y monumentos iluminados y las calles llenas de estelas de luces rojas, anaranjadas, amarillas y blancas.

Probablemente ese fue uno de mis primeros contactos con la fotografía que hicieran que más mayor quisiera aprender a toda costa. Me repetía cosas como "quiero hacer fotos como esas".

Sin duda, uno de los elementos más atractivos de la fotografía nocturna en entornos urbanos son las estelas de luz. Esas estelas que dejan las luces de los vehículos en movimiento y que en nuestras fotos quedan recogidas como líneas de colores que dibujan formas más o menos caprichosas.

El atractivo de este tipo de fotos se debe a varios motivos.

Por un lado, las líneas tienen una fuerza compositiva muy grande, y se convierten en un recurso muy útil a la hora de dirigir la atención en nuestras fotos y marcar un camino a la hora de recorrerla con los ojos.

Por otro lado, en este tipo de fotos conseguimos captar algo irreal, algo que no vemos con nuestros propios ojos, convirtiendo el movimiento en formas de colores.

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Las bases de la fotografía de estelas de luz

Uno de los ajustes que podemos realizar si nuestra cámara lo permite es el del tiempo de exposición. Cualquier elemento que se mueva delante de nuestro objetivo más rápido que el tiempo de exposición que hayamos seleccionado en nuestra cámara saldrá movido en la foto.

Si usamos un tiempo de exposición lo suficientemente prolongado, este movimiento se convertirá en una estela, y dentro de los objetos que se muevan delante de nosotros, conseguiremos recoger mejor aquellas partes que cuenten con más luz. Esas partes, en el caso de los vehículos, son sus luces.

Sencillo, ¿verdad? Pues ahora vamos con los consejos.

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1. Usa un trípode

Como habrás supuesto, si vas a hacer fotos con tiempos de exposición prolongados necesitarás un buen trípode.

Como ya te recordáramos en su momento, las estelas de luz y en general la fotografía nocturna es una de esas situaciones que justifican sobradamente el uso de un trípode.

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2. Usa un disparador remoto

ontar con un biuen trípode muchas veces no es suficiente para que las fotos no salgan movidas.

Al accionar el disparador podemos mover la cámara o provocar vibraciones que hagan que nuestra foto no salga todo lo nítida que debiera.

Con un disparador remoto se soluciona esta situación por muy poco dinero. Tienes disparadores remotos por apenas 3 euros o por 30 si los quieres con intervalómetro para hacer fotos más creativas aún.

Si no cuentas con un disparador remoto, prueba a disparar con el temporizador activado, de modo que la foto se haga unos segundos después de apretar el botón de disparo de tu cámara.

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3. Usa el ISO más bajo que puedas


Es el mismo consejo que doy siempre que disponemos de condiciones ideales para que las fotos no salgan movidas independientemente del ISO.

Con los ISOs más altos aparece más ruído en nuestras fotos.

Hay veces que necesitamos usar ISOs altos porque las condiciones de apertura y tiempo de exposición no permiten hacer las fotos con garantías de que no salgan movidas o trepidadas.

Puesto que en este caso estamos trabajando con trípode, no tenemos problemas en ese sentido.

Además, al usar ISOs más bajos necesitaremos más cantidad de luz que si utilizáramos valores altos, por lo que podremos exponer durante más tiempo y nuestras estelas serán más largas.

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4. Prueba el modo de reducción de ruído

Hay cámaras que traen incorporados sistemas de reducción de ruído para exposiciones prolongadas.

Si tu cámara cuenta con esta funcionalidad, te recomiendo que revises su funcionamiento y hagas pruebas con el sistema de reducción de ruído activado y desactivado, para ver qué resultados obtienes con cada uno de ellos, no sea que te lleves una sorpresa desagradable.

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5. Juega con los tiempos de exposición

Como decía, la longitud de las estelas dependerá del tiempo de exposición (y por supuesto de la velocidad de los objetos en movimiento).

Realiza las pruebas necesarias para que las estelas salgan como deseas, compensando el tiempo de obturación con la apertura del diafragma, garantizando que las fotos salagn correctamente expuestas.

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6. El encuadre es fundamental: Imagina las líneas

Hasta ahora los consejos han sido meramente técnicos.

Aplicando todos los puntos que he repasado antes conseguirás una foto técnicamente bien ejecutada.

Pero una foto "correcta" no tiene por qué tener interés alguno. La clave está en la composición.

Busca un punto seguro para hacer las fotos, con un encuadre interesante, y trata de imaginar las líneas que recogerás en la foto.

Repasa el significado de las líneas en composición fotográfica y trata de aplicar algún criterio a la hora de recogerlas.

Si estás haciendo fotos de una carretera, puedes buscar un punto en una autopista donde exista un nudo con cambios de sentido, incorporaciones, etc., que formen figuras interesantes.

También puedes jugar con formas en "S", o líneas diagonales que dirijan la vista a un punto determinado.

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7. Añade elementos de interés

Otra muy buena opción es buscar un elemento de interés y utilizar las estelas de luz para trasladar esa sensación de movimiento y centrar la mirada en el punto de interés.

Tratándose de fotografía urbana, puede ser un monumento o un edificio que quede rodeado por las estelas, siendo el elemento estático de la foto.


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Fotografía Nocturna: Creando Esferas de Luz

Uno de los efectos más llamativos en el LightPainting, son las esferas de luz. La técnica es bien sencilla, pero hasta que no la ves y te la explican, la cosa se complica algo.

Hoy vamos a ver la base de cómo se hacen. El único truco que tenemos que tener en cuenta, es la práctica para que nos salgan perfectas.

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Materiales

Son evidentes los primeros...

Cámara de fotos
Trípode
Linterna
Cuerda
Una piedrecita
Vamos paso por paso comentando cada ingrediente...

La cámara de fotos, lo ideal sería que pudiéramos accionarla de manera remota para no tocarla y así evitar trepidaciones. A lo largo de toda la serie de artículos sobre fotografía nocturna ya hemos comentado las alternativas, disparador remoto, intervalómetro... etc.

El trípode es fundamental para poder poner la cámara en la posición que queramos, y es evidente que no podemos sujetar la cámara durante toda la toma.

Linterna. Aquí es donde vamos nos vamos a para un poco más.

¿Qué tipo de linterna nos servirá? A priori, nos podría valer cualquiera, preferiblemente una linterna no muy potente, y con el sistema de encendido descentrado de la linterna, así podremos encenderla y apagarla en mitad de la toma.

Pero como ese tipo de linternas escasean, y sólo lo podremos tener si hacemos algún bricolaje, vamos a centrarnos en las linternas más comunes.

Aunque nos podría valer cualquier tipo de linterna, os recomiendo utilizar el tipo de linterna que os he adjuntado en el artículo.

Una linterna que tenga la bombilla al descubierto. Quiero decir, que alumbre tanto de frente como por los lados. Así nos aseguraremos que cuando estemos haciendo el giro, nos de luz tanto de frente como de lado.

Compraremos también una cuerda larga. Y ajustaremos la longitud a nuestro gusto. Para atar la cuerda a la linterna, os recomiendo el uso de un mosquetón pequeño. Creo recordar que en total me salió por dos euros.

¿Una piedrecita?

Sí, una piedrecita, un trozo de papel, plástico... lo que sea. Esta pieza será la que nos sirva de guía durante la ejecución de la esfera.

Esta guía la pondremos en el suelo, y giraremos alrededor de ella, como veremos más adelante.

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Haciendo esferas

Bueno, ya tenemos todo el material, ya sabemos dónde vamos a hacer la esfera... Y ahora empezamos!

Os voy a contar una guía de trabajo válida para hacerlas. Técnicas y herramientas hay cientos. Aquí lo importante es la imaginación, y que cada uno se adapte a sus necesidades y gustos.

Primero lo que vamos a hacer en poner la guía en el suelo (Con el tiempo, esta guía ya no os será necesaria, seguro).

Una vez que hayamos puesto la guía, ajustaremos la cuerda enrollada en una mano (en mi caso en la derecha).

Una vez ajustada la longitud de la cuerda, encenderemos la linterna y juntando los pies haremos que la linterna esté totalmente perpendicular a la guía.

La idea es ir realizando giros con la muñeca (NO CON EL BRAZO), realizando giros de 360º sobre la guía.

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A su vez, deberemos ir realizando un círculo con pasos cortos alrededor de la guía.

Así hasta realizar otros 360º respecto a la guía.

La idea es hacer giros con la muñeca, mientras giramos alrededor de la guía.

Además, intentaremos mantener la verticalidad del giro de la muñeca.

Os aconsejo que pongáis la mano derecha (la que coge la linterna), sobre la tripa (altura del ombligo), y con la izquierda os sujetéis la muñeca de la mano derecha. Así ganaremos un poco de estabilidad en los giros.

Ahora de manera completa cómo sería la escena completa.

Con la ayuda de un compañero, nos podremos en posición y cuando hayamos empezado a realizar la esfera, con la linterna encendida, y tengamos controlado el movimiento, nuestro compañero accionará la cámara. En ese momento, empezamos a hacer todo el giro.

Cuando vemos que hemos acabado, sin movernos del sitio, y haciendo la esfera, nuestro compañero se pondrá delante del objetivo. Así podremos dejar de hacer la esfera, y apagaremos la linterna.

Ahora, nuestro compañero podrá quitarse de delante de la cámara, y terminaremos la escena.

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Un ejemplo

En el artículo, os he traído una esfera con una casa y unas luces rojas que salen de la casa.

¿Cómo he realizado la escena?

Primero, como he comentado antes, me he posicionado en la guía, y he comenzado la esfera. Cuando he visto que tenía la verticalidad conseguida, he avisado a mis compañeros para que accionaran las cámaras.

He ido realizando el giro de los 360º, y cuando estaba acabando, mis compañeros se han puesto delante de las cámaras.

Esto me permitió apagar la linterna sin preocuparme de que el movimiento residual se reflejara en la fotografía.

A continuación mis compañeros se han retirado de los objetivos, y procedí a realizar la iluminación del resto de la escena con un flash filtrado con gel rojo.

Cuando dimos por terminada la escena, paramos las cámaras. Y éste es el resultado.

No obstante, como es complicado explicaros con palabras toda la técnica, mejor os he grabado un vídeo.

Espero que os sirva de utilidad.


link: http://www.youtube.com/watch?v=YqXYZAjY5rc&feature=player_embedded

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Recuerda...

Linterna con bombilla visible de frente y por los costados.

Puedes hacer esferas de colores, poniendo un celofán de color alrededor de la bombilla.

Procura que el principio y el final de la esfera no salga en la toma.

Ropa oscura (zapatos también) para que el reflejo de la luz no nos impregne de luz. Así no saldremos en la toma.

Como todo el LightPainting, es mejor sin luz de luna o residual de farolas. Los colores saldrán más intensos.

Si vas a hacer tomas de esferas al aire libre, cuida la luna.

No pongas una guía muy voluminosa, ya que saldrá en la toma. Siempre puedes clonar con cualquier programa de retoque para eliminar la guía.

La linterna si tiene correa será mejor para atarla con un mosquetón a la cuerda.

La cuerda mejor larga, así podremos ajustarla a nuestras necesidades.

En terreno plano será mejor hacer el giro de nuestro cuerpo.

Pasos cortos, y mientras ejecutemos la escena, procurar hacer un círculo perfecto.

Mantener la verticalidad de la cuerda.

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¿Cómo Iluminar Tus Retratos?

La luz es básica en la fotografía, no te descubro nada nuevo. Y si además esa luz tenemos que proporcionarla nosotros con accesorios como los flashes, se convierte en un aspecto fundamental a la hora de conseguir buenos o malos resultados en tus fotografías.

En el artículo de hoy quiero que conozcas los 5 modos, probablemente, más conocidos de iluminar tus retratos de estudio. Sí, no creas que cuando uno se dispone a hacer un retrato e iluminarlo adecuadamente es cuestión de azar el conseguir un buen resultado. Todo lo contrario, hay un amplio abanico de posibilidades, que deberás manejar. ¿Quieres conocerlas?

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Ante Todo, Evita La Luz Frontal

Recuerda que, cuando te hablamos de los muchísimos beneficios que te ofrece un flash externo, uno de los más importantes que destacamos fue el de poder dispararlo desde una posición distinta a la de la cámara.

Esta características es fundamental y, en la medida de lo posible, trata de hacer uso de ella siempre que puedas. Los resultados que ofrece una toma con iluminación de flash frontal y disparado desde la misma posición en que se encuentra la cámara no son nada buenos.

Por supuesto, hay veces que no te queda más remedio. Pero, si puedes, separa el flash de la cámara. Evitarás reflejos, ojos rojos, sombras mucho más irreales y, en definitiva, un resultado nada natural.

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Luz Frontal No, Vale. ¿Desde Qué Posición Ilumino Entonces?

Bien, ha quedado claro que hay que procurar separar flash y cámara, pero una vez separados, hay muchas posibilidades a la hora de colocar el flash, ¿verdad?

Pues vamos a hablar de 5 posibilidades, destacando sus características. Así que, presta atención y toma nota para poder ponerlo en práctica.

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#1 Rembrandt Light

Este modo de iluminación busca conseguir un resultado similar al que caracteriza a los retratos del genial pintor.

Pero, ¿qué tienen de particular sus retratos? Pues, muy sencillo, presentan una parte del rostro claramente iluminada y otra más en penumbra (apareciendo un pequeño triángulo de claridad bajo el ojo de esta parte menos iluminada).

El cómo conseguirlo es muy sencillo, hay que situar la fuente de luz a unos 45º de la cámara, que se posicionará frente al sujeto a retratar. A 45º, pero en la otra dirección de la cámara, se podrá situar un reflector.

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#2 Split Light

Si llevamos al extremo el modo de iluminación anterior, es decir, situando la fuente de luz a 90º de la cámara y, por tanto, completamente en el perfil del sujeto a fotografiar, conseguimos el modo split light.

Este modo recibe este nombre porque la palabra split en inglés significa partir / dividir y eso es, precisamente, lo que se consigue con esta iluminación, partir al sujeto en dos: la mitad de la cara completamente clara y la otra mitad en penumbra.

Se trata de una iluminación muy dramática, que puede ser útil si lo que buscas es, precisamente, transmitir esta sensación.

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#3 Broad Light

El tercer modo de iluminar retratos es a través de la denomida broad light, que es una mezcla entre los dos modos anteriores.

En este caso, la luz se sitúa a 45º de la cámara, como en el modo Rembrandt, pero la cara del sujeto a retratar se gira 45º en sentido opuesto.

De este modo, se expone claramente un perfil de la cara, y el otro queda oculto, confiriendo a la toma una mezcla de belleza e intriga.

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#4 Butterfly Light

El curioso nombre de este modo de iluminación viene de la sombra que se genera bajo la nariz del sujeto retratado, en forma de mariposa (butterfly).

Para conseguirlo, basta con situar la fuente de luz enfrente del sujeto, pero en lugar de hacerlo a la misma altura que la cámara, el flash ha de elevarse, de modo que se consiga una iluminación superior.

Se trata de una posición formando un ángulo de 45º con respecto a la cámara, pero, en este caso, en el plano vertical, no en el plano horizontal como en el caso de Rembrandt light.

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#5 Loop Light

El último modo de iluminación que vamos a ver en este artículo es el conocido como loop light, se trata en este caso de un modo intermedio entre Rembrandt y butterfly.

El resultado es similar al del modo butterfly, aunque con las sombras ligeramente curvadas y desplazadas hacia el lado opuesto al de la fuente de luz.

Para lograrlo, basta con situar la fuente de luz a 45º de la cámara tanto en el plano vertical, como en el plano horizontal.

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¿No Ha Quedado Claro? Mejor Te Lo Explico Con Un Vídeo

Reconozco que los esquemas anteriores pueden no ser suficientemente explicativos, por eso voy a dejarte el vídeo en base al que yo he podido obtener los esquemas anteriores.

Se trata de un vídeo de Jay P. Morgan, que, aunque está en Inglés, será más que suficiente, junto con los párrafos anteriores, para que te enteres a la perfección de cómo funcionan estos 5 modos de iluminación.


link: http://www.youtube.com/watch?v=gmmZECtP3oM&feature=player_embedded


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Photodex ProShow Gold: Para Los Que Quieren Más En Sus Presentaciones Fotográficas

Sí, lo sé, estoy un poco pesado con el tema de las presentaciones de fotos. Pero es que creo que es una temática que habíamos tocado muy poco en dZoom y que para todos aquellos que nos gusta la fotografía supone una forma fantástica de mostrar a los demás nuestro trabajo.

En el artículo de hoy quiero hablarte de otro programa que no deberías perderte. Evaluar y, si te gusta, adquirir. ¿Por qué analizar otro tras haberte recomendado hace poco el mejor en relación calidad/precio: PhotoStage SlideShow? Porque, como verás, las posibilidades de personalización de ProShow Gold son prácticamente ilimitadas. ¿Quieres conocerlas?

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Lo Que Todos Los Programas de Presentaciones de Fotos Ofrecen

ProShow Gold, como todos los programas de pases de diapositivas, presenta un interfaz basado en la típica tira de fotos y canal de audio inferior. De modo que se deben arrastrar las fotografías y música que se deseen incluir en la presentación sobre estas secciones.

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Además, cada fotografía puede contar con efectos sobre la misma, hay mil y una transiciones a definir entre fotografías, la posibilidad de incluir textos e incluso capas sobre las fotografías, etc.

Por último, a través de un asistente para la exportación, la aplicación te permite guardar el proyecto para poder retomarlo cuando lo desees dentro de ProShow Gold, o bien producir una salida para subirla a Youtube, generar un DVD, obtener ficheros propios de dispositivos portátiles, presentación web, etc.

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La Gran Diferencia de ProShow: Un Asistente Muy "Listo"

Así que para hacer tus presentaciones, bastaría con acceder a la interfaz mostrada anteriormente y comenzar a agregar fotografías, canciones y empezar a personalizar efectos y transiciones sobre las mismas.

Sin embargo, para ahorrarte trabajo y darte un punto de partida mucho mejor, ProShow Gold te ofrece un asistente que hace gran parte del trabajo por ti. ¡Veámoslo en acción!

1. Al iniciar la aplicación ésta te preguntará si deseas iniciar un proyecto desde cero, o quieres partir del asistente (Wizard).

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2. Si haces uso del asistente, a continuación deberás indicar las fotos que deseas incluir. Con la posibilidad de añadir texto a las mismas e incluso editarlas, eliminarlas, variar su orden, elegir un orden aleatorio, etc.

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3. El siguiente paso será elegir la/s canción/es que sonará/n como música de fondo de la presentación.

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4. Elegir el tema de presentación que buscas. ProShow Gold te ofrece una serie de ajustes predefinidos que se caracterizan por el empleo de distintos efectos y transiciones. Deberás elegir uno de ellos, o bien crear el tuyo propio.

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Si no sabes en qué consiste cada uno de ellos, podrás acceder a las transiciones y efectos que se incluyen en cada opción a través del botón "Edit".

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5. Una vez elegido el tipo de presentación, deberás dar nombre a tu presentación, elegir la "energía" de tu presentación (el dinamismo a la hora de mostrar las imágenes y la variedad temática de éstas) y, por último, la relación de aspecto: panorámica o estándar.

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Con esto, ProShow Gold comenzará a trabajar, compondrá tu presentación y te la mostrará para que la previsualices en una ventana como la siguiente:

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Y, si te gusta, podrás guardarla en el formato que desees: en formato ProShow para poder volver a editarla cuando lo desees, publicarla en Youtube, guardarla en tu disco, generar un DVD, bluray, etc.

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Como puedes ver en la imagen inferior, hay multitud de formatos en los que puedes generar tu presentación.

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En función de donde desees reproducir tu presentación, deberás elegir uno u otro.

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Muy Fácil. Pero, ¿Y el Resultado?

Es cierto, con 5 sencillos pasos he preparado la presentación, pero no te he enseñado cómo ha quedado. Y puede que te quede la duda sobre si la presentación merecerá la pena o no.

Pues bien, como sabía que te ibas a hacer esa pregunta, he subido a Youtube el resultado que me ofreció directamente el asistente, sin ningún tipo de ajuste o personalización por mi parte. ¡Júzgalo tú mismo!


link: http://www.youtube.com/watch?v=bCJwZ_FuEw0&feature=player_embedded

No prestes atención a la calidad de las fotos, no están retocadas, sino que se muestran tal y como salieron de la cámara. Céntrate en las características de la presentación.

No está mal, ¿verdad? Es cierto que algún efecto se repite demasiado, pero el resultado general es fantástico y, como has podido ver, sólo me ha costado 5 clics.

Y, si hubiese querido mejorarlo, habría bastado con seleccionar aquellas partes con las que no estaba contento y haberlas editado hasta conseguir el resultado esperado.

Trabajando Sobre El Vídeo Generado Por El Asistente

Si no te gusta el resultado que te ofrece el asistente y prefieres trabajar desde cero, o bien, partiendo del resultado que ha generado el asistente, quieres trabajar sobre la presentación, ProShow te da múltiples herramientas para hacerlo.

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Repasemos algunas de las más importantes:

Trabajo a nivel de cada fotografía (142 estilos entre los que elegir)
Capas, para aquellos clips que se desea que muestren varias fotografías de forma simultánea (pudiendo definir tamaños, posiciones y transiciones de forma totalmente independiente)
Efectos: zoom, rotación...
Inclusión de texto en una o varias diapositivas, con sus propios efectos de aparición y ocultación
Grabación de voz y vínculo con una o varias diapositivas
Selección entre las más de 390 transiciones existentes
...
Todas estas opciones pueden verse, de forma resumida, en la captura del interfaz que muestra la imagen superior.

Pero, si te quedas con ganas de saber más, échale un vistazo a los vídeos que el propio desarrollador ha puesto en la web del producto.


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¿Nos hacemos un Timelapse?

Ahora que nos están invadiendo los timelapse por todo Internet, me he decidido a hacer mi primer vídeo y contaros cómo lo he hecho, y con qué dificultades me he encontrado.

En el artículo de hoy, vamos a ver la introducción, y como tal, vamos a ver cómo hacer uno sencillo, sin transiciones, sin movimientos.

Sé que los que son espectaculares, son los que tienen movimientos, y la cámara se va moviendo lateralmente, o bien de manera vertical, pero hoy sólo veremos el comienzo.

Es mejor tener clara la técnica básica, y luego iremos añadiendo más dificultad

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Para realizar un timelapse estático, de los que vamos a hablar hoy, realizaremos varias tomas de encuadre antes de comenzar la sesión.

Cuando tengamos el encuadre deseado, ajustaremos el trípode para que no se mueva en toda la serie, intentando que no se mueva ni por el viento, ni por nuestra interactuación con la cámara.

Para ello, necesitaremos un disparador remoto, y la cámara ajustarla en modo "bulb".

Ambos vídeos que os traigo, están realizados con un disparador remoto. Aunque lo ideal sería un intervalómetro.

El intervalómetro en este tipo de tomas es altamente recomendable, porque una vez configurado el tiempo de todas las tomas, accionamos la serie y no tenemos que estar pendiente ni de los tiempos, ni del número de tomas.

Vamos a poner un ejemplo. Para el vídeo del paisaje, he realizado 210 fotografías con intervalo entre foto y foto de 4 segundos.

Así que he tenido que estar pendiente de toda la serie de hacer 1 fotografía cada 4 segundos.

El aburrimiento, el factor error humano y el llevar la cuenta de las fotografías, hizo la experiencia en algo tediosa.

Sin embargo, si hubiera tenido un intervalómetro, hubiera configurado 210 fotografías con un intervalo de 4 segundos entre toma y toma, y hubiera podido disfrutar del paisaje en todo momento. Todo lo que podamos automatizar mejor.

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Tipo de Timelapse.

No hay nada escrito sobre los tipos que hay, pero yo voy a hacer dos distinciones, seguramente haya más.

Por un lado los de naturaleza, y por el otro... el resto.

¿Y por qué hago esta diferenciación?

Naturaleza.
Este tipo de timelapses son muy especiales, ya que el objeto a capturar en la naturaleza, con sus variantes y sus peculiaridades... Lluvia, tormentas, viento, nubes... Luna, estrellas, sol...

Como veremos más adelante, creo que lo mejor es realizar mucha cantidad de fotografías aunque sea para un corto espacio de tiempo el resultado final. Así nos garantizaremos unas transiciones naturales más suaves y mucho más agradables.No te asuste hacer 500 o 600 fotografías, ¿por qué no? A más información por segundo, más fluido será el movimiento (fps).

El resto.
O informativa. Quiero decir, vamos a retratar la evolución de algo. Una construcción, lo que pasa en una calle... En definitiva, donde la fluidez no sea vital para el resultado visual final.

Por ejemplo el vídeo de la playa que acompaña el artículo.Lo que intenta reflejar es cómo evoluciona una construcción, sin importar los saltos de los elementos que haya en la escena.

En definitiva, un tipo de timelapses que necesite fluidez, y otro que no.

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¿Qué formato utilizo, jpg o RAW?.

Muy buena pregunta... El formato ideal, sin duda es RAW, porque en casa podremos revelar las fotografías adecuando la exposición y demás valores.

Pero recordar que para el vídeo que os he traído han sido 210 fotografías y el el otro 285. Así que si las tenemos que revelar... Será un tiempo costoso en el revelado. Yo para esta prueba las hice en jpg, y así me he ahorrado el tiempo de revelado.

Esto es a gusto del artista. Y de lo perfeccionistas que queráis ser.

¿Qué modo de la cámara pongo?.

Manual, con prioridad, auto...

A ver, yo lo he hecho en manual, con una exposición fija desde el principio hasta el final (El vídeo de naturaleza, para el de la playa, con prioridad a la obturación).

Esto puede ser un problema, y a mí me ha salido relativamente bien. Pero hay que tener en cuenta que el sol no siempre ilumina igual, y este factor es vital y más si no vamos a hacer un timelapse de 20 minutos.

Si lo hiciéramos a lo largo de un día, yo aconsejaría disparar con alguna prioridad, y más si no tenemos soltura en calcular la exposición fácilmente. A lo largo del día, evidentemente, la luz cambia, y mucho!

Música.

Es vital. En el vídeo, es importantísimo para apoyarnos en el mensaje.

Yo os aconsejo que elijáis bien el tipo. A ser posible sin letra y más si cabe, si no sabemos lo que se dice en ella. Quizás y sin quererlo, podamos hacer un cóctel peligroso...

Por otro lado, conoce la música, y edítala sin miedo para enfatizar los momentos del vídeo con ciertos momentos álgidos de la música. Verás cómo gana el mensaje.

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¿Cómo lo monto?

Bueno, pues ya tengo las 210 fotografías en casa, sí en jpg pero las 210 fotos.

Os voy a contar los pasos que hice y cómo hacerlo más fácilmente.

Como era el primero, hice lo siguiente.

Unión de las imágenes.
Primero me fui a un programa de esos para realizar una presentación con las imágenes, dejando un intervalo de 0,2 segundos entre foto. Tipo Memories TV, o Proshow, por ejemplo, y exporté el vídeo.

El vídeo.
Una vez exportado el vídeo, pude comprobar que no iba lo suficientemente fluido. Así que decidí aumentar la velocidad, pero no de intervalo entre imagen e imagen, sino el vídeo en general.

Para ello, me descargué un programa gratuito que funciona bastante bien para montar vídeos muy sencillos, y aumentar la velocidad de vídeo, el "PhotoStage Slideshow Producer". Con este programa, aumenté en un 50% la velocidad de reproducción, convenciéndome el resultado final.Luego desde el mismo programa, añadí mi cabecera, y los textos.

Una vez que ya tengo el resultado final, con el programa que os he comentado, se podría haber hecho todo en uno.

¿Hay mejores editores? Por supuesto. Pero he querido hacerlo con un software gratuito para facilitar las cosas.
Conclusión...
En el vídeo de la playa, me gusta mucho el resultado intercalando diferentes velocidades de intervalo entre toma y toma.

Lo importante es ver cómo crece el castillo, y no tanto la suavidad de transiciones.

Además, ver el efecto de la gente cómo aparece y desaparece es muy llamativo.

Para este vídeo, utilicé 285 fotografías, con unos intervalos entre foto y foto de unos 30 o 40 segundos. Es más, la persona que se encargó de accionar el disparador, decidía el intervalo sin importarle este factor, dependiendo de la fase en que se encontraba la construcción. Podía realizar intervalos de 10 segundos, o bien de más de un minuto.

Es más, el vídeo original tiene 678 fotografías. El resto de las secuencias que no aparece he decidido quitarla porque no funcionó el experimento. Os pongo este dato para que veáis que el número de fotogramas se puede alcanzar es infinito.

El modo de exposición fue con prioridad al diafragma, siendo f/11 el elegido por la cantidad de luz que había.

Y la velocidad, a cargo de la Nikon D50.

Por supuesto, el enfoque en automático al principio sobre el castillo, y cuando se empezó la sesión, se fijó a manual.

Ahora bien. Para realizar timelpases de paisajes, con nubes, estrellas, sol, la cosa cambia...

No me gusta del todo el resultado de transición entre toma y toma, así que yo os recomiendo que bajéis el tiempo de intervalo entre foto y foto... Y más si hay mucho viento.

En la siguiente, probaré a realizar fotografías de intervalo de 2 segundos o incluso 1. A ver qué pasa.

Como os he comentado antes, para este timelapse, las tomas tuvieron un intervalo de 4 segundos.

Me comprometo a traeros los resultados.

Para el vídeo se hizo con enfoque final pasado a manual, y los parámetros de exposición los realicé de forma manual.


link: http://www.youtube.com/watch?v=7LgSospGUCE&feature=player_embedded



link: http://www.youtube.com/watch?v=cApFZa6V7J8&feature=player_embedded

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Efecto LOMO en Photoshop en 3 sencillos pasos

Se lo que me van a decir los más puristas: LOMO es una forma de vida difícilmente reproducible en cámaras digitales. Vale, lo acepto, pero hay que dar alguna opción que se parezca lo más posible a los usuarios de cámaras digitales, porque de momento no existen cámaras LOMO digitales.

Así que, trabajando con focales concretas, utilizando puntos de vista o ángulos poco convencionales, disparando sin pensar, y aplicando posteriormente el proceso que describiré en las siguientes líneas podréis conseguir un resultado parecido al que hubiérais logrado con una de estas cámaras, sin el trastorno de tener que revelar luego el carrete.

Así que, sin más dilación, vamos a ello.

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Paso 1: Brillo/Contraste

Vamos a crear una capa de ajuste de tipo Brillo/Contraste. Para ello vamos al menú Capas -> Nueva capa de ajuste -> Brillo/Contraste...

En la ventana de dialogo vamos a mantener el brillo como está y subiremos el contraste un 20%, marcando previamente la opción "Usar heredado".

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Paso 2: Duplicamos la foto original y la superponemos

Seleccionamos la capa Fondo, que es la que contiene la capa original. COn el botón derecho sobre la capa seleccionamos la opción duplicar capa. También lo podemos hacer con la opción de menú Capa -> Duplicar capa.

Una vez tenemos la capa duplicada, cambiamos su posición en la ventana de capas para que quede por encima de la capa de ajuste de brillo/Contraste que habíamos creado en el paso 1.

Una vez la tenemos arriba del todo, vamos a cambiar el modo de fusión de Normal a Superponer, y bajaremos la opacidad de la capa al 80%.

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Paso 3: Viñeteando la foto

Para hacer el viñeteo vamos a utilizar una capa de relleno con un gradiente. Esto lo conseguimos con el menú Capa -> Nueva capa de relleno -> Degradado. Seleccionamos el modo de fusión Superponer.

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En el tipo de degradado seleccionamos el que va del negro al blanco. En estilo seleccionamos Radial. Subimos la escala a 120% y marcamos la opción Invertir.

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Antes de pulsar "Ok", vamos a ajustar las opciones de degradado. Pulsando sobre la caja en la que aparece el degradado que acabamos de seleccionar se abrirá una nueva ventana. En la parte inferior de esta ventana vamos a pulsar sobre la cajita negra superior izquierda y en opacidad vamos a seleccionar un valor de 70%.

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Pulsamos "Ok", y volvemos a pulsar "Ok". Ya tenemos la primera parte del viñeteo.

Ahora vamos a duplicar la capa que acabamos de crear. Como habíamos hecho antes, simplemente seleccionamos la capa en la ventana de Capas y vamos al menú Capa -> Duplicar Capa.

Creamos una nueva capa de degradado (Capa -> Nueva capa de relleno -> Degradado). Esta vez el degradado lo haremos de blanco a transparente. Mantenemos la opción "Radial" e "Invertir": Hacemos la misma operación que en el anterior para ajustar la opacidad, y esta vez la pondremos en el 50%.

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Y listo. Ya tenemos nuestra foto con el efecto LOMO aplicado. A continuación podéis ver la foto original y la resultante después de aplicar el efecto LOMO.

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¿Como ser el mejor Fotografo?

Fácil, ¿verdad?

Mi recomendación es que, si te gusta el efecto, crees una acción en Photoshop para poderlo aplicar tantas veces como quieras de forma inmediata en cada una de tus fotos. Es muy sencillo.


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Efecto dZoom

Si echas un vistazo a la foto, quizás puedas ver que el Efecto dZoom consiste en una desaturación selectiva por colores a la que añadimos un poco de enfoque y un "barniz" de sepia. Dicho esto, seguro que algunos de los más expertos del lugar ya serían capaces de reproducir el efecto. Si eres de los que necesitas más pistas, tranquilo, que te cuento paso a paso cómo lograrlo.

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Eligiendo la Foto de Partida

El Efecto dZoom queda especialmente bien en fotos de colores muy intensos y saturados, en concreto cuando hay 1 o 2 colores muy intensos.

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Paso 0: Limpiemos la Foto

Estos pasos son opcionales, pero el resultado final es mejor si los aplicamos. Vamos a intentar reducir el nivel de ruido y enfocar:

Filtro -> Ruido -> Reducir Ruido...
Puedes enfocar con alguna de las técnicas que te contamos en la serie de enfoque, por ejemplo con el método Dan Margulis

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Paso 1: Desaturación Selectiva
Pongámonos manos a la obra. En el Efecto dZoom el primer paso es "matar" uno o varios de los colores más intensos. Para ello, vamos a crear una capa de ajuste de tono/saturación:

Capa -> Nueva Capa de Ajuste... -> Tono/Saturación
En la ventana que aparece, jugaremos con el nivel de saturación de los diferentes colores. En el caso de nuestra foto fijé el valor de saturación a -100 en azules y verdes, precisamente porque son esos dos tonos los que quería "matar" en la foto.
Dependiendo de la foto, te interesará desaturar (o saturar un poco más) los diferentes colores. Si no sabes muy bien con cuál jugar, no te preocupes, porque más tarde, al final, podrás volver a este menú y reajustar los valores hasta conseguir el toque que buscas.

¿Como ser el mejor Fotografo?

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Paso 2: Superponer un Virado Sepia

No te asustes: es muy sencillo. Vamos a crear una nueva capa de ajuste tono/saturación:

Capa -> Nueva Capa de Ajuste... -> Tono/Saturación
En la ventana que te aparece chequea la opción Colorear y asegúrate de fijar los siguientes valores: Tono 42, Saturación 25, Luminosidad 0
Con los valores anteriores obtendrás un virado a sepia. Si juegas con el valor de tono podrás jugar con diferentes tipos de virado. Si quieres conseguir virados de calidad echa un vistazo aquí.
Por último, en el modo de fusión de capas, elije uno de los siguientes modos: superponer, luz suave, luz fuerte. El valor a elegir dependerá de tu foto. Prueba los tres y te quedas con el que más te guste.
Si la foto te ha quedado demasiado oscura o contrastada, puedes jugar con el valor de opacidad de la capa y bajarla, por ejemplo al 80%.

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Y... Este es el Resultado

Mola ¿no crees?

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Otro Ejemplo: Red Tulips

He preparado otro ejemplo a partir de una foto de fhisa. En este caso hay dos tonos muy intensos: rojo y azul. Los valores que he utilizado en este caso en la capa de tono/saturación del paso 1 han sido:

Rojos: Saturación -45
Amarillos: Saturación +31
Verdes: Saturación +40
Azules: Saturación -71
El resto... valores por defecto
Y este es el resultado...

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¿Todavía con Dudas? Aquí Está el Videotutorial

Como en los otros tutoriales de retoque, el Efecto dZoom no iba a ser menos. Aquí tienes el videotutorial explicativo. ¿Queda más claro ahora? Espero que sí.


link: http://www.youtube.com/watch?v=IV-QlQkF2dM&feature=player_embedded

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Efecto Gretty

Lo Que Vas a Conseguir

Puedes jugar con diferentes valores en el proceso que te voy a contar. Así podrás conseguir tu propia versión del efecto Gretty. Pero más o menos, se trata de conseguir el efecto que ves a continuación. ¿Te gusta?

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Duplica la Capa

Este es un buen consejo siempre que intentes aplicar algún efecto de retoque en alguna de tus fotos. Así, activando/desactivando capas, podrás comparar en todo momento el antes y el después. Para ello, pulsa Crtl+J o si lo prefieres haz Capa -> Duplicar Capa...

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Capa de Ajuste de Desaturación

Llega el momento de desaturar un poquito. Con el objeto de que en cualquier momento puedasajustar el nivel de desaturación que aplicas, te recomiendo que crees una capa de ajuste: Capa -> Nueva Capa de Ajuste... -> Tono Saturación. Varía el nivel de saturación a tu gusto. Si al final ves que quieres aumentar o disminuir la saturación, haz doble clic sobre la capa de ajuste y modifca el valor de saturación.

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¿Como ser el mejor Fotografo?

Por último, añade ruido a tu gusto. Existen diferentes técnicas para añadir ruido: puedes elegir tu preferida. Si no sabes ninguna, tranquilo: te cuento una.

Crea una nueva capa: Capa -> Nueva -> Capa...
Rellénala de gris al 50%: Edición -> Rellenar...
Filtro -> Ruido -> Añadir ruido. Elige ruido monocromático uniforme. La cantidad, a tu gusto, dependerá del tamaño de la imagen que estás trabajando
Por último, elige el modo de fusión de capa Superponer (por defecto suele estar activado el Normal (en la paleta de Capas))
Juega con la opacidad de la capa para ajustar el nivel de ruido que quieres

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El Resultado Final

Después de seguir estos pasos, deberías obtener un efecto parecido al de la imagen. Consejo: no te canses nunca de jugar con diferentes valores en los diferentes pasos que te contamos y dale siempre a tus fotos tu toque personal.

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Aquí está el Videotutorial


link: http://www.youtube.com/watch?v=iiHhPuTgRwU&feature=player_embedded

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Efecto Dramatizado: Retratos Espectaculares con el Filtro Paso Alto

Selecciona la Foto de Partida

Hoy vamos a jugar a dramatizar un retrato. El punto de partida es muy importante, porque no toda expresión es dramatizable. Suelen funcionar muy bien rostros serenos, de personas mayores o con arrugas. En el caso de hoy, este ha sido nuestro punto de partida (gracias voobie) y el resultado final.

http://www.dzoom.org.es/dzdn/img/0108/paso-alto-antes-despues.jpg

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Paso 1: Acentuamos los Ojos

Estamos intentando conseguir una mirada penetrante. Cuando tienes un modelo de grandes ojos, los efectos suelen ser realmente espectaculares. ¿Cómo lo conseguiremos? Sigue los siguientes pasos:

Duplica la capa de fondo: Capa -> Duplicar Capa...
Fija el modo de fusión de capa a Trama
Añade una máscara de capa y rellénala de negro
Pinta con la herramienta pincel y color blanco sobre la zona de los ojos
Tras realizar estos pasos, verás que la paleta de capas queda como aparece en la imagen. Si quieres aumentar el efecto de acentuar los ojos, puedes duplicar la capa recien creada (Capa -> Duplicar Capa...) y fija el modo de fusión a tipo Trama. Si no quieres duplicar el efecto, sino incrementarlo ligeramente, puedes jugar con la opacidad de la capa.

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Paso 2: Filtro Paso Alto

Empezamos con el enfoque de deteminadas zonas. Sigue los siguientes pasos:

Mezcla las capas en una sola (Capa -> Combinar Visibles)
Duplica la capa de fondo: Capa -> Duplicar Capa...
Aplica un filtro de paso alto a la capa superior: Filtro -> Otro -> Paso Alto... El radio dependerá de la resolución de tu foto. Un buen consejo puede ser que aumentes el radio todo lo que puedas antes de empezar a ver colores en la previsualización. Te quedará una imagen como la que puedes ver
Ahora nos toca modificar el modo de fusión de capa y fijarlo a Luz Fuerte. Podrás comprobar que la imagen se enfoca considerablemente.

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Paso 3: Seleccionando las Zonas a Enfocar

Como queremos aplicar el enfoque sólo a zonas con gran detalle (arrugas de los ojos, barba, cabello en general), vamos a crear una mascara y pintar sobre las zonas que queremos enfocar. En una tarea como esta es cuando una tableta gráfica nos puede facilitar realmente la tarea. Nosotros hemos hecho el trabajo con nuestra Wacom Bamboo: económica pero muy funcional. Estos son los pasos que tienes que seguir.

Creamos una nueva máscara de capa. Si pinchas en el icono con Alt pulsado, verás que la máscara aparece rellena de negro
Selecciona la herramienta pincel con color blanco y repasa las zonas en las que quieres más enfoque. En nuestro caso, las arrugas alrededor de los ojos, la barba y el cabello
Nuevamente, si quieres acentuar el efecto, todo lo que debes hacer es duplicar la capa superior: Capa -> Duplicar Capa...

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Paso 4: Ajustes Finales

El efecto está prácticamente conseguido. Para finalizar, puedes aplicar un efecto viñeteado en negro para centrar más la atención en los ojos de tu modelo. ¿Cómo conseguirlo? Hay muchas formas posibles. Una de ellas, está detallada a continuación:

Crea una nueva capa: Capa -> Nueva -> Capa...
Rellénala de negro: Edición -> Rellenar
Crea una nueva máscara de capa. Pulsa Alt al tiempo que pinchas en el icono de creación y verás como la máscara se llena de negro
Selecciona la herramienta degradado y selecciona un patrón circular. Asegúrate de que está seleccionado el modo Invertir
Para suavizar el efecto, ajusta la opacidad de la capa
Puedes pintar con el pincel en negro para aclarar algunas zonas importantes si así lo deseas
Por último, y si lo ves necesario, realiza un reencuadre de la foto con la herramienta Recortar. Y... este es el resultado final.

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Videotutorial, para Aclarar Dudas

Sí... ya sé que este puede no ser el tutorial más sencillo. Aquí tienes el videotutorial para resolver las dudas que te hayan quedado...


link: http://www.youtube.com/watch?v=1y7keGQy3yg&feature=player_embedded

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Consigue el Efecto Orton en Photoshop en 3 Minutos

Michael Orton es un conocido fotógrafo de naturaleza, autor del libro Photographing Creative Landscapes. Pero sobre todo, Orton es conocido por un aspecto especial que consigue con sus fotografías. En este post te enseño a conseguir un efecto parecido en Photoshop de una forma muy sencilla: el Efecto Orton.

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La idea es conseguir un efecto lo más parecido a la técnica utilizada por Michael Orton en muchas de sus fotografías. A l resultado de aplicar esta técnica le llamaremos Efecto Orton digital.

El proceso aparente es sencillo. Lo que probablemente hiciera Michael Orton en fotografía analógica fuera realizar dos exposiciones ayudado por un trípode y realizar una fusión posterior en laboratorio.

En fotografía digital todo es mucho más sencillo, ya que ni siquiera necesitamos dos exposiciones. Simplemente tenemos que duplicar las capas.

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Efecto Orton en Photoshop

Para aplicar el efecto Orton hemos utilizado la siguiente imagen.

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Los pasos a realizar para conseguir el efecto Orton son los siguientes.

Partiendo de la imagen original, vamos a duplicar la imagen para no perderla. Con la imagen original abierta, vamos al menú Imagen -> Duplicar...
A continucación, con la nueva imagen que tenemos, hacemos Imagen -> Aplicar imagen. En la combo Fusiones seleccionamos el modo Trama, y en la opacidad aplicamos 100%.
Duplicamos la capa mediante el menú Capa -> Duplicar capa...
Sobre la capa recien creada, aplicamos un filtro de desenfoque gaussiano, con un valor a elegir entre 15 y 50.
En la ventana de Capas, cambiamos el modo de fusión de la capa desenfocada, que por defecto será Normal, por Multiplicar.
Y ya tenemos nuestra imagen con un cierto efecto Orton. Solamente nos queda acoplar las capas y guardar nuestra foto. Fácil, ¿verdad?

¿Como ser el mejor Fotografo?

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El Videoturial

Por si algún punto no ha quedado claro, aquí tienes un video explicativo con los pasos más importantes.


link: http://www.youtube.com/watch?v=XD0PO66Zw3k&feature=player_embedded


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BUENO AMIGOS ESOS ERAN LOS EFECTOS QUE SE USAR, LA MAYORÍA MUY FÁCILES Y MUY ÚTILES PARA CREAR IMÁGENES DE GRAN CALIDAD. ESPERO LES HALLA GUSTADO MI POST Y RECUERDEN QUE COMENTAR ES AGRADECER. BYE.


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