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Revoluciono la pintura, hace 500 años, El Bosco 1 de 2

Revoluciono la pintura, hace 500 años, El Bosco 1 de 2






El Bosco es el sobrenombre por el que conocemos al genial pintor holandés Jeroen van Aeken. Nació en la localidad holandesa de Hertogenbosch, cerca de Amberes, en el ducado de Bravante. Sin embargo, no hay noticias de que saliera de su ciudad natal, ni siquiera a la próspera ciudad comercial de Amberes.


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Su familia estaba dedicada tradicionalmente al oficio de pintor: su abuelo, su padre, su tío, sus hermanos y su hijo. El taller familiar lo heredó Goosen, su hermano mayor, que de esta forma poseía en exclusiva el derecho a usar el apellido familiar Van Aeken que distinguía las obras de este taller frente a las de otros talleres de pintores.


Por ello, Jeroen tuvo que buscar un nombre con el que organizar su propio taller y diferenciarse de su hermano; latinizó su nombre de pila transformándolo en Hieronimus y eligió por apellido el nombre de su ciudad natal S'Hertogenbosch, simplificado Bosch, nombre que en España derivó hacia El Bosco.


Este cambio en su nombre tuvo lugar hacia 1480, cuando también se casó con Aleyt van Meervene, joven procedente de una buena familia que proporcionaba una buena dote al matrimonio. Por esas fechas, Hieronimus obtuvo el título de maestro, imprescindible para trabajar de forma independiente. Los encargos debían ser numerosos, ya que queda constancia de que pagaba uno de los tributos más altos de la ciudad y de que vivía en la mejor zona de la ciudad, en la plaza mayor.


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Su clientela estaba formada por burgueses, clérigos, nobles y la Hermandad de Nuestra Señora, cofradía religiosa dedicada a la Virgen de la que El Bosco era miembro. Uno de sus encargos más importantes lo recibió en 1504: pintó para Felipe el Hermoso un Juicio Final, lo que indica que su fama había llegado a la Corte borgoñona.


Su estilo recogía claramente los fantasmas de los años finales de la Edad Media, en los que la salvación tras la muerte era una gran obsesión. Existen pocos datos de su vida, siempre llena de leyendas que intentan explicar el enigmático significado de sus cuadros. Su formación como pintor la pasó en el seno de su familia: fueron sus propios hermanos y su padre quienes le enseñaron el oficio artesanal. De esto se deriva una cierta torpeza compositiva, aunque enseguida estableció su temática favorita: la debilidad humana, tan proclive al engaño y a ceder a las tentaciones.


Una de sus fuentes de inspiración favoritas fue la cultura popular. Los refranes, los dichos, las costumbres y leyendas, las supersticiones del pueblo le dieron múltiples temas para tratar en sus cuadros. Da a los objetos de uso cotidiano un sentido diferente y convierte la escena en un momento delirante, lleno de simbolismos. Todos sus cuadros están impregnados de un sentido del humor burlesco, a veces cruel.



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El Bosco vivió en un mundo cruel, la organización de los estados nacionales brillaba por su ausencia y en los terrenos rurales se imponía la ley del más fuerte. La ignorancia y el analfabetismo alcanzaban a un 90% de la población, que veía su esperanza de vida en poco más de los cuarenta años. Las enfermedades endémicas y las epidemias, frecuentemente de peste, diezmaban a la población, cuando no se trataba de guerras mantenidas durante años.


En tal estado de cosas, en toda Europa se produjeron abundantes movimientos heréticos, sectas que trataban de romper con la Iglesia, que ostentaba un poder y un lujo excesivos. Los movimientos heréticos trataban de retornar a las raíces del primer cristianismo, con comunidades en las que se compartieran los bienes. Casi todas las sectas fueron perseguidas, con casos como el de Savonarola en Italia. Sin embargo, en Alemania, muy cerca de Países Bajos, Lutero conseguiría triunfar pocos años después de la muerte del Bosco.


Es decir, nuestro artista vivió en una época de crisis espiritual muy profunda, que condujo poco después a la ruptura del mundo cristiano. El Bosco prácticamente pintó sólo obras religiosas. Su piedad era extrema, rigurosa, y presentaba un mundo enfangado, que se revolcaba en el pecado, casi sin esperanza de salvación. El Bosco ve a sus congéneres pudriéndose en el Infierno por todo tipo de vicios. Se tiende a mirar sus obras como productos magníficos de la imaginación y no hay tentación más fácil que identificarlo con el surrealismo. Se comete el error de pensar que El Bosco pintó para nosotros, que se adelantó a nuestra visión de época y que en ello radica su valor como visionario.


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Pero lo hizo hace más de 500 años y nosotros hoy día somos incapaces de comprender todos los símbolos y lecturas con que impregnó sus cuadros. Tan sólo aquellas imágenes que resultan familiares son rápidamente extraídas de su contexto y examinadas a la luz de la psicología del siglo XX. En la época del Bosco no existía la psicología.


El mundo religioso estaba tan presente o más como los fenómenos cotidianos. En un mundo donde no se sabía leer ni existían imágenes apenas, los cuadros del Bosco presentaban una realidad tan cotidiana como los trabajos del campo. La presencia continua del pecado y la amenaza del infierno eran ley de vida, contra la que se revelaban la "devotio moderna" o los seguidores de Lutero: interpretación personal de la Biblia, diálogo íntimo con Dios, salvación a través de la fe y no de los actos externos.



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Algunos centros urbanos de importancia tratan de cambiar el mundo, de racionalizar la vida del ser humano y de desterrar el miedo y la superstición. La ciencia sepulta mitos y la filosofía se trata de conjugar con la religión. Es el mundo de Durero y de Leonardo, de Erasmo, de Maximiliano I y de Carlos V. Sin embargo, El Bosco jamás entró en contacto con la cultura urbana ni con las renovaciones que se estaban produciendo en los Países Bajos, Italia y España.



Comento John Berger: -Hace cinco siglos, Hieronymus Bosch pinto la globalización.



El Bosco representa el arte de provincias, casi sin influencia de los movimientos contemporáneos. Muere en 1516, tres años antes que Leonardo da Vinci, su más estricto contemporáneo. Comparemos sus obras y tratemos de comprender cuál era el mundo real en el que vivía la mayor parte de la sociedad europea del siglo XVI y cuál el mundo reducido de las cortes llenas de intelectuales donde se pretendía cambiar el concepto del mundo basado en Dios por el de un mundo basado en el hombre.








Sus Obras







“Rostro de Mujer” (Museum Boijmans Van Beuningen, Rótterdam)



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“Rostro de alabardero” (Museo del Prado, Madrid)



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“Imagen de dos hombres” (Museum Boijmans Van Beuningen, Rótterdam)



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“Epifanía” (1475-80, Museum of Art, Philadelphia, USA). El Bosco vuelca en esta obra todo su cariño y ternura a la hora de representar. El niño tiende sus brazos hacia el rey mago que acude a adorarlo. José permanece discretamente retirado al fondo. El autor, a pesar de ser uno de sus primeros trabajos, se muestra detallista, aunque aún no domine el espacio.



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“Ecce Homo” (1475-80, témpera y óleo sobre tabla, Städelsches Kunstinstitut, Frankfurt). Se trata de una de las primeras obras de El Bosco, muy apegada aún a los gustos de la época y siguiendo los cánones marcados por la pintura medieval. Cristo aparece frente a la multitud y es presentado por Pilatos de cuya boca salen las palabras "Ecce Homo" como era tradicional en la pintura flamenca, la masa grita "Crufige eum" y en una tercera inscripción se lee "Salve nep Redentor Christe" saliendo de la boca de los donantes que han sido borrados. Una de las torres del fondo tiene la media luna turca, se debe a que en época de El Bosco se identificaba a los enemigos de Cristo con el Islam.



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“La sanación del loco” (1475-80, Museo del Prado, Madrid). Probablemente esta obra no sea completamente de El Bosco, lo que si parece seguro es que el fondo de paisaje es suyo, ya que es prácticamente idéntico al de la Epifanía. La forma de representar los personajes no parece salida de su mano. La tabla representa la extracción de la piedra de la locura de la cabeza de un hombre, un curandero realiza la operación mientras un monje y una monja observan. Sin duda se trata de una crítica, ya que esta operación solo se realizaba en la literatura y normalmente con resultados negativos. La crítica es completa ya que lo que extrae de la cabeza del hombre no es una piedra, sino un tulipán, flor que era considerada la flor de los tontos. Varios detalles completan el cuadro humorístico: el embudo sobre la cabeza del curandero, el libro sobre la cabeza de la monja y la inscripción que dice: "maestro, corta la piedra, mi nombre es Lubbert Das", siendo Lubbert el nombre que se da a los tontos en holanda. Brueguel el Viejo realizará una obra con el mismo tema.



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“El Mago” (Musée Municipal, Saint-Germain-en-Laye), no es el original, que se perdió, sino una copia fiel de éste. Un mago embauca a un grupo de personas mientras su cómplice roba a un anciano sin que éste se de cuenta. Solo un joven entre el público parece notarlo. Al igual que en los retratos que hemos visto, El Bosco utiliza los perfiles para mostrar el carácter de las personas, en este caso la afilada nariz del mago nos indica su carácter inmoral.



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“Cristo cargando con la Cruz” (1480’s, Kunsthistorisches Museum, Viena). Ya en sus primeros trabajos El Bosco muestra su genialidad como retratista, realizando con maestría el retrato psicológico en este caso de las turbas que acompañaban a Jesús hacia el Calvario. Muecas, fealdad, odios, venganzas,... y en el centro un Cristo aplastado por el madero y martirizado por dos trozos de madera con clavos que cuelgan de su cintura y golpean sus tobillos y sus pies; ésta fue una licencia muy utilizada por los pintores holandeses de su época. En la base de la tabla vemos al mal ladrón llevado hacia el suplicio mientras que el buen ladrón cae de rodillas ante un sacerdote, también esta licencia la veremos repetida más adelante en uno de los reversos de las hojas del tríptico "Las Tentaciones de San Antonio" (Lisboa).



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El reverso de "Cristo cargando con la Cruz" nos muestra una representación inusual de Cristo Niño aprendiendo a andar con un andador, en sus manos lleva un molinillo probablemente como símbolo de la Cruz. Relata así los primeros pasos del Señor frente a los últimos dados en ésta vida antes de su muerte en la Cruz. Está realizado en grisalla, una técnica de pintura usada también en los bocetos y que El Bosco solía utilizar para decorar los reversos de las tablas y las hojas de los trípticos.



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“Los Siete Pecados Capitales” (1480, Museo del Prado, Madrid). Uno de los primeros trabajos de El Bosco que perteneció a Felipe II que lo tenía en su habitación del Monasterio de El Escorial. Se trata de una tabla rectangular con 5 tondos, el central más grande tiene en el centro la imagen de Cristo Resucitado, a su alrededor se representan los 7 pecados capitales en forma de orla. El conjunto nos está diciendo que Dios todo lo ve: la ira en la que un hombre agrede a una mujer a los pies de la imagen de Cristo; a su derecha la vanidad en forma de una mujer que se mira al espejo; a su derecha la lujuria representada por dos amantes que escuchan música en una tienda entretenidos por un bufón; le sigue la pereza en la que una mujer preparada para ir a la Iglesia trata de despertar a un hombre que duerme profundamente; la gula representada por un hombre que come ávidamente; la avaricia muestra a un juez que se deja sobornar y la envidia que analizamos más abajo. Los tondos laterales muestran a la derecha el Juicio Final y el Cielo y a la izquierda la hora de la muerte y el infierno: las 4 últimas etapas de la vida según los manuales medievales de espiritualidad.



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El detalle muestra "La envidia", una pareja asoma por la ventana de su casa observando a un rico caballero cuyo sirviente carga con sus posesiones, al lado de la pareja aparece la hija de éstos hablando con un hombre por la ventana, mientras que unos perros a los pies de los ventanales miran con avidez el hueso que el padre tiene en sus manos despreciando los huesos que les rodean que está basado en un proverbio flamenco "perros con un hueso rara vez llegan a un acuerdo". Muestra la insatisfacción del hombre con lo que tiene, siempre quiere más y envidia a los que lo poseen.



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Detalle de "La Gula" que representa a un hombre devorando la comida y a sus pies su hijo que aparece defecándose en su ropa.



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Detalle de la Vanidad o el orgullo, en forma de una mujer que se mira al espejo mientras se arregla el tocado, sin darse cuenta que un diablo es quien sostiene el espejo.



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El detalle muestra el infierno, uno de los tondos de "Los siete pecados Capitales". Se trata de un tema muy representado por el Bosco, y veremos cómo evoluciona a la hora de representar los tormentos de la condenación.



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“Crucificado con el donante” (1480-85 Musées Royaux des Beaux-Arts, Brussels), es una de las pocas obras de El Bosco que se amolda a los gustos y tradiciones de la época, y se trata de un caso único. El donante aparece de rodillas a la derecha junto con su patrón San Pedro, al que se reconoce por las llaves que son su símbolo, lo que nos indica que el nombre del donante era Pedro, pero no sabemos nada más excepto que pudo vivir en Brabante y por la espada y la vestimenta puede tratarse de un hombre que estaba al servicio de un gran señor de la ciudad. A la izquierda del Crucificado aparecen la Virgen María y San Juan que hace el gesto a María de que interceda por el donante ante el Señor. El centro y eje de la pintura es Cristo en la Cruz. El paisaje es real, se trata de la ciudad de Brabante, de hecho sitúa la Cruz en el lugar destinado a las ejecuciones de los condenados de dicha ciudad. El fondo está bien tratado, al matizar los verdes consigue la sensación de perspectiva, ayudándose mediante los trazados de los caminos. También hay un cierto tratamiento de las tonalidades de la piel de Cristo, cuya blancura indíca la muerte.



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“Ecce Homo” (1490’s, Museum of Art, Philadelphia, USA)
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“La muerte del avaro” (1490, National Gallery of Art, Washington). Esta pequeña tabla refleja el interés de El Bosco en representar la lucha entre ángeles y demonios, en este caso con ocasión de la muerte de un hombre rico. Aparece así la muerte por la puerta de la estancia, mientras que el moribundo se incorpora tratando de coger una bolsa de oro que le ofrece un demonio por detrás del dosel de su cama. El moribundo no quiere mirar hacia su ángel de la guarda que a la derecha le indica el Crucifijo, mientras es observado por otro diablo que asoma sobre el dosel. Otro demonio asoma de dentro de un arcón a los pies de la cama lleno de riquezas mientras otro aparece por debajo de él, y otro más en primer plano sujeta varias telas. La figura del avaro se repite a los pies de la cama, agarrando con una mano un rosario y con la otra aferrándose a las riquezas guardadas en el arcón. La representación se inspira en la obra "Ars Moriendi" muy popular entre los cristianos de la época que enseñaba el buen morir y que afirmaba que los hombres sufren a la hora de la muerte la tentación del diablo, mientras que un ángel guarda su cama defendiéndole de los ataques del maligno.



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“Las Bodas de Caná” (Museum Boijmans Van Beuningen, Rótterdam). Uno de los primeros trabajos de El Bosco en las que ya deja ver el transfondo de crítica social al contraponer los aspectos espirituales y los carnales. No se encuentra en las mejores condiciones, ya que algunas figuras de la parte alta fueron mutiladas, y los perros que aparecen en la parte baja se añadieron en el siglo XIX. Los detalles que nos llevan al mundo de la carne son: el músico que toca la gaita con aspecto demoniaco y borracho; los capiteles de las columnas con imágenes de diablos que han cobrado vida uno de los cuales se escapa por un agujero de la pared; a la derecha dos sirvientes que llevan sendas bandejas, una con una cabeza de jabalí y la otra con un cisne que escupe fuego por la boca, el símbolo de Venus y la falta de castidad... Ante todo esto Cristo y sus disípulos, a la derecha de la representación, aparecen pensativos, como sin darse cuenta del mal que se ha hecho presente en la celebración, mientras que la Virgen María se vuelve hacia los novios que ocupan el centro de la tabla. Algunas tradiciones identifican al novio con San Juan Evangelista, es por ello que el Bosco utiliza el rostro del Santo que luego repetirá en otras representaciones. En conjunto el Bosco hace la tradicional contraposición del mundo de la carne y el mundo del Espíritu.



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“San Cristobal” (Museum Boijmans Van Beuningen, Rótterdam). Cuenta la leyenda que San Cristobal era un caballero que dedicó su vida a servir al rey y al diablo, hasta que un día se convirtió al Cristianismo. El Bosco pinta al santo llevando a Cristo niño sobre sus hombros, con gran movilidad que queda plasmada en la túnica y la capa. San Cristobal se encuentra rodeado de varias figuras alegóricas, a su derecha un ermitaño cuya cabaña se ha convertido en una vasija de barro de aspecto diabólico, a la izquierda un hombre parece ahorcar a un oso, al fondo un hombre huye desnudo ante la presencia de un dragón que surge entre las ruinas de un castillo...



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“El Caminante” (Museum Boijmans Van Beuningen, Rótterdam). Esta representación tiene mucho en común con las representaciones del peregrino que ilustran los reversos de las hojas de los Polípticos del "Carro de heno". Como en esos ejemplos aquí vemos también un perro gruñendo, el símbolo de la calumnia, así como alusiones a la lujuria que representa en forma de pareja que asoma por la puerta de la taberna del fondo, así como a los pecados del mundo en forma de joven que orina en la esquina de dicha taberna mientras que alguien curiosea por la ventana. El protagonista pasa de largo no sin echar una mirada a la tentación. Algunos investigadores creen que lo que el autor quiso representar es el regreso del hijo pródigo.



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“San Juan Bautista en meditación” (Museo Lázaro Galdiano, Madrid), muestra a un Bautista meditativo mientras observa la imagen del Cordero de Dios, se trata del "Precursor Christi" (precursor de Cristo). Todo el conjunto está envuelto en un paisaje de gran fondo y lleno de vegetación que poco tiene que ver con el desierto.



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“La barca de los locos” (1490-1500, Musée du Louvre, Paris). El Bosco representa a la humanidad entera navegando en un barco. Lo que representa es la tontería de la humanidad, sus frivolidades y superficialidades. El barco navega a la deriva. Se trata de representar la impiedad y la estupidez humana en general, la de todos y cada uno de nosotros cuando pasamos por la vida sin ver su trascendencia. La impiedad viene marcada por la bandera que dirige la nave, que lleva impresa una media luna, la del Islam enemigo de Cristo, tal y como se concebía en época de el Bosco.



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“Coronación de Espinas” (1495-1500, National Gallery, London). Representa esta escena de la Pasión de Cristo justamente en la acción de la colocación de la corona sobre su cabeza por cuatro hombres de rostros muy expresivos, todo ello enfundado en un limitado espacio subrayando la importancia del mensaje a primera vista. El cuerpo del Señor destaca en tonos blancos y brillantes sobre el fondo azul y los tonos oscuros de las vestimentas de sus verdugos. Su gesto es de entrega, mirando al espectador con sentido interpelativo. Parece que no se altera ante las burlas y escarnios de los que le rodean. El conjunto es intemporal, al estilo de las pinturas flamencas de la época, ya que las vestimentas se corresponden al s. XV.



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“Cristo Coronado de Espinas” (Monasterio de San Lorenzo, El Escorial). Uno de los temas repetidos por el autor. Aquí, a pesar de su estilo evolucionado (expresividad y realismo), sigue modelos medievales diseñando un tondo y utilizando el pan de oro como fondo. Cristo, como ya es usual en sus representaciones del tema, interpela al espectador en este caso con cierto gesto de sufrimiento, mientras que sus verdugos se ensañan con Él de forma violenta. El hombre de la derecha, con bigotes de rata, arranca violentamente la túnica de Cristo con su puño de hierro. Sobre la peana en la que aparece sentado el Señor uno de los hombres pone su pie, como queriendo reforzar su postura amenazante.



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“El Jardín de las Delicias” (1500, Museo del Prado, Madrid). Se trata de una de las pinturas más enigmáticas de la historia y la más famosa de El Bosco. Es evidente que no se destinó a un centro religioso y que ha sido realizada para ser observada largamente a corta distancia, a pesar de su gran tamaño, por ello se cree que se hizo por encargo para una familia noble. Puede ser interpretada desde un punto de vista literal y también desde un punto de vista alegórico. En conjunto puede ser interpretada como la historia del pecado, específicamente el pecado de la carne, desde los origenes en el Paraíso (panel izquierdo) hasta la llegada al infierno (panel derecho). Seguiría así el modelo narrativo de El Bosco, el mismo que luego utilizará para realizar "El Carro de Heno".



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El panel central es difícil de interpretar ya que carece de eje central, las figuras se reparten de forma ordenada alrededor de toda la superficie, creando diferentes escenarios pero sin una narrativa concreta que los una. Se trata de cientos de figuras humanas de seres jóvenes, no hay niños ni viejos, que se mezclan con animales reales y fantásticos y con frutas y flores de simbología erótica. Se trata de los hijos de Adán y Eva, la humanidad que se divierte de forma inconsciente.



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El Bosco parece representar la infancia del mundo, cuando hombre, animales y plantas vivían en armonía. Pero todo ello aparece cuajado de alusiones simbólicas de carácter erótico.



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Sobre el fondo colorista destaca de vez en cuando el cuerpo de un hombre de color, acogiendo así a toda la creación, que aparece moviéndose en un ambiente idílico.



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El Bosco representa una multitud de hombres y mujeres desnudos, junto con animales y plantas en una composición luminosa y llena de detalles en miniatura. Utiliza colores cálidos y el negro a penas aparece salvo para marcar sombras. Pero todo ello sirve al autor para destacar los peligros de la carne.



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El Bosco representa la relación sexual con la mentalidad medieval: como un mal necesario que puede llevar al pecado en su exceso. Lo que representa en esta tabla es el exceso.



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Un desfile de hombres mezclados con animales se dirige hacia un lago en el que se encuentran las mujeres, una de ellas sale del agua y es recibida por un hombre. Se trata de una alegoría de la atracción sexual.



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El detalle muestra la naranja, la mayoría de los estudiosos han identificado las frutas y flores que aparecen en la tabla como símbolos eróticos populares en la Holanda del siglo XV. El acto sexual se identificaba en la antigua Holanda con la recolección de frutas, así como la fresa se unía al placer.



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Todo el conjunto muestra los peligros de la carne mediante el simbolismo, como la pareja encerrada en una gran burbuja cristalina y el hombre hundido en el agua que deja ver la parte inferior de su cuerpo y tapa sus partes pudendas con las manos. Pero también se puede hacer la lectura de la fragilidad del amor, que es como el cristal.



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El detalle muestra el cardo de la muerte.



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La hoja izquierda muestra "El Paraíso" así como la Creación del hombre y la mujer, siendo la figura central Cristo como creador. Aparecen en el fondo gran cantidad de animales, algunos fantásticos como el unicornio que bebe del río. Animales no comunes en Europa que probablemente conocía el Bosco por la lectura de libros y la visión de láminas que tan de moda estaba en aquella época, sobre todo de la India, donde muchos colocaban el Jardín del Edén.



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El detalle muestra la Creación del hombre y la mujer. Dios (Cristo) en el centro da la mano a Eva a la que acaba de crear, a su izquierda, sentado, aparece Adán. El conjunto simboliza el matrimonio de la humanidad con Cristo.



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El detalle muestra la Fuente de la Vida, que es el eje central de la hoja izquierda que muestra el Paraíso.



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Hoja derecha "El Infierno": Frente al desenfreno de las escenas de la tabla central del Jardín de las Delicias, la hoja derecha muestra el infierno de la forma más cruel de las representadas nunca por el autor. El eje central es la imagen de un hombre-árbol con el tronco despedazado y todo a su alrededor muestra la visión más dramática del infierno con el estilo del Bosco y basándose en los pecados capitales como es su costumbre. Es interesante fijarse en cada detalle, de los que está la pintura llena.



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En el centro del infierno la imagen del hombre-árbol con el cuerpo en forma de un gran huevo cuyas piernas en forma de tronco descansan sobre barcas se corresponde con el del Árbol de la Vida de la hoja izquierda. En el interior de su cuerpo aparece una gran taberna, mientras que sobre su cabeza se representa a los demonios que acompañan a los condenados alrededor de una enorme gaita. Se trata de una representación de difícil interpretación, muy cercana a la de los extraños y enigmáticos sueños que representó Salvador Dalí en sus obras. Al fondo la imagen de dos enormes orejas que en forma de vehículo transportan un gran cuchillo con la "m" marcada cuyo significado se ignora, puede tratarse de la m de “mundus” o el símbolo del Anticristo cuyo nombre, según algunas profecías medievales empezaba con ésta letra. .



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En éste detalle aparecen los demonios ejecutando a los condenados mediante la espada y un gran cuchillo marcado con la “m”. Sobre el cuchillo la imagen de un hombre derribado por una jauría de perros que lleva un cáliz en sus manos, puede ser castigado por el pecado de blasfemia o sacrilegio.



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El detalle muestra las consecuencias del exceso del juego y las tabernas. Sobre él se muestra el infierno de los músicos, en él instrumentos que aparentemente son inofensivos e inocuos adquieren tamaños monstruosos convirtiéndose en los instrumentos de tortura para los condenados.



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El detalle muestra a un monstruo con cabeza de pájaro que devora los cuerpos de los condenados a los que luego defeca envueltos en una masa repugnante y los lanza a un agujero que se abre al abismo. Alrededor de la fosa se muestran diversos pecados: la vanidad que se ve reflejada en las posaderas de un diablo, la glotonería que aparece vomitando en la fosa y la pereza en forma de un hombre tumbado que es acosado por los demonios.



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Reverso de las hojas laterales: Al cerrarse el tríptico podemos encontrar la imagen del mundo, como una gran esfera celeste de cristal que acoge toda la temporalidad de la vida del hombre en la tierra.



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“El Carro de Heno” (1500-1502, Museo del Prado, Madrid). Existen dos versiones prácticamente iguales, ésta en el Prado y una segunda en el Monasterio de El Escorial. Ambas han sido restauradas en numerosas ocasiones y no hay acuerdo sobre cuál es la original. En la hoja izquierda vemos el Paraíso y la caída del hombre y los ángeles, en el centro el Carro de Heno que muestra todos los pecados capitales, y en la hoja derecha vemos el infierno. La imagen del centro es novedosa: un gran carro de heno que es empujado por los demonios hacia la condenación (el infierno del panel derecho) y rodeado de forma simbólica por los pecados del hombre. Sobre el carro el hombre que se debate entre el bien (ángel) y el mal (el diablo músico) y que debe emplear su libertad para elegir. El Bosco se muestra particularmente crítico en esta obra con toda la sociedad de su época, parece que haya pocas ocasiones en las que el hombre elige los caminos de Dios, como el peregrino del anverso de las hojas. Representa el proverbio flamenco: "El mundo es un pajar del que cada uno toma lo que puede".



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El Bosco muestra los Pecados Capitales y otros pecados derivados de éstos. La avaricia que lleva a la discordia y al asesinato, representadas delante del carro, el pecado de orgullo de los prelados y gobernantes que caminan detrás del carro, el engaño y la mentira representados en la parte inferior izquierda en la figura de un hombre con sombrero de copa junto a un niño (falso mendigo) que también tiene la lectura del abuso de la infancia, el falso médico que en la parte inferior central engaña a los hombres con falsos remedios a sus males, el clero corrupto aparece representado por varias monjas que exigen donativos que engordan una gran bolsa y por un monje que devora ansiosamente en una mesa en la esquina inferior derecha de la Tabla. Toda ella aparece cuajada de otras figuras en posición de asaltar, asesinar, muestras de lujuria, etc. Hay figuras cuyo significado no es claro, como la presencia de los amantes sobre el carro que aparecen más como una expresión plácida y armoniosa del amor humano que del pecado de la lujuria. Aparecen representadas dos parejas que muestran la diferencia de clases sociales, una mejor vestida aparece sentada mientras que la otra, de clase más sencilla destaca sobre el árbol. Dos figuras rodean las escenas: un ángel en posición de orar y un diablo que toca una trompeta. Es la lucha en el amor humano entre la castidad y la lascivia. Por encima de todo ello la imagen de Cristo Resucitado, que observa haciendo una llamada al arrepentimiento ante la inminente llegada del Juicio.



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La hoja izquierda del Tríptico muestra la Creación y el pecado original, así como la expulsión de los ángeles rebeldes del Paraíso. Se trata de una temática repetitiva en las obras de El Bosco, como en "El Juicio Final" y la tabla del Paraíso del Museo del Prado. Al fondo la creación de Eva, en plano medio el pecado original y en primer plano la expulsión del Paraíso. Sobre ellos, Dios en Majestad que expulsa a los diablos rebeldes del Paraíso..



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La hoja derecha muestra el infierno cuya imagen central es una torre en construcción. Parece que El Bosco se ha inspirado en la visión que San Gregorio tuvo del Cielo, en el que contempló una alta torre construida con ladrillos de oro, cada ladrillo era una obra de caridad realizada en la Tierra. El autor introduce este tema en el infierno, como una alta torre en construcción formada por los pecados cometidos en el mundo. También puede tratarse de la imagen de la Torre de Babel, con la que los hombres intentaron derribar las puertas del Cielo. A los pies de esta construcción aparecen los demonios muy ocupados en infringir tormentos a los condenados. Todo ello en un ambiente sofocante de fuego y tinieblas.



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El reverso de El Carro de Heno muestra la imagen en primer plano de un peregrino, su título el “El Peregrino” o “El Camino de la Vida”, un hombre que ya no es joven y camina encorvado llevando una cesta de mimbre y apoyándose en un cayado. Todo lo que le rodea muestra peligros: los huesos a sus pies, el puente sobre el que va a pasar que se nos muestra frágil. Y camina rodeado de varios de los peligros del mundo: el robo, la lujuria, la maledicencia,... algunos tratados con elementos simbólicos como el perro que ladra que es la imagen de la calumnia. La pareja de bailarines al son de la gaita representa los pecados de la carne y a la izquierda vemos a un grupo de asaltantes atacando a un hombre. Al fondo unas estructuras que semejan a una horca y al poste en el que se exponían los cuerpos, lugar de suplicio de los condenados..



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6 comentarios - Revoluciono la pintura, hace 500 años, El Bosco 1 de 2

@juancholoza +2
bue post! el video de Metallica Until it sleeps se basa en el jardin de las delicias. Te dejo el video como aporte


link: http://www.youtube.com/watch?v=TyApAYrpiew
@gpatera +1
el tipo hace 500 años hacia cosas que hoy parecen locas, imagínate en aquella época!!
@juancholoza
@gpatera un adelantado
@xarlydon +1
Cuanta información!! Muchísimas gracias!!
@gpatera
Me alegro que te guste, el tipo fue un grosso!!
@LeonGuennol +1
bien un post de arte te dejaria 10 pero los homo-mods me descendieron de rango por comentar con minas, pero los 10 van fijo cuando suba
@gpatera
No importan los puntos, lo importante es que te gusto! Gracias por pasar
@DiosVadoSalinas
algunas cosas me resultan perturbadoras. es muy bueno!
@gpatera +1
Fue un pertubador, y un insolente, me imagino los de la inquisición con este tipo, no se como hizo para safar de la maquinaria asesina de la iglesia!!.
@diabulusifer
tremendo post! para la proxima podria ser uno de goya
@gpatera +1
Gracias por comentar, tu pedido va a lista de próximos!!