Hola Gente de T!, aca les dejo data y un par fotos de guitarristas de Jazz.
Cualquier comentario sera agadecido.
QUe lo disfruten!

Jazz

Al di Meola
Su status como heroe de la guitarra es indiscutible. Un maestro de las cuerdas reconocido y nombrado en innumerables revistas sobre guitarra en las pasadas tres décadas. Di Meola ingresó a la escena musical por primera vez en 1974 con “Return to Forever”, la banda fusión por excelencia de los 70’s. Se estableció como solista y lider de la banda basado en el propio derecho ganado en una serie de prodigiosos albums y giras durante los 70’s y el comienzo de los 80’s. Su visión como compositor floreció a través de los 80’s. Este periodo incluye un par de grabaciones y exitosos tours con John McLauglin y Paco de Lucia en el insuperable grupo de guitarra acústica conocido como “El Trío”. Al ha permanecido como una fuerza creadora en los 90’s, explorando la música de otras culturas manteniendose fiel al mismo tiempo a sus raices como guitarrista, centrándo su atención en los últimos años en la música latinoaméricana dedicando un LP al tango en la obra “Di Meola plays Piazzolla”.
Nacido en New Jersey, el 22 de julio de 1954, Al Di Meola creció con la música del grupo “The Ventures, Los Beatles y Elvis Presley”. La batería fue su primer instrumento, pero a la edad de ocho años se cambió a la guitarra. En sus primeros años como adolescente, ya era un guitarrista completo aunque un poco limitado por el estilo de los guitarristas locales. “Si en los 60’s no tocabas como Eric Clapton, Jimmy Hendrix o Jimmy Page, no eras aceptado en ninguna banda” recuerda Al de sus años en la escuela secundaria en Bergenfield, New Jersey. “Así que nunca fui realmente aceptado por un grupo de amigos en Bergenfield por que no sabían que hacer con mi estilo. Incluso a pesar de que quise aprender la musica de los Beatles y de The Ventures cuando comenzé a tomar lecciones con mi profesor de aquella época Bob Aslanian, quien además me hizo aprender jazz y bossa nova y un poco de música clásica”.
En 1971, Di Meola ingresó a la Berklee School of Music en Boston, donde también estudió entre otros Steve Vai. En su segundo semestre ya tocaba en un cuarteto de fusión liderado por el tecladista Barry Miles. A comienzos de 1974 recibió una invitación de Chick Corea para participar en unos ensayos. Después de un fin de semana de ensayos con la banda “Return to Forever”, Di Meola hizo su debut con el grupo en el Carneggie Hall de Nueva York. La noche siguiente tocaron para una multitud de 40.000 personas en Atlanta...desde ahí su estrella ascendió rápidamente.
Luego de tres exitosos albumes de fusion con “Return to Forever” (Chick Corea en los teclados, Stanley Clarke en el bajo, Lenny White en percusión y Al Di Meola en la guitarra) donde ganaron un Grammy por No Mystery y Romantic Warrior, la banda se separó en 1976. Lo que se tradujo en el inicio de la carrera de Al como solista.
Debutó a fines de 1976 con Land of the midnight sun, produciendo hasta hoy 19 albumes y vendiendo más de 6 millones de copias en todo el mundo.
Actualmente Al Di Meola, toca con una guitarra electroacústica signature model especial que le hizo la fábrica Ovation. Y utiliza cuerdas D’addario.
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Charlie Christian
Hijo de un guitarrista ciego itinerante, la infancia de Christian transcurre rodeado de un ambiente en el que siempre hay música. Apenas levantaba tres palmos del suelo y ya estaba fabricando sus propias guitarras con cajas de madera.
Como suele ocurrir en estos casos, alguien (John Hammond) lo vio tocar y detecto enseguida su gran talento natural. Gracias a él, Benny Goodman accedio a escuchar al chico. Segun se cuenta, Benny no lo veía claro porque los inventos no parecían encajar con su estilo un tanto almibarado (una guitarra ¿eléctrica?) Se cito a Charlie Christian en el restaurante Victor Hugo, de Beverly Hills, lugar donde la orquesta trabajaba por esas fechas. Goodman preguntó a Christian si conocía un tema llamado Rose Room, este dijo que si y comenzaron a tocarlo. Llegando al turno del solo, Charlie dio rienda suelta a su talento creativo y estuvo tocando sin parar durante veinticinco ruedas, convirtiendo aquella canción inócua en un auténtico derroche de potencial musical. La cancion duro cuarente y cinco minutos. El público de la sala, los miembros de la orquesta y el propio Benny Goodman no podían creer lo que acababa de ocurrir.
Christian se ha convertido en el referente ineludible de la guitarra Jazz, por su gran talento e inventiva y por haber formado parte de las maratonianas Jam Sesion que (junto a Charly Parker y Dizzy Gillespy) tenían lugar en el Minton´s, en un momento en el que el bebop estaba siendo definido (en torno al año cuarenta).
Con su temprana muerte, veintiséis años, se trunco una de las carreras mas prometedoras del mundo de la guitarra, no sin antes haber dejado la semilla de lo que iba a ser en el futuro la gran guitarra de jazz.

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Django Reinhardt

Jean Cocteau escribió una vez sobre la música de Django Reinhardt: "Esa guitarra que ríe y llora, guitarra con voz humana...".Y es que "El Gitano" tenía en sus manos la capacidad de emocionar hasta el alma más dura. Nacido en enero de 1910 en la ciudad belga de Liverchies, vivió su vida en un carreta, como los de su raza, en un constante nomadismo. La música era la manera que tenía su familia de ganarse el pan. Lo que hacían era montar el clásico espectáculo de "la cabra y el oso", matizado con el violín de su padre y el banjo del pequeño Jean Baptiste (su verdadero nombre). Fue una casualidad -trágica, por cierto- la que acercó a Django a la guitarra. Tenía 18 años cuando un incendio en la carreta lo dejó en el hospital, con dos dedos de su mano izquierda inmovilizados, y pensando que nunca más iba a poder tocar música. Pasaron varios días antes de que su hermano le llevara hasta su cama un regalo que iba a cambiar su destino. Se trataba de una guitarra, su nuevo amor, del que no se separaría hasta el día de su muerte. Claro, era difícil superar la lesión y volver a tocar como antes, pero Django se las ingenió para crear una nueva técnica de digitación acorde a sus nuevas condiciones. De todas maneras, existen registros de su música antes del accidente, junto a Jean Vissade y Francesco Cariolato o con Victor Marceau. Django se acercó al jazz a través de dos "grandes", como Duke Ellington y Louis Armstrong, de quienes admiraba la perfección interpretativa. Pero es el encuentro con el violinista Stephane Grapelli en París es el hito que marca su derrotero estilístico. Con él conforma un dúo muy particular que sólo se iba a disolver con la Segunda Guerra Mundial. Grapelli y Django se unieron para acompañar la voz de Jan Sablon, junto a A.Ekyan (saxo), Eugene D'Hellemes (trombón) y Michel Erner (piano). Corría 1934 y una cosa llevaba a la otra. Al poco tiempo existía ya el Quinteto del Hot Club de Francia, con el que Django se hizo definitivamente famoso. Ahí de nuevo se juntaron los dos amigos, a quienes se unieron Joseph Reinhardt (guitarra), Roger Chaput (guitarra) y Louis Vola en el bajo. La Segunda Guerra significa la llegada del nazismo y la consiguiente persecución a los de su raza. Por suerte, un funcionario alemán aficionado a su música lo protege. Tras la separación de Stephane y Reinhardt, éste último lo reemplaza por el clarinete de Hubert Rostaing. El célebre luthier italiano Maccaferri es el responsable del diseño de la guitarra Selmer de Django, probablemente la primera de jazz. En los años siguientes el músico iba a hacer sus primeras armas con la eléctrica, con la que no consiguió la magia ni los momentos que con la "de palo". Mientras "El gitano" permanecía en París, aprovechó de tocar con cada artista americano que iba de gira: Coleman Hawkins, Bill Coleman, Benny Carter, Joe Turner. En 1946 iba a tener la oportunidad de viajar y devolver la mano al público estadounidense, al ser invitado por la orquesta de Duke Ellington para acompañarlos en una gira por el país dle norte. Pero Django no terminó muy contento ese periplo, más que nada porque esperaba otra cosa de la gente. El encanto de Django se encuentra principalmente en la melancolía de sus composiciones, algo muy propio de su cultura. Muchos dicen que alcanzó el cenit en los temas lentos, en los que generaba una atmósfera que partía desde el título (como "Douce Ambiance", "Mélodie au crépuscule", "Nuages", "Finesse" . Volvió Django a reunir a su famoso quinteto, con el que siguió tocando varios años (en esa época tocó junto a Dizzie Gillespie, que visitó Francia) hasta que decidió retirarse a una vida apacible, "lejos del mundanal ruido", como el antiguo poema, y dedicarse a la pesca y la pintura. Pero lo que parecía ser el ideal de existencia lo llevó tempranamente a la muerte (tenía sólo 43 años) Fue otra vez una casualidad: un fatal golpe en la cabeza, la consecuente hemorragia y la pérdida irreparable de un músico capaz de traspasar su enorme sensibilidad a los acordes de su guitarra. Un genio. Imposible de olvidar a este gran musico , uno de los primeros grandes virtuosos que tuvo la guitarra , objeto de admiracion de guitarristas de la talla de Bireli Lagrene , y de una serie de seguidores e imitadores como Stochelo Rossenberg. Sin duda alguna Django Reinhardt mostro un nivel tecnico asombroso, sin problema alguno aun teniendo la limitacion en su mano izquierda.

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Frank Gambale
Nacido en Canberra en 1959, Frank Gambale empezó tocando a los siete años, influenciado inicialmente por artistas como Hendrix y Clapton, tomando luego una dirección más jazz con Chick Corea y Steely Dan. En 1982 se desplazó a EE.UU., estudiando en el Hollywood’s Guitar Institute of Technology, graduándose como Estudiante del Año y ofreciéndose para el puesto de profesor donde estuvo durante cuatro años. Durante este tiempo publicó su primer libro Speed Picking. Los primeros vídeos de Frank, una serie de tres, aparecieron en 1987. El anterior año vio como se afianzaba un contrato para tres discos así como una gira con Jean-Luc Ponty, que rápidamente le llevó a estar durante seis años con uno de sus héroes, Chick Corea. De los cinco discos grabados con Corea, uno ganó un Grammy y otros dos fueron nominados. 1990 supuso el reconocimiento internacional de Gambale como solista con el disco Thunder From Down Under, que copó las listas de jazz japonesas, acompañado por sus tres álbumes anteriores, todos dentro del top 10.
Dos años después, Frank finalmente se aventuró a salir, y ha estado desde entonces grabando y de gira con su grupo, dirigiendo también numerosos seminarios y masterclass en todo el mundo. En 1996 estaba a la cabeza del Departamento de Guitarra de la nueva Los Angeles Music Academy, donde escribió el programa principal de estudios, y continúa ejerciendo como profesor cuando está en la ciudad.
Aparte de formar recientemente su propia compañía, Wombat Records, y firmar un contrato con la Favoured Nations de Steve Vai, Gambale permanece muy ocupado con los proyectos de colaboración. Ha contribuido con el grupo Vital Information durante más de 13 años, y ha lanzado tres grabaciones con el bajista Stu Hamm y el batería Steve Smith. Uno de los grandes proyectos del 2002 fue un DVD en directo -Concert With Class- que no sólo muestra a los espectadores un concierto de 90 minutos, al mismo tiempo les ofrece material educativo relacionado con la actuación. El otoño planea una gira con la Elektric Band de Chick Corea en celebración del 60 cumpleaños de Corea, donde aparte de Gambale también estarán otros artistas Yamaha como el bajista John Patitucci y el batería Dave Weckl.
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George Benson
La carrera musical de este artista nacido en Pittsburg ha pasado por numerosas variopintas etapas. George Benson (1943) comienza tocando rock de los sesenta pero lo aparca tras escuchar el jazz de Charlie Parker. Aún así, es Wes Montgomery su principal inspiración musical y además, su mentor. Ya en esa época se los considera un excelente guitarrista y colabora con artistas de la talla de Miles Davis, Herbie Hancock, Billy Cobhan, Steve Gadd o Stevie Wonder. En los setenta Benson da un golpe de timón en su carrera al fichar por Warner Bros. Breezin', publicado en 1976, es galardonado con tres premios Grammy y contiene la canción This Masquerade, el primer tema que alcanza el número uno de las listas de jazz, soul y pop paralelamente Ademas, sigue siendo el disco de jazz más vendido de la historia. A partir de entonces, Benson tiene una formula eficaz para vender discos: combinar temas instrumentales con otros cantados e incluso añadir su sofisticado Scat. Asi lo atesora el éxito del doble disco Livin' Inside Your Love (1979), que obtiene cinco Grammy. Ya en los ochenta, cuenta con la producción de Quincy Jones para el disco Give Me The Night, un verdadero éxito en las listas de ventas, como tambien lo son In Your Eyes (1983) y 20/20 (1985). Finalmente, los noventa presentan a un Benson relajado más orientado hacia las canciones de amor y a los discos recopilatorios. En cualquier caso, y a pesar de que haya sido vastamente criticado por su comercialidad, indudable que George Benson, que toca una Ibanez GB10 Signature, es un gran instrumentista con mucha sensibilidad. Su musica de fácil escucha, aunque parezca impensable, ha ayudado tremendamente al jazz a adquirir popularidad mundial.

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Pat Matheny
Nació en 1954 en Kansas, Missouri y su verdadero nombre es Patrick Brucce Metheny. Sus padres eran músicos y su hermano trompetista (Mike Metheny) lo inició en el jazz. Al principio creo que Pat también tocaba la trompeta, la guitarra la cogió por primera vez a los 12 años. Ya de aquella estaba considerado un niño prodigio. Perfeccionó tanto técnica que a los 15 años se ganó una beca que donaba la revista de Jazz estadounidense “Downbeat”. Más adelante entró a estudiar (también becado) a la Universidad de Miami. A los 19 años se ganó un enorme prestigio y acabó dando clases en "Berklee School of Music" en Boston.
En la Universidad de Miami conoció a Jaco Pastorius, y junto al batería Bob Moses grabaron el album "Bright Size Life”. Cuando empezó a tener un gran reconocimiento por los especializados en Jazz Gary Burton, a quién había conocido en Berklee le propuso unirse a su banda. Más tarde llegó Lyle Mays (para mí el mejor pianista, por su senitdo del ritmo y tempo sobre todo (Solo de piano de “Heat Of The Day” del disco Imaginary day live)) y con él la idea a Pat Metheny de montar el "Pat Metheny Group" (se completa le formación con la incorporación del bajista Mark Egan y del batería Dan Gottlieb). Ahí empieza la historia
Su música es una mezcla de Jazz, Folk (las voces) y Bossanova o música latina (percusiones)

Metheny tiene a sus espaldas el hecho de haber tocado con grandes figuras del jazz como Sonny Rollins, Ornette Coleman, o Jack DeJohnette. También ha ganado numerosos premios Grammy y con frecuencia ha sido considerado en las encuestas de las revistas de Jazz como el mejor “Guitarrista de Jazz contemporáneo”. Entre su numerosa y prolífica discografía, destacan: “Travels” (1982); “First Circle” (1984); “Song X” (con Ornette Coleman, 1985); “Still Life” (Talking) (1987); “Question and Anvers” (1989) “We Live Here” (1995) “Beyond the Missouri Sky” (junto a Charlie Haden 1997) e “Imaginary Day Live” (1997)
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Luis Salinas
Nació en Argentina, Monte Grande, ciudad muy cercana a Buenos Aires. La influencia de su padre y de su padrastro, ambos músicos, lo animaron a tocar la guitarra desde edad muy temprana. La ductilidad del guitarrista y el músico se combinan logrando una fusión impecable, se trata de un virtuosismo musical no meramente técnico.
Podría decirse que es un músico libre. Transita sin ataduras por distintos estilos. Acerca de su arte George Benson señala: " Es uno de mis guitarristas favoritos ... " Chick Corea habla de él como "Uno de los grandes músicos argentinos". Scott Henderson afirma "Es increíble. Será sin duda un héroe de la guitarra". O las palabras de Badem Powel "Es un guitarrista loco y genial". Esta versatilidad ha logrado que músicos como B.B.King y Hermeto Pascoal lo hayan invitado a compartir su escenario.
Es compositor de la mayoría de los temas que toca en sus conciertos y discos. Salinas innova en la música argentina. Compartió experiencias con auténticos ídolos del folklore y del tango, como Adolfo Ábalos y Horacio Salgan. Se da el lujo de tocar un zamba con Jaime Torres o grabar un disco de tango con María Graña.
Músico autodidacta. No estudió en ningún conservatorio. Improvisador nato con una original capacidad interpretativa dice: "Todo tenemos una condición natural para algo. No es lo que te gusta sino lo que podés hacer. El resto es trabajar. No pretendo ser mejor que alguien. Quiero ser el mejor Salinas posible. Mi música más que nada tiene que ser fluída y sincera, si uno no se emociona, el público tampoco.
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Stanley Jordan
Aútentico virtuoso de las seis cuerdas que llevó la técnica del tapping a dos manos con un sonido limpio hasta niveles de complejidad orquestales equivalentes a los del piano.
Basandose enteramente en esta técnica, es capaz de producir el sonido de dos o tres guitarristas al mismo tiempo, usando lineas de bajo, acompañamientos de acordes y melodías solistas a la vez, creando una manera totalmente nueva de tocar la guitarra.
Su andadura musical se remonta en 1981, cuando tocaba por las calles de Nueva York y Filadelfia ganandose unos dolares. Fue corriendo la voz de que había un guitarrista realmente asombroso tocando en la calle por lo que la gente le echaba y Bruce Lundvall, alto ejecutivo de Elektra Records le solicito una audición. En seguida le ofreció un contrato que Stanley rechazó por pensar que aún no estaba preparado. Un año y medio mas tarde, Lundvall se traslado al sello Blue Note y esta vez sí pudo fichar a Stanley.
Magic Touch (1985), su primer album, resulto un gran éxito que obtuvo dos nominaciones a los premios Grammy, permaneció cincuenta y una semanas en le número uno de las listas Billboard de Jazz y fue disco de oro en Estados Unidos y Japón.
Al año siguiente, hacía una aparición en la pelicula cita a ciegas, con Kim Basinger y Bruce Willis, y frecuentes incursiones televisivas en los populares shows de Johnny Carson y David Letterman.
Según el propio Stanley, los únicos requisitos que debe cumplir el instrumento para poder absorver su singular técnica con éxito son: una acción muy baja (las cuerdas deben casi tocar los trastes), un gran sustain y unos trastes impecables.

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Wes Montgomery
Su forma suave de pulsar las cuerdas y sus solos basados en octavas influyeron en músicos tan diferentes como B. B. King y George Benson. John Leslie Montgomery nació en Indianápolis. Aprendió solo a tocar la guitarra, influenciado principalmente por la música del guitarrista de bebop Charlie Christian, aunque su forma de interpretar una melodía en octavas paralelas la tomó prestada de Django Reinhardt. En la década de 1940 hizo giras de conciertos con sus hermanos Buddy (piano y vibráfono) y Monk (bajo), y también con la banda de Lionel Hampton (1948-1950), antes de volver a Indianápolis, donde permaneció durante casi toda la década de 1950. Tocó con John Coltrane en el Festival de Monterey (1960) y firmó un contrato con el sello discográfico Riverside, tras ser recomendado por el saxofonista Cannonball Adderley.
Montgomery dirigió sus propias bandas en los álbumes Go! y The Incredible Jazz Guitar of Wes Montgomery (ambos de 1960), demostrando su relajado virtuosismo en solos melódicos que construidos sobre líneas simples se convertían en series de complejos acordes. Montgomery cambió de sello y trabajó con el productor Creed Taylor. Con él produjo álbumes que tuvieron gran éxito comercial como Bumpin' (1964), Tequila (1965) y Jimmy and Wes (1966, con Jimmy Smith, virtuoso del órgano Hammond). Montgomery se pasó a la música popular en 1967, año en que sacó a la venta su álbum de más éxito: A Day in the Life (que incluía versiones de las canciones de The Beatles "A Day in the Life" y "Eleanor Rigby", junto con el clásico de soul "When a Man Loves a Woman". No tuvo tanto éxito el sencillo "Windy" del mismo disco. Montgomery murió de un ataque al corazón al año siguiente.
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