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Guitarristas de Rock

Hola Gente de T!, aca les dejo data y un par fotos de guitarristas de Rock.
Cualquier comentario sera agadecido.
Que lo disfruten!


Rock

Angus Young
Es la cabeza visible de AC/DC, una de las bandas de hard rock mas importantes de la historia. La entrega que pone en cada una de sus actuaciones, los espasmos nerviosos que continuamente sacuden su cuerpo mientras hace correr las cuerdas de su Gibson a velocidad de infarto, lo han convertido en el eje visual de la banda.
En particular destacar su famoso Duckwalk (andar de pato), que realiza mientras recorre el escenario tocando alguno de sus solos de guitarra, y que copió a su gran ídolo: Chuck Berry.
Es uno de los fundadores de la banda y ha participado en la composición de todas las canciones del grupo.
Nació el 31 de Marzo de 1955 en Glasgow, Escocia. Su familia se trasladó a Sydney, Australia, en el año 1963, ya que en su pais de origen el trabajo escaseaba demasiado. Dejó el colegio a los 15 años para comenzar a trabajar. Al poco tiempo se uniría a su hermano y fundarían AC/DC (las siglas de Corriente Alterna / Corriente Continua).
Su técnica se base en la utilizacion de escalas pentatónicas y poderosos riff.
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Brian May
Brian Harold May nació el sábado 19 de julio de 1947 en Hampton, Middlesex, Inglaterra.
A los cinco años, sus padres le matricularon en una escuela musical, para aprender a tocar el piano. A los seis años, su padre le compró un ukelele, y le gustó tanto este instrumento que pronto quiso comprarse una guitarra de verdad.
A los siete años Brian consiguió su primera guitarra acústica y a los ocho empezó a interesarse por otros instrumentos, como por ejemplo el arpa judía. A los nueve años llegó al grado IV de piano (el nivel que tenía Freddie Mercury). Pronto Brian se dio cuenta de que con su guitarra acústica no podía tocar las canciones que tanto le gustaban y que escuchaba en la radio. Así que decidió cambiarse de guitarra. Pero en eso momentos Brian no disponía de dinero para comprarse las caras Stratocaster y Gibson que él quería. Así que con la ayuda de su padre, en 1963 empezó a construirse su propia guitarra ( La Red Special) que acabó en 1964.
En 1964, a los 17 años, Brian formó su primera banda, llamada "1984". La banda estaba formada por Dave Dilloway al bajo, John Sanger al piano, Richard Thompson a la batería, Tim Staffell en las vocales y la armónica y Brian May de guitarra solista, con su preciosa y recién acabada Red Special. Su primera actuación fue el 28 de octubre de 1964 en el St Mary's Church Hall de Twichenham.
En 1965 Brian May fue aceptado en el Imperial College de Londres para estudiar astronomía. A pesar de la distancia que les separaba, "1984" siguieron tocando juntos. El mejor momento de esta banda llegó el 13 de mayo de 1967 en el Imperial College, cuando actuaron como teloneros del mítico Jimi Hendrix.
Poco tiempo después actuaron en un festival llamado "Christmas on Earth", el 23 de diciembre de 1967, junto con artistas como Tyrannosaurus Rex, Jimi Hendrix o Pink Floyd. A pesar de estas brillantes actuaciones, "1984" se disolvió poco tiempo después debido a diferencias musicales entre los componentes del grupo. Pero Tim Staffell y Brian May querían seguir tocando juntos y pusieron un anuncio en el Imperial College pidiendo un batería. Tras varias pruebas, seleccionaron a Roger Taylor. Los tres juntos formaron un nuevo grupo llamado Smile.
En 1971 junto a el cantante Freddie Mercury (su verdadero nombre era Frederick Bulsara), John Deacon (contrabajo) y Roger Taylor (percusión) forman Queen. Sus primeros discos, Seven Seas Of Rhye y Killer Queen (ambos de 1974), demostraron la afinidad del grupo con la tendencia glam, con poses teatrales y estilo andrógino. La consagracion de Queen llegó con la publicación del disco Bohemian Rhapsody en 1975. Éste fue un álbum excepcional porque la versión editada de la canción duraba casi seis minutos, el doble de una canción pop normal, e iba acompañado de una película melodramática, pionera en su género. Junto a Queen grabó hits como 'We Are The Champions' (1977) y alcanzó los primeros puestos de ventas con 'Another One Bites The Dust' (1980).

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Buddy Holly
Influenciado por el country de Hank Willians y Jimmie Rodgers, Buddy Holly imprimió su propio estilo al emergente rock and roll de los años 50 junto a su banda, The Crickets, componiendo sus propios temas y apoyándose instrumentalmente en su guitarra. Con una formación de trío y realizando sus propias armonías vocales en el estudio de grabación. Una actuación junto a Bill Haley And The Comets en octubre de 1955 en el Fair Park Auditorium marcaría su carrera, al ser descubierto por un impresionado Eddie Crandall, mánager que le ayudaría a conectar con las discográficas. Guitarrista de Stratocaster, tambien fue el primero en aportar la imagen del anti-heroe al mundo de la musica moderna. Cuando todos trataban de exhibir una imagen poderosa y cargada de sexualidad, el se limitaba a mostrar su imagen de fragilidad y sencillez, mas cercana a lo que sería un intelectual que a un guitarrista de rock.
Por desgracia, murió en un trágico accidente de avioneta el tres de Febrero de 1959, sin ni siquiera poder llegar a intuir la importancia que su aportación musical tendría en la decada que estaba a punto de empezar. El mundo se quedó huerfano de un genio que solo había empezado a dar sus primeros pasos. De una discografía que tan solo abarca tres años, cabe destacar temas como Oh, Boy!, Rave On, The'll be The Day o Peggy Sue. Un personaje fundamental para entender el giro sin retorno que sufrió la música en la decada de los sesenta.

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Chuck Berry
Nacido en St. Louis, Missouri, el 18 de Octubre de 1926 Berry fue un pionero de la guitarra de rock 'n' roll y de la teatralidad escenica con su celebre paso del pato. Autor de Johnny B. Goode, probablemente la cancion mas versionada de todos los tiempos, cuyo riff ha sido tocado en algun momento por casi todos los guitarristas electricos del planeta. Compositor de sus propios temas, guitarrista de gran agresividad escenica con mucha habilidad para elaborar riffs pegadizos, ademas de excelente cantante, es, para muchos la autentica alma del rock and roll (de hecho Lennon dijo de él que si alguna vez se pensaba en cambiarle nombre al Rock and roll, se le debería poner Chuck Berry). Su estilo se basa, fundamentalmente fundamentalmente, en acoplar fraseos de country & western a una base instrumental de rhythm & blues. Influyo, principalmente, a toda una generación de musicos de la decada de los 60, entre los que se encuentran grupos tan importantes como los Beatles (que versionaron con gran exito Rock and Roll Music y Roll over Beethoven), Rolling Stones y Beach Boys.
Fue el primer guitarrista/cantante que alcanzo las listas de éxitos y tambien el primer artista de rock que prestaba especial atencion a la composicion de sus letras. Su carrera sufrio un dramático reves al ser condenado a cinco años de carcel en 1959 acusado de trata de blancas, cuando lo unico que hizo fue contratar a una menor y trasladarla desde Mexico para que trabajase en el guardarropa de su club de St. Louis. Berry no volvio a ser el mismo desde entonces, denostado por la prensa y endurecido su ya de por si poco sociable caracter. Desde ese momento, su carrera se limito basicamente en hacer apariciones en shows nostalgicos de rock and roll, disolviendo incluso su propia banda limitandose a tocar con la primera banda local disponible que hubiera en el lugar donde tenia que actuar, efectuando conciertos de muy baja calidad.

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David Gilmour
Se unió al grupo en 1968 en sustitución de Syd Barrett, no sin antes haberse ganado una gran reputación como guitarrista y vocalista en el grupo "The Jokers Wild". Al principio, la intención de Waters era que Barret continuara como compositor, pero su pronta marcha precipitó a Gilmour al puesto de guitarra solista, actuando también en ocasiones como vocalista.
Dave estuvo escribiendo sus propias canciones hasta "The Dark Side of The Moon", pero de ahí hasta "The Final Cul", Roger Waters se hizo cargo por completo de las letras.
Dave, liberado de esta responsabilidad, la compensó realizando excelentes solos de guitarra y un gran trabajo de producción; sobre todo en "Shine On You Grazy Diamond" y "Comfortably Numb". También cantó gran cantidad de los temas y editó dos trabajos en solitario con moderado éxito.
Mientras tanto, Pink Floyd no desapareció. "A Momentary Lapse of Reason", el primer trabajo de la era post-Waters, cosechó un gran éxito; y ya en 1995, el grupo editó "The Division Bell", seguido del álbum en vivo "Pulse".
Después de que Roger Waters decidiera oficialmente dejar el grupo, Nick Mason y Dave decidieron grabar un álbum bajo el nombre de Pink Floyd. Waters les demandó por ello, aunque las dos partes llegaron con el tiempo a un acuerdo antes de que el tema llegara a los juzgados.
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David Lebón
Los comienzos
La primera aparición de David en la escena del rock local fue como público. Era 1969, tenía 17 años y llegaba al país después de pasar casi una década viviendo en los Estados Unidos. Durante toda su adolescencia, David vivió en pleno Estados Unidos el furor de los Beatles, Beach Boys, John Mayall, Eric Clapton, Jimi Hendrix y Frank Zappa. Tocó la batería en un grupo de colegio, luego aprendió el bajo y finalmente se dio el gusto de pasar a la guitarra. De regreso a Buenos Aires, el contraste fue terrible. La policía se lo llevaba preso por tener el pelo largo, pantalones de colores y anteojos redondos como John Lennon. La escena local recién llevaba uno pocos años de vida, y le parecían increíblemente malos los grupos que cantaban una mezcla de rock y beat con pésimo acento inglés. Pero un domingo por la mañana vio a Almendra y Manal... y decidió quedarse y buscar un lugar propio. Pocos meses después, logró pasar de abajo del escenario a arriba.

El debut
Estaba en un club de rock llamado Manzana, donde la mayoría de los músicos locales se reunían para zapar bajo la mirada del dueño del lugar, Billy Bond. De pronto, Héctor Starc lo invitó a subir y esa misma noche Pappo le ofreció integrar la primera formación de Pappo's Blues, como bajista. Grabó el álbum debut, tocó en varios shows y casi al mismo tiempo participó del primer trabajo de La Pesada del Rock and Roll, una suerte de seleccionado armado por Bond. Una participación poco difundida fue en la versión de Los Gatos que armaron Pappo y Ciro Fogliatta en España. David Lebon viajó hasta allá y tocaron bastante en vivo, pero a los pocos meses regresó a la Argentina para sumarse al primer festival B. A. Rock. Ya era 1970, se acababa de disolver Almendra, y el guitarrista Edelmiro Molinari le ofreció ser el baterista de su nuevo grupo, Color Humano. En 1971 participó en la grabación del primer disco, pero se fue enseguida, por discusiones con el líder de la banda. El paso siguiente fue pedirle a Luis Alberto Spinetta ingresar a Pescado Rabioso, que ya había editado su debut, pero que había sufrido la partida de su bajista. Así fue como David grabó en "Pescado 2", cantó su primera canción ("Mañana o pasado" y tocó con ellos en la época de la película "Hasta que se ponga el sol", que registró el festival B. A. Rock III en noviembre de 1972. Según contó en varias oportunidades, "Luis fue el tipo que me marcó el camino, el que me enseñó el amor profundo por el arte. Lo empecé a admirar, lo tomé como un ejemplo y me copé en componer y desarrollar mi propia onda". Tras la separación de Pescado Rabioso, David Lebon hizo su primer trabajo como solista, donde participaron músicos como Pappo, Alejandro Medina, Charlie García, Isa Portugheis, Black Amaya, Claudio Martínez y hasta Walter Malosetti. Ahí se grabaron temas como "Hombre de mala sangre", "Dos edificios dorados", "Tema para Luis", "32 macetas" y "Casa de arañas".

Serú Girán
La relación con Charly García no había terminado con Sui Generis: en 1977 lo invitó a participar de un festival junto a amigos en el Luna Park, y después se fueron a Brasil para componer temas que se convirtieron en el repertorio inicial de Seru Girán y en las canciones de su segundo disco solista, "Nayla", por ejemplo "María Navidad". Junto a Charly, David compuso canciones clásicas como "Cuánto tiempo más llevará", "Encuentro con el diablo", "Parado en el medio de la vida" y "Esperando nacer", además de cantar con su característica voz los versos de "Seminare", "San Francisco y el lobo" y "Noche de perros". Seru Girán creció en popularidad hasta llegar a ser la banda con mayor convocatoria del país, llegando a ser definidos como "los Beatles argentinos", y la figura de David creció ante una nueva generación de fans. En pleno éxito, Pedro Aznar dejaría la formación para ir a estudiar a Berklee, recalando en el Pat Metheny Group. A pesar de algunas posibilidades de seguir, el grupo se despediría con un gran recital en Obras, en el año 1982, del cual quedaría un registro grabado.


Carrera solista
Finalmente se embarcó de lleno en su carrera como solista. A lo largo de la década del ochenta, David grabó siete discos, comenzando por el exitoso "El tiempo es veloz", donde estaba el rock de "No confíes en tu suerte" y la emotiva balada que tituló la placa. Año a año repitió la costumbre de llenar teatros como el Coliseo o estadios como Obras, imponiendo siempre un par de hits con buena difusión radial. "Creo que ya era hora que hiciera una carrera solista en serio -contó en esa época- porque en todos estos años aprendí a ensayar, laburar y producir. Aunque formalmente aparezco como solista, no estoy solo. Todos nosotros integramos un grupo que se llama David Lebon". Al año siguiente llegó "Siempre estaré", con el hit "Quiero regalarte mi amor" y una presentación antológica en el Teatro Coliseo en la semana de Navidad, donde terminó cantando "Navidad blanca" con su hijo. En un inesperado cambio de timón, en 1984 grabó "Desnuque (Homenaje al rock and roll)", con algunos covers propios y ajenos, además de la producción de Charly García en algunos temas (por ejemplo "Contigo qué pasa" y la presencia de Celeste Carballo para cantar a dúo la canción de amor "Hacelo hoy conmigo". El estilo de baladas y rocks tan característico de David Lebon se reflejó nuevamente en "Si de algo sirve", que en una nota describió diciendo que, "Hay algunos temas de la época en que vivía en una quinta en Castelar, pero la mudanza a Capital influyó en otras canciones. Al venir a vivir a un departamento no puedo tocar ni trabajar tanto como antes: allá podía ensayar con el grupo o tocar el piano a cualquier hora y sin molestar a nadie. Ahora ni siquiera tengo instrumentos en casa y eso influye a la hora de componer". A este disco pertenecen "Todos en un cuarto", "Ya debes ser feliz", "Y si de algo sirve", "Si yo pudiera ser tu amigo" y "El mejor amor". En 1986 se animó a cambiar el criterio de grabación e hizo un disco con producción artística de Cachorro López, quien dijo que, "Le dió el toque actual al disco, porque tampoco podés ser tan antiguo. Cuidamos mucho el sonido. Me gustó lo que había hecho con Los Abuelos de la Nada y con Divina Gloria. Decidimos incluir el tema de Polifemo ("Suéltate rock and roll" porque lo tocamos en vivo y quería hacerlo. Vino bien, igual que los temas hechos con músicos de la banda, porque no me salían muchas canciones nuevas". Algunos hits de este álbum, que fue certificado Disco de Oro, fueron "Puedo sentirlo" y "No puedo frenar". Hacia 1987, tras llenar Obras en el marco del festival Rock de Primera, David evaluó su trabajo anterior: "Con el tiempo fui escuchando el disco que hice con Cachorro y me di cuenta que no era lo que yo quería", refiriéndose a su flamante "Nunca te puedo alcanzar" con la siguiente descripción: "Es un poco como 'El tiempo es veloz': simple, con letras de amor y sin mucha tecnología". Esta vez el hit radial se llamó "Creo que me suelto". El cierre de década fue con el disco "Contactos". David decidió viajar a Estados Unidos y quedarse a vivir en Miami. Recuperó el placer de tocar en pequeños clubes y gracias a un viejo amigo fue grabando un nuevo disco que bautizó "Nuevas mañanas" y que salió en 1992. Sin embargo, este disco fue muy poco conocido, porque en el mismo año se produciría el regreso de Serú Girán. En el año 1993, y luego del apabullante éxito del regreso de Serú, David se embarcaría en un nuevo disco, llamado "Mágico", acompañado de talentosos músicos, pero que finalmente no pudo salir a la venta.

Mendoza y el regreso
En 1995, llegaría a la provincia de Mendoza, realizando un recital en el Desert Pub, solo por una noche. Sin embargo, semana tras semana, luego de aquel recital, quedaría encantado por la belleza del paisaje y la cordialidad de la gente, decidiendo radicarse finalmente en el lugar donde hoy reside y compone.
Luego de algunos años de silencio y esporádicas apariciones, regresaría triunfalmente a Buenos Aires luego de 6 años sin recitales en la Capital, en Marzo de 1999. Llenó dos noches el Teatro Coliseo para tocar los mejores temas de su carrera, acompañado de músicos de los Caballeros de la Quema, Divididos, Ratones Paranoicos, una sección de bronces y otra de brass. El testimonio de estos recitales quedaría en el disco "En vivo, en el Teatro Coliseo". Luego de presentar este disco en gira, volvería varias veces a Buenos Aires con su propia banda local, formada por talentosos músicos: en guitarra, el rosarino Palmo Addario, el "local" Luis Cotiquelli, y su hijo Panchi en batería, siendo excelentemente recibida por el público.
En tanto, realizó durante todo este tiempo múltiples actuaciones en su provincia. En Agosto del 2001, por ejemplo, realizó un legendario ciclo en el Auditorio Bustelo, celebrando sus 25 años de rock con un recital junto a la Orquesta Filarmónica Provincial de Mendoza, y Pedro Aznar como invitado. El público que colmó el clásico recinto, aplaudió de pie. Para terminar el año 2001, se editarían sus "Obras cumbres", un disco doble con los mejores temas de toda su carrera solista. Este disco fue presentado en Diciembre del mismo año con dos recitales en Buenos Aires, con gran éxito.
Para el año 2002, junto a Palmo Addario y el tecladista Mario Parmisano, realiza un ciclo de acústicos llamado "Intimo", presentándolo en gira por todo el país, con gran éxito. Fue la primera oportunidad de verlo en un recital completamente sin distorsiones.

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Eric Johnson
Se declara un gran seguidor de Jeff Beck aunque tiene su particular forma de tocar la guitarra. Eric Johnson puede presumir, aunque es modesto y no lo hace, de ser uno de los pocos guitarristas capaces de tocar cualquier estilo con total brillantez. Johnson es un verdadero héroe moderno de la materia y maestros como Satriani y el que antaño fuera su pupilo, Steve Vai, no dudaron en contar con sus dotes para la gira de G-3. Su trabajo Ah Via Musicom (1990) logra una gran aceptacion, en especial el tema Cliffs of Dover, que alzanza el quinto lugar en las listas estadounidenses. Sin embargo, no menos interesante es Venus Isle (1996). El disco presenta a un Johnson espléndido, tanto vocal como instrumentalmente, e incluso vuelve a dedicar un tema a Steve Ray Vaughan. Eric Johnson Utiliza Normalmente una Fender Stratocaster, pero tambien hace lo suyo con la Gibson 355. Johnson forma parte de un selecto grupo de especialistas en lenguaje, sonido y estilos del rock, al que apenas pertenecen unos pocos privilegiados.

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Frank Zappa
Frank Zappa (Francis Vincent Zappa era su verdadero nombre) nació en Baltimore. Desde muy joven, se sintió atraído por el mundo de la música. Sus influencias fueron, como mínimo, originales. Estaba fascinado por las bandas de Doo-Woop y de Rhythm and Blues, pero también por las composiciones de Igor Stravinsky. Esa original mezcla de influencias, su innato carácter provocador y su destructivo sentido del humor fueron los ingredientes con los que acabó configurando un estilo musical único y corrosivo.
En 1960, después de intentar sin éxito labrarse una carrera como escritor de guiones cinematográficos, se matriculó en la Chaffey Junior College de Alto Loma (California) para estudiar música. Poco después abandonaba el centro, iniciando una errática carrera profesional que le llevaría a ejercer, entre otras tareas, de redactor publicitario y de vendedor de enciclopedias.
En 1964 se unió a los Soul Giants, una banda local (el germen de los futuros Mothers of Invention) que pronto se encontró cantando las canciones del estrafalario nuevo miembro. Dos años después, Tom Wilson (el productor de Bob Dylan) les contrataba. El mismo año apareció su primer trabajo: Freak Out! un doble LP que, inmediatamente, les convirtió en un grupo conocido en los ambientes underground debido a su humor corrosivo e irreverente. Ese sería el público con el que contó durante toda su trayectoria. Sus temas no lograron nunca subir a lo más alto de las listas de éxitos.
Los discos de Frank Zappa y su banda (que pasó por muchas formaciones) se convirtieron en auténticos acontecimientos, esperados ansiosamente porque, en ellos, el cantante no dejaba títere con cabeza. La formación se caracterizaba, además, por llevar un ritmo de trabajo infernal. Tan sólo en 1968, por ejemplo, fueron editados tres LP's: We´re Only in It for The Money (una despiadada burla de los hippies y los Beatles), Lumpy Gravy y Cruising With Ruben & The Jets, un LP en el que Frank y sus muchachos practicaban un curioso género, que podría definirse como "Neo-Doo-Woop".
En 1969, después de una corta gira por Canadá, disolvió la formación e inició una breve etapa de actividad en solitario, colaborando con artistas como John Lennon o Ian Underwood. También creó su propio sello discográfico, en el que lanzó a figuras como Alice Cooper.
En 1970 puso en marcha una nueva versión de los Mothers Of Invention y publicó dos LP's en directo. La nueva etapa con el grupo acabó de forma trágica. El 10 de diciembre de 1971, el novio celoso de una ardiente seguidora se subió al escenario durante una de sus actuaciones, tirándole al suelo. Sufrió varias fracturas (entre ellas, una de cráneo). Tardó más de un año en recuperarse.
Afortunadamente, no dejó de editar discos ni tan sólo durante su proceso de recuperación. Algunos de esos trabajos estuvieron entre sus LP's más vendidos. Durante los setenta y los ochenta se mantuvo activo sin interrupción, y sin renunciar nunca a su papel, sólo comprendido por una selecta minoría. En 1988 publicó su autobiografía y realizó su última gira mundial. En adelante, sólo actuaría en directo de forma esporádica, como el concierto que dio en Checoslovaquia, tras ser expresamente invitado por el presidente Vaclav Havel. En 1991 se hizo público que estaba gravemente enfermo de cáncer, pero su producción discográfica siguió siendo tan prolífica como era habitual hasta ese momento. Falleció en 1993.

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George Harrison
George Harrison fue el tercer hombre dentro del grupo mas importante que jamas haya existido en este planeta: The Beatles. Siempre a la sombra de Lennon y McCartney, George nunca tuvo el espació vital minimo para que su creatividad pudiera convertirse en algo realmente trascendente. Aun así, sus aportes a la música de este siglo y como no a su instrumento, la guitarra, son realmente destacables. George empezó tocando la guitarra imitando a clásicos del rock y del country norteamericano como Carl Perkins o Chet Atkins, cosa evidente en los solos de ocho a doce compases caracteristas del Harrison de los primeros Beatles. Despues llego la época psicodélica donde junto a otro dos grandes guitarristas Lennon y McCarteny (si no lo eran técnicamente hablando si lo eran en la faceta creativa), exploraron las enormes posibilidades sonoras de la guitarra (empleando por primera vez feedback en una grabación o experimentando con efectos analógicos).
Ademas, Harrison Fue el pionero en la utilización de la RIckenbacker de doce cuerdas, introdujo el sitar a la cultura pop y de paso las sonoridades hindús en la guitarra, experimento con las distorsiones extremas... y una vez disueltos los Beatles se erigió en un autentico paladín de la técnica del slide. Pero sin duda la mas grande contribución que han hecho los Beatles en general y Harrison en particular es la de difundir la guitarra entre la cultura de masas, prueba de ello es que un gran numero de grandes guitarristas reconocen que dieron sus primeros pasos en el mundo de la guitarra intentando emular a George.

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Jeff Beck
Un verdadero peso pesado del rock que ya militaba en las filas de los Yarbirds, alguien que "ha estado alli" en varios momentos cruciales de la historia de la guitarra de rock. Perteneciente a la andanada de grandes guitarristas británicos que tomarian los USA a modo de peloton (Page, Clapton, etc.) el estilo guitarristico de Beck se basa en una gran capacidad para concentrar la energia en la frase y en un derroche de electricidad reconcentrada de tremenda efectividad expresiva, o si se quiere de otro modo. Hablamos de uno de los pioneros del lenguaje de la guitarra rock ("un guitarrista de rock de estar al borde de la autocombustion" Sting). Militante en multitud de formaciones, colaborador de lujo en muchisimos proyectos de envergadura, la carrera de Beck se ha movido entre lo genial y lo imprevisible.
Un hombre capaz de plantar a los Rollings Stones a pocas fechas de iniciar una gira, que puede desaparecer del mundo unos años sin dejar rastro, componer un discobiblia como Blow By Blow o destaparse con uno de los usos mas originales y creativos del brazo del vibrato que conoce la historia del rock, Where were you, es sin duda alguien a tener en muy cuenta. Absolutamente imprescindible en cualquier discoteca de rock.

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Jimi Hendrix
Jimi Hendrix, guitarrista y cantante, fue la individualidad mas prodigiosa y original de la escena del Rock y del Rhythm & Blues. Era zurdo, pero curiosamente usaba guitarras normales con las cuerdas preparadas para los diestros colocadas en sentido contrario.
Nació el 27 de Noviembre de 1942 en Seattle, en el estado de Washington. Su padre se llamaba James Allen Hendrix y su madre era una india Cherokee. En el registro civil fue inscrito como Jhonny Allen Hendrix, pero posteriormente su padre cambió su nombre por el de James Marshall Hendrix y, desde luego, Jimmi como diminutivo, aunque él adoptaría la grafía Jimi en 1966 cuando fundó en Londres el conjunto "The Jimi Hendrix Experience".
A los 11 años de edad aprendió a tocar la guitarra bajo la influencia de los discos de Robert Johnson y B.B. King a quienes idolatraba. Entre 1960 1961 sirvió en el ejercito Norteamericano en un batallón de paracaidistas, y en 1962 fue liberado a causa de una invalidez temporal, entonces decidió establecerse en Nashville y junto con Billy Cox, antiguo compañero del servicio militar, formó el trío "The Casuals", que realizó diversas actuaciones y logró un relativo éxito en la zona.
Precisamente debido a este éxito inicial, llamaron a Hendrix para incorporarse a la banda del célebre Little Richard, con el cual recorrió Estados Unidos durante casi dos años y de quien aprendió mucho. Alternativamente, realizó varias actuaciones durante un breve período como guitarrista en las Bandas de Wilson Pickett, Isley Brothers, Solomon Burke y otros, incluyendo tambien el pintoresco grupo del conocido campeón de lucha libre Georgeous George, que dejo el ring para liderar, como cantante, una Banda de Rock & Roll. En aquella época, Jimi Hendrix grabo varios discos con diferentes conjuntos, aunque su presencia no fue tan relevante.
En 1965, Jimi Hendrix abandonó definitivamente a Little Richard despúes de una amarga discusión por cuestiones salariales y de Royalties. Túvo el mismo problema en relación a otros conjuntos con los que trabajó durante ese período, lo que llego a ser una constante en su vida profesional. En realidad, Jimi siempre túvo la impresión de que sus jefes, empresarios y colaboradores vivían engañandolo respecto a esto, era muy desconfiado, y a pesar de ello, en 1965 firmó un contrato desfavorable con una pequeña empresa de discos por tres años y en condiciones de verdadera usura. Había sido su primer contrato discográfico y se lamentó toda su vida como una pesada cruz en su memoria.
Ese mismo año fue aplaudido como guitarrista del conjuto del cantor Curtis Knight y grabó discos del saxofonista Lennie Youngblood. Éstas son realmente las primeras grabaciones relevantes y claramente determinantes en la discográfia total de Jimi Hendrix.
En el bienio 1965-66, Jimi Hendrix empezó a conocer la vorágine del exito, la fama, el fervor de los admiradores, las continuas e ininterrumpidas actuaciones, sin tiempo para descansar. Sin la munición suficiente para hacer frente al Huracán, empezó a defenderse entregandose desenfrenadamente a las drogas, lo que termino por influenciar su conducta dentro y fuera de los escenarios. Mientras tanto lo solicitaban constantemente como guitarrista, habiendo realizado notables actuaciones con los grupos de King Curtis, Chuck Jackson, Sam Cooke, Ike & Tina Turner y otros de la misma talla.
Tras actuar en el cafe Wha, del Greenwich village de Nueva York, el bajista del grupo The Animals, Chas Chandler, lo reclamó para que lo acompañara a Londres, donde había mucha adulación y grandes posibilidades de ganar mucho dinero. Aquella propuesta quedó grabada en la memoria de Jimi Hendrix, siempre desconfiado y sospenchando que los empresarios lo estafaban con los royalties.
Por otra parte, el potencial artistico y escenico de Jimi Hendrix había alcanzadosu completo desarrollo, y su desempeño era realmente espectacular y llamativo, tocando la guitarra por arriba y por detras de la cabeza o tocando las cuerdas con los dientes, etc., y utilizando eficazmente la técnica del "feedback" y así como otros efectos sonoros, ya que a veces, al finalizar su espectáculo paroxistico, arrojaba la gasolina de su mechero en la guitarra, que prendía fuego en el escenario frente al delirio del público, cuya algarabía retumbaba entre silbidos y exaltaciones, mientras la guitarra del ídolo ardía en el escenario como el último tributo a la gloría del Rock.
Jimi Hendrix viajo a Londres con Chas Chandler (que fue su primer manager Inglés) en el mismo año de 1.966 y tras actuar en algunos clubs locales, fundó The Jimi Hendrix Experience con Noel Redding al Bajo y Mitch Mtchell a la Batería.
El grupo realizó una gira por Europa, que fue filmada y en la que sobresalen los recitales del Tivoli, en Estocolmo, del Sport Arena, de Copenhague, y del Olymia de París. La filmación se completó en diversos clubs Londinenses antes de encerrarse en un estudio de grabación (previo contrato con la Polydor, una de las "majors" internacionales), coincidiendo la publicación del disco con la solémne actuación oficial en el Saville Theather de Londres.
Los Hits discográficos no se hicieron esperar en Gran Bretaña y en toda Europa y, poco después en Estados unidos (con el sello Reprise) a rastras de los ecos del gran triunfo europeo. El primer L.P. "Are you experience", supuso un éxito inmediato y también los singles "Purple Haze", "The wind cries Mary", "Burning of the midnight lamp", etc.
Como banda ya consagrada y la aureola de todos sus triunfos europeos a cuestas, The Jimi Hendrix Experience hizo su presentación americana en el Monterrey Pop festival de 1967, la cual se filmó para un largometraje de exhibición comercial, y a continuación hizo una serie de triunfantes actuaciones en el hollywood Bowl, el Fillmore west, de San Francisco, y realizó una corta gira por Estados Unidos con la 0The Monkees.
En 1968 y 1969 cruzó en los dos sentidos el Atlántico varias veces para participar en espectacúlos estelares, tanto en Estados Unidos como en Canadá y también en toda Europa Occidental. El Fillmore East, el Singer Bowl y el Fhilarmonic Hall de Nueva York fueron el marco elegido para memorables actuaciones, como también el Convention Hall de Anaheim, de California, o el Underground Pop Festival de Miami, o el Albert Hall de Londres y el Olympia de parís nuevamente.
El grupo Experience se disolvío y Jimi Hendrix se presentó como solista en el Festival de Newport de 1969 y, en el mismo año, en el Woodstock Music & Art Fair (donde se filmo la película Woodstock). Para llenar nuevamente el legendario Fillmore East, formó la banda llamada The Band Of Gypsies, que también actúo en el Madison Square Garden, pero el grupo se separó en los primeros años setenta. De su filmografía cabe mencionar: "Experience", "Sweet Toronto", "Keep on Rocking", "Jimi plays Berkeley" y "Rainbow Bridge", filmada en Hawai.
Tras un histórico recital en el festival de la isla de Wight (1970), actúo un breve período junto a Eric Burdon y el grupo War, además de varias actuaciones en clubs Londinenses.
Jimi Hendrix sufrió un colapso mientras dormía en el Hotel Samarkand con su amiga Monika Danneman, debido a una mezcla exagerada de Barbitúricos, somniferos y alcohol se ahogó con su propio Vómito. Era el 18 de Septiembre de 1970 y faltaban dos meses para que Hendrix cumpliera 28 años.
De su genialidad y del poderío de su guitarra queda el testimonio de sus canciones, tales como:
"Angel", "Can your hear me?", "Castles are made of sand", "Crosstown traffic", "Electric Church", "First Look Around the corner", "Foxi Lady", "Love and Confusion", "May This Be Love", "I Don`t Live Today", "Manic Depression", "Purple Haze" , "Red House", "Remenber", "Third Stone From The Sun", "Voodoo Child", "Hey Joe", etc., que siguen expresando su pasión de vivir y de triunfar en un mundo inhóspito y hostil.
Con cada cambio generacional la figura de James Marshall Hendrix ha ido cobrando mas y mas dimensión. Desde su desaparicion, cada nueva andada de guitarristas le ha redescubierto y venerado por lo que tenía de unico y genial. Hendrix es el guitarrista de rock por excelencia. Tenía un Marshall y una Strato en el dormitorio, se preparaba el desayuno con la guitarra en ristre y era capaz de tocar, tocar y tocar, infatigablemente durante larguisimas sesiones de práctica sin desfallecer. Amaba profundamente la guitarra eléctrica. Hendriz se comprometió tanto con el instrumento y con su música, que su verdadero legado hay que buscarlo en ese punto, en esa actitud de utilizar todos los medios posibles para desarrollar la idea musical sin limites. Y en esa linea su mejor trabajo fue sin duda el doble Electric Laduland, un album imprescindible en la historia de la música de la segunda mitad del siglo XX.
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Jimmy Page
James Patrick Page (nació el 9 de Enero de 1944) era uno de los guitarristas de estudio mas solicitado para grabaciones en Inglaterra. Entro en Yardbirds donde han pasado grandes guitarristas con Eric Clapton y Jeff Beck.
Al deshacerse el grupo, Page forma otra banda con tres sorprendentes musicos y asi se crea Led Zeppelin. Jimmy Page ha sido uno de los músicos más influyentes de todos los tiempos en su genero, su virtuosismo con la guitarra, su nivel de asimilación y su carisma, hicieron de el, el líder del grupo que el mismo fundo, al desaparecer los Yardbirds. En The Yardbirds comenzó tocando el bajo, la guitarra solista estaba a cargo de otro gran músico llamado Jeff Beck, pronto empezó a imponerse el talento de Jimmy y el grupo contó con dos guitarristas devastadores
Ha Intervenido con grandes grupos tocando la guitarra en el estudio como: The Who; The Kinks, Van Morrison, Rolling Stones, etc. Nunca apartando de su lado las guitarras Gibson Les Paul (en especial las doradas) y portando en sus vestimentas de concierto signos de ocultismo; Page puede o no haber sido el mejor guitarrista de los 70' s pero dejo algo bien claro, que este nuevo genero de especie de Heavy Metal con Blues con Hard Rock fuera el principal movimiento para otras bandas com Aerosmith, Guns N' Roses, Def Leppard etc.
En Led Zeppelin tocando esos maravillosos riffs hizo de este un gran grupo que dificilmente se olvidaria como en la canciones: Rock n' Roll, Black Dog, Whole Lotta Love entre otras y de la bellisima acustica que se transforma en un rock duro en Stairway To Heaven.
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Slash
Un sombrero de copa, una botella de Jack Daniels, su cigarro y una Gibson dorada con la que saca los riffs mas agresivos y las estupendas baladas con las que Guns And Roses se han hecho mundialmente famosos, son las caracteristicas con las que se podria definir a Saul Hudson alias "Slash", el elemento que mas claramente ha mantenido la personalidad Hard-Rockera de los Guns y que mas credibilidad y carisma le ha aportado a la banda.
Como guitarrista, Slash pertenece a ese grupo de guitarristas que no destacan por tener una tecnica muy depurada, o por ser virtuosos como instrumentalistas. Es mas un guitarrista de feeling, de sangre caliente, que transmite ese tipo de sensacion a la hora de aplicarse en cada uno de sus temas.
Ejemplos muy claros los tenemos en canciones como November Rain, donde toca unos solos tan soberbios que solo hay una palabra para describirlos: geniales!; tambien esta la clasica Sweet Child O´Mine o incluso en temas mas acelerados como la heavy You Could Be Mine, Dont´Damn Me o tambien Paradise City, temas donde pega unos guitarrazos formidables haciendolo hoy por hoy un musico de un carisma inmenso y enormemente influyente en el entorno del rock y sobre todo de la guitarra de nuestra epoca.
Actualmente la banda ha dejado de lado a este formidable guitarrista, pero Slash ha estado participando en varios proyectos como en el disco de Gilby Clarke donde se destripa la rola Tijuana Jail de una manera estupenda. Sin lugar a dudas sigue siendo toda una figura de la guitarra de los 90´s!

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John Frusciante
Vuelve a ser el guitarrista de los Red Hot Chili Peppers, como la mayoria de sus fans estaban deseando, después de un largo parentesis provocado por su adiccion a la heroína y a las multiples tensiones internas que enrarecieron el ambiente de la banda que duro aproximadamente seis años, periodo en el que grabo dos albumes en solitario de escaso exito y fue sustituido por Dave Navarro, el reputado ex-guitarrista de Jane´s Adiction. La historia de John es curiosa y convierte en realidad el sueño de cientos de miles de guitarristas noveles ya que se unió a la banda con tan solo diecisiete años, debido a la muerte por sobredosis de heroína (el verdadero azote de los RHCP) de Hillel Slovak, su anterior guitarrista. Frusciante tan solo era un fan de la banda que se conocia a la perfeccion todos los temas y que, segun diversas opiniones, tocaba exactamente como Slovak. A partir de ahí, grabo el cuarto disco de los RHCP, Mother's Milk (1989) con un exito moderado que empezo a acercarlos al gran publico. Pero el verdadero estallido surgio con Blood Sugar sex Magik (1991), la verdadera obra maestra de los Peppers y su puerta al exito masivo.

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Keith Richards
Keith richards es el induscutido guitarrista de los Rolling Stones. Nacio el 18-12-1943 en dartford inglaterra. Compañero de escuela primaria de Mick Jagger, años mas tardes se encuentran en la estación de tren, Jagger estudiaba en la School of Ecomics, mientras que richards, despues de haber sido expulsado de varias escuelas, estudiaba en la escuela de arte de Disoup, y ahi se comenzó a gestar la banda.
Detrás del consumado Stone, del hombre que alimento durante años las paginas de los periódicos sensacionalistas con historias de excesos y decadencia, se esconde un músico consciente, dedicado y personalísimo, capaz de moverse fluidamente dentro de un amplio espectro de géneros musicales y cuyo sonido, estilo y empuje rítmico han sido siempre la clave de la inconfundible música de los Rolling Stones. Su característico chaka-chaka es el combustible vital que propulsa muchos de sus clásicos memorables y ha servido de inspiración a innumerables guitarristas en el mundo entero, estableciéndose como un hito ineludible en el vocabulario guitarristico del Rock and Roll. Como dijo el periodista Peter Godbard: "los Stones son famosos gracias a Jagger y son una banda gracias a Richards."
Es ese sonido de banda que caracteriza a los Stones el que los diferencia de cualquier otro grupo, un sonido centrado en la maestria de Richards, que dispara constantemente riffs y pequeños adornos melodicos sin apartarse nunca del pulso rítmico que sostiene la canción, con magistral abandono y sin esfuerzo aparente, consiguiendo algo esencial a los maestros de cualquier forma artística: hacer que parezca simple lo que en realidad es el fruto de una compleja elaboración. Richards ayudo a derribar para siempre las barreras que separan la primera guitarra de la guitarra rítmica. "en otras bandas los musicos siguen al baterista, los stones siguen al guitarrista, que es Keith", explica Ron Wood.
"Keith es un guitarrista con mucha auto-confianza, no tenes modo de no seguirlo" decia Bill Wyman. Eso crea una capacidad de los músicos de tocar alrededor del "beat", en el cual el bajo hay veces se anticipa a la guitarra rítmica, y el baterista cae 1/100 de segundos después, proporcionando ese caracterísco inter-juego rítmico (escuchar la intro de "Start me up" y la aparente "Desprolijidad" del sonido Stone. "es algo que viene naturalmente. De alguna forma el rock and roll es una musica altamente estructurada tocada de una manera muy desestructurada. Son esas cosas como cambiar el "beat" -si esta hecho con conviccion, si nada es forzado, si simplemente fluye-, las que le agregan una atracción extra". (Richards)
Toda la música negra a ejercido una influencia capital sobre los Stones y particularmente Richards, pero indiscutiblemente es Chuck Berry -el primer gran maestro de la guitarra rockera-, quien ha dejado una marca indeleble en la aproximación de Keith a la viola. Sus pequeñas frases en dos cuerdas, su inconfundible "shuffle" (ritmo que era una adaptación a la guitarra del boogie-woogie empleado por los pianistas negros) y la capacidad de fundir la rítmica con la "lead guitar", señalarían una dirección que Richards retomaría y llevaría una paso mas allá.
"Lo que me interesaba de Chuck Berry, era el modo en que podía salir de la parte rítmica con tal facilidad, mandándose un hermoso y simple riff, y caer nuevamente en el feeling del tema" (Richards). Dentro de las "pequeñas variaciones" que tornan "mas interesante" el rock and roll, esta el continuo uso que hace Keith de los "open tunings" (afinaciones abiertas), causantes de que tantos guitarristas del mundo hayan encallecido sus dedos intentando duplicar el sonido Richards sin conseguirlo. Una que ha utilizado frecuentemente es el "open d" (Re abierto), lo que significa que haciendo sonar la guitarra con las cuerdas al aire nos da un acorde, de re mayor (Re, La, Re, Fa sostenido, La, Re, de la 6º a la 1º cuerda). Esta afinación fue muy empleada por Keith en "Beggar´s Banquet" (long play banquete de pordioseros), en temas como "Strett Fighting Man" (peleador callejero), "Jumping Jack Flash" (el Saltarin Jack flash). La otra afinación que emplea habitualmente es el "open g" (Sol abierto) (Re Sol Re Sol Si Re de la 6º a la 1º cuerda), un modo muy empleado por los bluseros negros para el trabajo con slides. Sin embargo, Keith le añadió un innovación: saco la 6º cuerda para poder tener la raíz del acorde (en este caso sol), en la cuerda mas grave, o sea la 5º.
Richards llego al punto de hacerse construir especialmente varias guitarras de 5 cuerdas para tocar en esta afinación: Sol Re Sol Si Re. Algunos ejemplos clásicos de temas que usa "open g" son: "Honky Tonk Woman", "Start me up" y "Little t & a". "Es un sonido gigante, es una de las cosas interesantes que podes obtener con "openg tunings". Simplemente tenes que mover uno o a lo sumo dos dedos, para cambiar de acorde, y tenes el resto de las cuerdas resonando por detrás, lo que da el efecto de dos acordes superpuestos. Esta cerca de un sonido modal, como el de las gaitas. Puede hacer que un ordinario cambio de acordes suene totalmente diferente. Además te da una nueva libertad, es algo que tenes que inventar por vos mismo, porque no hay nadie que te diga como tener que hacerlos" (Keith Richards)

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Kurt Cobain
El último gran mártir de la historia del rock, el hombre que al frente de Nirvana encabezó la enésima revolución en la esfera del planeta rock, tambien tiene un papel destacado entre los guitarristas de este siglo.
Aunque sus primeras influencias fueron los grupos de hard rock de finales de los setenta (Aerosmith, AC/DC), Cobain nunca entendió el papel del guitarrista desde el punto de vista del egocentrismo. Su enfoque estaba más en la linea de las bandas punk, tratando la guitarra como un elemento estrctural del grupo. Otra gran influencia en la configuración de una idea musical y de paso en la manera de entender la guitarra se la proporciono a Cobain el movimiento noise de los ochenta y sobretodo un grupo, The Pixies. Las guitarras de Joey Santiago y Black Francis, fueron las que de algún modo ayudaron a Kurt a acabar de configurar sus estílo, situado en las antípodas de lo que se considera un guitarrista técnico. Un estilo basado en la magistral utilización de distorciones y feedbacks y la habilidad para crear unos solos repletos de armonías sencillas, pero a la vez sorprendentes. Cobain demostro que la frescura y la ingenuidad no estan reñidas con la elegancia. Mas datos: Nevermind.

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Mark Knopfler
Al hablar de del guitarrista de una banda, siempre resulta difícil saber qué aporta el grupo al solista y qué aporta el solista al grupo. En el caso de DIRE STRAITS y de MARK KNOFLER, sin embargo, esfácil resolver esta cuestión porque, en definitiva, los DIRE STRAITS son MARK KNOFLER, tal es la influencia que el estilo del guitarrista tiene en el grupo. La banda se formó en el verano de 1977 por iniciativa de MARK y de su hermano DAVID, que se unieron a JOHN ILLSEY (bajista) y al batería PICK WITHERS (ex PRIMITIVES DE MAL). Los cuatro grabaron el demo de un tema, SULTANS OF SWING, que el disc-jockey Charlie Gillet de la BBC empezó a pinchar con gran éxito. Poco después salió el primer álbum homónimo, del que se extrajo la versión definitiva de dicho tema, que alcanzó el cuarto puesto en las listas. Desde el principio estuvo claro que el grupo se identificaba con su lider y con su estilo tan particular: se vivía la época punk, pero los DIRE STRAITS iban en dirección contraria. La música del grupo, escrita por KNOFLER, era tranquila y sosegada, casi sofisticada, y estaba muy lejos de la violencia de los SEX PISTOLS y compañía.
Además, el estilo y el sonido de KNOFLER, con claras reminiscencias de personajes como J.J. CALE y ALBERT KING, estaban caracterizados por una limpieza extrema. Sin distorsionar los sinidos y eliminando la púa casi por completo, consiguió melodías mucho más suaves pulsando las cuerdas con los dedos. En 1979 se publicó el segundo álbum del grupo, COMMUNIQUE, del que se vendieron tres millones de copias; el tercero, MAKING MOVIES, tuvo el mismo éxito. Los sucesivos cambios en la formación no afectaron el clamoroso éxito del grupo. En 1982 salió el magnífico LOVE OVER GOLD, que deja amplísimo espacio a la fluida guitarra de KNOFLER en largos temas (PRIVATE INVESTIGATIONS, TELEGRAPH ROAD, IT NEVER RAINS), muy distantes del frío y sintético gusto de la época. Además de seguir formando parte del grupo, a partir de 1983 KNOFLER se dedicó a realizar proyectos en solitario (como la banda sonora de las películas Local Hero, Cal, The Princess Bride, Last Exit To Brooklin) y grabaciones de temas a la guitarra para el álbum de DYLAN INFIELDS. En 1984 salió el doble LIVE ALCHEMY, seguido al año siguiente por BROTHERS IN ARMS, un disco de enorme éxito. Los novente comenzaron para KNOFLER con un álbum grabado a dúo con el viejo maestro CHET ATKINS. De 1991 es ON EVERY STREET, y en los años siguientes se publicaron dos álbumes en vivo, ON THE NIGHT y LIVE IN THE BBC; este último evoca el sonido más descarnado y esencial de los exordios.
Casi siempre utiliza Fender Stratocaster rojas, pero también Shekter y una Nacional Duolian Steel Guitar de 1930. Amplificadores MUSICMAN 130.
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Richie Sambora
Richard Stephan Sambora nacio el 11 de Julio de 1959, en Perth Amboy, New Jersey; y crecio en woodbridge.
A los 12 años sus jovenes padres (Bailarines ellos) Joan y Adam Sambora, le compraron su primer disco: uno de los Beatles.
8 meses despues le compraron su primera guitarra "No era una guitarra ritmica asi que empeze a practicar punteos y me di cuenta que era lo mio".
A los 15 años ya era capaz de tocar cualquier version de Eric Clapton y Santana.Horizon y Level fueron sus primeras bandas.A pesar de que estuvo muy poco tiempo en el colegio, alternaba sus estudios con pequeñas actuaciones en bares, ademas de concursos los cuales ganaba sin problema alguno
Empezo a trabajar con Alec john Such en una banda llamada Message.

En 1983 el guitarrista estaba en una habitacion de ensayo tocando canciones como "Detroit Rock City" y "Rock And Roll All Nite" con tres musicos que por ese entonces conocian la musica mejor que nadie, asi es, Sambora estaba haciendo una prueba para KISS "Realmente estaban encantados conmigo" ,recuerda Richie,"pero empezaron,¿conoces esta? ¿y esta?...y yo dije no...".
Despues de no llegar a un acuerdo con KISS "Honestamente no queria pero era un buen negocio".
Luego de recibir un llamado de Alec John Such (su viejo compañero de Message), que lo invitaba que fuera a ver una banda en la cual el tocaba, una tal Bon Jovi, que iba a tocar en una emisora local.
Esa noche pasó algo realmente extraño, asi lo recuerda Jon Bon Jovi "cuando teminamos el show había un tipo que gritaba reclamandome como un loco, decia que lo mirara bién por que el sería el guitarrista de mi banda.. y yo me pregunte quien es ese idiota, pero poco tiempo despues lo oí tocar en un bar, me vastaron 15 minutos para darme cuenta que el era el guitarrista que buscaba".
Despues de reemplazar a Dave Snake Saboo (actualmente guitarrista de Skid Row) Bon Jovi estaba completa.Pocos dias despues entre Jon y Richie escribieron un par de temas que se incluirian en el primer disco de la banda.
Tanto el talento de Richie en la guitarra, como sus habilidades en la composicion (el coescribio 4 de las canciones que llegaron al N°1 en el billboard, y 20 de los sencillos que estuvieron en el "Top Ten" y como cantante hace una fuerza vital para Bon Jovi.
En 1991 Richie Sambora decidio editar su primer disco solista llamado "Stranger in This Town", este disco lo consolido como cantante y escritor por su propia cuenta y le permitio grabar junto a su mayor idolo ,Eric Clapton, la cancion "Mr Bluesman".
Siete años mas tarde grabo el segundo album titulado "Undiscovered Soul". Una vez mas se presentaba como un artista completo ya que las canciones van desde el Rock a piezas mas moderadas.
Contento por los logros alcanzados Richie Sambora vive en la costa Oeste de los Angeles con su esposa Heather Locklear y su hija Ava Elizabeth que nacio el 4 de octubre de 1998.
Asi es Richie Sambora es uno de los musicos mas respetados (por los criticos) y adorados (por sus fans), pero a pesar de que es un musico completo tambien es una persona sumamente inteligente ya que respecto a sus estudios señala que "He estudiado durante toda mi vida tecnica de guitarra.Lo necesito es como mi tercer brazo para mi, y una forma mi energia. Es como un lenguaje....una verdadera droga".
Se considera un "hippie pasado de moda" pero un hippie en el buen sentido de la palabra aclarando que esto se aplica no a su vestimenta y su onda , sino a la manera en que entiende el negocio musical, "Yo vengo de esa epoca, cuando era chico la manera de jugar a ser grande no era con computadoras , sino con velas e incienso, tomando cerveza liviana y escuchando musica de Hendrix. Era la concepcion mas inocente en un mundo en que los musicos pensaban en la musica y no en los ranking, las fm o los discos de platino.Honestamente, creo que un retroceso en ese sentido no vendria nada mal a un par de artistas...y el publico podria volver a disfrutar de buena musica en vez de comprar pedazos de plastico".
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Santana
La Musica es la expresion de una cultura; y el "Chicano" Carlos Santana ha hecho gala de ello, ya que ha sabido mezclar el sonido magico y especial de su estilo unico para tocar Ryhthm N´Blues con el ritmo y sentimiento latino, creando esta manera esa genial y originalisima mezcla que le dio a Santana la popularidad que ha ganado a traves de toda su carrera. Santana es sin lugar a duda, el mejor exponente de la fusion de la guitarra rock con la musica latina. Admirado por muchos, este Sr. tuvo su origen en Autlan, Mexico pero pronto se fue a vivir a Estados Unidos; formando lo que seria su primera banda en 1967 que llevaria su mismo nombre. Incursionando en el mundo de la guitarra y sin olvidar sus raices, empezo a componer canciones que muy pronto llamaron la atencion de todo mundo, por ese sonido tan especial que tenia y que sigue teniendo hasta hoy en dia, ejemplos muy claros estan presentes en temas como Luz, Amor y Vida del disco Brothers, donde toca junto con su hermano Jorge. Su discografia es muy extensa. Si eres un amante de la musica hecha con calor, intensidad y sentimiento, Santana es la opcion que hara que te sumergas en todo un universo de sensaciones realmente muy impresionantes.

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Eddie Van Halen
La biografía de Eddie va ligada a la de su banda, VAN HALEN. Los hermanos Van Halen (Ed y Alex) nacieron en Holanda y en el año '67 se trasladaron a California. Ahí, su padre, un músico de Jazz, los incentivó a que fueran músicos y fueron, durante muchos años, concertistas de piano. Sin embargo al crecer fueron cautivados por el Rock lo que llevó a aprender a tocar nuevos instrumentos.Al principio, Ed tocaba la batería y Alex la guitarra, sin embargo, con el tiempo fueron cambiado sus instrumentos. Empezaron a tocar en 1972 en reuniones familiares y en la escuela. Después conocieron a DLR (David Lee Roth), quien cantaba en The Red Balls Jet y que impuso fuerza al grupo. También en la Secundaria estaba Michael Anthony que dijo:" Todos en la escuela tocan guitarra o batería, así que yo tocaré el bajo", y le sacó dos cuerdas a su guitarra. Estos cuatro personajes formaron Mamooth en 1973 y se cambiaron el nombre a Van Halen, desechando la idea de Rat Salade, en 1974. Empezaron a tocar en clubes nocturnos durante tres años y un día, Gene Simmons, el bajista de Kiss, les financió unas grabaciones de demos para el sello Warner, quienes los aceptaron y, hasta ahora han hecho toda su discografía. El álbum debut fue homónimo (Van Halen) y tuvo grandes éxitos como: Runnin´ with the Devil, You Really Got Me, Ain't Talkin''bout Love y Jamie's Cryin'.Ahí corría el año '78. Al año siguiente sacaron la continuación del primer álbum (Van Halen II)que tuvo los éxitos de: Dance the Night Away, You're No Good, etc. Eso fue en 1979. En 1980 salió el tercer disco de la banda, Women And Children First, que no tuvo muchos singles de éxitos, pero como álbum, llegó muy arriba en Billboard.
Dos años más tarde salió el disco Fair Warning, cual contenía uno de los éxitos más grandes de la banda: Unchained. Después se un año, 1983, salió Diver Down, disco que recorrió los lugares más altos de Billboard y tenía los siguientes éxitos: (Oh)Pretty Woman, Cathedral, Big Bad Bill (Is Sweet William Now), etc. Después en el año 1984, salió el disco del mismo nombre (1984) que fue el punto cúlmine de la Era de DLR. El primer single, Jump, sacó del nro.1 de Billboard a Thriller de Michael Jackson, y éste, admirado por la calidad de Eddie, Le pidió la colaboración en uno de sus temas, Beat It. Esto provocó mucho a DLR, que para vengarse grabó su proio disco en solitario sin avisar nada a los otros miembros de la banda. DLR dijo que preferiría seguir con su carrera de solista para ganar más dinero y, por este comentario fue expulsado del grupo.Después llamaron a Sammy Hagar, pero eso es otra historia.
Sammy Haggar era un cantante que con su primer disco con "mini-éxitos" había ganado algo de dinero. Entre sus cualidades estaba la de tener una voz muy aguda y saber tocar guitarra, algo que DLR nuncá trató de hacer. Cuando Van Halen estaba buscando a alguien que pusiera la voz por el grupo, Eddie fue al garage y había un auto muy lujoso.Éste, extrañado preguntó quién era e dueño y el propietario del garage le dijo:" Es de un tal Sammy Haggar.¡Hey!, lo deberías tener en tu banda." y Ed le pidió su número. Se juntaron los tres con el nuevo cantante y empezaron a tocar. Sammy empezó a improvisar letras y de esa forma salieron varias canciones.Así, Sammy fue el nuevo vocalista de Van Halen y principal figura de 5150, álbum clásico para los seguidores de Van Halen. Éste tuvo grandes éxitos como: Why Can't This Be Love, Dreams, Love Walks In y Best Of Both Worlds. Dos años después, en 1988 salió OU812, discó que empezó a bajar la clásica dureza del estilo que cultivaba Van Halen.De allí, hubieron varios singles exitosos, tales como: When It's Love, Finish What Ya Started, Feels So Good, Cabo Wabo, etc. Después de dos años de giras y uno de trabajo, salió al mercado For Unlawful Carnal Knowledge, más conocido como (perdón) F.U.C.K., que fue el punto más alto de la popularidad de Van Halen. hubo un trabajo promocional de este disco tan grande que llegaron hasta Japón, Holanda y Argentina, entre otros países más extraños aún. Fue tan bueno el material que se obtuvo durante esas giras, que se grabó un disco en vivo llamado: Van Halen LIVE: Right here, Right Now. En él se encuentra casi todo el disco F.U.C.K, éxitos de discos anteriores, un solo de cada un de los miembros de la banda y tres canciones inéditas: One Way To Rock, Give To Live (Sammy Solo) y Won't Get Fooled Again. Después de estos años de gira, en 1995 salió Balance, que puede que no sea el disco más popular, pero sí, según yo, el perfecto balance entre el Rock crudo de los primeros años y las últimas baladas.En este disco se encuentran los éxitos: Can't Stop Lovin' You, Don't Tell Me (What love Can Do), Not Enough, etc. Después, Eddie tuvo problemas por el alcohol y Sammy generó un a polémica por la canción Amsterdam, que

29 comentarios - Guitarristas de Rock

@Rusher
me gusto

le falta alex lifeson de rush

robert fripp

fijate y vas a ver que son bestias

igual muchos de los que estan ahi son bestias!

buen post
@arispirit
lebon es muy bueno, pero te olvidastes de Pappo, y tambien de luis Salinas que es un grossssso!, igual muy bueno
@deepadan
muy buena serie esta de los liristas!!!!
@elroloh
letra recitales: ANGUS!!! ANANAAA NA NA NAAAAANA ANGUS!!

letra original: thunder! anananaaa na nanaaaana thunder!



@trucho2
Fijate si podes poner de Jason Becker o Kiko Loureiro... se van al carajo! Como para completar un poco, digo...
@joel2cssk
#9 - trucho2 | 29.02.2008 09:16:06 dijo:



Fijate si podes poner de Jason Becker o Kiko Loureiro... se van al carajo! Como para completar un poco, digo...






Si, se van al Carajo pero esos Irian en el Post de Guitarristas de Metal.
@comotodo
Amigos/As:

Mejor Imposible . . .

Muchas Gracias

PURA VIDA . . .

WOOT !!!

Saludos desde Costa Rica
@mlarry90
ERIC CLAPTON!!!!!!!!!!!!!!
@ciberprim2
pero... te falto la foto de van halen no?









otro buen guitarrista es jorma kaukonen
@liataametal
coincido, faltaron guitarristas, igual muy bueno el post , y no hay puntos pero bueee!
@descargap2p
hola a todos tambien un espectacular guitarrista y creo que son 2 de los mejores del mundo steve vai y de rock progressivo esta Jonh Petrucci
@descargap2p
John Petrucci es guitarrista del mejor grupo de rock progressivo del momento dream Theater...!!!!
@leo10uy1
dejen de bardear que esta muy bueno chee... lo mejor es que no puso un orden numerico como eh visto por ahi. si alguien cree que falta alguno lo agrega y listo no?
@pomelorocker
fataron una banda! PETRUCCI, MCLAUGHLIN, RICHIE BLACKMORE,

MALMSTEEN, STEVE VAI, EDDIE VAN HALEN, OMER RODRIGUEZ-LOPEZ, CLAPTON, ROBERT FRIPP, SATRIANI, ETC...



Esta bueno igual...
@lanceloth02088
amigo solo falta ami del lindow-guitarrista de jazz-rock donde solo habla las guitarras pero tu investigacioon no queda en bano ecxelente muy chimba parce
@MartinDS +1
AGUANTE MARK KNOPFLER!!!
@Marceeeee
FALTA EL PITY!!! Marce_stone_nqnhotmail.com Para las chicas
@lennongirl
esta wenisimo todo

pero creo q falton algunos

clapton, bb king...

pero aun asi ta weno

genial harrison

chaplines!
@redpin
aguante Kurt!!



che pero una cosa loco agregaste buenisimos guitarristas pero y Ritchie Blackmore????? como te vas a olvidar de ese
@Springclip
buenos guitarristas, pero falta kurt cobain, y ritchie blackmore, y personalmente pondria tambien a dave mustaine, saludos
@AppleIpod7
nirvana no existe



el metal le pone huevo a todo





Kurt Cobain que arda en el infierno