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La bateria, un gran instrumento. Megapost

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musica





baterista

Hola Amigos de T!, en esta ocasión les traigo este post sobre este gran instrumento!!

Primero un poco de info.. 

bateria

La batería es un conjunto de instrumentos musicales, todos ellos de percusión, usado para muchas agrupaciones musicales.

Los instrumentos de percusión son considerados los más antiguos de los instrumentos musicales junto a los de viento. El origen de la batería radica en la unión, por 1890, de unos cuantos instrumentos: los tambores y los timbales, que surgen de África yChina, los platillos, que derivan de Turquía y también de China, y el bombo, de Europa. Por entonces, se comenzó a popularizar en los bares estadounidenses.
En el siglo XIX los músicos románticos comenzaron a utilizar grupos («baterías») cada vez más grandes, que fueron utilizados a principios del siglo XX, en el cakewalk y otros estilos estadounidenses precursores del jazz. Antes de que todos los instrumentos fueran unidos y mientras su unión no era popular, eran tocados por varias personas (entre 2 y 4), cada una de las cuales se encargaba de alguno de los instrumentos de percusión. Pero las pérdidas durante la Primera Guerra Mundial afectaron a la alta burguesía, que solía contar con pequeñas orquestas privadas, y se vieron obligados a reducir el número de músicos, y en muchos casos éstos, sobre todo los percusionistas, aprendieron a tocar varios instrumentos a la vez. Con la invención del pedal de bombo (primero, de madera; después, de acero), en 1910, por parte de Wilhelm F. Ludwig, se permitió que casi toda la percusión pudiera ser tocada por un solo músico.


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Composición de una batería

La batería está compuesta por un conjunto de tambores, comúnmente de madera, cubiertos por dos parches, uno de golpeo (en la parte superior) y otro resonante (en la parte inferior). Estos tambores pueden variar su diámetro, afectando al tono, y la profundidad, variando la sensibilidad sobre el parche de resonancia. Además la batería también es acompañada por los imprescindibles platos, y otros accesorios (tales como cencerropanderetasbloques de madera, entre otros). La batería se puede afinar con una llave de afinación y un sistema de capachos o lugs y pernos de afinación que tensan el parche Mientras más tenso el parche, más agudo el sonido, y viceversa. 
Bombo: usualmente tiene un diámetro desde 18 hasta 26”, y una profundidad de entre 14” y 22” aunque también se los encuentra desde las 16 pulgadas hasta las 28 pulgadas de diámetro. El más usado es el de 22×18”. El bombo generalmente se maneja con el pie a través de un pedal con una maza. También se puede manejar con un doble pedal, usando los dos pies que, comúnmente se conectan por medio de un sistema cardanico que activa la segunda maza, aunque existen diversos sistemas, incluso algunos de activación con el talon y la punta de los pies. El bombo posee la voz más grave y potente de todo el conjunto y, por ello, cumple una función de cimentación básica en la interpretación. 

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Caja, tarola o redoblante: suele tener un diámetro de 14”, pero los hay desde 10” a 17”. La profundidad estándar es 5,5”, pudiendo variar desde 3,5” (piccolo) hasta 8,0”. A diferencia de los otros tambores, la caja posee una bordonera o conjunto de alambres que, colocada en contacto con el parche de resonancia, produce su vibración por simpatía y el característico sonido a zumbido de la caja. Su función es marcar los compases, lo que no impide que se use libremente logrando cambios en la marcha y/o contratiempos.



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Tom toms o toms: desde 6” hasta 15” de diámetro. Generalmente van montados sobre el bombo, pero si se usan más de dos, llevan soportes adicionales muchas veces los toms van sobre los pedestales de los platillos.

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Tom base o tom de piso (goliat): desde 14” hasta 20” pulgadas de diámetro. Generalmente poseen patas individuales, pero algunas veces permiten ser anclados a un pedestal de platillo.



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Platillos


Crash o Remate: platillo mediano de 12” a 20”. Se utiliza para dar énfasis en los pasajes musicales y para algunos ritmos.


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Ride o Ritmo: platillo grande cuyo diámetro varía entre 17” y 24”, aunque hay marcas a modo de curiosidad que los fabricaron de 26" e incluso hasta de 32”. Los más comunes son los de 20” 21" y 22”. Muchas veces se usan para llevar el ritmo en sustitución del hi-hat.



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Splash: platillo pequeño que varía de 5” hasta 13” pulgadas. Se usan para efectos especiales, comúnmente en pasajes de poca intensidad sonora.

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China: se fabrican desde 10” hasta 22”. También existe el china-splash, de 8” a 12” pulgadas. Se usan para efectos. Su diseño es característico pues son colocados del revés. Tiene una cierta similitud de sonido con el crash.

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Hi-hats, o contratiempos: sistema que consta de 2 platillos instalados en un soporte con pedal que permite que uno caiga sobre el otro haciéndolos sonar. Se fabrican de entre 10” y 15”, aunque se han llegado a fabricar incluso de 16". El más común es el de 14” y el de 15" pulgadas. Puede ser normal o edge (borde); este último consiste en que el plato que va abajo (bottom) tiene un borde corrugado que da un sonido mejor para ciertos géneros. Los Hit hats se puede tocar cerrado y abierto, usando el pedal.

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Crash ride: platillo mediano-grande de 18”-20”. Hay gente que los usa como Crash y como Ride, y gente que los usa solo como Crash, debido a su mayor potencia.



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Baquetas



La batería se toca con baquetas o con escobillas. Las baquetas varían según el material (madera, fibra o aluminio [ahead]), grosor, longitud, tipo y material de punta (de madera o de nylon, en forma de nuez u ovalada) y peso para tocar con mayor o menor rapidez, con mayor o menor intensidad, o con diferentes tonos en el caso de usar baquetas de punta de felpa, según las características de cada baterista.



Y ahora estamos ante un gran dilema: muchos bateristas cuando van a las tiendas de instrumentos piden unas baquetas de jazz, rock, pop, etc. Es evidente que para tocar jazz (por ejemplo) que es una música que se interpreta en lugares pequeños en la mayoría de los casos, el tipo de baquetas utilizado será normalmente un modelo fino, que raramente veremos utilizar a un baterista de hard-rock. Pero no obstante esto no impide ver a buenísimos bateristas de jazz utilizando baquetas gruesas y a no menos buenos bateristas de rock utilizando modelos finos. Todo esto os puede hacer comprender que la elección de unas baquetas no está en función de un estilo de música determinado, sino en función de vuestra propia cualidad y personalidad al tocar, y por supuesto en función de las prestaciones sonoras.


El sonido de las baquetas


Es fácil probar con dos modelos de baquetas diferentes tocando sobre el mismo platillo. Podréis comprobar cómo cambia el sonido de una baqueta a otra, ya que cada baqueta produce un sonido particular; una bellota alargada (Fig. b y d) dará un sonido cristalino, mientras que una bellota redonda (Fig. a y c) dará un "ping" bastante pronunciado y preciso. Por otro lado, la elección del diámetro es determinante en el volumen y proyección sonora, independientemente del tipo de bellota que nos guste. Sobre los parches, la elección de la longitud de¡ cuello de una baqueta será el factor determinante en lo concerniente a la ejecución, y por consecuencia en la diferencia de sonido: un cuello largo (Fig. e) da una sensación de elasticidad y a la inversa, un cuello corto (Fig. f) una sensación de dureza. Es cosa vuestra, en función de vuestra pegada y afinación de vuestra batería, el testar y elegir bien la longitud del cuello ideal. Sobre las baterías electrónicas es necesario también elegir bien la longitud del cuello de las baquetas según el tipo de "pad". Por ejemplo, sobre baterías electrónicas de "pads" de goma, un cuello largo sería el adecuado. Sin embargo sobre baterías en las que los "pads" están montados con parches y el tacto es más flexible, el control de la dinámica es más fácil con un cuello corto.


Los diferentes materiales


Tres tipos de madera son dominantes en la fabricación de baquetas: el hickory (jicoria), maple (arce) y el oak (roble). El hickory (árbol de América del Norte) es de una madera muy fibrosa, de densidad media que tiene la tendencia a deshilacharse en lugar de romperse. Las baquetas de hickory representan la mayoría de los modelos fabricados. El arce (árbol de Canadá) tiene la particularidad de ser muy ligero y relativamente resistente; permite elegir baquetas gruesas sin pesar demasiado. El oak (especie de roble exótico) es utilizado por algunos fabricantes asiáticos. Su densidad, más elevada que la del hickory, ofrece la posibilidad inversa a la del arce: elegir una baqueta fina y pesada al mismo tiempo. Existen también baquetas fabricadas en materiales compuestos (poliuretano de carbono, fibra de vidrio, etc.) que últimamente están teniendo una buena aceptación en el mercado (Ahead, Acuarian, etc.). Los fabricantes de estas baquetas tienden a aproximarse a las cualidades sonoras que ofrece la madera, pero con la ventaja de una robustez y duración superior. Aunque las primeras que aparecieron en el mercado no estaban demasiado conseguidas, hay que reconocer que han mejorado mucho últimamente.




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Algunas marcas de Baterías conocidas..



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Platillos


Los platos, platillos o cimbales son un instrumento de percusión, consistente en dos discos circulares cóncavos de metal. Su centro está agujereado para dejar pasar una correa de cuero o de piel, cuya función es servir de asas o abrazaderas, y fijadas por su parte trasera.Los platos, normalmente, son de una aleación de bronce o latón, aunque, los platos utilizados en las orquesta de cierto nivel, construidos de una mezcla de cobre, plata y estaño. Estos platos son idiófonos que se hacen sonar entrechocándolos uno con otro, o percutiéndolos con palillos o baquetas. Son un instrumento de sonido indeterminado, lo que significa que las notas no tienen una altura definida. El tamaño de los platillos influye directamente en la sonoridad, a mayor tamaño o grosor mayor potencia sonora.
Los platillos descienden de los crótalos, cuyo origen data de la Edad Antigua. Desde Oriente Medio, los crótalos llegaron al Imperio Otomano, donde los turcos aumentaron su tamaño exponencialmente, hasta convertirse así en el instrumento que ha llegado a nuestros días. La popularidad de los platillos llegó con el Romanticismo, periodo en el que se introdujeron en la orquesta sinfónica los exóticos instrumentos propios del folclore turco. Además de los platillos, llegaron los triángulos, las panderetas y otros instrumentos.
En la batería los platillos se suelen usar para ritmos y remates. Las marcas de platillos mas conocidas son Zildjian, Sabian, Paist y Ufip
Características que debes de tomar en cuenta a la hora de elegir tus platillos.
• Respuesta
El "Response" o respuesta de un platillo cuando se le pega con una baqueta, está basado principalmente en su tamaño y grosor. En pocas palabras, respuesta es que tan rápido responde el platillo al golpe de la baqueta y esto a su vez determina el "feeling" o como se sentirá al golpear el platillo. Entre más pequeño y delgado es un platillo tendrá una mayor vibración en menos tiempo y con menos esfuerzo. Si se incrementa el tamaño y el grosor se obtendrá una respuesta menor pero más poder y volumen. El gusto personal es un factor muy importante para decidir que platillos son los que mejor se ajustan a tus necesidades. Un ride pequeño y de poco grosor tiene una respuesta rápida y por lo regular más resonancia que uno grueso. Un ride de más grosor tiene menos respuesta pero menos resonancia.
 Resonancias
Es la característica de un platillo para sonar después de que se golpea con la baqueta. Esta característica está determinada tanto por el tamaño como por el grosor y la fuerza con la que se golpea el platillo. Un platillo más pesado tendrá menos resonancia pero su sonido durará más que un platillo delgado.
 Volumen
Al igual que las otras dos características, el volumen se ve influenciado por el tamaño y el grosor del platillo, pero también la forma, el peso, su material y el proceso por el cual fue hecho. Como regla general, entre más grande, largo y pesado sea el platillo tendrá más volumen y más proyección.


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LOS PARCHES.

Es la parte del instrumento más responsable del sonido producido, y sobre la que tenemos mas control. Por muchos años fueron fabricados con piel de animal, y todavía se pueden encontrar algunos devotos de estos parches, son raros y relativamente caros. La introducción de los parches de plástico a finales de la década de los 50, eliminó algunos de los problemas asociados con su antecesor, lo más destacable es la susceptibilidad a los cambios climáticos (desde que Remo en 1957, creara el Weather King) durante los siguientes años, variables muy interesantes basadas en el original, como el Mylar (una fina película de Polyester inventada por Dupont) produjo nuevas formas de modificación sonora. El peso del parche es determinado por la cantidad de placas en su confección y su correspondiente espesor, esto es medido en (1/1000) En general, cuando el grosor es mayor, requiere de palillos grandes para lograr mover el parche y este al aire en su interior, por que los parches más gruesos producen en forma muy débil las altas frecuencias, dan la impresión de producir frecuencias bajas, y sonido más gordo comparándolo con lo parches finos a una misma tensión. Los parches finos dan generalmente como consecuencia sonido brillante, con armónicos y un ataque definido.

Parches lisos: Producen el máximo volumen, sustain, y rango armónico, las variables se producen con elementos como sordinas (muffling), orificios de ventilación, sordinas tipo aro, y cualquier otra forma para eliminar armónicos, (sustain y la definición del ataque, son inversamente proporcionales.)

Parches arenados: La razón más obvia en esta elección es de tocar con escobillas (brushes), esa cualidad de aspereza se da con los palillos también, pero en menor medida, y ese sonido tan particular cuando se lo toca cerca del aro, y si hay un micrófono cerca mejor. Las cualidades tonales su durabilidad, varían de acuerdo a los fabricantes.

Parches reforzados: Un circulo de Mylar o un compuesto laminado logran dar mayor durabilidad, menos vibración, y acentúa el rango de sonidos medios y la articulación, diámetro y espesor varían de a cuerdo al modelo y al fabricante.

Parches tipo Pinstripe: Contrariamente al reforzado, acentúa el registro, amplia la definición del ataque. Remo pionero en esto con su famoso modelo Pinstripe, el cual posee una fina línea de epoxy entre sus dos placas de 7/100 .

Parches laminados(mylar): Tipo Fiberskyn II, sonido cálido, oscuro, predominando las medias y bajas frecuencias.

Parches con orificios de ventilación: "Evans Exclusive," sonido de tambor y bombo seco, con pequeños orificios de ¾ de pulgada, elimina las vibraciones, reduce al mínimo los armónicos agudos, al margen de la respuesta física o las características de la batería.

Parches Dobles: Dos placas son mejor que una, si estas buscando durabilidad y pocos armónicos, su superficie vibra en forma lenta y es por eso que suena grave en comparación con los simples a una misma tensión, el rebote del palillo es sutilmente menor.

Parches Hidráulicos (solamente Evans): Tienen aceite entre las dos placas, que inhibe la vibración, siendo hidráulicos irónicamente dan sonido seco, el tono es sacrificado en pos de un ataque definido, el rebote del palillo es lento, comparado con los otros.

Parches de máxima durabilidad: Fabricados técnicamente con láminas de Maylar , y Kevlar(fibra de compuesto plástico) que se utiliza en los chalecos antibalas!, reduce los armónicos y el rebote del palillo, máxima durabilidad, estos varían con respecto al grosor y la rigidez de la lámina, no son recomendables para escobillas (brushes).

Marcas de parches..



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Bueno y ahora vamos a ver que son las partituras y como se leen.. :/



Para eso tenemos que saber unos conceptos..


Definición de Música: La música es el arte de producir y combinar sonidos acordes de todos los elementos de creación sonora: instrumentos, ritmos, sonoridades, timbres, tonos, organizaciones seriales, melodías, armonías, etc., En su sentido más primigenio, es el arte de producir y de combinar los sonidos de una manera tan agradable al oído, que sus modulaciones conmueven el alma.


Pentagrama: En el sistema de notación musical utilizado comúnmente en los países occidentales, el pentagrama (del griego: penta: cinco, grama: escribir) es el lugar donde se escriben las notas y todos los demás signos musicales. Tiene cinco líneas y cuatro espacios, que se enumeran de abajo hacia arriba. Las líneas son horizontales, rectas y equidistantes.
La música se escribe por medio de signos que se colocan en el pentagrama. Los signos principales son:
Las figuras como representación de la nota musical: cada una de ellas indica duración de sonido y, situada específicamente en una de las líneas o de los espacios, corresponde a un tono musical determinado. La invención del pentagrama resolvió los problemas de representación gráfica del mismo. Cada vez que la melodía supera el ámbito de nueve tonos que cubre el pentagrama, se utilizanespacios y líneas adicionales, que se dibujan tanto encima como bajo el pentagrama, según sea necesario.Las claves.Los silencios.Las alteraciones.Aparte de las notas, en el pentagrama se ubica al principio la clave, los modificadores que indican la tonalidad usada (armadura), el compás y el carácter (afectuoso, marcial.


Las Notas: La nota redonda o whole note tiene un valor de 4 tiempos. Esta nota siempre es el doble de larga de una nota blanca. En tiempo 4/4, ya que la nota blanca tiene dos compases de largo, la nota redonda tiene cuatro compases de largo. Una nota redonda simplemente se toca golpeando un tambor en el primer tiempo y esperando a que pasen el Dos, Tres, Cuatro para despúes volver a golpear en uno. En un tiempo de 4/4, la pausa de la redonda IMAGEN ocupa una medida completa.La pausa de redonda al igual que la nota redonda, es igual a cuatro compases, pero en este caso NO se tocan.
musicaLa nota blanca o half note cabe 2 veces en una nota redonda y es el doble de larga que una nota negra. En un tiempo de 4/4, ya que l anota negra es igual a un compás, la nota blanca es dos compases más larga. En este caso, la primer nota sería tocada en el Unoy la segunda en el Tres. La pausa de la nota blanca, al igual que la nota blanca, también es igual a dos compases, pero estos solamente se cuentan y una vez más NO se tocan.


bateristaHay dos notas negras o quarter notes por media nota blanca o cuatro notas negras por una redondaolver . Esta nota indica un compás o cuenta que debe tocarse. La nota negra es la más usada en la música popular como el pop, pop-rock, baladas, etc. En cuanto a la pausa, esta nos indica un compás o una cuenta que NO se toca.


bateriaLa corchea o eight notes (8ths) es dos veces más rápida que una nota negra. Por lo regular, si se tocan en los contra platillos se utiliza solamente una mano, aunque se pueden usar dos dependiendo de la velocidad con que se toque la pieza (número de veces que se toca una nota negra en un minuto)


instrumentoLa semi corchea o sixteenth notes (16ths) es dos veces más rápida que la la corchea. Por lo regular, las semi corcheas se tocan en los contra platillos (hihats) para ritmos disco, pop, pop-rock, entre otros. También es usada para rematar o rellenar (fill) un ritmo y la canción.


rockLa fusa o thirty-second notes (32nd) son primordialmente usados en la música para crear remates (fills) a velocidades rápidas o combinaciones entre ritmos y tambores para darle más sabor a la música. Para tener una idea más clara de que son las fusas, solo toma en cuenta a las notas negras. Toma 4 notas negras y cuentalas "1, 2, 3, 4" En cada número, tu golpeas 1 vez, verdad? Ahora, si quieres tocar una fusa tienes que golpear 8 veces en cada número!
Semi fusa o 64ths... Bueno, esto sería golpear 16 veces en cada número cuando contamos "1, 2, 3, 4". No te desanimes!
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Unos videos..


link: http://www.youtube.com/watch?v=vJNfGveniRU





link: http://www.youtube.com/watch?v=TejoWmuwzRc&feature=related




link: http://www.youtube.com/watch?v=HqnnzV3lZiA&feature=related




link: http://www.youtube.com/watch?v=pEbYNsBMPnw&feature=related




link: http://www.youtube.com/watch?v=eCoGN83xnTE&feature=related




link: http://www.youtube.com/watch?v=o9vEsBrBqqU&feature=related




link: http://www.youtube.com/watch?v=7Xx9LStraK0&feature=related




link: http://www.youtube.com/watch?v=Y0yMWyPd16g&feature=related





link: http://www.youtube.com/watch?v=vjBYR6LwLXI&feature=related


instrumento



La afinación de la Batería:

La batería, como su nombre indica, es un conjunto de instrumentos asociados, en este caso de percusión, compuestos básicamente por tambores, platillos y diversos accesorios como cencerros, woodblocks, chimes, etc.

Todos estos elementos son catalogados como de afinación indefinida, puesto que no terminan de dar una nota clara y también para diferenciarlos de aquellos instrumentos percutidos que sí lo hacen, como son las láminas ( xilófono, vibráfono, etc ), campanas, timpanis, etc.

Afinar la batería no es una tarea fácil y requiere mucha practica y paciencia, además de tener unos conocimientos prácticos que nos ayuden a entender el proceso.
La batería es un instrumento relativamente nuevo y no hay una norma standart para su afinación, por lo que cada músico tiene su sistema, método y sonido que le gusta, lo que crea una gran confusión, en parte, se debe, a que es un instrumento de ritmo desligado de toda responsabilidad armónica y melódica.

No obstante, los tambores puede dar una nota con bastante aproximación, pero requiere mucha práctica. No hay que desesperarse por no obtener resultados rápidos, ni creer que es algo imposible de conseguir. Nadie nació sabiendo y la práctica con buenos fundamentos teóricos son el mejor aliado.
Al principio es mejor ayudarse de un afinador electrónico cromático, si se tiene un oído entrenado, un piano es la mejor referencia, de todos modos, todo lo que nos pueda ayudar es valido, insisto, al principio es difícil, lento y trabajoso, pero poco a poco el oído se acostumbra a diferenciar la calidad de un sonido afinado y otro desafinado.

Hay otros aparatos diseñados exclusivamente para afinar tambores, como el Torque Drum o el Tension Watch, que miden la presión de los tornillos o el parche, aunque sirvan para una primera aproximación, depende mucho del estado del tornillo y del parche.
Antes de comenzar a describir como afinar bien un tambor, unas últimas apreciaciones:

A) Es mejor comenzar afinando un parche nuevo, ya que aún no ha sufrido ninguna deformación elástica permanente. Un parche con marcas de golpes permanentes, es casi imposible de afinar; si es viejo, ha perdido su capacidad elástica., por lo tanto, no es afinable.

B) Un tambor de mala fabricación, cuya esfericidad no es perfecta o su circunferencia de contacto es despareja, no afina!

C) Un aro deformado, también es un serio impedimento para lograr una buena afinación.

D) Si a un tambor le falta una bellota o un tornillo, no se puede afinar ( parece increíble, pero es muy normal cuando vas a un local de ensayos, o a tocar a un local que te dicen que hay batería y luego ves que hay los despojos de lo que fue una batería! )

E) Los dos parches tienen que dar la misma nota, de esta forma le sacaremos todo el potencial sonoro y claridad al tambor. También se pueden elegir otras notas en el parche inferior, pero tener en cuenta que las segundas y séptimas mayores y menores y cuartas aumentadas, crean intervalos muy disonantes y desagradables. Las terceras, tanto mayores como menores, enriquecen pero nunca nos dará una definición como en un instrumento armónico. Las  cuartas y quintas "serían las más idóneas" por su consonancia justa. Es importante tener en cuenta, que si el parche de abajo esta más flojo, el sonido resultante puede tener más cuerpo, pero los que gusten de afinar muy bajo, comprobarán que el parche quedara con menos de la tensión mínima y con un sonido muy desagradable; en cambio si subimos mucho el tono del parche inferior el sonido puede quedar muy apagado. Ningún intervalo sonará mejor que, si afinamos ambos parches iguales.

F) Para que resuene más, el parche de abajo debe ser más fino que el de arriba.

G) Por lo general los fabricantes de baterías, tienen  bastante estudiado las medidas y diámetros para que sus tambores afinen razonablemente bien en determinadas notas, no obstante, muchas veces, ésta no está temperada, por lo que, si queremos dar un MI, puede ser que se quede algunas comas por debajo o por encima del MI, ya sea con el LA afinado en 440  u otra frecuencia, esto no es ningún problema, basta con que el sonido de la nota este "estabilizado"

H) Si no queremos afinar con una nota definida, podemos hacerlo buscando la mayor resonancia, esto se consigue tensando los tornillos de forma pareja hasta oír que el tambor resuena en su máxima potencia. Si le seguimos dando presión, veremos que se ahoga, entonces volvemos al punto de máxima resonancia y conseguimos así un buen sonido y afinación.
Luego de estas consideraciones, veamos como afinar cualquier tambor. ( Aquí utilizo la palabra tambor de forma genérica, vale tanto para la caja, los toms y el bombo ).

1) Quitar el tambor de su soporte y colocarlo sobre las piernas o cualquier cosa que impida resonar al parche contrario.

2) Colocar el parche nuevo y girar los tornillos hasta que solo apoye en el aro.

3) A partir este momento, ir girando cada tornillo y de forma cruzada un cuarto de vuelta, hasta encontrar la nota deseada o el punto de máxima resonancia.

4) En medio del paso anterior, conviene ejercer una presión con la mano sobre el parche, para que asiente bien con el tambor, menos con el bordonero de la caja, que debido a su fino espesor, podría romperse.

5) Una vez que hemos alcanzado el sonido que buscamos, debemos golpear el parche en la dirección de cada tornillo para que todos suenen igual. El orden es cruzado.

En un tambor con 8 tornillos, el ajuste se hace en forma de cruz. Para orientarnos, podemos guiarnos por el logo del parche. pero podemos comenzar indistintamente con cualquiera y seguir el orden cruzado.

En un tambor de 6 tornillos,  no podemos cruzar el orden, pero podemos seguir un orden horario o antihorario ( como en el ejemplo ) indistintamente

En un tambor de 10 tornillos,  el orden se efectúa alternando un tornillo si y otro no. También puede ser, uno si y dos no.

La zona del parche que debéis golpear es, entre un cuarto (¼) de la circunferencia del parche y la zona inmediata al aro, por delante de cada tornillo. Tener en cuenta, que la modificación de cada tornillo, afecta a los demás, sobre todo al de enfrente y los lados, por lo que los retoques, al principio, parecen interminables. recuerden que es un proceso costoso, lento y desalentador al principio. Cuando no damos con la nota, conviene descansar un poco y luego seguir. NO HAY NADA QUE NO SE PUEDA APRENDER! Con la práctica y los conocimientos teóricos básicos, todo se consigue.

6) Para saber cuando esta correctamente afinado, debemos escuchar los armónicos que se producen. Cuando hay desafinación, se oye una vibración desagradable, que va disminuyendo a medida que nos acercamos a la nota. Cuando esta afinado, el sonido es continuo y tiene una caída suave.
Repetir los mismos pasos con el parche opuesto.

7) En el caso de afinar por notas, surge el dilema, ¿ Que notas usar ? Cada batería tiene su preferencia y la única norma es, encontrar la que más nos guste. Pero si aún así no sabéis por donde empezar, pueden probar "la cucaracha" en los toms Por ejemplo:
Tom base: RE; Tom medio: SOL; Tom agudo: SI
Esto es, una cuarta justa entre el base y el medio y una tercera mayor entre el medio y el agudo. Esta es la afinación que uso yo, podéis escuchar como suena en el video de las escobillas en esta misma web.
También podéis intercalar terceras mayores y menores entre los toms y así ordenar los sonido sobre un acorde mayor o menor.
MUY IMPORTANTE: Ningún tom puede usar la misma nota que tenemos afinada la caja, de lo contrario, la bordona resonara de forma desmesurada, cada vez que golpeen dicho tom.
El bombo, puede ir una oncena por debajo de la caja.


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Los 10 mejores bateristas del Olimpo del rock


10) Matt Cameron (Soundgarden, Pearl Jam)


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Batería: Yamaha Oak Custom, Platos: Zildjian Cymbals 

Cameron puede ser catalogado como uno de los mejores bateristas contemporáneos de la historia del rock alternativo. Y claro, el llevar el ritmo de dos de las bandas más importantes del grunge crudo y clásico es y será un buen currículum.

A diferencia de muchos de sus colegas, Cameron usa un drumkit bastante sencillo, lo que no significa que no logre un sonido claro, preciso y muy ordenado.

Sus colaboraciones son las que hacen la diferencia de ser un buen baterista a un GRAN baterista. Tommy Iommi, Peter Frampton, Chris Cornell, Nickelback, The Prodigy y Smashing Pumpkins son algunos de los “clientes” de Cameron. Su marca y su ritmo son un sello en cualquier cosa que grabe, y eso se agradece.

9) Joey Jordison (Slipknot) 

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Batería: Pearl Reference Series Custom SlipKnoT Finish All Hope Is Gone Kit, Platos: Paiste Black Alpha 

Se imaginan a Lars Ulrich, afectado de una enfermedad gastrointestinal horas antes de un concierto, diciendo “el único capaz de reemplazarme es Joel Jordison, llámenlo”?

Bueno, así de considerado en el “drummer circle” es este oriundo de Iowa. Jordison mezcla el show que conlleva ser parte de Slipknot con la técnica sorprendentemente bien. Más allá de tocar cabeza abajo colgado o amalgamar la percusión de timbales al metal, Jordison posee una versatilidad pocas veces vista en el rock contemporáneo. Esto se refleja en haber sido elegido el mejor baterista de los últimos 25 años por la revista “Rhythm Magazine”, con un 37% de los votos de los bateristas afiliados al “magazine club”.

8)Mike Portnoy (Dream Theater) 

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Batería: Tama Monsters Collection, Platos: Sabian Max Stax 

Como baterista y miembro fundador de Dream Theater, Mike Portnoy ayudó a definir el estilo en la batería del rock progresivo moderno. Quizás no era el más rápido o el más versátil, pero es considerado uno de los más creativos de su generación. Incluso fue invitado por Avenged Sevenfold para su gira del 2010. Aunque fue un movimiento sorprendente para los fans de Dream Theater, demostró que a pesar del paso del tiempo no le teme a los retos de las nuevas generaciones.


7) Simon Phillips (Toto) 

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Batería: Tama Bubinga Elite, Platos: Sildjian A Series Custom
 

Creador del famoso “golpe fantasma” en “Rossana”, Phillips debe ser el más mateo de la lista.

Un ejecutor admirable. Una referencia para los colegas del antes y el después no sólo del rock, sino que del jazz y todo lo relacionado a la fusión de estilos.

Phillips a tocado y grabado con un amplio espectro de artistas del rock y el jazz. Jon Anderson, The Who, Judas Priest, Jeff Beck incluso Mike Oldfield han necesitado los servicios de este percusionista

Para que hablar de su labor en Toto, que lo consolidó como un pionero progresivo, creativo y elegante. Simplemente, un maestro.

6) Lars Ulrich (Metallica)


instrumento


Batería: Tama Custom Starclassic Maple LU Magnetic, Platos: Zildjian Custom Proyection. 

El metal nunca ha visto un baterista tan excéntrico como Lars Ulrich. Como miembro fundador, compositor y baterista de Metallica, Ulrich ha sido la fuerza para definir desde la batería el sonido de su banda y de un género musical. Es un baterista básico y completo, que agrega elementos nuevos a las canciones. Gracias a la influencia de Metallica en la música, no sorprende que Ulrich sea uno de los bateristas más influyentes en las últimas décadas.
Más allá de toda la discografía que Ulrich ha grabado como miembro de uno de los íconos del metal, su gran mérito es conservar un estilo marcado y propio frente a todas las transformaciones que su banda vivió no sólo a través del tiempo, sino que también frente a todos los ciclos de la industria musical, lo cual es ya un hecho digno de alabar y aplaudir.


5) Ginger Baker (Cream)
rock
Batería: Ludwig Custom Leedy Broadway (hasta 1990, de ahí pasó a Drum Workshop), Platos: Zildjian Series 1963
A diferencia de otros instrumentistas, no siempre los mejores bateristas son los primerosbateristas, pero si son referidos como influencias directas y construyen el camino a la diversidad y creatividad. Dentro de este contexto, si Moisés abrió las aguas, su nombre de pila es Ginger Baker.
Durante su paso por Cream, Ginger prácticamente fue el inventor del solo de batería y de la incorporación de un segundo bombo. Es considerado uno de los bateristas con mayor influencia e innovación de la década de los sesenta, con un sonido que inspiró a la mayoría de los bateristas en el mundo del rock pesado y metal.
Tras la disolución de Cream en 1968, Baker demostró ser uno de los músicos más completos de su generación, convirtiéndose en un gran baterista de jazz y probó que la música trasciende los géneros. De hecho, hasta el día de hoy sigue con sus proyectos de fusión del jazz y el rock con el afro-beat, que muchos expertos en la materia consideran como los “inicios” de lo que llamamos “ritmo”.


4) Stewart Copeland (The Police, Oysterhead)


La bateria, un gran instrumento. Megapost

Batería: Tama Imperial Star Magohany, Platos: Paiste Signatura
Copeland puede considerarse como un genio… y lo es. No sólo por su trabajo con The Police, sino que también con sus trabajos aparte como Oysterhead (junto a nada mas y nada menos que uno de los mejores bajistas de la actualidad: Les Claypool de “Primus”).
Es famoso por su fusión de rock, jazz, música del medio oriente y reggae. Como baterista de The Police fue un gran complemento a las melodías de Sting. Los dos eran las cabezas pensantes, pero Copeland siempre fue un adelantado.
Creativamente métrico, este oriundo de Virginia marcó un estilo donde las barreras de las cifras atravesadas se rompían frente a encajes y composiciones elegantes. Definitivamente, un maestro.


3) Keith Moon (The Who)
musica
Batería: Premier Percussion, Platos: Paiste Giant Bear 

Moon es lo que llamamos la locura hecha percusión. Energético incansable, excéntrico e incluso sobre impulsivo. Keith Moon es sinónimo de alma, y claramente The Who sin este londinense, y sobre todo el rock sin este londinense, serían otra cosa.
Keith Moon es citado a menudo por los críticos como uno de los bateristas más grandes y más excéntricos de la música rock. Holly George-Warren, autor y editor de The Rock and Roll Hall of Fame: The First 25 Years, sostiene: «Con la muerte de Moon en 1978, el rock sin duda perdió a su mejor baterista».
Su técnica, sin duda, hace parte del sonido de The Who y desde su muerte en 1978 la banda nunca logró o logrará tener un sonido similar. Su forma de tocar la batería fue poco ortodoxa y quizás para los más tradicionales podría parecer como que fuera un autentico demente. Su personalidad también fue determinante para la energía que transmitía la banda en el escenario. Su trabajo como solista titulado ‘Two Sides of the Moon’ captura su espíritu bizarro y la mezcla de rock de los cincuenta y sesenta que fueron su mayor influencia.

2) Neil Peart (Rush)
baterista
Batería: Slingerlard, Tama Seisakusho, Ludwig y Drum Workshop. Platos: Sabian Paragon Custom.

Neil Peart es perfecto. Si, es el baterista que toda banda de rock querría. De hecho es más que un baterista. Es considerado uno de los mejores percusionistas de la era moderna según TODAS las revistas especializadas de batería.
¿Datos duros? La revista más importante dentro del mundo de la percusión “Modern Drummer” premió a Peart con:
-          Mejor Baterista Rock: 1980, 1981, 1982, 1983, 1984, 1985, 1986 y 2006
-          Mejor Multipercusionista: 1983198419851986
-          Mejor Instrumentalista en Percusión: 1982
-          Mejor Baterista Revelación: 1980
-          Mejor de Todos: 1986
-          Puesto de Honor 1986: Ba

Comentarios Destacados

@matias_mbi +13
Sigo aca con el post..
1) John Bonham (Led Zeppelin)
bateria
Batería: Ludwig Series (varias), Platos: Paiste Giant Beat

El mejor. Sin lugar a dudas Bonzo es el individuo que mutó el estilo jazz blues para tocar el rock de otra manera. Estamos hablando con este cambio del inicio de muchas ramas del género, incluyendo el metal. De hecho según los expertos, “Kashmir” sería considerada la primera canción metal de la historia.

Agregó dureza a los golpes, menos adornos y cambios de cifras nunca antes vistos. Bonzo es famoso por su velocidad, intensidad y manejo en el bombo. Aunque muchos digan que su ritmo era lo que lo distinguía, fue su ‘groove’ el que lo distinguió y complemento a la perfección el sonido de su banda. Su talento fue irremplazable y Led Zeppelin llegó al fin de una etapa brillante del rock tras su muerte.

Su hijo hace parte del legado y hoy es uno de los bateristas más respetados del planeta, tocando con grupos como Foo Fighters, Motley Crue, Skid Row, Scorpions y muchos más.

27 comentarios - La bateria, un gran instrumento. Megapost

@matias_mbi +13
Sigo aca con el post..
1) John Bonham (Led Zeppelin)
bateria
Batería: Ludwig Series (varias), Platos: Paiste Giant Beat

El mejor. Sin lugar a dudas Bonzo es el individuo que mutó el estilo jazz blues para tocar el rock de otra manera. Estamos hablando con este cambio del inicio de muchas ramas del género, incluyendo el metal. De hecho según los expertos, “Kashmir” sería considerada la primera canción metal de la historia.

Agregó dureza a los golpes, menos adornos y cambios de cifras nunca antes vistos. Bonzo es famoso por su velocidad, intensidad y manejo en el bombo. Aunque muchos digan que su ritmo era lo que lo distinguía, fue su ‘groove’ el que lo distinguió y complemento a la perfección el sonido de su banda. Su talento fue irremplazable y Led Zeppelin llegó al fin de una etapa brillante del rock tras su muerte.

Su hijo hace parte del legado y hoy es uno de los bateristas más respetados del planeta, tocando con grupos como Foo Fighters, Motley Crue, Skid Row, Scorpions y muchos más.
@Xe_cube_K +4
excelente post, la bateria es un instrumento por excelencia en una banda
@gordoboots +3
Un post verdaderamente increible loco! Excelente!

Shout GifGIF
@YngwieJMalmsteen +2
Uhhhh buenisimo post master me compre una Mapex Q haran unos 2 meses y estoy tratando de aprender algo en el tiempito que tengo libre ahora en Marzo voy a ver si arranco con algun profesor. A favo
@Diositoproh +4
6) Lars Ulrich (Metallica)

Sacalo de ahi, Lars Ulrich es uno de los peores compositores en batería, no digo que no toque mal, seguro me rompe el orto, pero hay muchisimos mejores que Lars.
@hutr15 +1
rock lo unico que tengo de este post D:
@Satoshi
20 años y todavía no me pude comprar una la reconcha de la lora!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!
@sacha_metal +2
Bonham sin duda el mas grande la de historia, el cambio que hizo fue muy revolucionario para su época y como bien lo dijiste vos dio paso a los mas grande, el Heavy Metal. Para mi Led Zeppelin es la banda mas grande de la historia del Rock y es muy cierto que un monstruo como Bonham es irreparablemente.
@sacha_metal +2
sacha_metal dijo:Bonham sin duda el mas grande la de historia, el cambio que hizo fue muy revolucionario para su época y como bien lo dijiste vos dio paso a los mas grande, el Heavy Metal. Para mi Led Zeppelin es la banda mas grande de la historia del Rock y es muy cierto que un monstruo como Bonham es irreparablemente.


me corrijo: irreemplazable
@Mezmerize1993 -1
matias_mbi dijo:Sigo aca con el post..
1) John Bonham (Led Zeppelin)
musica
Batería: Ludwig Series (varias), Platos: Paiste Giant Beat

El mejor. Sin lugar a dudas Bonzo es el individuo que mutó el estilo jazz blues para tocar el rock de otra manera. Estamos hablando con este cambio del inicio de muchas ramas del género, incluyendo el metal. De hecho según los expertos, “Kashmir” sería considerada la primera canción metal de la historia.

Agregó dureza a los golpes, menos adornos y cambios de cifras nunca antes vistos. Bonzo es famoso por su velocidad, intensidad y manejo en el bombo. Aunque muchos digan que su ritmo era lo que lo distinguía, fue su ‘groove’ el que lo distinguió y complemento a la perfección el sonido de su banda. Su talento fue irremplazable y Led Zeppelin llegó al fin de una etapa brillante del rock tras su muerte.

Su hijo hace parte del legado y hoy es uno de los bateristas más respetados del planeta, tocando con grupos como Foo Fighters, Motley Crue, Skid Row, Scorpions y muchos más.



Excelentisimo post!

Lo que me parece es que Bonham fue buen baterista pero no tiene el nivel de Peart o Portnoy, y sin embargo las revistas mediocres de música lo siguen poniendo en el nivel 1 de los rankings. OJO! No lo defenestro, solo digo que su nivel no se compara con otros.
@arielcruz +1
hdp que post. TE PASASTE...
@ace53
Recomendado
@egilardi
Buen post Recomiendo.
@rykaex
muy buen post,qunque no concuerdo con lo que tu piensas que son los mejores bateristas
@maipxalbo2
Hay algo que yamaha no haga???
@axeon
Excelente!! y gracias por la dedicación.
Faltan bateriastas como Dave Lombardo, Charlie Benante, Nick Menza.