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Leonardo Da Vinci Su Arte Completo (Primera parte)

Pinturas 1472-1480

por Leonardo da Vinci


Leonardo fue inscripto como pintor en la Fraternidad de San Lucasen Florencia en 1472, después de cumplir un aprendizaje con Verrocchio. Vasari atribuye a uno de los ángeles en el Bautismo de
Cristo de Verrocchio Leonardo. Leonardo se quedó en Florencia hasta 1482. Varias pinturas se atribuyen a este período temprano de Florencia, en particular, una Anunciación de los Uffizi, exquisita y un retrato de Ginevra Benci (National Gallery of Art, Washington).


El Bautismo de Cristo

Leonardo Da Vinci Su Arte Completo (Primera parte)



Cuando Leonardo trabajó bajo Verrocchio, participó en muchas obras, incluyendo Verrocchio El Bautismo de Cristo. El modelado suave de la cabeza del ángel la izquierda y el hecho de que la pintura en este punto contiene aceite compatible con la atribución general de esta sección a Leonardo. La pintura fue realizada probablemente por la iglesia de San Salvi en Florencia y fue mencionado ya en 1510 por Albertini, quien manifestó que Leonardo pintó la cabeza del ángel. Un dibujo de la cabeza del ángel se conserva en Turín.

Anunciación

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El arcángel Gabriel se arrodilla como una figura de perfil digno y levantando su mano derecha en señal de saludo a María, lo que indica su embarazo divino. La Virgen ha dejado la lectura y reacciona a la Anunciación con una expresión de profundo respeto y por medio de gestos con la mano izquierda. Hay un error de perspectiva notable: su brazo derecho tuvo que ser pintado demasiado tiempo proporcional, de modo que, a pesar de su posición de sentado, todavía sería capaz de representar la posición de la mano otra impresionante sobre el reclinatorio. Leonardo se representa a María en un perfil de tres cuartos frente a la esquina de una habitación. Las tres coordenadas espaciales, la altura, anchura y profundidad - convergen en este punto, creando así una sensación de profundidad en la imagen, así como la mejora de la importancia de María. Su cabeza contrasta claramente con la pared oscura y su cuerpo es enfáticamente enmarcado por los pilares, cuyas líneas paralelas convergen en ella.
La obra llegó a los Uffizi en 1867 del monasterio de San Bartolomé de Monteoliveto, cerca de Florencia. Fue atribuido a Domenico Ghirlandaio hasta 1869, cuando algunos críticos lo reconoció como una obra de juventud de Leonardo, ejecutado alrededor de 1472-75, cuando todavía era un aprendiz en el taller de su maestro, Andrea del Verrocchio. La escena sagrada se encuentra en el jardín de un palacio florentino, con un paisaje en el fondo que ya es peculiar de Leonardo, por la atmósfera mágica e irreal creado por las montañas, el agua y el cielo. La personalidad de Leonardo, se señala también en el hermoso ropaje de la Virgen y el Ángel, mientras que la mesa de mármol delante de ella, probablemente cita a la tumba de Piero y Giovanni de Médicis en la iglesia de San Lorenzo, esculpida por Verrocchio en este período.

Retrato de Ginevra De´ Benci

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Una de las primeras obras de Leonardo completa, mientras que fue aprendiz de Andrea Verrocchio en su taller de Florencia. En este sentido, Leonardo aprendió una gran variedad de habilidades que iba a dominar más adelante en su carrera. A pesar de esta pintura es más bien tradicional, que incluye detalles como el pelo rizado de Ginevra que sólo Leonardo podría lograr.
A pesar de un retrato de Ginevra Benci de 'de Leonardo se menciona por tres escritores del siglo xvi, la atribución de la pintura de Washington para que el artista ha sido la causa de mucho debate. Ahora se acepta por casi todos los estudiosos de Leonardo. La fecha del retrato, por lo general dan como c. 1474, y su comisión, sin embargo, todavía se discute. El modelo, nacido en una rica familia florentina, se casó con Luigi Niccolini en 1474 a la edad de dieciséis años. Era una práctica habitual para tener una imagen pintada en una ocasión como ésta. Recientemente, sin embargo, el humanista Bernardo Bembo ha sido identificado como un patrón posible. Él era el embajador de Venecia a Florencia 1474-76 y de nuevo en 1478-80, las fechas que se han sugerido para el retrato. Bembo y Ginevra, ambos casados ​​con otras personas, se sabe que han tenido una relación platónica, una convención aceptada en el momento.
El motivo de la heráldica en el reverso pintado de pórfido del retrato, con el lema "La belleza adorna la virtud", la alaba, y las plantas de enebro símbolo de la castidad, considera una elección adecuada para un retrato del matrimonio. El enebro, Ginepro en italiano, es también un juego de palabras con su nombre.
Leonardo ha pintado una imagen sensible y modelado fino de Ginevra. Los rizos de sus cabellos ondulados están en contra de su carne pálida, la superficie de la pintura suavizada por las propias manos del artista. Retrato de Leonardo fue cortado en la parte inferior en algún momento en el pasado por tanto como un tercio. Es de suponer que la sección inferior se han demostrado sus manos, dobladas o cruzadas, posiblemente, descansando en su regazo.

El reverso del retrato de Ginevra de ' Benci

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La inscripción en la banda de la conexión de las ramas de enebro, laurel y palma: VIRTUTEM FORMA DECORAT (belleza adorna la virtud).

Madonna con una flor (Madonna Benois)



María y su hijo son, naturalmente, concentrados en su juego, y sus miradas que parezcan reales en un grado que no se puede encontrar en ninguna pintura italiana contemporánea de la Virgen. Leonardo consigue esta calidad por medio de estudios de la naturaleza. En 1478, señaló que estaba trabajando en dos Vírgenes. La Madonna Benois se puede datar en la época. La pintura ha en su estado actual ha pintado en algunos lugares y ha perdido parte de la capa de pintura.
La pintura también fue llamada la Madonna Benois por la familia que lo poseía. Este lienzo muestra el método recientemente desarrollado del claroscuro - una iluminación / técnica de sombreado que hizo que las figuras aparecen tres dimensiones. Entró en el Hermitage en 1914.

La Virgen del clavel

Leonardo Da Vinci Su Arte Completo (Primera parte)



Una obra que parece evocar los bocetos de una joven que liberó a Leonardo de la tutela de Verrocchio, aunque sin embargo, todavía afectado por la pasión y el gusto por las texturas suaves y el deslumbramiento de material sólido (tal como se practica en el taller del artista florentino), es el Madonna refiere a veces como la Virgen del clavel o la "Madonna de las flores".
Esta pintura es una variante libre de la Madona Benois de la Ermita, siendo más compleja en su composición y disposición espacial, aunque quizás un poco altisonantes y menos espontáneo. ¿Cómo llegó a la Alte Pinakothek de Múnich, después de su adquisición por un coleccionista privado alemán, es desconocido para nosotros. Lo cierto es que después de una atribución comprensible, temporal o de su taller de Verrocchio, los críticos de arte posteriormente casi todo el mundo le asigna la pintura a Leonardo, un juicio respaldado por la investigación más reciente. De hecho, la riqueza de los ropajes, la inmensidad del paisaje de montaña con reflejos púrpura y oro tiñendo las estribaciones de los picos que se desvanecen en el cielo, la vitalidad de las flores cortadas en el jarrón de cristal y la suavidad de la carne del niño que prefigura los putti de licitación de la Virgen de las Rocas, son elementos que muestran un alejamiento del estilo Verrocchiesque más distintivo y en lugar de asumir esas características formales y cromáticas que serían la madurez de Leonardo propio. Por otra parte, no debemos pasar por alto las similitudes - en los rasgos faciales y otros detalles - con la Madona Benois ya se ha mencionado (la joya de fijación vestido de la Virgen sobre el pecho) y con la Anunciación de los Uffizi, obras que en su invención figurativa y expresiva con toda claridad revelan el sello de Leonardo.

San Jerónimo



En alrededor de 370, San Jerónimo, más tarde, un Padre de la Iglesia, se dice que se han retirado a vivir como un ermitaño en el desierto de Calcis, cerca de Antioquía, con el fin de producir una traducción de la Biblia y vivir como un asceta. Leonardo representa el Padre de la Iglesia como un penitente, no un erudito. San Jerónimo está de rodillas en una postura humilde que despierta nuestra simpatía, frente a la cruz de Cristo dibujado a la derecha, y ante él se encuentra el león, su atributo. En su mano derecha sostiene una piedra con la que se golpeaba el pecho. La sección de la cabeza del panel de terminar estaba fuera aserrada en el siglo 18 y no se sustituye y restaurado hasta el siglo 19.



Pinturas 1481-1490

por Leonardo da Vinci


Leonardo vivió en Milán desde 1482 a hasta 1499 trabajando principalmente en la corte del duque Ludovico Sforza (Il Moro). Sus pinturas de los retratos década de 1480, en concreto la maravillosa imagen de la amante de Gallerani duque Ludovico Cecilia conocida como la Dama del armiño y un retablo de la Virgen de las Rocas, que existe en dos versiones problemático relacionados, el anterior (Louvre, París) posiblemente pintado cuando aún era de Leonardo en Florencia, la tarde (National Gallery, Londres) todavía se está trabajando en el año 1508.

Adoración de los Magos

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Desde la era cristiana, el 06 de enero se ha celebrado como la fiesta de la Epifanía, la aparición de Dios entre los hombres en la forma de Jesucristo. La humanidad está representada por los Reyes Magos, a quienes se rinde homenaje al Mesías. La caída del mundo pagano comenzó al mismo tiempo como su apariencia. Leonardo parece haber representado este momento tan dramático en la historia humana, en su panel. Se quedó sin terminar porque Leonardo dejó Florencia y se trasladó a Milán, aunque no sabemos por qué lo hizo. Las reacciones químicas y las zonas sucias significa que ahora es difícil de leer este panel fascinante en detalle.
Con este cuadro de Leonardo declara su independencia de Verrocchio, saliendo con un estilo fresco y personal. Aunque sin terminar, esta pintura es mucho más innovadoras que sus trabajos anteriores. La composición se construye alrededor de un grupo central, piramidal de las figuras, y, sobre todo, Leonardo aquí incorpora luces y sombras en el underdrawing de esta pintura.
A pesar de que el panel quedó sin terminar, la Adoración de los Magos, con su grupo de simetría compuesta principal, que difiere de la composición lineal tradicional, ahora se considera una de las obras más progresistas de la pintura florentina. Se pone en práctica las exigencias Alberti hechos de la pintura de historia en una forma que ningún otro trabajo en su época lo hace. Todas las cifras están involucrados en los sucesos de la imagen. Los reyes distinguidos mostrar sus emociones de una manera más digna que las figuras que acompañan a su alrededor, y el número total de participantes se mantiene dentro de la moderación. Las figuras están agrupadas en un círculo en torno a María y se expresa con gestos más o menos vigorosas, su emoción en la primera manifestación de la divinidad del Niño Jesús.
La pintura también difiere de la forma tradicional de representar la Adoración en Florencia por medio de las escenas desconcertantes en el fondo, las batallas ecuestres y una escalera sin terminar. Esto condujo a la hipótesis de que el convento agustino de San Donato en Scopeto, que había encargado la imagen, quería utilizar esta composición de la imagen con el fin de expresar su propia interpretación teológica del tema de la Adoración.

Virgen de las Rocas

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Hay dos versiones de la Virgen de las Rocas, uno (este) en el Louvre, en París y otra en la National Gallery de Londres.

La primera obra que ejecutó Leonardo en Milán es la Virgen llamada de las Rocas, que en realidad expresa el tema de la Inmaculada Concepción, el dogma que afirma María fue concebida sin pecado original. El nombre de la imagen refleja una peculiaridad iconográfica: las figuras religiosas están representadas en una gruta rocosa, en la que están sentados en un suelo de piedra. Las cifras son sometidos a una disposición espacial estricto llamado una composición piramidal. La pintura tuvo una influencia considerable sobre sus colegas artísticos de Leonardo en Lombardía.
Este lienzo fue para decorar el Ancona (un altar tallado en madera con marcos de cuadros, donde se inserta) en la capilla de la Inmaculada en la iglesia de San Francesco Grande en Milán. El 25 de abril de 1483, los miembros de la Cofradía de la Concepción le asigna el trabajo de las pinturas (una Virgen con el Niño en el centro y dos ángeles músicos de los lados), a Leonardo, por la parte más importante, y los hermanos Ambrogio y Evangelista De Predis, para los paneles laterales. Los estudiosos creen ahora que los dos lienzos sobre el mismo tema, una en el Louvre y la otra en la Galería Nacional de Londres, son simplemente dos versiones del mismo cuadro, con variantes significativas.
La Virgen de las Rocas de París, en su totalidad por Leonardo, es el que por primera vez adornó el altar de San Francesco Grande. Puede que haya sido dada por el propio Leonardo con el rey Luis XII de Francia, en agradecimiento por la solución de la demanda entre los pintores y los que encargó la obra, en la disputa sobre la cuestión del pago. La pintura posterior de Londres sustituye a éste en el Ancona.
Por primera vez, Leonardo podría lograr en la pintura que el programa intelectual de la fusión entre las formas humanas y la naturaleza que fue poco a poco tomando forma en su punto de vista de su arte. Aquí no hay tronos o estructuras arquitectónicas para pagar un marco espacial de las cifras, sino que se encuentran las rocas de la gruta, que se refleja en las aguas límpidas, decoradas con hojas de varios tipos de plantas diferentes, mientras que en la distancia, como si saliera de un la niebla compuesta de gotas muy finas y se filtra por la luz dorada del sol, los picos de las montañas que hoy conocemos tan bien reaparecer. Esta misma luz revela los rasgos suaves y leves de la Virgen, la cara sonriente del ángel, la carne gorda, rosa del cutis.
Para este trabajo, también, Leonardo hizo numerosos estudios, y la expresión figurativa poco a poco adaptado al programa de la representación. De hecho, el dibujo de la cara del ángel es, en el dibujo, claramente femenina, con una fascinación que no tiene nada ambigua al respecto. En la pintura, el sexo no está definido, y el ángel podría fácilmente ser un joven o una doncella.

Retrato de Cecilia Gallerani (La dama del armiño)

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Cecilia Gallerani está llevando a cabo el animal heráldico de Ludovico el Moro en sus brazos. Ella era su favorita y dio a luz a su hijo en el mismo año que se casó con Beatrice d'Este. La impresión encantadora de Cecilia y vivo hace que Leonardo gane la reputación de ser un talentoso pintor de retratos. El movimiento de esta hermosa chica girando lentamente de la sombra hacia la luz se refleja el pequeño animal que está llevando a cabo.

La inscripción en la esquina superior izquierda - La Feroniere Leonard d'Awinci - es una adición errónea al final del siglo 18.



Pinturas 1490-1498

por Leonardo da Vinci


Principales empresas artísticas de Leonardo en Milán fueron un proyecto de una enorme estatua ecuestre del padre de Ludovico Sforza, y la pintura mural de la Última Cena en el refectorio de Santa Maria delle Grazie. El método de la pintura mural al fresco no era flexible o lo suficientemente sutil como para el de Leonardo lento de trabajo, por lo que adoptó una técnica experimental que rápidamente causó la imagen desastrosa a deteriorarse. Se ha restaurado varias veces, pero a pesar de que es sólo una sombra de la creación original de Leonardo, que aún conserva parte de la inmensa autoridad que lo ha hecho el cuadro más venerado en el mundo.

Retrato de un músico

Leonardo Da Vinci Su Arte Completo (Primera parte)



No fue sino hasta 1904 que la mano y la hoja de la música fueron descubiertos debajo de repinturas, y son éstas las que han dado a la pintura su título actual. Desde este descubrimiento, los esfuerzos también se han hecho para identificar la persona representada. Los nombres de dos músicos de la corte importante de Milán durante este periodo son conocidos: Franchino Gaffurio (1451-1522) y Josquin des Prés (c. 1450-1521). Pero no hay ninguna indicación clara que nos permita identificar cualquiera de estos dos en este retrato.

La atribución a Leonardo es motivo de debate. Si la imagen es la obra de Leonardo, este es el único retrato de un hombre ejecutado por Leonardo.

La bella Ferronière

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Este retrato ha sido durante mucho tiempo un tema de controversia sobre su atribución a Leonardo. (La atribución a Bernardino de'Conti Boltraffio o también se puede encontrar en la literatura.) El refinamiento con el que la mujer está girando suavemente la cabeza y en el que los ojos de recoger y continuar con este movimiento claramente muestran que es una obra de Leonardo . Repintes grueso del cabello ha tenido un efecto adverso sobre la pintura sin embargo, ser capaz de ocultar su alta calidad.
No ha sido posible hasta ahora establecer fuera de toda duda la identidad de la persona representada. Es muy probable que esta joven enigmática y muy inteligente también era una mujer noble en la corte milanesa. Incluso es posible que éste es otro retrato de Cecilia Gallerani visto en la pintura de Cracovia.
El título de la pintura se debe a una catalogación errónea de la colección real francesa, cuando fue confundido con un retrato de la Belle Ferronière, la amante del rey Francisco I. El malentendido se incrementó por el hecho de que la banda en la frente de la niñera también fue nombrado "Ferronière" en el siglo 16.

Madonna Litta

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Este cuadro fue completado antes que Leonardo regrese a Florencia en 1500 y fue en un momento en que estaba experimentando con diferentes medios. La atribución a Leonardo es objeto de debate a pesar de dibujos preparatorios en el Museo del Louvre probar que él participó directamente en el diseño de la imagen.

La Última Cena

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La pintura de Leonardo de la Última Cena fue construida simétricamente de acuerdo con las leyes de la perspectiva central, con una figura principal, Jesús, en el centro. Él está física y psicológicamente aislados de las otras figuras y con las manos apunta a que el pan y el vino, por lo que la introducción de la Eucaristía, el acto central. En la concepción de Leonardo, las otras figuras están reaccionando directamente a Jesús, y al mismo tiempo, algunos de ellos están en contacto unos con otros.
Santiago el Mayor, cuya boca se abre en el asombro, está sentado a la derecha al lado de Jesús, y abriendo los brazos como si quisiera decir a los dos discípulos detrás de él, que están tratando de llamar la atención de Jesús con sus gestos elocuentes y la forma en que se empuja hacia delante, que deben estar en silencio y escuchar.
Santiago el Menor, el segundo desde la izquierda, coloca su mano en la espalda de Pedro, mientras que Andrew junto a él está todavía con las manos delante de él y hablar, pero sus ojos ya están buscando a Jesús. Pedro y Juan se enfrentan entre sí en una profunda conversación, al igual que el grupo de tres en el extremo derecho que todavía parecen estar discutiendo animadamente el anuncio previo de la existencia de un traidor.
Que este anuncio se ha hecho ya ha tenido lugar se ha demostrado por el comportamiento de Juan y Pedro. En contraste con la manera habitual de representación, en la que Juan está mintiendo sobre el pecho de Cristo, aquí Leonardo se refiere al Evangelio de San Juan (13:24): "Simón Pedro le hizo señas a él, para que preguntase quién era aquel de los quién hablaba. "
Mediante la combinación de estos dos apóstoles en un grupo con Judas de esta manera, Leonardo fue distanciándose del régimen tradicional de la pintura utilizada para últimas cenas, según la cual Pedro y Juan se sentó a la derecha ya la izquierda de Jesús. En contraste con los otros apóstoles, sin embargo, les caracteriza tan claramente que son identificables para el observador. Identificó a Pedro por medio de la daga mortal que él, al amanecer, se utiliza para cortar la oreja de Malco, uno de los soldados arrestaron a Jesús.
Juan, el discípulo favorito, lleva prendas de vestir de color rojo y azul como es Jesús, y está sentado a su diestra, el lugar más honorable. Pero Judas, sobre todo, se ha caracterizado claramente por Leonardo, porque él no fue, como era costumbre, situado en el centro de la imagen en frente de la tabla, pero colocado entre la fila de los discípulos. Él se identifica por medio de varios motivos, tales como su alcance para el pan, la bolsa que contiene la recompensa por su traición y el golpear de más de un salero, un signo de la desgracia. Leonardo, incluso expresado formalmente su aislamiento del grupo por lo presentó como el único cuya parte superior del cuerpo está apoyado en la mesa, retrocediendo de Jesús.

Decoración del techo

Leonardo Da Vinci Su Arte Completo (Primera parte)



Todo lo que queda de la decoración de Leonardo en el Castello Sforzesco de Milán son algunos fragmentos en la Sala delle Asse que eran, cuando se descubrió a finales del siglo 19, restaurado de tal manera que es casi imposible ya de distinguir su aspecto original . El plan de Leonardo fue a cubrir la bóveda de la Sala con una complicada red de ramas y hojas que crecen en los troncos de los árboles pintados en las paredes laterales, junto con el azul del cielo en el medio, crear la ilusión de una maraña de ramas por debajo de a cielo abierto.


Las últimas pinturas (1501-1520)

por Leonardo da Vinci


Entre 1500, cuando regresó por un tiempo a Florencia, y 1516, cuando salió de Italia a Francia, la vida de Leonardo estaba inquieto. En 1502-03 y en 1506-13 fue sede en Milán, en 1513 se trasladó a Roma, pero la actividad artística de sus últimos años se ha centrado principalmente en Florencia en los años 1500-06. A partir de esta época data el retrato de Mona Lisa, su obra más famosa, que es tan conocido por su dominio de las innovaciones técnicas como por el misterio de su tema legendaria sonrisa. En Florencia también Leonardo trabajó con variaciones sobre un tema que le fascinaba en este momento y presentó un gran desafío a su habilidad en la composición de los grupos con poca separación de las figuras. Esta fue la Virgen y el Niño con Santa Ana, conocido hoy en día principalmente a través de una pintura en el Museo del Louvre, de París y la incomparable belleza de dibujos animados en la National Gallery de Londres.
Leonardo hizo poco trabajo artístico en la última década de su vida, las últimas pinturas de su mano por lo general se aceptan las dos imágenes de San Juan (una más tarde se convirtió en un Baco), ambos en el Louvre.

Mona Lisa (La Gioconda)

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Según Vasari, esta imagen es un retrato de la Mona o Monna (diminutivo de Madonna) Lisa, quien nació en Florencia en 1479 y en 1495 se casó con la marquese del Giocondo, un florentino de algunos de los que - por lo tanto, otro nombre de la pintura, 'La Gioconda '. Esta identificación, sin embargo, a veces se ha cuestionado.
Leonardo tomó la foto con él desde Florencia a Milán, y más tarde a Francia. Debe haber sido este retrato que fue visto en Cloux, cerca de Amboise, el 10 de octubre 1517 por el Cardenal de Aragón y su secretario, Antonio de Beatis. Hay una ligera dificultad aquí, sin embargo, debido a Beatis dice que el retrato había sido pintado en el deseo de Giuliano de Médicis. Los historiadores han tratado de resolver este problema por lo que sugiere que Monna del Giocondo había sido la amante de Giuliano.
La pintura fue adquirida probablemente por Francisco I de Leonardo a sí mismo, o después de su muerte por su albacea Melzi. Se registra como en Fontainebleau por Vasari (1550), Lomazzo (1590), Peiresc, y Cassiano del Pozzo (1625). Este último relata que cuando el duque de Buckingham llegó a la corte francesa para pedir la mano de Enriqueta de Francia por Carlos I, hizo saber que el rey estaba ansioso por tener esta pintura, pero los cortesanos de Luis XIII le impidió separarse de la imagen. Fue puesto en exhibición en el Museo Napoleón, en I8o4; antes de eso, en 1800, Bonaparte tenía en su habitación en las Tullerías.
Desde el principio fue muy admirado y copiado mucho, y llegó a ser considerado el prototipo del retrato del Renacimiento. Se hizo aún más famoso en 1911, cuando fue robado de la Carrée Salle el 21 de agosto de 1911 por Vicenzo Perrugia, un obrero italiano. En 1913 se encontró en Florencia, expuesta en los Uffizi, y luego en Roma y Milán, y trajo de vuelta a París el 31 de diciembre del mismo año.
Esta figura de una mujer, vestida a la moda florentina de su época y sentado en una visión de futuro, el paisaje montañoso, es un ejemplo notable de la técnica de sfumato de Leonardo de modelado suave, muy sombreada. Expresión enigmática de la Mona Lisa, que parece a la vez seductora y distante, ha dado la fama retrato universal.
Resmas se han escrito acerca de esta pequeña obra maestra de Leonardo, y la mujer gentil que es su tema ha sido adaptado a su vez como un símbolo estético, filosófico y de la publicidad, entrando finalmente en las parodias irreverentes de los artistas dadá y surrealista.
Vasari relata que Leonardo trabajó en ella durante cuatro años sin ser capaz de terminarlo, sin embargo, la imagen da la impresión de estar completamente realizado. Las fechas sugeridas para que varían entre 1503 y 1513, la más ampliamente aceptada es 1503-1505.
Tomando un modelo de vida como su punto de partida, Leonardo ha expresado en una forma ideal el concepto de la humanidad equilibrada e integrada. La sonrisa es sinónimo de movimiento de la vida y el misterio del alma. Las brumosas montañas azules, que se elevan por encima de la llanura y el río, simbolizan el universo.

Cabeza de mujer (La Scapigliata)

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La cara de La Scapigliata se ejecuta con mayor fuerza que la del pie Leda, aunque la cabeza está inclinada de manera similar. Dada la falta de accesorios, es posible que esta cara, con su mirada pensativa pertenece a una Virgen. Las pinceladas de gran alcance con eficacia puestos en el pelo son inusuales para Leonardo y, posiblemente, una adición posterior.

Virgen y el Niño con Santa Ana y el joven San Juan

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La caricatura de la Virgen y el Niño con Santa Ana y el joven de San Juan también se conoce como Burlington Casa de dibujos animados. En 1986, un vándalo disparó a la caricatura y severamente dañado en la zona del pecho de María. Los restauradores tuvieron la oportunidad de examinar el dibujo, mientras que la reparación. Se pudo descubrir ni rastro de él que fue utilizado, ya sea por Leonardo o cualquier otro artista en una fecha posterior para transferir el diseño a otro medio. En la Pinacoteca Ambrosiana es una Sagrada Familia atribuida a Bernardino Luini. Corresponde precisamente a la composición figurativa de los dibujos animados de Londres, con la excepción de que José se añade en el fondo a la derecha.
Una de las obras más preciadas y frágiles en la Galería Nacional, la caricatura ahora cuelga en un nicho especialmente construido en la pared de una pequeña habitación oscura. El dibujo cubre ocho hojas de papel pegadas entre sí. A nivel de luz reducida es necesaria para evitar la tiza y el carbón vegetal de la decoloración, pero la atmósfera reverencial que crea parece apropiado. Al igual que en la Virgen de las Rocas de Leonardo ha representado a cuatro cifras en RAPT comunión cargada de significado teológico y la emoción humana intensa. Miradas y sonrisas compartidas introspectivas jugar a través de sus rostros, las expresiones enigmáticas que Leonardo hizo famoso.
El triángulo abierto formado por las figuras de la Virgen de las rocas que aquí se condensa en una pirámide de formas entrelazadas, las cifras aumentan en escala y el paisaje rocoso se aleja en la distancia, dejando sólo piedras en primer plano. A pesar de la ganancia en la monumentalidad no hay nada concluyente resuelto. Áreas potencialmente incómodas, donde se quedaron el toque y la superposición de cuerpos borrosa y manchada. Antebrazo, Santa Ana, proféticamente elevarse al Cielo, está apenas esbozada in Empezamos a ver por qué Leonardo encontró dificultades tan grande para llevar los proyectos hasta su finalización, por la indeterminación del diseño y la falta de acabado son parte integral de la importancia de la obra, misterio pictórico que evoca misterio divino: Dios hecho carne en el vientre de una mujer a sí misma, sin pecado concebida, la pasión anunciada y aceptada con alegría melancólica.
Dibujos animados eran de tamaño completo dibujos hechos para ser transferido al panel, pared o lienzo para servir de guía a la pintura. El dibujo fue sin duda la Galería Nacional preparatorio para una pintura, pero nunca fue utilizado para la transferencia, ya que las líneas no son ni pincha ni incisiones. Al igual que la Virgen de las Rocas, es una variación sobre un tema que ocupó Leonardo desde hace algunos años. En 1501 Florencia `hombres y mujeres, jóvenes y viejos, como si ellos iban a una fiesta solemne", se habían congregado para ver un dibujo de Leonardo a principios del mismo tamaño sobre un tema similar, probablemente hecha para un retablo de Santa Ana, una de los patronos de la Florencia republicana, para la iglesia de la Santissima Annunziata. Ese retablo no llegó a ejecutarse, y el dibujo para que se perdió.
Algún tiempo después, Leonardo fue el encargado de revisar la composición para el rey Luis XII de Francia, cuyo segundo nombre de la esposa, Anne, habría hecho el tema especialmente atractivo. Pintura del rey de Francia, que se inició aproximadamente en 1508, quedó inconcluso a la muerte de Leonardo, y ahora está en el Louvre. Muestra Ana sonriendo a la Virgen en su regazo, que se inclina más para sujetar al niño jugando con un cordero, símbolo del sacrificio de Cristo y el atributo de San Juan Bautista. Tanto la pintura en París y la Galería Nacional `de dibujos animados 'demostrar lo que un testigo admirado en el dibujo perdido de 1501:' Y estas cifras son tan grandes como la vida, sino que existen dentro de un dibujo animado pequeño, ya sea porque están sentados o en curvada poses y es cada una cierta cantidad en frente de la otra ... ' Fue supremo el regalo de Leonardo para resolver un problema formal de muchas maneras diferentes, pero igual de sugerente.

La Virgen y el Niño con Santa Ana

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El tema del Niño Jesús en el regazo de la Virgen, que se sentó en el regazo de Santa Ana, es bastante raro, pero los ejemplos de que se puede encontrar desde la Edad Media - la corriente de vida que fluye a través de tres generaciones. (Anna Metterza:. Santa Ana con la Virgen y el Niño) Leonardo debe haber elegido este tema inusual por razones simbólicas, que han sido interpretadas en varias formas. Sigmund Freud hizo a la forma de un buitre en prendas de vestir de la Virgen, y propuso una explicación psicoanalítica: desde cuando era niño Leonardo soñó que había sido atacada en su cuna por un buitre.
Hay una caricatura en la National Gallery de Londres por Leonardo sobre el mismo tema pero que difieren en aspectos importantes de la pintura del Louvre. Sabemos por una carta que Leonardo hizo otro dibujo animado, ahora perdido. El cuadro fue encargado por los Siervos de María en Florencia. Es sin terminar, tal vez fue abandonado debido al interés repentino del artista en las matemáticas, y su participación como ingeniero al servicio de César Borgia. Otro cambio parece haber terminado el cordero que había quizás sólo esbozado en, el paisaje, Santa Ana, la Virgen y el Niño Jesús son la obra de Leonardo. La pintura se aplica finamente, es límpido y transparente, de modo que en algunos lugares del dibujo subyacente es visible. Esto ha quedado de manifiesto desde el barniz muy oscuro se iluminó y algunos repintes eliminados en 1953.

San Juan en el desierto (Baco)

Leonardo Da Vinci Su Arte Completo (Primera parte)



El Bautista, coronado con una corona de laurel, el uso de una prenda de piel y con un personal, es con la mano izquierda, posiblemente apuntando a una fuente y la celebración de un racimo de uvas. La piel y el personal se puede interpretar como atributos del Bautista, y la fruta y la corona de laurel como los que pertenecen al dios clásico de vino. Dado el mal estado de conservación de la obra, es difícil decidir si la corona de laurel y las uvas eran en realidad parte de la composición original. Hay en todo caso, un texto que equipara con Baco de San Juan: el "moralizar Ovide" por Pierre Bersuire, que data del siglo 14. Un diseño para la pintura muestra al desnudo San Juan, aunque sin los atributos de Baco. Esta pintura fue realizada presuntamente por Francesco Melzi en el taller de Leonardo.

San Juan Bautista

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San Juan Bautista está mirando el observador impresionante y declarando su identidad por medio de gestos y miradas. La imagen es probablemente una de las tres obras que Antonio De perlas vieron en el estudio de Leonardo en Clos-Lucé en 1517. Es el último cuadro, que debe elaborar el propio Leonardo, y fue probablemente terminado en Roma. (La atribución es sin lugar a dudas ya que la investigación de rayos X llevados a cabo en 1952.)

La Pinacoteca Ambrosiana de Milán posee una nueva versión que describe San Juan en un paisaje, que se relaciona con la pintura de la Virgen y el Niño con Santa Ana en el Louvre.

Estudios realizados de pinturas más tardes ejecutadas

por Leonardo da vinci


Manga estudio de la Anunciación

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El dibujo a pluma de la manga de Gabriel en la Anunciación Uffizi muestra el mismo estilo de gran alcance como el primer dibujo de Leonardo con firmeza atribuido Paisaje que data de 1473. La hoja de prueba la meticulosidad con que trabajaba el artista, e incluso detalles como los pliegues en la parte superior del brazo del ángel se prepararon en los bocetos para que él gane claridad sobre el rilievo.

Cabeza de mujer

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El dibujo detallado de la cabeza de una muchacha contiene elementos típicos de la escuela de Verrocchio, tales como los ojos puestos en diagonal con los alumnos considerablemente redondeadas y el pelo pintado en detalle meticuloso. Una relación entre este dibujo y María de la Anunciación en la predela en el Louvre muy bien ha sido establecida. La atribución del dibujo de Leonardo está ahora tan disputado como su datación.

Estudio de la Virgen y el Niño con un gato

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El dibujo de la composición está relacionada con la pintura de la Madona Benois, según lo indicado por la cabeza de María y de la ventana de trazado en el fondo. Leonardo trazó la composición desde el lado posterior, elaboró ​​la versión imagen de espejo con variaciones adicionales, y luego se aplica un lavado. No hay registro de una pintura de esta composición de Leonardo. El motivo de la Virgen con un gato fue representado más adelante en la pintura de un estudiante que se encuentra actualmente en la Pinacoteca de Brera, en Milán.

Estudio para la Virgen con el cuenco de fruta

Leonardo Da Vinci Su Arte Completo (Primera parte)


El dibujo de la Virgen con el frutero se relaciona en términos de su composición y de manera similar a las cifras reales de la Madona Benois. Se puede derivar de un estudio directo de la naturaleza que Leonardo producen generalmente en punta de plata. Mientras que volver a trabajar con pluma y tinta que ha intentado crear variaciones en la composición como en la pierna del niño.

Estudio de la cabeza de una mujer

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El dibujo es un estudio de la Madonna Litta.

Cabeza de una niña

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El eminente experto en arte Bernhard Berenson llama esta hoja ", el dibujo más bonito del mundo". Se cree que es un estudio para el ángel de la Virgen de las Rocas en el Museo del Louvre, París.

Estudios para un belén

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Leonardo dejó a cientos de cuadernos llenos de dibujos en los que explora las ideas, las composiciones, o invenciones. Su curiosidad le llevó a dibujar y descifrar diversos temas, tales como agua corriente, el cultivo de plantas y la anatomía humana. La serie de dibujos en esta hoja lo que programa Leonardo es explorar un tema que surgiría más tarde como la Virgen de las Rocas, en el que la Virgen se arrodilla sobre el niño Jesús, levantando su mano derecha en señal de bendición.

Estudio de perspectivo de la Adoración de los Magos

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En este estudio, en la perspectiva central, Leonardo trabajó con un fondo para la Adoración de los Magos. En el centro en la parte delantera ya hay una indicación de cómo Leonardo pretende lograr una conexión entre el espacio en perspectiva y el espacio figurativo, porque se ha esbozado en las rocas y pastos. En el panel tomó esta solución aún más, pero decidió omitir la construcción del techo previsto, lo que habría sido un recordatorio de la cueva de Belén.

Diseño para la Adoración de los Magos

Leonardo Da Vinci Su Arte Completo (Primera parte)



Este plan de la composición está claramente relacionado con el panel de la Adoración de los Magos, aunque la composición sufrió varias alteraciones antes de que Leonardo decida la última aparición de la imagen.

Estudio para Madonna con la Rueca

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El dibujo de tiza roja está generalmente conectado a la Madonna con la Rueca, como la figura femenina tiene una postura similar a la de la María representado en la que la pintura. Hay, sin embargo, una clara diferencia entre el giro de los cuerpos de las dos figuras, por lo que la datación de la página sigue siendo un tema de debate.

Leda y el cisne

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Hay dos dibujos de Leonardo de sobrevivientes, de rodillas, Leda y el cisne, uno en la colección de Devonshire, Chatsworth, el otro en el Museum Boijmans Van Beuningen, de Rotterdam.

Estudio para una Leda arrodillada

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Leda, la esposa del rey de Esparta, fue seducida por Zeus en forma de un cisne. Ella dio a luz a dos huevos de los cuales eclosionaron Helena, Clitemnestra, Cástor y Pólux. Esto y un segundo plan de composición en Chatsworth mostrar la Leda rodillas suavemente abrazando el cisne. Con su mano derecha está apuntando a los niños.

Cabeza de Leda

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El cabello trenzado con habilidad es, probablemente, un peinado inventado por Leonardo da Vinci. El estudio de la cabeza de Leda y peinado muestra una cabeza y el cuello modelado por medio de tramas a lo largo de las líneas de la forma. Leonardo paulatinamente introdujo esta técnica en sus dibujos poco antes de 1500. Anteriormente había utilizado sobre todo crías paralelas.

Los estudios de Leda y un caballo

Leonardo Da Vinci Su Arte Completo (Primera parte)



La lámina muestra varias etapas en el desarrollo de la composición de la Leda rodillas. El dibujo de la izquierda fue interpretada recientemente como un boceto que es en realidad una composición que muestra Santa Ana, María, el Niño Jesús, San Juan y un cordero. Es de ninguna manera imposible que Leonardo tendría cifras transferidos diseñados para un cristiano a un tema pictórico mitológico. El estudio de caballo proporciona los medios para salir con el tema de la Leda arrodillada con el mismo período, como la Batalla de Anghiari.

Diseño de Santa Ana

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María está intentando evitar que juege con el cordero de Jesús pero Ana le dice que deje que el niño sea. Jesús debe aceptar su destino, su muerte por la salvación de la humanidad, que está simbolizada por el cordero. El dibujo fue publicado por primera vez por Carlo Pedretti y llena la brecha entre una descripción contemporánea de un diseño para Santa Ana y la composición de sobrevivir de Leonardo sobre este tema. A pesar de que la atribución del dibujo de Leonardo está en disputa, no hay nada que sugiera que no podría haber sido producido en el taller de Leonardo.

Estudio de Santa Ana, María, el Niño Jesús y el joven San Juan

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La primera idea de esta composición con Santa Ana fue que el Niño Jesús y Santa Ana que tanto se inclinaba para el cordero de. Leonardo también concebido asi Ana, en una segunda posición, con la cabeza inclinada hacia María, aunque su mano todavía está descansando en el cuello del cordero. Detrás del grupo se coloca un paisaje que no tiene todavía la forma de que en la pintura del Louvre. El boceto de la composición anterior a la hoja con los bocetos de composición de los dibujos animados de la Burlington House.

Estudio de Santa Ana, María y el Niño Jesús

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Santa Ana está sentada mirando hacia la izquierda, María en su regazo está girando hacia la derecha. El Niño Jesús está volviendo la cabeza para hacer frente a Santa Ana, mientras que María está mirando a su hijo en una manera maternal. Con el brazo derecho del niño es la celebración de un objeto que ya no puede ser identificado. El boceto se produjo después del diseño en Venecia y, al igual que el diseño en Londres, data de entre 1503 y 1510.

Estudio de un niño

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El dibujo es un estudio para la Virgen y el Niño con Santa Ana (Louvre, París).

Cabeza de una mujer



El dibujo es un estudio para la Virgen y el Niño con Santa Ana (Louvre, París).

Estudio para la Virgen y el Niño con Santa Ana

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El estudio de la vestimenta de María ha sido elaborado con mucha sensibilidad. Leonardo utilizó lavados de color azul y marrón para dar a la prenda de vestir negro una delicadeza impresionante. Un segundo estudio, del mismo modo hábil en Windsor deja en claro cuán cuidadosamente se preparaba esta pintura.

Estudio para la historieta Burlington House

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El dibujo principal se reproduce el esquema compositivo de la historieta Burlington House, con una precisión que no se encuentra en cualquier otro diseño boceto de Leonardo. Los dibujos más pequeños de secundaria muestran cómo Leonardo desarrolló su composición. Leonardo trazada sobre el dibujo claro principal en su forma final con un lápiz de pizarra, de modo que se obtiene un dibujo fácilmente legible de la composición en el reverso, aunque al revés.

Diseño de San Juan en el desierto

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En su adorno sentado, la figura de san Juan el Bautista es una reminiscencia de esculturas clásicas. El hecho claro gesto con la mano derecha, la retórica ligeramente inclinada la cabeza y la forma en que se dirige hacia el observador sugieren Leonardo haber sido el autor de este dibujo, sobre todo porque la cabeza está más viva que la de la pintura en el Louvre. En 1974, el dibujo fue robado del museo y ha desaparecido, por lo que es difícil juzgar en la actualidad.

Cabeza de mujer

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Este dibujo precioso podría haber servido para una Madonna o un ángel andrógino de Leonardo, sonriendo con conocimiento interno de lo divino. Para modelar los rasgos delicados, utilizó rápidas líneas individuales, para incubar, y cerca de difuminarlos, que se corra el carbón blando o tiza. Su innovación revolucionaria es más visible en la parte izquierda de la cara, donde el contorno se funde en la sombra.


Estudios para la Última Cena

por Leonardo da Vinci


Estudio de la cabeza de un apóstol y el estudio de arquitectura

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La cabeza es un estudio de Santiago el Mayor en el que Leonardo se refería principalmente a la investigación de la expresión de la figura. La boca abierta y se amplió la mirada de crear la impresión de asombro. Además, la hoja incluye un estudio de arquitectura en la tinta, el diseño de una solución estética a la esquina de una pared de la fortaleza, que representa probablemente el arquitecto Leonardo en lugar de Leonardo el constructor de fortalezas.

Estudio para la Última Cena

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El diseño del trazado de la Última Cena de Leonardo muestra que en un principio planeado para mostrar simplemente el momento en que se anunció la presencia de un traidor. Se amplió esta escena algo hacia la derecha, que representa con más detalle. Junto a Jesús, Juan está sentado apoyado en la mesa. Judas es, de acuerdo con la tradición, representada en la parte frontal de la mesa y va en aumento con el fin de tomar el pan, con lo que se identificó como el traidor.

Estudio para la Última Cena

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Esta hoja es uno de los dibujos más notables que se han conectado con Leonardo. La composición recuerda mucho de la Última Cena. Una cosa hay un acuerdo total sobre, sin embargo, es que las cifras duras que no fueron dibujadas por Leonardo. Sin embargo, es posible que él produjo bocetos preliminares de algunos de ellos y que se sintieron atraídos por un estudiante. En cualquier caso, la escritura en espejo es un signo de que Leonardo utilizó este pedazo de papel.

Estudio para la Última Cena

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El dibujo - uno de los muchos estudios fisonómicos de los Apóstoles en la Última Cena - es un estudio para la cabeza de Judas.

Estudio para la Última Cena

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El dibujo - uno de los muchos estudios fisonómicos de los Apóstoles en la Última Cena - es un estudio para la cabeza de Felipe.

Estudio para la Última Cena

Leonardo Da Vinci Su Arte Completo (Primera parte)


El dibujo es, probablemente, un estudio a Pedro, aunque en el fresco de Leonardo pintó una figura más dinámica.

Jefe de Santiago el Menor

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Última Cena de Leonardo en el refectorio de Santa Maria delle Grazie, en Milán, generó muchas copias. Dado el estado se desintegró de la pintura mural, la primera de estas copias serve como valiosos documentos históricos, la preservación de los detalles a largo desaparecido o pintado posteriormente del original. Los jefes de tiza monumentales de Cristo y los apóstoles que aparecen aquí no son estudios preparatorios de Leonardo, como se pensaba, pero más tarde aparecen las copias. Sin embargo, no se sabe si son copias después de la pintura o después de los dibujos preparatorios perdidos.

Cabeza de San Andrés

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Cabeza de Judas

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Cabeza de San Juan Evangelista

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Cabeza de San Pedro

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Cabeza de Cristo

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Jefes de Judas y Pedro

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Cabezas de los santos Tomás y Santiago el Mayor

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Segunda Parte


http://www.taringa.net/posts/info/14302340/Leonardo-Da-Vinci-Su-Arte-Completo-_Segunda-parte_.html


Tercera Parte


http://www.taringa.net/posts/info/14315793/Leonardo-Da-Vinci-Su-Arte-Completo-_Tercera-parte_.html

6 comentarios - Leonardo Da Vinci Su Arte Completo (Primera parte)

251182 +2
un fenomeno da vinci... es incleible todo lo que hizo.. una de las cosas que mas me fascino fue lo del hombre de vitruvio..
mayimbu22
Impresionante el tipo la capacidad que tenia.
FOOORZ
quisiera tener la agilidad de dibujar como el
elvampirinho
lo malo que lo tradujiste muy mal, pero las obras ahi estan. salen +10