Hacer vibrar una cuerda es una de las formas más antiguas de producir un tono musical. El área proyectada por una cuerda es bastante pequeña y por ello una cuerda vibrante no produce un movimiento apreciable del aire que la rodea. Por esta razón, es costumbre acoplar a la cuerda una caja de resonancia (resonancia amplia), a fin de aumentar la salida sonora. La caja recibe las vibraciones de las cuerdas a través de los puentes de apoyo, y después las transmite al aire amplificadas



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Arpa

El arpa es un instrumento de cuerdas paralelas, tensadas a la tabla armónica o caja de resonancia. Se toca pulsando las cuerdas con los dedos de ambas manos. Las arpas modernas también incorporan siete pedales para elevar uno o dos semitonos cada una de las notas correspondientes a las cuerdas. Ha sido utilizada como recurso efectista en la orquesta por su sonido propicio para simular el agua, viento, remolinos, ensoñaciones, etc.

Registros y Timbres

Además de los sonidos normales, el arpista puede obtener nuevos timbres tocando cerca de la tabla armónica, con los etouffés (punteando las cuerdas con el pulgar y silenciándolos con la palma de la mano), con los típicos glissandos y los sonidos armónicos (obtenidos punteando con el pulgar mientras la palma de la mano roza la cuerda en su justa mitad).

Historia

Su origen es británico. Acompañaba el canto de los juglares y su imagen se asocia a la del rey David, aunque su verdadero instrumento era la lira. En 1720 Hochbrucker presentó el primer arpa de pedales, que luego perfeccionó Erard en 1811 con los pedales de doble acción. Su empleo en la orquesta data de Monteverdi pero su popularidad cayó desde el barroco con excepciones como las de Berlioz y otros artistas franceses, entre ellos Fauré, Debussy o Ravel.


Características

Las arpas modernas tienen siete pedales de doble acción: al pisarlos se puede optar por dos posiciones de cambio, una que tensa todas las cuerdas del mismo nombre (una de cada siete seguidas) en un semitono y otra posición que eleva la afinación en un tono entero (2 semitonos). Por esto es que la afinación básica del arpa es do bemol mayor (un semitono por debajo de cada uno de los tonos de do mayor). Combinando posiciones de los distintos pedales no sólo conseguimos la totalidad de las tonalidades y armaduras de clave posibles, sino que además pueden afinarse distintas notas al unísono por ejemplo, tensando el pedal del do hasta su posición máxima (do sostenido) y dejando el pedal del re en su posición más relajada (re bemol). Así se logra un especial trémolo al unísono llamado bisbigliando.

Sitio en la Orquesta

El arpa suele estar sola o acompañada del piano y la celesta, detrás de los violines, a la izquierda del director, en el extremo opuesto de los contrabajos.


Grandes Obras

• Haendel: Julio César.
• Mozart: Concierto para flauta y arpa.
• Gluck: Orfeo.
• Brahms: Cuatro cantos para coro con acompañamiento de arpa y trompas, Op. 17.
• Reinecke: Concierto.
• Reger: Variaciones sobre un tema de Hiller.
• Debussy: Sonata para viola, arpa y flauta.
• Salzedo: Estudio moderno del arpa.
• Hindemith: Sonata para arpa.


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Clave

De origen organológico, el clave es una cítara o salterio con mecanismo de pulsado, como todos los cordófonos de teclado (incluido el piano). Su nombre proviene de los modelos originarios, que tenía escrito el nombre de la nota correspondiente (determinada por una clave musical) sobre cada tecla. Hay varios tipos de instrumentos semejantes con nombres distintos, según su procedencia y la mecánica para accionar su sonido.

Registros y Timbres

Los distintos registros se activan con pedales o en forma manual (según el modelo) produciendo un efecto sonoro que deriva su nombre de los juegos de tubos del órgano: 8 pies, 16 pies, etc., aunque incorpora otros como el acoplamiento, la sordina y sus múltiples combinaciones.

Historia

Hacia el siglo XVIII se estableció su forma definitiva con doce teclas por octava y un ámbito de cerca de cinco octavas. Existen variantes que se agrupan en dos categorías principales, según sea el mecanismo de tangente (el clavicordio, descendiente del monocordio medieval, en el que la cuerda es dividida mediante una púa metálica interior) o de punteado, con plectros de cañones de plumas, como el clave, clavecín, clavicémbalo o cémbalo con forma de ala o piano de cola, así como los pequeños virginales y espinetas.

Grandes Obras

• Couperin: Ordres.
• J. S. Bach: El clave bien temperado.
• Poulenc: Concierto Campestre.
• Falla: Concierto para clave y 5 instrumentos.

Grandes solistas: Wanda Landowska. Ralph Kirkpatrick.
Constructores famosos
• Francia: Pleyel, Gaveau, Erard.
• Alemania: Assmann, Neupart, Steingráber.
• Inglaterra: Dolmetsch.

Sitio en la Orquesta

Indispensable en la orquesta del barroco, con la llegada del piano comienzó a declinar y sólo se recuperó entrado el siglo XX. Sus participaciones orquestales modernas son esporádicas.

Características

Hasta el siglo XVIII el clave desempeñaría un triple papel como instrumento guía de la orquesta (interpretado por el director del conjunto instrumental), de acompañamiento (compartiendo con el órgano el papel de bajo continuo) y como solista o concertante. Aunque ágil, su pobre variación dinámica (condicionada a los pedales o de registros manuales) lo opacó frente al piano. Cayó en desuso y fue recuperado para dar un aire antiguo y barroco a la interpretación, así como para la composición contemporánea. Además de las variantes citadas, se han diseñado claves con caja trapezoidal en vertical (clavecitherium), así como un claviórgano, que combinaba tubos de órgano y cuerdas punteadas


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Contrabajo

Es el instrumento más grave de cuerdas. Formaba parte del conjunto de las violas (llamándose violone) y en la actualidad pertenece a la familia de los violines. Como éstos, tiene cuatro cuerdas (ántes, tres) afinadas en cuartas justas y que suenan una octava más bajo que lo escrito en la clave de fa. Las orquestas modernas cuentan con algunos ejemplares con una quinta cuerda de do, por debajo del mi de la cuerda más grave del instrumento habitual.

Registro y Timbres

El contrabajo tiene fondo plano y hombros de ángulo agudo, como en las antiguas violas da gamba. Los contados momentos solistas suelen interpretarse en altas posiciones y en especial en la primera cuerda, porque las otras tienen un tono muy severo. Se toca con un pesado arco o en pizzicato, con los dedos de la mano derecha.

Historia

Siempre se tocó en posición vertical, apoyado en un puntal metálico extensible. Su arco es más corto y grueso que el de los otros instrumentos, y hasta hace poco era de curvatura convexa. Se incorporó a las orquestas reales francesas de violín en el siglo XVII. En el XVIII entraba en la plantilla de la orquesta de la ópera y se dedicaba exclusivamente a doblar a los violoncellos a una octava inferior. En el siglo XX su uso se popularizó con el jazz (especialmente con la técnica del pizzicato).

Grandes Obras

• Haydn: Concierto.
• Beethoven: Novena sinfonía (recitativos).
• Chaikovski: Scherzo de la Cuarta sinfonía.
• Mahler: Andante de la Primera sinfonía.
• Verdi: Solo de Otello.
• Koussevitski: Studio.
• Teuchert: Praktische Studien.
• Stravinski: Pulcinella (duo).
• Schoenberg: La noche transfigurada.

Sitio en la Orquesta

Los contrabajos suelen ubicarse en el extremo derecho del director. Las orquestas modernas suelen tener de 5 a 10 contrabajos, con un par de ellos (al menos) dotados de una quinta cuerda grave.

Características

Menos ágil que el violoncello. Algunos virtuosos consiguieron grandes velocidades en la interpretación de pasajes solistas. Hay dos escuelas de arco: la francesa, que lo toma por arriba, y la alemana, que lo hace con la palma de la mano hacia arriba. Aunque la extensión del diapasón y la separación de las notas hacen complicada su interpretación, el grosor de sus cuerdas posibilita la utilización de potentes sonidos armónicos. Su timbre opaco y severo (percusivo en el pizzicato) se transforma en expresivo en el agudo. Aún pudiendo aplicarse todas las arcadas violinísticas, su realización siempre es más compleja por el peso del arco. También son de buen resultado el pizzicato de armónicos, los glissandos, los glissandos de pizzicatos y aún las cuerdas dobles.


cuerda

Guitarra

Este instrumento posee seis cuerdas para ser pulsadas y su caja de resonancia tiene tapa de fondo plana y cintura. Las cuerdas se tensan en paralelo a un mástil plano con trastes que acortan la cuerda en semitonos al presionar sobre ellas con los dedos de la mano izquierda. Los dedos de la mano derecha se utilizan para pulsar y rasguear (pulsar varias cuerdas por barrido). Es un instrumento transpositor, ya que las notas se apuntan una octava por encima de lo que sonarán en realidad.

Registros y Timbres

Las cuerdas se pueden pulsar con las yemas de los dedos o con las uñas, aunque existe una técnica típica del flamenco llamada alzapúa, que usa sólo el pulgar de la mano derecha. Asimismo, se logra cierto efecto tímbrico si se puntea cerca del puente. Permite acompañar el rasgueado con acordes.

Historia

Descienden del antiguo laúd persa, el tar. Llegaron a Europa con la invasión árabe, logrando una fuerte presencia en España. En este destino, durante el siglo XIII conviven la guitarra morisca y la latina (de cuatro cuerdas dobles). Luego encontramos la vihuela de mano de fondo curvo, y la vihuela de peñola, que se tañe con una púa o plectro. En el siglo XVII se regresa al encordado doble para retomar el simple un siglo después. A fines del siglo XIX tiene lugar el diseño definitivo de la guitarra clásica.

Grandes Obras

• Tárrega: Recuerdos de la Alhambra.
• Rodrigo: Concierto de Aranjuez.
• Otros compositores: Fernando Sor, Mauro Giuliani, Heitor Villa-Lobos, Mano Castelnuovo Tedesco.

Guitarristas famosos
• Estilo clásico: Andrés Segovia. John Williams. Julián Bream. Ernesto Bitetti.
• Estilos populares: Paco de Lucía. Egberto Gismonti.

Sitio en la Orquesta

No es habitual su presencia como parte de la orquesta (por ejemplo, la Séptima sinfonía de Mahler y obras de cámara de Schoenberg), pero participa en muchos conjuntos de música popular, en especial en Latinoamérica y ciertas regiones de Europa.

Características

Además de las variantes con amplificación eléctrica (guitarras y bajos eléctricos) existen muchas versiones como el arpeggione de cuerdas frotadas con arco del siglo XIX, el pequeño cavaquinho brasileño, el requinto mexicano, el charango andino, el banjo afroamericano y la balalaika rusa. Ejecutarla requiere una técnica y aprendizaje especializados. Se utiliza como solista o para acompañar el canto y a otros instrumentos. Son característicos los trémolos de unísono, los sonidos armónicos, los distintos tipos de rasgueados (según el sentido del barrido y los dedos usados), como también pequeñas percusiones en la caja y sobre las cuerdas. Aunque se incorporó tarde a la música clásica, hoy su enseñanza se ofrece en todos los conservatorios del mundo.


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Laud

Son los instrumentos de cuerda más extendidos del mundo en sus diversas variantes. Existen ejemplares que se puntean con los dedos, con plectros e incluso frotando las cuerdas con un arco. Caracterizado por la comba de su caja de resonancia en forma de pera, su nombre proviene del árabe 'úd (que significa madera o palo) y llegó a Europa desde el Magreb y España. En Europa adoptaron la forma de laúdes, tiorbas, mandolinas, bandurrias, chitarrones y sistros.

Registros y Timbres

De timbre seco y punzante, poco a poco fue desplazado por la guitarra (a partir del siglo XVIII). Las tiorbas tenían un sonido oscuro y se empleaban como primitivos contrabajos. En cambio la mandolina es alegre y chispeante, y suele acoplarse muy bien en conjuntos homogéneos de pulso.

Historia

Llegó a Occidente en el siglo IX y tuvo una gran popularidad durante el Renacimiento generando la producción de una amplia literatura. En el siglo XVI se construyeron archilaúdes con cuerdas graves añadidas y tiorbas con dos juegos de cuerdas y clavijeros separados para los graves, siendo el chitarrone una variante de mástil que alcanza casi los dos metros de altura. La mandolina, en cambio, desciende de la antigua mandora popular, y hoy tiene diez cuerdas en grupos de cuatro órdenes.

Grandes Obras

Laúd
• Dowland: Ayres.
• Bésard: Thesaurus harmonicus.
• Visee: Piezas de tiorba y de laúd en partitura.
• Solistas: Julián Bream. Konrad Ragossnig.

Mandolina
• Vivaldi: 2 Conciertos.
• Mozart: Don Giovanni.
• Mahler: La canción de la tierra.

Sitio en la Orquesta

Aunque no integra la orquesta moderna, es indispensable en cualquier formación de música medieval y renacentista. En la actualidad, también participa en algunas formaciones populares, a las que brinda un color étnico y antiguo.

Características

Los laúdes europeos suelen ejecutarse con plectro, pero existen escuelas de pulso.
Sus cuerdas se agrupan en órdenes de dos o tres, afinadas al unísono o a la octava, y se pulsan y pisan juntas. Esta combinación, que amplifica el sonido, produce cierta lentitud en la ejecución comparado con el de la guitarra, aunque en la digitación de la mano izquierda son muy similares. Los de origen árabe a veces no poseen trastes, y esto permite un mejor control de las escalas orientales. El oud, que se encuentra en toda la cuenca sur y oriental del Mediterráneo, tiene cuatro o cinco cuerdas afinadas por cuartas justas, excepto las dos primeras, que se afinan por segundas.


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Piano

Nació en el siglo XVIII con la intención de mejorar el control dinámico y la expresividad de los instrumentos de tecla como el clave y se convirtió en una potente herramienta para la composición, el arreglo, el acompañamiento, la música de cámara y el medio sinfónico. Este instrumento tiene cuerdas percutidas por macillos afelpados en el interior de una caja de resonancia. Esos macillos se accionan por teclas y un complejo mecanismo de muelles y contrapesos.

Registros y Timbres

Los pianos pueden ser verticales (con el bastidor perpendicular a las teclas) u horizontales (llamados de cola o concierto). Los modernos tienen dos o tres pedales: el derecho para levantar los amortiguadores del sonido, el izquierdo para aplicar la sordina y un tercero que desplaza el mecanismo para percutir una sola cuerda por tecla.

Historia

En 1711 Bartolomeo Cristofori presentó en Florencia su gravicémbalo con piano y forte y el monje inglés Wood mostró su forte-piano en Roma. En París, el inventor Marius ideó un clave con macillos que percuten las cuerdas interiores, en lugar de pulsarlas como hasta ese momento. En 1717 Schróter dio a conocer su hammerklavier, que Silbermann decidió lanzar al mercado en 1726. Zumpe introdujo el nuevo instrumento en Londres en 1760 y Sebastian Erard hizo lo propio en París, perfeccionándolo a partir de 1775.

Grandes Obras

• Haydn: 50 Sonatas.
• Mozart: 18 Sonatas, 3 Rondas, 3 Fantasías.
• Beethoven: 32 Sonatas, Para Elisa.
• Schubert: 15 Sonatas, 6 Momentos musicales, 4 Impromptus.
• Schumann: Kreisleriana.
• Chopin: 16 Polonesas, 58 Mazurkas, 2 Conciertos.
• Liszt: Transcripciones, estudios, Años de peregrinación.
• Brahms: Variaciones sobre un tema de Haydn (dos pianos).
• Rachmaninov: Variaciones sobre un tema de Paganini (piano y orquesta).
• Chaikovsky: Concierto para piano en si bemol menor.
• Gershwin: Concierta para piano en fa mayor.

Sitio en la Orquesta

Aunque no siempre participa en la orquesta, a veces forma un subgrupo especial con el arpa y otros instrumentos poco habituales. Como tal se utiliza un piano vertical, mientras que para los conciertos solistas se utiliza el de cola.

Características

Técnicamente, el piano es el instrumento más versátil, ya que abarca un ámbito tonal importante (entre cinco y ocho octavas) y posibilita la interpretación de varias voces simultáneas con características particulares y distintas. Desde el romanticismo, el piano se ha convirtió en diario de la creación musical, en laboratorio de nuevas propuestas de estilo y en interfaz entre el artista y su creación, promoviendo una literatura propia, que poco a poco se va distanciando de sus antecesores de teclado, dando lugar a nuevas sonoridades. Casi todos los compositores, desde el siglo XIX y hasta nuestros días, compusieron una parte de su obra para este instrumento.


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Viola

Con ciertas diferencias de fabricación y tamaño, es un instrumento de cuerda semejante al violín, aunque afinado una quinta más bajo. Su tesitura es la del alto, nombre con el que se la conoce en muchos países. Se escribe con clave de do en tercera línea (excepto para las notas más agudas, en las que se recurre a la clave de sol), estando sus tres cuerdas más agudas afinadas como las tres más graves del violín. Participa como bloque en la orquesta y en los cuartetos de arco.

Registro y Timbres

Su timbre es levemente nasal, aunque delicado y melancólico, poco brillante pero de una característica languidez. Aunque durante el último siglo ganó apoyo entre los compositores, fue usada como instrumento de "relleno armónico" tocando arpegios, escalas y otras figuraciones de acompañamiento.

Historia

Comparte antecedentes históricos con el violín aunque posee sus propias variantes, como la antigua viola da braccio (que se apoyaba en el antebrazo o en el muslo), de donde proviene su nombre en alemán, bratsche. También hubo una viola d'amore de siete cuerdas, más otras siete que comenzaban a vibrar por el fenómeno acústico de la simpatía al pasar el arco por la superior. En el siglo XVII, aún existía la viola pomposa, un violoncello con una quinta cuerda adicional en el agudo.

Grandes Obras

• Mozart: Sinfonía concertante.
• Weber: Der Freichütz (romanza).
• Schumann: Marchenbilder.
• Berlioz: Harold en Italia.
• Joachim: Melodías hebreas.
• Brahms: Dos lieder con viola obligada.
• R. Strauss: Don Quijote (Sancho Panza).
• Rubinstein: Sonata Op. 49.
• Reger: Tres suites Op. 131.
• Hindemith: Concierto, Sonatas.

Sitio en la Orquesta

Las orquestas modernas cuentan con aproximadamente doce violistas en los primeros atriles a la derecha del director, entre los segundos violines y los violoncellos.

Características

Permite casi los mismos golpes de arco que el violín, por lo que es habitual que los violistas se retiren de las filas de los violinistas con dedos más gordos o fuertes. Excepto la tesitura y el mayor grosor de las cuerdas, su técnica de interpretación es idéntica a la del violín, aunque con un mayor tamaño en su tastiera (superficie sobre la que se presionan las cuerdas con los dedos de la mano izquierda, llamada diapasón). Las violas antiguas del XVII y XVIII eran más similares en su construcción al contrabajo actual (con agujeros en la tapa en forma de C en lugar de F) y mantenían los hombros más caídos que en el violín.


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Violín

Es un instrumento de cuatro cuerdas frotadas con arco, sostenida perpendicular al cuerpo del intérprete entre el hombro izquierdo y el mentón. Es el instrumento más representativo de la música erudita europea e integra de modo privilegiado la orquesta, donde se agrupa en dos bloques de primeros y segundos violines, compuestos por diez o más músicos. Asimismo, participa en la música de cámara (en especial en los cuartetos de arco, junto a la viola y el violoncello), así como también en algunos géneros populares.

Registros y Timbres

Aunque es de reducido tamaño, el violín tiene una gran potencia acústica y conserva sus cualidades tímbricas, consiguiendo un equilibrio perfecto entre agudos y graves y posibilitando prolongar las notas sin límite. Es capaz de expresarse a través de armónicos, pizzicatos, glissandos, etc., además de los sonidos naturales.

Historia

Al haber sido tan difundido por el mundo, resulta difícil establecer su correcta genealogía. En la Edad Media encontramos la viela de arco, de fondo plano y con dos a seis cuerdas, que se perfeccionó en la renacentista, hasta llegar a su transformación en el violín moderno a partir del siglo XVI, cuando se estableció una tradición de excelentes fabricantes (violeros) en la ciudad de Cremona. Por su parte, el arco evolucionó desde su curvatura antigua a la actual, y esto permite un mejor tensado de las crines.

Grandes Obras

• Vivaldi: Conciertos, Concerti Grossi.
• J. S. Bach: 6 Sonatas para violín solo.
• Paganini: Caprichos.
• Beethoven: 10 Sonatas.
• Brahms: 3 Sonatas para violín y piano.
• Bruch: 3 Conciertos.
• Tchaikovski: Concierto en re, Serenata melancólica.
• Bartók: 6 Cuartetos de cuerda.

Sitio en la Orquesta

Los violines ocupan una posición muy importante en la orquesta, como portavoces de la melodía principal. Ocupan varios atriles en las primeras filas, a la izquierda del director, agrupándose en dos bloques de primeros y segundos violines.

Características

Está afinado por quintas justas. Es capaz de remontar a agudos en el umbral de la audición y su extensión melódica sólo está limitada por el grave. Su timbre es lírico, pero también puede ser dramático y amenazador. El intérprete cuenta con una gran variedad de golpes de arco que producen efectos diferentes (por la dirección de la arcada, la parte del arco usada y la presión ejercida en las cuerdas). Se pueden pulsar las cuerdas con los dedos (pizzicatos) o conseguir sonidos armónicos aflautados mediante digitaciones espaciales de la mano izquierda. Merced a la curvatura del puente, es posible tocar dos y hasta tres cuerdas a la vez, así como utilizar una sordina que se monta y desmonta con facilidad.


cuerda

Violoncello

Es un instrumento de cuatro cuerdas con arco derivado del antiguo bajo de viola. Reemplazó a la viola da gamba a partir del siglo XVII. Es el tenor de las cuerdas, aunque en los cuartetos de arco actúa el papel de bajo. Afinado como la viola, pero una octava más abajo, por lo que utiliza la clave de fa, aunque en ocasiones también emplea la clave de do en cuarta línea y aún la de sol en segunda. Se ejecuta apoyando el puntal extensible en el suelo y reclinado entre las piernas.

Registros y Timbres

El registro grave es oscuro y misterioso, adquiere rudeza de acuerdo a la intensidad dinámica. El registro medio es menos típico que el agudo varonil, similar a un tenor humano. Con él pueden producirse timbres especiales según la arcada, el sitio y presión de la misma, como también con sonidos armónicos y pizzicatos.

Historia

Nació en Italia hacia 1660 y a partir de 1680 se encontró en la orquesta de la ópera imperial de Viena. En 1709 la orquesta de la corte de Dresde contó con cuatro violoncellistas. En el siglo XVII los violeros Saló y Amati le dieron la forma que conocemos hoy, perfeccionada después por Stradivari. Su primer intérprete famoso fue Domenico Gabrielli de Bolonia. Boccherini por su lado incorporó la técnica del capotasto o cejuela de pulgar izquierdo, y otros ampliaron sus posibilidades melódicas en el agudo.

Grandes Obras

• J. S. Bach: Seis Suites a solo.
• Haydn: Concierto.
• Boccherini: Concierto.
• Schumann: Concierto en la menor.
• Dvorak: Concierto.
• Chaikovski: Variaciones rococó.
• Ravel: Dúo para violín y violoncello.
• Villa-Lobos: Bachianas brasileñas.
• Schoenberg: Concierto.

Sitio en la Orquesta

Situados en un número de 6 a 12 en la primera fila de atriles, en el extremo derecho del director. A su izquierda se encuentran las violas y, detrás de ellos, los contrabajos.

Características

Con el arco más corto y robusto, pero se asemejan a las del violín y la viola. También resulta muy efectista el pizzicato, que se hace más percusivo y seco en las digitaciones más cercanas al puente. Incluso se pueden hacer rasgueados pizzicato como en las guitarras. Es ágil en relación a las dificultades de un diapasón largo que exige firmeza y precisión. Es especial el logro de sus sonidos armónicos, más sonoros que en el violín, que posibilitan tocar melodías enteras aplicando la técnica del capotasto. Son excelentes sus glissandos e incluso sus cuerdas dobles y acordes, eso lo convierte en en una ensoñadora voz solista y un instrumento ideal para el bajo continuo.


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