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Arte de verdad... no lo que hacia Peña parte 1

Este post es para aquellos que hacen mil homenajes a Fernado Peña. Me parece que en nuestro pias el nivel cultural de la poblaión se ha perdido, no puedo creer como alguien tan grosero sea considerado un artista. Seamos sinceros,Peña no dejaba de decir malas palabras y mofarse de la desgracias ajenas y de su prpia enfermedad(que él decidio asumir).
Me da bronca como los ignorantes lo defienden, si es un genio por ser grosero y atacar a Delia(el cual "odio" me parece que estamos muy mal. Es por eso alguien de la talla de Pablo Lescano canta el himno a Sarmiento en plena 9 de Julio.
Debríamos reemplantearnos como argentinos que considreamos arte de buen gusto, deberíamos plantearnos quienes deben ser los referentes de nuestros hijos. Comparen verdaderos genios!!!

link: http://www.videos-star.com/watch.php?video=XhIzuNhQ9VQ

Vincent Van Gogh (1853-1890): su vida

En enero de 1889, después de 14 días de ingreso en el manicomio de Arles, Van Gogh pinta dos autorretratos "con la oreja vendada". En ellos, aparece con un aparatoso vendaje que le cubre la herida que él mismo se produjo al automutilarse y cortarse su oreja derecha con una navaja de afeitar.

Conocemos bastante bien cómo sucedieron los hechos, el 23 de diciembre de 1888, a través de la narración del pintor Paul Gauguin (a quien Van Gogh había invitado a compartir su casa de Arles) y de noticias en periódicos de la época.

"¡Dios mío, qué día! Al atardecer, tras un parvo refrigerio, salí a dar una vuelta. Había casi cruzado la plaza de Victor Hugo cuando escuché tras de mí el sonido familiar de unos pasos, rápidos pero irregulares. Me volví justo en el momento en que Vincent se abalanzaba, con una navaja de afeitar abierta en la mano. La expresión de mi mirada debió ser terrible, pues paré, y bajando la cabeza corrió en dirección a la casa... Alquilé una habitación en el hotel más próximo y pasé allí la noche, donde, lógicamente tenso, tardé en dormirme. Me desperté a las siete y media... encontré un grupo de gente a la puerta de la casa, con varios guardias, y el comisario." "Resulta que Van Gogh, al regresar a casa, inmediatamente se cortó la oreja. Debió tardar bastante en controlar la hemorragia, pues, al día siguiente hallamos varias toallas ensangrentadas por el suelo de las dos habitaciones inferiores. Al encontrarse mejor, con una boina vasca bien ladeada marchó a una casa en la que se puede lograr un encuentro casual, y le dio a la portera la oreja, cuidadosamente lavada y metida en un sobre. "Aquí hay, dijo, un recuerdo mío". Regresó a la casa, se metió en la cama y se durmió... Yacía en el lecho, enteramente cubierto por las mantas, encogido como, un rosco; parecía sin vida. Suave, muy suavemente, toqué su cuerpo, le noté con vida... En voz muy baja le dije al comisario: Por favor, despierte con cuidado a este hombre, y si pregunta por mí diga que me he marchado a París; el verme puede resultar fatal....."

Paul Gauguin

La policía lleva a Van Gogh al hospital de Arles, donde es atendido por el Dr. Félix Rey, quien hace gala de un optimismo injustificado y califica de "pasajera" la "sobreexcitación" del pintor, por lo que le da el alta el día 7 de enero. El propio Van Gogh le escribe a su hermano Theo que "las intolerables alucinaciones han cesado, a fuerza de tomar bromuro de potasio".

El 9 de febrero debe ingresar de nuevo, tras irrumpir en una casa (cuya dueña se desmaya del susto), presa de ideas delirantes de ser envenenado.

De nuevo, el Dr. Rey es optimista con el enfermo, y es dado de alta en poco tiempo. El alcalde de Arles, recibe una carta firmada por 80 vecinos que solicitan la reclusión de Van Gogh, al que consideran un peligro público. La policía precinta su casa y le interna en el hospital contra su voluntad. Durante su estancia, continua pintando lo que ve, como La sala del hospital de Arles o El patio del hospital de Arles . Al encontrarse ausente el Dr. Rey, su estancia se prolonga hasta primeros de mayo, cuando su amigo Signac logra su alta, al ofrecerse a vivir con él en "la casa amarilla".

Al comprobar su "desvarío", Signac le sugiere que regrese al hospital.

En abril, Van Gogh había solicitado su ingreso voluntario en el manicomio de Saint Paul de Mausole, cerca de San Remy de Provence, a 27 km de Arles. El 8 de mayo, a los 37 años, Van Gogh ingresa en San Remy, donde permanecerá casi un año. Allí gozará de un régimen especial, disponiendo de una habitación dormitorio y un estudio-taller. Se le permite pintar en el campo, acompañado de algún vigilante. De esta etapa son muchos de sus cuadros más conocidos, inspirados en los cipreses, olivos, almendros en flor y campos de trigo que rodeaban el hospital, o en los lirios que crecían junto al camino que conducía a la casa del Dr. Gachet.

Al salir de San Remy, en mayo de 1890, marcha a París, para visitar a su hermano Theo y conocer a su cuñada y su sobrino.

Vincent no desea "la vida ficticia de artista en París", y se traslada a Auvers sur Oise, donde vive su médico, el Dr. Paul Ferdinad Gachet, con la esperanza de poder pintar y ser atendido en caso necesario.

El Dr. Gachet era un médico de 72 años, singular y excéntrico, amigo de algunos impresionistas (Pisarro, Renoir, Monet,…) y, también, pintor y excelente grabador. De él opinaba Van Gogh que "me parece que está tan chiflado como yo". El Retrato del Dr. Gachet es considerado por muchos el mejor retrato de Van Gogh. Existe un dibujo preparatorio del cuadro.

Gachet era viudo y vivía - en una hermosa casa en la cumbre de Auvers - con su hija Margarita, también retratada por Van Gogh, y otro hijo. Al doctor le gustaba pasear por el pueblo con una cabra ("Enriqueta" tocado con una gorra de oficial, recuerdo de su pasado de médico militar durante el sitio de París.

Aunque el Dr. Gachet tenía una gran opinión de Van Gogh como pintor, fue una mala decisión confiarle su cuidado, pues sólo residía en el pueblo tres día por semana y, no siendo especialista en enfermedades mentales, atribuía su desequilibrio al efecto "de la luz del Sur, demasiado intensa para su constitución norteña" así como a una cierta "intoxicación por el aguarrás".

Van Gogh no abandona la bebida, inducido por su amistad con una panda de jovenzuelos juerguistas, que acaban asustándose en una de las explosiones de agresividad del pintor. También discute con Gachet, por un motivo tan inocente como no haberle puesto un marco a uno de los cuadros que le había regalado.

Abatido por su total dependencia económica de su hermano Theo - quien tiene graves problemas de dinero debido a dificultades en su empleo, a la enfermedad de su hijo y a su propia enfermedad (morirá seis meses después que Vincent) -, Van Gogh se sume en un profundo abatimiento que le conducirá a pegarse un tiro junto al corazón con un revólver que le había prestado su posadero para espantar los cuervos que aparecen en uno de sus últimos cuadros. Era el 27 de julio de 1890. Todavía tardará dos días más en morir. Junto a su cabecera, le acompañará su inseparable y abnegado hermano, Theo.

Bibliografía:

Vallejo Nájera, Juan Antonio. Locos Egregios. Edit. Dossat (17º ed); Madrid, 1986: p. 262-287.
Walther, Ingo F. Van Goch: Visión y Realidad. Edit. Beneditk Taschen Verlag GmbH; Greven (Alemania), 1993.
Arte de verdad... no lo que hacia Peña parte 1
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LEONARDO DA VINCI:
Nació en 1452 en la villa toscana de Vinci, hijo natural de una campesina, Caterina (que se casó poco después con un artesano de la región), y de Ser Piero, un rico notario florentino. Italia era entonces un mosaico de ciudades-estados como Florencia, pequeñas repúblicas como Venecia y feudos bajo el poder de los príncipes o el papa. El Imperio romano de Oriente cayó en 1453 ante los turcos y apenas sobrevivía aún, muy reducido, el Sacro Imperio Romano Germánico; era una época violenta en la que, sin embargo, el esplendor de las cortes no tenía límites.

A pesar de que su padre se casó cuatro veces, sólo tuvo hijos (once en total, con los que Leonardo acabó teniendo pleitos por la herencia paterna) en sus dos últimos matrimonios, por lo que Leonardo se crió como hijo único. Su enorme curiosidad se manifestó tempranamente, dibujando animales mitológicos de su propia invención, inspirados en una profunda observación del entorno natural en el que creció. Giorgio Vasari, su primer biógrafo, relata cómo el genio de Leonardo, siendo aún un niño, creó un escudo de Medusa con dragones que aterrorizó a su padre cuando se topó con él por sorpresa.
Consciente ya del talento de su hijo, su padre lo autorizó, cuando Leonardo cumplió los catorce años, a ingresar como aprendiz en el taller de Andrea del Verrocchio, en donde, a lo largo de los seis años que el gremio de pintores prescribía como instrucción antes de ser reconocido como artista libre, aprendió pintura, escultura, técnicas y mecánicas de la creación artística. El primer trabajo suyo del que se tiene certera noticia fue la construcción de la esfera de cobre proyectada por Brunelleschi para coronar la iglesia de Santa Maria dei Fiori. Junto al taller de Verrocchio, además, se encontraba el de Antonio Pollaiuollo, en donde Leonardo hizo sus primeros estudios de anatomía y, quizá, se inició también en el conocimiento del latín y el griego.

Juventud y descubrimientos técnicos

Era un joven agraciado y vigoroso que había heredado la fuerza física de la estirpe de su padre; es muy probable que fuera el modelo para la cabeza de San Miguel en el cuadro de Verrocchio Tobías y el ángel, de finos y bellos rasgos. Por lo demás, su gran imaginación creativa y la temprana maestría de su pincel, no tardaron en superar a las de su maestro: en el Bautismo de Cristo, por ejemplo, donde un dinámico e inspirado ángel pintado por Leonardo contrasta con la brusquedad del Bautista hecho por Verrocchio.

El joven discípulo utilizaba allí por vez primera una novedosa técnica recién llegada de los Países Bajos: la pintura al óleo, que permitía una mayor blandura en el trazo y una más profunda penetración en la tela. Además de los extraordinarios dibujos y de la participación virtuosa en otras obras de su maestro, sus grandes obras de este período son un San Jerónimo y el gran panel La adoración de los Magos (ambos inconclusos), notables por el innovador dinamismo otorgado por la maestría en los contrastes de rasgos, en la composición geométrica de la escena y en el extraordinario manejo de la técnica del claroscuro.

Florencia era entonces una de las ciudades más ricas de Europa; sus talleres de manufacturas de sedas y brocados de oriente y de lanas de occidente, y sus numerosas tejedurías la convertían en el gran centro comercial de la península itálica; allí los Médicis habían establecido una corte cuyo esplendor debía no poco a los artistas con que contaba. Pero cuando el joven Leonardo comprobó que no conseguía de Lorenzo el Magnífico más que alabanzas a sus virtudes de buen cortesano, a sus treinta años decidió buscar un horizonte más prospero.

Primer período milanés

En 1482 se presentó ante el poderoso Ludovico Sforza, el hombre fuerte de Milán por entonces, en cuya corte se quedaría diecisiete años como «pictor et ingenierius ducalis». Aunque su ocupación principal era la de ingeniero militar, sus proyectos (casi todos irrealizados) abarcaron la hidráulica, la mecánica (con innovadores sistemas de palancas para multiplicar la fuerza humana), la arquitectura, además de la pintura y la escultura. Fue su período de pleno desarrollo; siguiendo las bases matemáticas fijadas por León Bautista Alberti y Piero della Francesca, Leonardo comenzó sus apuntes para la formulación de una ciencia de la pintura, al tiempo que se ejercitaba en la ejecución y fabricación de laúdes.

Estimulado por la dramática peste que asoló Milán y cuya causa veía Leonardo en el hacinamiento y suciedad de la ciudad, proyectó espaciosas villas, hizo planos para canalizaciones de ríos e ingeniosos sistemas de defensa ante la artillería enemiga. Habiendo recibido de Ludovico el encargo de crear una monumental estatua ecuestre en honor de Francesco, el fundador de la dinastía Sforza, Leonardo trabajó durante dieciséis años en el proyecto del «gran caballo», que no se concretaría más que en una maqueta, destruida poco después durante una batalla.

Resultó sobre todo fecunda su amistad con el matemático Luca Pacioli, fraile franciscano que en 1494 publicó su tratado de la Divina proportione, ilustrada por Leonardo. Ponderando la vista como el instrumento de conocimiento más certero con que cuenta el ser humano, Leonardo sostuvo que a través de una atenta observación debían reconocerse los objetos en su forma y estructura para describirlos en la pintura de la manera más exacta. De este modo el dibujo se convertía en el instrumento fundamental de su método didáctico, al punto que podía decirse que en sus apuntes el texto estaba para explicar el dibujo, y no éste para ilustrar a aquél, por lo que Da Vinci ha sido reconocido como el creador de la moderna ilustración científica.

El ideal del saper vedere guió todos sus estudios, que en la década de 1490 comenzaron a perfilarse como una serie de tratados (inconclusos, que fueron recopilados luego en el Codex Atlanticus, así llamado por su gran tamaño). Incluye trabajos sobre pintura, arquitectura, mecánica, anatomía, geografía, botánica, hidráulica, aerodinámica, fundiendo arte y ciencia en una cosmología individual que da, además, una vía de salida para un debate estético que se encontraba anclado en un más bien estéril neoplatonismo.

Aunque Leonardo no parece que se preocupara demasiado por formar su propia escuela, en su taller milanés se creó poco a poco un grupo de fieles aprendices y alumnos: Giovanni Boltraffio, Ambrogio de Predis, Andrea Solari, su inseparable Salai, entre otros; los estudiosos no se han puesto de acuerdo aún acerca de la exacta atribución de algunas obras de este período, tales como la Madona Litta o el retrato de Lucrezia Crivelli. Contratado en 1483 por la hermandad de la Inmaculada Concepción para realizar una pintura para la iglesia de San Francisco, Leonardo emprendió la realización de lo que sería la celebérrima Virgen de las Rocas, cuyo resultado final, en dos versiones, no estaría listo a los ocho meses que marcaba el contrato, sino veinte años más tarde. La estructura triangular de la composición, la gracia de las figuras, el brillante uso del famoso sfumato para realzar el sentido visionario de la escena, convierten a ambas obras en una nueva revolución estética para sus contemporáneos.

A este mismo período pertenecen el retrato de Ginevra de Benci (1475-1478), con su innovadora relación de proximidad y distancia y la belleza expresiva de La belle Ferronière. Pero hacia 1498 Leonardo finalizaba una pintura mural, en principio un encargo modesto para el refectorio del convento dominico de Santa Maria dalle Grazie, que se convertiría en su definitiva consagración pictórica: La última cena. Necesitamos hoy un esfuerzo para comprender su esplendor original, ya que se deterioró rápidamente y fue mal restaurada muchas veces. La genial captación plástica del dramático momento en que Cristo dice a los apóstoles «uno de vosotros me traicionará» otorga a la escena una unidad psicológica y una dinámica aprehensión del momento fugaz de sorpresa de los comensales (del que sólo Judas queda excluido). El mural se convirtió no sólo en un celebrado icono cristiano, sino también en un objeto de peregrinación para artistas de todo el continente.

El regreso a Florencia

A finales de 1499 los franceses entraron en Milán; Ludovico el Moro perdió el poder. Leonardo abandonó la ciudad acompañado de Pacioli y tras una breve estancia en casa de su admiradora la marquesa Isabel de Este, en Mantua, llegó a Venecia. Acosada por los turcos, que ya dominaban la costa dálmata y amenazaban con tomar el Friuli, la Signoria contrató a Leonardo como ingeniero militar.

En pocas semanas proyectó una cantidad de artefactos cuya realización concreta no se haría sino, en muchos casos, hasta los siglos XIX o XX, desde una suerte de submarino individual, con un tubo de cuero para tomar aire destinado a unos soldados que, armados con taladro, atacarían las embarcaciones por debajo, hasta grandes piezas de artillería con proyectiles de acción retardada y barcos con doble pared para resistir las embestidas. Los costes desorbitados, la falta de tiempo y, quizá, las excesivas (para los venecianos) pretensiones de Leonardo en el reparto del botín, hicieron que las geniales ideas no pasaran de bocetos. En abril de 1500 Da Vinci entró en Florencia, tras veinte años de ausencia.

César Borgia, hijo del papa Alejandro VI, hombre ambicioso y temido, descrito por el propio Maquiavelo como «modelo insuperable» de intrigador político y déspota, dominaba Florencia y se preparaba para lanzarse a la conquista de nuevos territorios. Leonardo, nuevamente como ingeniero militar, recorrió los terrenos del norte, trazando mapas, calculando distancias precisas, proyectando puentes y nuevas armas de artillería. Pero poco después el condottiero cayó en desgracia: sus capitanes se sublevaron, su padre fue envenenado y él mismo cayó gravemente enfermo. En 1503 Leonardo volvió a la ciudad, que por entonces se encontraba en guerra con Pisa y concibió allí su genial proyecto de desviar el río Arno por detrás de la ciudad enemiga cercándola y contemplando la construcción de un canal como vía navegable que comunicase Florencia con el mar: el proyecto sólo se concretó en los extraordinarios mapas de su autor.

Pero Leonardo ya era reconocido como uno de los mayores maestros de Italia. En 1501 había causado admiración con su Santa Ana, la Virgen y el Niño; en 1503 recibió el encargo de pintar un gran mural (el doble del tamaño de La última cena) en el palacio Viejo: la nobleza florentina quería inmortalizar algunas escenas históricas de su gloria. Leonardo trabajó tres años en La batalla de Angheri, que quedaría inconclusa y sería luego desprendida por su deterioro. Importante por los bocetos y copias, éstas admirarían a Rafael e inspirarían, un siglo más tarde, una célebre de Peter Paul Rubens.

También sólo en copias sobrevivió otra gran obra de este periodo: Leda y el cisne. Sin embargo, la cumbre de esta etapa florentina (y una de las pocas obras acabadas por Leonardo) fue el retrato de Mona Lisa. Obra famosa desde el momento de su creación, se convirtió en modelo de retrato y casi nadie escaparía a su influjo en el mundo de la pintura. La mítica Gioconda ha inspirado infinidad de libros y leyendas, y hasta una ópera; pero poco se sabe de su vida. Ni siquiera se conoce quién encargó el cuadro, que Leonardo se llevó consigo a Francia, donde lo vendió al rey Francisco I por cuatro mil piezas de oro. Perfeccionando su propio hallazgo del sfumato, llevándolo a una concreción casi milagrosa, Leonardo logró plasmar un gesto entre lo fugaz y lo perenne: la «enigmática sonrisa» de la Gioconda es uno de los capítulos más admirados, comentados e imitados de la historia del arte y su misterio sigue aún hoy fascinando. Existe la leyenda de que Leonardo promovía ese gesto en su modelo haciendo sonar laúdes mientras ella posaba; el cuadro, que ha atravesado no pocas vicisitudes, ha sido considerado como cumbre y resumen del talento y la «ciencia pictórica» de su autor.

De nuevo en Milán: de 1506 a 1513

El interés de Leonardo por los estudios científicos era cada vez más intenso: asistía a disecciones de cadáveres, sobre los que confeccionaba dibujos para describir la estructura y funcionamiento del cuerpo humano. Al mismo tiempo hacía sistemáticas observaciones del vuelo de los pájaros (sobre los que planeaba escribir un tratado), en la convicción de que también el hombre podría volar si llegaba a conocer las leyes de la resistencia del aire (algunos apuntes de este período se han visto como claros precursores del moderno helicóptero).

Absorto por estas cavilaciones e inquietudes, Leonardo no dudó en abandonar Florencia cuando en 1506 Charles d'Amboise, gobernador francés de Milán, le ofreció el cargo de arquitecto y pintor de la corte; honrado y admirado por su nuevo patrón, Da Vinci proyectó para él un castillo y ejecutó bocetos para el oratorio de Santa Maria dalla Fontana, fundado por aquél. Su estadía milanesa sólo se interrumpió en el invierno de 1507 cuando, en Florencia, colaboró con el escultor Giovanni Francesco Rustici en la ejecución de los bronces del baptisterio de la ciudad.

Quizás excesivamente avejentado para los cincuenta años que contaba entonces, su rostro fue tomado por Rafael como modelo del sublime Platón para su obra La escuela de Atenas. Leonardo, en cambio, pintaba poco dedicándose a recopilar sus escritos y a profundizar sus estudios: con la idea de tener finalizado para 1510 su tratado de anatomía trabajaba junto a Marcantonio della Torre, el más célebre anatomista de su tiempo, en la descripción de órganos y el estudio de la fisiología humana. El ideal leonardesco de la «percepción cosmológica» se manifestaba en múltiples ramas: escribía sobre matemáticas, óptica, mecánica, geología, botánica; su búsqueda tendía hacia el encuentro de leyes funciones y armonías compatibles para todas estas disciplinas, para la naturaleza como unidad. Paralelamente, a sus antiguos discípulos se sumaron algunos nuevos, entre ellos el joven noble Francesco Melzi, fiel amigo del maestro hasta su muerte. Junto a Ambrogio de Predis, Leonardo culminó en 1508 la segunda versión de La Virgen de las Rocas; poco antes, había dejado sin cumplir un encargo del rey de Francia para pintar dos madonnas.

Ultimos años: Roma y Francia

El nuevo hombre fuerte de Milán era entonces Gian Giacomo Tivulzio, quien pretendía retomar para sí el monumental proyecto del «gran caballo», convirtiéndolo en una estatua funeraria para su propia tumba en la capilla de San Nazaro Magiore; pero tampoco esta vez el monumento ecuestre pasó de los bocetos, lo que supuso para Leonardo su segunda frustración como escultor. En 1513 una nueva situación de inestabilidad política lo empujó a abandonar Milán; junto a Melzi y Salai marchó a Roma, donde se albergó en el belvedere de Giulano de Médicis, hermano del nuevo papa León X.

En el Vaticano vivió una etapa de tranquilidad, con un sueldo digno y sin grandes obligaciones: dibujó mapas, estudió antiguos monumentos romanos, proyectó una gran residencia para los Médicis en Florencia y, además, trabó una estrecha amistad con el gran arquitecto Bramante, hasta la muerte de éste en 1514. Pero en 1516, muerto su protector Giulano de Médicis, Leonardo dejó Italia definitivamente, para pasar los tres últimos años de su vida en el palacio de Cloux como «primer pintor, arquitecto y mecánico del rey».

El gran respeto que Francisco I le dispensó hizo que Leonardo pasase esta última etapa de su vida más bien como un miembro de la nobleza que como un empleado de la casa real. Fatigado y concentrado en la redacción de sus últimas páginas para su tratado sobre la pintura, pintó poco aunque todavía ejecutó extraordinarios dibujos sobre temas bíblicos y apocalípticos. Alcanzó a completar el ambiguo San Juan Bautista, un andrógino duende que desborda gracia, sensualidad y misterio; de hecho, sus discípulos lo imitarían poco después convirtiéndolo en un pagano Baco, que hoy puede verse en el Louvre de París.

A partir de 1517 su salud, hasta entonces inquebrantable, comenzó a desmejorar. Su brazo derecho quedó paralizado; pero con su incansable mano izquierda Leonardo aún hizo bocetos de proyectos urbanísticos, de drenajes de ríos y hasta decorados para las fiestas palaciegas. Su casa de Amboise se convirtió en una especie de museo, plena de papeles y apuntes conteniendo las ideas de este hombre excepcional, muchas de las cuales deberían esperar siglos para demostrar su factibilidad e incluso su necesidad; llegó incluso, en esta época, a concebir la idea de hacer casas prefabricadas. Sólo por las tres telas que eligió para que lo acompañasen en su última etapa, la Gioconda, el San Juan y Santa Ana, la Virgen y el Niño, puede decirse que Leonardo poseía entonces uno de los grandes tesoros de su tiempo.

El 2 de mayo de 1519 murió en Cloux; su testamento legaba a Melzi todos sus libros, manuscritos y dibujos, que éste se encargó de retornar a Italia. Como suele suceder con los grandes genios, se han tejido en torno a su muerte algunas leyendas; una de ellas, inspirada por Vasari, pretende que Leonardo, arrepentido de no haber llevado una existencia regido por las leyes de la Iglesia, se confesó largamente y, con sus últimas fuerzas, se incorporó del lecho mortuorio para recibir antes de expirar, los sacramentos.

Peña
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MIGUEL ANGEL vida y obra:
Miguel Ángel fue arquitecto, pintor, escultor y poeta. Nació 6 de marzo de 1475 en el pueblo de Caprese, de esencia florentino mantuvo sus lazos con Florencia su arte y su cultura. La mayor parte de su madurez la pasó en Roma, trabajando en los encargos de los continuados papas. Su deseo fue ser enterrado en Florencia en la iglesia de Santa Crose y así fue después de su fallecimiento.

Caprese es un pequeño centro del valle Tiberino, actual provincia de Arezzo, su padre Ludovico de Leonardo de Buonarroto Simoni era podestá en nombre del gobierno de Florencia, Miguel Ángel habiendo finalizado el mandato paterno regresa a Florencia, donde transcurre su infancia, juventud y algunos años de su madurez. Siendo niño demuestra su fastidio por las lecciones de gramática del humanista Urbino, a quien el padre confió su formación. Pero a Miguel Ángel le cautiva el dibujo y el estudio del arte, se deleitaba en recorrer las iglesias y copiar las pinturas abandonando a veces las lecciones de gramática.

A los 13 años de edad ingresa en el taller de Doménico Ghirlandaio para aprender a pintar y dedicarse a ese oficio, su instrucción duraría tres meses , este es el taller de uno de los principales maestros de Florencia de finales del quatrocento.
Ghirlandaio fue uno de los maestros valorados por la fidelidad reflejada por el colorido de la época, sabía expresar los temas religiosos, como si terminasen de suceder entre los acaudalados ciudadanos florentinos que eran sus clientes. Aquí Miguel Ángel podía aprender todos los recursos técnicos del oficio, una consistente técnica para la pintura de frescos y adriestarse en el arte del dibujo. Pero sus ideas eran diferentas. En vez de adquirir la sencilla manera de Ghirlandaio, se dedicó a estudiar las obras de los grandes maestros del pasado, como Giotto, Massacio, Donatello.

Dos años después se sintió fascinado por las esculturas en el jardín de San Marcos de los escultores griegos y romanos cuyas obras contemplaba en la colección de los Médicis .
Trató de revelar los secretos de los escultores antiguos que simbolizaban al cuerpo humano preciosamente en movimiento, con todos sus músculos y tendones.

En 1475-1505 mientras Miguel Ángel trabajaba en el taller de Ghirlandaio, de igual forma visitaba la escuela de escultura inaugurada por Lorenzo el Magnífico en el jardín colindante al convento de San Marcos, donde Lorenzo ofrece la posibilidad de instruirse en el lenguaje y las técnicas de la escultura, empleando su colección de piezas clásicas, guardadas en el Palacio de Vía Larga.

Miguel Ángel inició así sus estudios de escultura bajo el patronazgo de Lorenzo II el Magnífico y la dirección artística del donatelliano Bertoldo Di Giovanni, es admitido como hijo adoptivo por Lorenzo en el Palacio Médici, donde vivía con los más destacados miembros del humanismo: Poliziano, Marcilio Fizino, Pico Della Mirandola, se instruye escultóricamente junto a Bertoldo en un ambiente elegante y culto. La permanencia en la escuela de Bertoldo se pudo haber extendido hasta la muerte del magnífico, en 1492, pero siguió conservando su relación privilegiada con los Médici después de esa fecha.

Miguel Ángel a los 16 años de edad ya había realizado dos esculturas en relieve "EL COMBATE DE LOS LAPITAS o CENTAUROMANÍA", tambien llamada "EL COMBATE DE LOS LAPITAS Y LOS CENTAUROS"- donde muestra su dominio del movimiento y también de la anatomía- y la "VIRGEN DE LA ESCALERA" , fechadas en 1489- 1492, en estas obras se advierte la relación con la cultura clásica, así como la enseñanza toscana y florentina de Nicola Pisano y Donatello.

En 1494 a su regreso de Venecia a modo de fuga causada por incomprensiones con el hijo de Lorenzo, Piero, Miguel Ángel Buonarroti habita un año en Bolonia permaneciendo allí por el encargo recibido del noble Gian Francesco Aldrovandi, de unas estatuas para la iglesia de Santo Domingo, iniciada por Nicola Pisano y posteriormente modificada por el escultor Niccolò.

Miguel Ángel esculpió un "ANGEL SOSTENIENDO UN CANDELABRO" y la segunda estatua, "SAN PETRONIO" y el "SAN PRÓCOLO", aquí se descubre una relación entre Miguel Ángel y el escultor de Siena , Japoco Della Quercia activo en Bolonia, que enlazo el gótico tardío con la grandeza de los florentinos del quatrocento, provenida de la estatuaria antigua.

Miguel Ángel en sus años juveniles muestra su profunda admiración hacia la anatomía, no satisfaciéndose con aprender las leyes de aquella, únicamente por la escultura antigüa, decide investigar por si mismo la anatomía humana por lo que acudiría casi todas las noches al depósito municipal de cadáveres para practicar disecciones que le permitirán conocer mejor la estructura interna del ser humano y dibujaba tomando modelos de la figura humana que ya no le guardaba ningún secreto.

A los 30 años de edad Miguel Ángel era celebrado como uno de los maestros más destacados de la época, y la ciudad de Florencia lo honraría encargándole a él -que era 23 años más joven que Leonardo y le subsistiría cuarenta y cinco más- y a Leonardo Da Vinci la pintura de un suceso de la historia florentina sobre una pared de la Sala de Juntas principal del Ayuntamiento, pero las obras no se consumaron y en 1506 Leonardo regresa a Milán...continúa:
Fue invitado a Roma por el cardenal en 1496, permaneciendo allí por cuatro años, aquí amplio sus estudios, iniciados en los jardines de los Médicis , por las colecciones de obras clásicas que se iban reuniendo en los palacios capitalinos. Para el Cardenal Riario, Miguel Ángel esculpe la estatua representando a "BACO" (1496-1498), donde es notorio su conocimiento de la cultura helenística.

En Roma también esculpió a "APOLO o CUPIDO" que estaba desaparecido pero que fue encontrado e identificado actualmente como un niño arquero. También en Roma recibe el encargo de ejecutar "LA PIEDAD" por el cardenal francés Jean Bilhères, que la predestinaría a su sepultura en la iglesia de Santa Petronila (1498-1500), actualmente esta atesorada en la Basílica de San Pedro, en el Vaticano, es una obra magnifica hecha en mármol, posiblemente terminada antes de que Miguel Ángel cumpliera los 25 años, es la única obra en la que aparece su firma, en ella la virgen María sostiene a Cristo fallecido en su regazo- iconografía tomada del norte de Europa- María parece dominarse en su dolor, se reprime con una expresión de resignación en su rostro.

Miguel Ángel retorna a Florencia en 1501, la situación política había cambiado, Piero de Médicis fue expulsado seis años antes y Florencia proclamó la república por la presión del fraile dominico Girolamo Savaranola, condenado posteriormente a la hoguera en 1498.

En 1501 es nombrado como gonfaloniero de Pier Soderini promoviendo el renacimiento, aunque breve , intelectual de la ciudad, y Miguel Ángel recibe el encargo del "DAVID", escultura de mármol de 4,34 m realizado entre 1501- 1504 que alcanzaría a convertirse en símbolo de Florencia , con esta obra Miguel Ángel se destacaría de todos los artistas contemporáneos suyos, como también de los griegos y los romanos. Le continuó el encargo del "TONDO PITTI", conservado actualmente en Florencia en el Museo del Barguello y también el "TONDO TADDEI", conservado en Londres, en Royal Academy, ambos son relieves.

Como pintor se le confió un fresco para el Salón de los Quinientos del Palazzo Vecchio, llamado "LA BATALLA DE CASCINA", pero se limito a realizar un dibujo preparatorio sobre cartón en escala natural exhibiendo una combinación de figuras vestidas y desnudas en disímiles posturas y actitudes. También realiza el "TONDO DONI" y la "VIRGEN DE BRUJAS "y Los doce apóstoles para la Catedral de Florencia.

En 1505 el Papa Julio II le encarga la realización de su tumba, procuraba que Miguel Ángel le levantara un mausoleo. Con autorización del Papa se puso en camino hacia las canteras de mármol de carrara para escoger los bloques con que esculpir el mausoleo, permaneció mas de seis meses en las canteras, adquiriendo y eligiendo. Pero cuando regresó a Roma el Papa casi había perdido su interés por el surgimiento de un nuevo proyecto suyo, que entraría en conflicto con el de su mausoleo, el de la nueva Basílica de San Pedro. Ante este contexto Miguel Ángel en delirio tal vez persecutorio propio, temía que Bramante, el arquitecto de la obra, ambicionara envenenarle, motivo por el cual regresará a Florencia.

Aún así el Papa inicio negociaciones con el principal dignatario de la ciudad de Florencia para que incitara a Miguel Ángel a regresar a Roma, este logra convencerlo para que retorne al servicio de Julio II y le dio una carta de recomendación donde decía que su arte no tenía paralelo en toda Italia. A su vuelta el Papa le hace aceptar otro encargo en el Vaticano donde se hallaba una capilla ordenada a construir por Sixto IV llamada CAPILLA SIXTINA, cuyas paredes fueron decoradas por los pintores más famosos de la anterior generación: Botticelli, Ghrilandaio y otros. Pero la Bóveda aún estaba vacía , el Papa indicó que la pintara Miguel Ángel que renegó del encargo, señalando que el no era en realidad pintor , sino escultor estando convencido de que la tarea le había sido conferida por intrigas de sus enemigos en el vaticano en Roma.
En lo que atañe a la culminación en la ciudad de Florencia del encargo del mausoleo a ubicarse en el coro de la Basílica de San Pedro, la sepultura de Julio II Della Rovere, su realización se prolongaría por cuarenta años , con severísimos enfrentamientos con el Papa. Las diferencias por cuestiones financieras determinaron la primera interrupción de su trabajo, el encargo de la SIXTINA también apartó otra vez a Miguel Ángel de la construcción del mausoleo, y después de la muerte del Papa retoma el trabajo en 1513 con un nuevo proyecto, más reducido realizando los esclavos del Museo de Louvre llamados "EL ESCLAVO MORIBUNDO" y el "ESCLAVO REVELDE" (1510-1513) y la escultura del "MOISÉS" en 1515.

La bóveda de la SIXTINA la realiza por insistencia del Papa, comienza con un moderado boceto de 12 apóstoles en nichos y encarga ayudantes florentinos para que le ayuden en la obra. Pero Miguel Ángel se encerró posteriormente en la capilla y no permitió que nadie se le acercara y se puso a trabajar a solas. Su creación duró cuatro años de tarea solitaria sobre el andamiaje de la capilla papal.

Miguel Ángel desarrollo un complicado sistema decorativo- iconográfico donde figuran nueve escenas del libro del Génesis comenzando por "LA SEPARACIÓN DE LA LUZ DE LAS TINIEBLAS" y prosiguiendo con "LA CREACIÓN DEL SOL Y LA LUNA", "LA CREACIÓN DE LOS ÁRBOLESY LAS PLANTAS", "LA CREACIÓN DE ADAN", "LA CREACIÓN DE EVA" , "EL PECADO ORIGINAL", "EL SACRIFICIO DE NOÉ", "EL DILUVIO UNIVERSAL" y "LA EMBRIAGUEZ DE NOÉ". Estas representaciones pictóricas recorren longitudinalmente el cuerpo central de la bóveda enmarcadas con alternaciones de profetas y sibilas sobre tronos de mármol junto con otros temas del antiguo testamento y los antepasados de Cristo, exponiendo su perfecto conocimiento sobre anatomía y movimientos humanos.

La enorme bóveda definida por un pesado armazón arquitectónico, subdividida en tres lienzos, cada uno pertenece a una iconografía: el primero abarca los lunetos y las paredes triangulares en las que aparecen los antepasados de Cristo, el segundo contiene los siete profetas y las cinco sibilas, el central muestra nueve episodios tomados del libro del Génesis y sobre los miembros arquitectónicos, que encuadran cinco de esos episodios, aparecen figuras de Ignudi que sostienen medallones de bronce simulado, con representaciones bíblicas y en los ángulos externos figuran cuatro episodios de la salvación de Israel.

Al consumar Miguel ángel su obra en la CAPILLA SIXTINA en 1512 volvió a sus bloques de mármol para proseguir con el mausoleo de Julio II , su idea fue engalanarlo con estatuas de cautivos como noto en los monumentos funerarios romanos. Las esculturas pasaron de una cantidad de cuarenta a veintidós y a comienzos de 1519 Miguel Ángel trabaja en cuatro prisioneros llamados: "EL ESCLAVO QUE DESPIERTA", "EL JOVEN", y "EL BARBADO" y "EL ATLAS" ninguno fue terminado pero tienen notada expresividad.

El arte de Miguel Ángel reside en que cuando más mueva y contorsione sus figuras en impetuosos movimientos, más estable y sencillo resulta su contorno.
Miguel Ángel imagina las figuras contenidas en el bloque de mármol en el que se ocupa y su labor como escultor sería la de quitarle al bloque lo que le excedía, es decir descontar lo necesario de el hasta que emerjan esas figuras contenidas en su interior.

En Florencia sus últimos encargos serán obras arquitectónicas como la: fachada para la Basílica brunelleschiana de San Lorenzo y su Sacristía Nueva, encargada por León X en 1519-1520 para albergar los sepulcros de dos representantes de la casa Médicis,"LA CAPILLA MEDICEA", es conocida también como SACRISTIA NUEVA. Una de las tumbas se designaría a Lorenzo Médici, Duque de Urbino (1492-1519) y la otra a Giuliano de Médici, Duque de Nemour (1479-1515). El proyecto eran dos tumbas de pared , con estructuras divididas por pilastras gemelas que puntualizan el motivo miguelangeliano de los nichos en edículo. En la parte inferior los sarcófagos dotados de una tapa empinada adornada de volutas sobre las que se hallan alegorías de las cuatro fases del día. Por encima en el nicho central están colocados los retratos -esculturas- de los difuntos, con armaduras de modelo clásico. Miguel Ángel dispuso sobre las tumbas figuras desmidas conocidas como la personificación de cuatro fases del tiempo: "LA AURORA y EL CREPÚSCULO" se encuentran bajo la figura entronizada de Lorenzo, y "EL DÍA y LA NOCHE" bajo la de Giuliano......
Así también efectuara la BIBLIOTECA LAURENCIANA durante la época de 1520 (sala de vestíbulo con la escalinata de acceso) la biblioteca en Italia estaría destinada a "publicae utilitati" conocida también como Librería Laurenziana , emplea una única sala alargada, antecedida por un vestíbulo, Miguel Ángel estudia un sistema de contrafuertes a los que corresponden en la sala pesadas pilastras de piedra arenisca que la dividen a lo largo. En las pilastras están dispuestas amplias ventanas.

Los últimos años de Miguel Ángel: en 1534 deja Florencia para no regresar. Dada la situación política florentina, dominada por el duque Alessandro que aborrecía profundamente al artista , quien había servido antes de la última restitución medicea a la república.

En Roma, realizaría el "JUICIO FINAL, el primer encargo del Juicio se remonta a 1533 por el Papa Clemente VII pero dos años después Pablo III , quien lo nombra pintor, escultor y arquitecto del Vaticano, hacia 1536, le ratifica el encargo y Miguel Ángel ya en Roma lo realiza en la Capilla Sixtina. Este fresco ocupa completamente la pared de la entrada, el artista cuenta con sesenta años de edad y su trabajo durará hasta 1541. En el Miguel Ángel encarno a todas las figuras desnudas, desnudez tapada después con los llamados paños de pureza realizados por Daniele Da Volterra cuando la cultura era más conservadora.

En 1542 concluido "El juicio Final" el Papa Pablo III le encarga la decoración de La Capilla Paulina , allí Miguel Ángel realiza dos frescos " LA CONVERSIÓN DE SAN PABLO" y " LA CRUCIFIXIÓN DE SAN PEDRO."

La obra máxima de Miguel Ángel como arquitecto se evidencia en la Basílica de San Pedro. En la dirección de los trabajos el artista sucedía a Antonio de Sangallo el joven, con quien tenía hondas discrepancias en la concepción de la arquitectura, pero acepta la petición del Papa Paulo III, y su primera acción como gubernator de la "Fabrica del Vaticano" fue demoler parte de lo erigido por Sangallo captando así enemistades.

Los proyectos de Miguel Ángel para San Pedro manifiestan una ruptura respecto a todos sus prestigiosos predecesores, aseverando su concepción original en la creación de la planta que en el exterior tendrá colosales pilastras corintias y la Cúpula será el punto sobresaliente, esta cautivó a Miguel Ángel desde 1557 hasta su muerte y no llegaría a contemplarla definitivamente acabada según eran sus deseos.
Su última estancia en Roma concuerda con un encargo estipulado en el campo arquitectónico y urbano, pero ninguno de los trabajos emprendidos fue acabado por él. La más notable fue la ordenación de la Plaza del Campidoglio para regenerar el prestigio y la ocupación central en la vida civil romana. Miguel Ángel convirtió el conjunto en desorden que conformaban los palacios de los Senatori y de los Conservatori, en una plaza de planta trapezoidal, con el palacio senatorial en el fondo y por el de los Conservatori y el Capitolino, edificado ex novo- a lo largo de los lados que confluyen hacia la escalinata que articula con la zona de los foros.

En 1546 y 1549 Miguel Ángel renovara el Palacio Farnece -Palazzo Farnece-, anteriormente edificado por Antonio Sangallo , aquí superá los diseños vitruvianos en los que se basaba la arquitectura renacentista.

Después del Concilio de Trento que convocó Pablo III en 1545, que resistiría la posibilidad de conformidad con los principios protestantes, queda instaurada así, la división religiosa en Europa. Conociendo de la eficacia comunicativa de las representaciones pictóricas en las iglesias, el Concilio introduce la vigilancia sobre el arte por parte de la autoridad eclesiástica, reparo que en el "JUICIO FINAL" de Miguel Ángel Buonarroti, origina que los desnudos fueran recubiertos de paños por el pintor Daniele Da Volterra apodado "braghettone".

En sus últimos años Miguel Ángel Buonarroti continúa dedicándose a la escultura, y se propondría después de concluir la Tumba de Julio II, idear la propia. El artista realizaría la "PIEDAD BANDINI", de composición piramidal, donde Nicodemo, la Magdalena y la Virgen sostienen el cuerpo de Cristo, utiliza el principio de lo inacabado como parte primordial de su creación artística y la "PIEDAD RONDANINI" que sería su última obra ocupándose de ella en varias oportunidades a partir de 1547, esta quedaría también inacabada a su muerte.

Miguel Ángel también compuso poesías donde presentaba sus ansiedades, pensamientos , frustraciones, ideas estéticas y su relación con la filosofía neoplatónica. El artista falleció en Roma el 18 de Febrero de 1564 a la edad de 89 años.

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PABLO PICASSO vida y obra:
Pablo Ruiz Picasso, Málaga, 1881 - Moulins, Francia, 1973) Artista español. Hijo del también artista José Ruiz Blasco, en 1895 se trasladó con su familia a Barcelona, donde el joven pintor se rodeó de un grupo de artistas y literatos, entre los que cabe citar a los pintores Ramón Casas y Santiago Rusiñol, con quienes acostumbraba reunirse en el bar Els Quatre Gats.
Entre 1901 y 1904 Pablo Picasso alternó su residencia entre Madrid, Barcelona y París, mientras su pintura entró en la etapa denominada período azul, fuertemente influida por el simbolismo. En la primavera de 1904, Picasso decidió trasladarse definitivamente a París y establecerse en un estudio en las riberas del Sena. En la capital francesa trabó amistad, entre otros, con los poetas Guillaume Apollinaire y Max Jacob y el dramaturgo André Salmon; entre tanto, su pintura experimentó una nueva evolución, caracterizada por una paleta cromática tendente a los colores tierra y rosa. Al poco de llegar a París entró en contacto con personalidades periféricas del mundillo artístico y bohemio, como los estadounidenses Leo y Gertrude Stein, o el que sería su marchante por siempre, Daniel-Henry Kahnweiler.

Hacia finales de 1906 Pablo Picasso empezó a trabajar en una composición de gran formato que iba a cambiar el curso del arte del siglo XX: Les demoiselles d'Avignon. En esta obra cumbre confluyeron numerosas influencias, entre las que cabe citar como principales el arte africano e ibérico y elementos tomados del Greco y Cézanne. Bajo la constante influencia de este último, y en compañía de otro joven pintor, Georges Braque, Pablo Picasso se adentró en una revisión de buena parte de la herencia plástica vigente desde el Renacimiento, especialmente en el ámbito de la representación pictórica del volumen: fue el inicio del cubismo.

A partir de 1909, Picasso y Braque desarrollaron dicho estilo en una primera fase denominada analítica. En 1912 introdujeron un elemento de flexibilidad en forma de recortes de papel y otros materiales directamente aplicados sobre el lienzo, técnica que denominaron collage. La admisión en el exclusivo círculo del cubismo del pintor español Juan Gris desembocó en la etapa sintética de dicho estilo, marcado por una gama cromática más rica y la multiplicidad matérica y referencial.
Entre 1915 y mediados de la década de 1920 Picasso fue abandonando los rigores del cubismo para adentrarse en una nueva etapa figurativista, en el marco de un reencuentro entre clasicismo y el creciente influjo de lo que el artista denominó sus «orígenes mediterráneos». Casado desde 1919 con la bailarina rusa Olga Koklova y padre ya de un hijo, Paulo, Pablo Picasso empezó a interesarse por la escultura a raíz de su encuentro en 1928 con el artista catalán Julio González; entre ambos introdujeron importantes innovaciones, como el empleo de hierro forjado.

En 1935 nacería una hija, Maya, de una nueva relación sentimental, Marie-Therèse, con quien Pablo Picasso convivió abiertamente a pesar de seguir casado con Olga Koklova; a partir de 1936, ambas debieron compartir al pintor con una tercera mujer, la fotógrafa Dora Maar.

El estallido de la guerra civil española lo empujó a una mayor concienciación política, fruto de la cual es una de sus obras más conocidas, el mural de gran tamaño Gernika. En 1943 conoció a Françoise Gilot, con la que tendría dos hijos, Claude y Paloma. Tres años más tarde Pablo Picasso abandonó París para instalarse en Antibes, donde incorporó la cerámica a sus soportes predilectos.

En la década de 1950 realizó numerosas series sobre grandes obras clásicas de la pintura, que reinterpretó a modo de homenaje. En 1961 Pablo Picasso contrajo segundas nupcias con Jacqueline Roque; sería su última relación sentimental de importancia. Convertido ya en una leyenda en vida y en el epítome de la vanguardia, el artista y Jacqueline se retiraron al castillo de Vouvenargues, donde el creador continuó trabajando incansablemente hasta el día de su muerte.

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POETAS:

William Shakespeare vida y obra:

(Stratford on Avon, Reino Unido, 1564-id., 1616) Dramaturgo y poeta inglés. Tercero de los ocho hijos de John Shakespeare, un acaudalado comerciante y político local, y Mary Arden, cuya familia había sufrido persecuciones religiosas derivadas de su confesión católica, poco o nada se sabe de la niñez y adolescencia de William Shakespeare.

Parece probable que estudiara en la Grammar School de su localidad natal, si bien se desconoce cuántos años y en qué circunstancias. Según un coetáneo suyo, William Shakespeare aprendió «poco latín y menos griego», y en todo caso parece también probable que abandonara la escuela a temprana edad debido a las dificultades por que atravesaba su padre, ya fueran éstas económicas o derivadas de su carrera política.

Sea como fuere, siempre se ha considerado a Shakespeare como una persona culta, pero no en exceso, y ello ha posibilitado el nacimiento de teorías según las cuales habría sido tan sólo el hombre de paja de alguien deseoso de permanecer en el anonimato literario. A ello ha contribuido también el hecho de que no se disponga en absoluto de escritos o cartas personales del autor, quien parece que sólo escribió, aparte de su producción poética, obras para la escena.

La andadura de Shakespeare como dramaturgo empezó tras su traslado a Londres, donde rápidamente adquirió fama y popularidad en su trabajo para la compañía Chaberlain’s Men, más tarde conocida como King’s Men, propietaria de dos teatros, The Globe y Blackfriars. También representó, con éxito, en la corte. Sus inicios fueron, sin embargo, humildes, y según las fuentes trabajó en los más variados oficios, si bien parece razonable suponer que estuvo desde el principio relacionado con el teatro, puesto que antes de consagrarse como autor se le conocía ya como actor.

Su estancia en la capital británica se fecha, aproximadamente, entre 1590 y 1613, año este último en que dejó de escribir y se retiró a su localidad natal, donde adquirió una casa conocida como New Place, mientras invertía en bienes inmuebles de Londres la fortuna que había conseguido amasar.

La publicación, en 1593, de su poema Venus y Adonis, muy bien acogido en los ambientes literarios londinenses, fue uno de sus primeros éxitos. De su producción poética posterior cabe destacar La violación de Lucrecia (1594) y los Sonetos (1609), de temática amorosa y que por sí solos lo situarían entre los grandes de la poesía anglosajona
Con todo, fue su actividad como dramaturgo lo que dio fama a Shakespeare en la época. Su obra, en total catorce comedias, diez tragedias y diez dramas históricos, es un exquisito compendio de los sentimientos, el dolor y las ambiciones del alma humana. Tras unas primeras tentativas, en las que se transparenta la influencia de Marlowe, antes de 1600 aparecieron la mayoría de sus «comedias alegres» y algunos de sus dramas basados en la historia de Inglaterra. Destaca sobre todo la fantasía y el sentido poético de las comedias de este período, como en Sueño de una noche de verano; el prodigioso dominio del autor en la versificación le permitía distinguir a los personajes por el modo de hablar, amén de dotar a su lenguaje de una naturalidad casi coloquial.

A partir de 1600, Shakespeare publica las grandes tragedias y las llamadas «comedias oscuras». Los grandes temas son tratados en las obras de este período con los acentos más ambiciosos, y sin embargo lo trágico surge siempre del detalle realista o del penetrante tratamiento psicológico del personaje, que induce al espectador a identificarse con él: así, Hamlet refleja la incapacidad de actuar ante el dilema moral entre venganza y perdón; Otelo, la crueldad gratuita de los celos; y Macbeth, la cruel tentación del poder.

En sus últimas obras, a partir de 1608, cambia de registro y entra en el género de la tragicomedia, a menudo con un final feliz en el que se entrevé la posibilidad de la reconciliación, como sucede en Pericles. Shakespeare publicó en vida tan sólo 16 de las obras que se le atribuyen; por ello, algunas de ellas posiblemente se hubieran perdido de no publicarse (pocos años después de la muerte del poeta) el Folio, volumen recopilatorio que serviría de base para todas las ediciones posteriores

Poema:

¡Ve! si en oriente la graciosa luz
su cabeza flamígera levanta,
los ojos de los hombres, sus vasallos,
con miradas le rinden homenaje.

Y mientras sube al escarpado cielo,
como un joven robusto en su edad media,
lo siguen venerando las miradas
que su dorada procesión escoltan.

Pero cuando en su carro fatigado
deja la cumbre y abandona al día,
apártanse los ojos antes fieles,

del anciano y su marcha declinante.
Así tú, al declinar sin ser mirado,
si no tienes un hijo, morirás


Poema Amor Verdadero de William Shakespeare

No, no aparta a dos almas amadoras
adverso caso ni crüel porfía:
nunca mengua el amor ni se desvía,
y es uno y sin mudanza a todas horas.

Es fanal que borrascas bramadoras
con inmóviles rayos desafía;
estrella fija que los barcos guía;
mides su altura, mas su esencia ignoras.

Amor no sigue la fugaz corriente
de la edad, que deshace los colores
de los floridos labios y mejillas.

Eres eterno, Amor: si esto desmiente
mi vida, no he sentido tus ardores,
ni supe comprender tus maravillas.

PABLO NERUDA vida y obra:

Pablo Neruda
(1904-1973)

Neftalí Ricardo Reyes Basoalto (quien escribiría posteriormente con
el seudónimo de Pablo Neruda) nació en Parral el año 1904, hijo de
don José del Carmen Reyes Morales, obrero ferroviario y doña Rosa
Basoalto Opazo, maestra de escuela, fallecida poco años después del
nacimiento del poeta.

En 1906 la familia se traslada a Temuco donde su padre se casa con
Trinidad Candia Marverde, a quién el poeta menciona en diversos
textos como Confieso que he vivido y Memorial de Isla Negra con
el nombre de Mamadre. Realiza sus estudios en el Liceo de Hombres
de esta ciudad, donde también publica sus primeros poemas en el
periódico regional La Mañana. En 1919 obtiene el tercer premio en
los Juegos Florales de Maule con su poema Nocturno ideal.

En 1921 se radica en Santiago y estudia pedagogía en francés en
la Universidad de Chile, donde obtiene el primer premio de la fiesta
de la primavera con el poema La canción de fiesta, publicado
posteriormente en la revista Juventud. En 1923, publica Crepusculario,
que es reconocido por escritores como Alone, Raúl Silva Castro y Pedro
Prado. Al año siguiente aparece en Editorial Nascimento sus Veinte
poemas de amor y una canción desesperada, en el que todavía se nota
una influencia del modernismo. Posteriormente se manifiesta un
propósito de renovación formal de intención vanguardista en tres
breves libros publicados en 1926: El habitante y su esperanza ;
Anillos (en colaboración con Tomás Lagos) y Tentativa del hombre
infinito.

En 1927 comienza su larga carrera diplomática cuando es nombrado
cónsul en Rangún, Birmania. En sus múltiples viajes conoce en Buenos
Aires a Federico García Lorca y en Barcelona a Rafael Alberti.
En 1935, Manuel Altolaguirre le entrega la dirección a Neruda de
la revista Caballo verde para la poesía en la cual es compañero de
los poetas de la generación del 27. Ese mismo año aparece la edición
madrileña de Residencia en la tierra.

En 1936 al estallar la guerra civil española, muere García Lorca,
Neruda es destituido de su cargo consular, y escribe España en el
corazón.

En 1945 obtiene el premio Nacional de Literatura.

En 1950 publica Canto General, texto en que su poesía adopta una
intención social, ética y política. En 1952 publica Los versos del
capitán y en 1954 Las uvas y el viento y Odas elementales. En 1958
aparece Estravagario con un nuevo cambio en su poesía. En 1965 se
le otorga el título de doctor honoris causa en la Universidad de
Oxford , Gran Bretaña. En octubre de 1971 recibe el Premio Nobel
de Literatura.

Muere en Santiago el 23 de septiembre de 1973 . Póstumamente se
publicaron sus memorias en 1974, con el título Confieso que he vivido


Poema 20


Puedo escribir los versos más tristes esta noche.

Escribir, por ejemplo: «La noche está estrellada,
y tiritan, azules, los astros, a lo lejos.»

El viento de la noche gira en el cielo y canta.

Puedo escribir los versos más tristes esta noche.
Yo la quise, y a veces ella también me quiso.

En las noches como ésta la tuve entre mis brazos.
La besé tantas veces bajo el cielo infinito.

Ella me quiso, a veces yo también la quería.
Cómo no haber amado sus grandes ojos fijos.

Puedo escribir los versos más tristes esta noche.
Pensar que no la tengo. Sentir que la he perdido.

Oír la noche inmensa, más inmensa sin ella.
Y el verso cae al alma como al pasto el rocío.

Qué importa que mi amor no pudiera guardarla.
La noche está estrellada y ella no está conmigo.

Eso es todo. A lo lejos alguien canta. A lo lejos.
Mi alma no se contenta con haberla perdido.

Como para acercarla mi mirada la busca.
Mi corazón la busca, y ella no está conmigo.

La misma noche que hace blanquear los mismos árboles.
Nosotros, los de entonces, ya no somos los mismos.

Ya no la quiero, es cierto, pero cuánto la quise.
Mi voz buscaba el viento para tocar su oído.

De otro. Será de otro. Como antes de mis besos.
Su voz, su cuerpo claro. Sus ojos infinitos.

Ya no la quiero, es cierto, pero tal vez la quiero.
Es tan corto el amor, y es tan largo el olvido.

Porque en noches como ésta la tuve entre mis brazos,
Mi alma no se contenta con haberla perdido.

Aunque éste sea el último dolor que ella me causa,
y éstos sean los últimos versos que yo le escribo.


Poema 17

Pensando, enredando sombras en la profunda soledad.
Tú también estás lejos, ah más lejos que nadie.
Pensando, soltando pájaros, desvaneciendo imágenes,
enterrando lámparas.
Campanario de brumas, qué lejos, allá arriba!
Ahogando lamentos, moliendo esperanzas sombrías,
molinero taciturno,
se te viene de bruces la noche, lejos de la ciudad.

Tu presencia es ajena, extraña a mí como una cosa.
Pienso, camino largamente, mi vida antes de ti.
Mi vida antes de nadie, mi áspera vida.
El grito frente al mar, entre las piedras,
corriendo libre, loco, en el vaho del mar.
La furia triste, el grito, la soledad del mar.
Desbocado, violento, estirado hacia el cielo.

Tú, mujer, qué eras allí, qué raya, qué varilla
de ese abanico inmenso? Estabas lejos como ahora.
Incendio en el bosque! Arde en cruces azules.
Arde, arde, llamea, chispea en árboles de luz.
Se derrumba, crepita. Incendio. Incendio.
Y mi alma baila herida de virutas de fuego.
Quien llama? Qué silencio poblado de ecos?
Hora de la nostalgia, hora de la alegría, hora de la soledad,
hora mía entre todas!

Bocina en que el viento pasa cantando.
Tanta pasión de llanto anudada a mi cuerpo.
Sacudida de todas las raíces,
asalto de todas las olas!
Rodaba, alegre, triste, interminable, mi alma.

Pensando, enterrando lámparas en la profunda soledad.
Quién eres tú, quién eres?

17 comentarios - Arte de verdad... no lo que hacia Peña parte 1

@lorosentado
Peña amaba a la Argentina y si escuchabas su programa de radio te darias cuenta que en la primera media hora reflexionaba sobre la actualidad y nos la transmitia con total sinceridad. Peña es, fue y sera parte de la cultura del nuevo siglo, te guste o no.
@tkemo
25jonathan25: sos-un-idiota. 1º que todo si queres comparar a Peña con alguien, hacelo con alguien que haya trabajado en su mismo ámbito.
(ahora va la explicacion para los idiotas) no podés comparar a Maradona con Schumagger, por más de que los 2 sean \"deportistas\". Si me decís que Peña pintaba, ahi sí; pero bueno quería comentarte eso solo. Así que primero informate, y después compará.
Aparte no? que carajo te importa a vos lo que le gusta a la gente? Sobre gustos no hay nada escrito, y a mí principalmente que me gustaba Peña, no coincidía en tooodo lo que pensaba. FUE-ES-SERA el mejor en lo SUYO. (actuando en la radio) xq el era ACTORRR, no pintor ni periodista.
@elunicotomas
te van a crusificar, pero te banco, no digo q peña no fue un gran artistia.. pero ... sin la prepotencia y los malos modales no llegaba a ningun lado
@Cruyff_14
que pais mediocre
no va la comparacion
pero dios...
meintras pendejitos y pendejitas de 11 años estan mirando a estos boludos y sus pute en la tv abierta de la argentina
en jap
da
ni ganas de escribir
que mediocridad




la prepotencia de la vulgaridad
@DonJonsohn
Me parece que el punto acerca de los planos en los que se está haciendo comparación es bastante interesante. Los \"artistas\" que trabajan o son, en el plano en el que trabajaba Fernando Peña no están en los museos, ni en las colecciones, ni en las enciclopedias ni son citados en las facultades ni estudiados en el \"Bellas Artes\". En lo personal no veo televisión, y rara vez escucho radio así que no me siento ofendido por esos medios. Alguna vez veo un par de minutos de tele en casa de algún familiar y me alcanza para saber que siempre que tenga unos minutos que me sobren voy a ir a un museo o voy a leer un libro. El espacio en nuestra cabeza se lo estamos dando nosotros.
Suerte
@cielo_trucho
Hay algo que esta mal che:\"Este post es para aquellos que hacen mil homenajes a Fernado Peña\", como para ellos? Crees que podes hacerte cargo de calificar el juicio de valores artisticos de las personas q hacen un post sobre Peña? Podes hacer una critica sobre un artista o sobre lo que quieras, pero como podes titular un post sobre \"arte culto\" comparandolo del vamos con otro artista?
@the1bad2twin
lean esto q es la posta!!!!!. Fernando no murio. paso a un plano q no logramos presentir en estos tiempos, y desde hace mucho tiempo, ese plano se esta propagando a nuestras vidas. Estadisticas demostraron que su influencia en nuestra realidad esta dando resultados alarmantes a escala global. La unica solucion q conlleva a no volverse loco es q todos ustedes, y entiendanlo TODOS USTEDES inluyendo a John locke, me chupen bien la pija
@danielsantiago
en este país cualquiera es idolo... mucho tontaje suelto!!!
@fercast128
Mirá, los genios tienen momentos.......Peña lo tubo.......
@elosorelojero +1
lo básico de tu comparación da lastima. date cuenta que tu análisis no tiene ningún tipo de fundamento. por que era grosero?, te pusiste a escucharlo atentamente fuera del personaje? (si mi querido idiota, era un personaje) te vas a dar cuenta que era una persona mucho mas "culta", según tus propios parámetros, y que su vuelo artístico va a ser difícil de superar por sus contemporaneos.

Y si hablamos de ejemplos a nuestros hijos, la comprensión y la tolerancia es algo que debemos aprender.

idiota, a ver si creas algo vos y dejas de copiar y pegar de google, por que estoy seguro que no tenes ni la mas p***a idea de como trataban y como los criticaban en su epoca a los artistas que hoy son venerados por cretinos como vos.

cretino
@MisterPink
Esa "grosería" que criticás, es una forma de comedia. Debe tener algún nombre más técnico, pero tiene que ver con la transgresión de ciertos límites y valores; correrse de los estándares suele ser motor de nuevas corrientes (preguntale si no al mingitorio de Duchamp). Te puede no gustar, pero Peña, haciendo lo que hacía, era excelente.