Festival de Cine de Mar del Plata - Recomendaciones (2)


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Festival de Cine de Mar del Plata - Recomendaciones (2)

Internacional


Recomendaciones (Nota 1) - 20 rarezas a descubrir según el

programador Marcelo Alderete


Marcelo Alderete

Ex integrante del equipo del BAFICI y nuevo programador de Mar del Plata, este amigo de la casa nos envió un listado con 20 recomendaciones (y algunas "yapas" ) que escapan de los obvios "grandes éxitos" del circuito de festivales. Mientras preparamos las nuestras, aquí compartimos las suyas con los lectores ¡Gracias, Marcelo!

1- Burrowing, de Henrik Hellström y Fredrik Wenzel. Una lograda opera prima sueca. En el catalogo del Forum de la Berlinale, hablan de “un infierno decorado con objetos sacados del catalogo de Ikea”.

2- Amer, de Hélène Cattet y Bruno Forzan (+ los cortos: Santos Palace y La fin de notre amour). Una pareja de directores belgas, cuyo largometraje es una especie de puesta al día del giallo, pero más abstracto. Una rareza absoluta.

3- The House of the Devil, de Ti West. Homenaje al terror ochentoso, pero en serio. Sangre joven para mantener con vida al terror de siempre.

4- Make-Out with Violence, de Deagol Brothers. A mitad de camino entre una película de terror, de amor y de alguna otra cosa más. Los directores conforman un grupo que se hacen llamar The Deagol Bros. En el catalogo se nombran a Terrence Malick, John Hughes y Las vírgenes suicidas como posibles guías.

5- Karaoke, de Chris Chong Chan Fui. Una de las películas malditas de la última Quincena de Realizadores de Cannes. Del director del cortometraje Block B, que se vio en el festival de Mar del Plata pasado. Un film pequeño y plácido.

6 y 7- Un día sin chanchos / Las aventuras de Jovic. Dos cortos nacionales: el primero, casi un largo, cuenta la historia de dos desclasados unidos por el destino y la gastronomía, narrada en off por una mujer rusa; el segundo, un diario personal, muy personal, sobre las aventuras (sentimentales) de Jovic. Los dos con mucho humor.

8- White Lightnin’, de Dominic Murphy. Una rareza white trash inclasificable y una Carrie Fisher irreconocible. Alcohol barato, demonios y mucho baile.

9- Mamá, de Andy Muschietti + El ataque de los robots de Nebulosa-5, de Chema García Ibarra. Dos cortometrajes españoles que de corto sólo tienen la duración. Mamá es una de las mejores películas de terror de los últimos tiempos. Y El ataque... una emotiva historia de ciencia ficción.

10- Died Young Stayed Pretty, de Eileen Yaghoobian. Documental muy "do-it-yourself" sobre gente que realiza posters para bandas de rock.

11- The Exploding Girl, de Bradley Rust Gray. Película del marido de So Yong Kim, la de Treeless Mountain; otra historia de amor, de una belleza visual increíble y protagonizada por Zoe Kazan, nieta de Elias Kazan. Lo que hace que esta película pueda ser vista como una versión de Esplendor en la hierba para la Generación X.

12- Kikoe, de Chikara Iwai. Documental sobre un músico experimental japonés, con muchos nombres invitados: desde Jonas Mekas hasta John Zorn.

13- The Misfortunates (FOTO), de Felix van Groeningen. Saga familiar de unos personajes impresentables. Muy divertida, por momentos, y muy emotiva, por otros. Incluye una gran escena protagonizada por la voz de Roy Orbison.

14- Stay the Same Never Change, de Laurel Nakadate. Película muy cercana al videoarte, sobre las vidas de las niñas en pueblos perdidos en la America profunda. Muy intima y pertubadora por momentos.

15- Guy and Madeline on a Park Bench, de Damien Chazelle. Una jazz movie con historia de amor de fondo. Cassavetes, Godard, etc.

16- Castaway on the Moon, de de Lee Hey-jun. Esta historia coreana de náufragos y de amor es un crowd-pleaser absoluto.

17- Harmony and Me, Justin Rice el protagonista de Mutual Appreciation, para una comedia "asordinada" con epígrafe a cargo de Madonna.

18- True Adolescents, de Craig Johnson. Una historia contada por enesima vez, pero con mucho encanto indie, y con Mark Duplass (director de Baghead) como protagonista, después de Humpday.

19- It Came from Kuchar, de Jennifer M. Kroot. Documental sobre los hermanos Kuchar, también con varios nombres invitados_ John Waters, Guy Maddin y siguen las firmas.

20- Searching for Elliott Smith, de Gil Reyes. Documental muy low fi, pero con buen material de archivo y varios reportajes interesantes (Gus Van Sant entre ellos).

Y también recomiendo que lean los cuentos de escritores argentinos que están al final del catálogo. Historias inspiradas por la programación del festival, a cargo de varios nombres de lo mejor de la narrativa argentina actual. Lo ideal sería comprar el catálogo y leerlos mientras están en la fila esperando para ver la siguiente película.

Saludos.

Marcelo

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mar del plata



Recomendaciones (Nota 2) - 4 películas favoritas de Manuel

Yáñez Murillo


Manuel Yáñez Murillo

Nuestro columnista catalán se explaya sobre los más recientes trabajos de Soi Cheang (Accident, foto), Naomi Kawase (Nanayo), de Vimukthi Jayasundara (Between Two Worlds), y de Jacques Rivette (36 vues du Mont Saint Loup).

-Accident, de Soi Cheang. Observando las imágenes del film es difícil no convencerse de que la industria de Hong Kong es la única que, en la actualidad, responde (desde la lejanía) a los estándares de originalidad, riqueza estética, economía formal y densidad narrativa del viejo Hollywood. Sin ir más lejos, Cheang se inició como asistente de dirección del maestro Johnnie To (productor del film), un periodo de aprendizaje que se hace evidente en la combinación de conciencia formal y fuerza expresiva de la que hace gala Accident. La película es un prodigio de prestidigitación cinematográfica: un equipo de asesinos a sueldo especializados en fabricar “accidentes” mortales cae víctima de sus propios métodos. Así, la secuencia de los dos “accidentes” (el ejecutado por los protagonistas y aquel que los tiene por víctimas) se transforma en el núcleo gravitacional de una trama que invoca las escuchas de La conversación (1974), de Francis Ford Coppola, los estoicos personajes del cine de Jean-Pierre Melville, los giros argumentales de Misión: Imposible (1996) y los retos narrativos de Mad Detective (2007) del propio To. Un cóctel noir agitado con virtuosismo y fatalismo por un director al que, a partir de este mismo momento, no cabe otra opción que seguirle la pista con devotas ansias de entretenimiento.

-Between Two Worlds, de Vimukthi Jayasundara. Un nombre que deberemos aprender a pronunciar con soltura y alegría, ya que será el de uno de los grandes autores de los próximos años. Tras alzarse con la Cámara de Oro del Festival de Cannes en 2005 por la magnífica The Forsaken Land, Between Two Worlds confirma a Jayasundara, nacido en Sri Lanka, como una voz única del panorama fílmico mundial ¿Cómo defender esta aventurada afirmación? No resulta una cuestión trivial. Más allá del poderoso simbolismo y la radical libertad que propone el cine de Jayasundara, su trabajo remite a una dimensión monumental difícil de evocar en palabras. Se trata de un cine que nace de la furia histórica (la memoria de la guerra civil que ha azotado Sri Lanka durante décadas), se alimenta de la cultura popular (el folklore y la mitología) y aspira a habitar el más valioso territorio del arte (junto a la felicidad): el misterio. Resulta casi absurdo, aunque necesario, esbozar una sinopsis de una película que se resiste a ser contada, porque debe ser vivida. Un joven cae del cielo; asiste a una revuelta urbana que llena las calles de televisores hechos añicos; busca el amor de camino al campo y lo pierde; llega a las montañas en busca de su familia, pero de repente se descubre convertido en un príncipe perseguido por unas fuerzas represoras que tienen aterrorizada a la población. Trabajando sobre extensos y parsimoniosos planos-secuencia, Jayasundara plantea un juego narrativo que sigue el lema del “todo es posible”. Así, el director se convierte en el poderoso demiurgo de un fascinante y arborescente universo mágico, pero al mismo tiempo el espectador puede elegir cuál de las múltiples sendas narrativas abiertas desea transitar (lo ideal es no cerrar ninguna puerta). Es una narrativa flotante (anti-cronológica), en contante fuga, nunca definitiva -cada plano puede reafirmar/variar/refutar el anterior- y sin embargo, siempre constructiva -como en el cine de Lynch, los bucles nunca devuelven al mismo lugar-. Es Between Two Worlds una película caótica, hostil, fantástica, esotérica, exótica y fervorosamente sensual. En su fortaleza conceptual, el film remite al cine de Apichatpong Weerasethakul o al mejor Elia Suleiman; en su vocación multidisciplinar, recuerda a la obra de Garin Nugroho; y en su capacidad para manejar la energía de una comunidad (rural), evoca una de las mayores virtudes de Naomi Kawase. En una de las mejores secuencias, una mujer extrae leche de uno de sus pechos y limpia el ojo infectado del joven protagonista ¿Es la vida que reniega de la muerte y clama por una regeneración del cuerpo y del mundo? ¡Habemus obra maestra!

-Nanayo, de Naomi Kawase. En el arranque, una sinfonía de planos de media duración nos permite avistar la iniciación de un niño a los rituales del budismo. Otros rostros emergen en pantalla, entre ellos el de Grégoire Colin (intérprete habitual de las películas de Claire Denis, practicante aventajado de la sobreactuación cassaveteana). Se trata de un prólogo. Una introducción cargada de significación en cuanto propone una variación respecto a las pautas de funcionamiento habituales del cine de la realizadora nipona: se trata de un flash-forward. Una alteración de la linealidad narrativa (presente en menor medida en Hotaru, 2000) que encarna aquí el rasgo fundamental de la película: su intensa irregularidad. Hay otros aspectos del film probablemente más llamativos (por ejemplo, el cambio de escenario, el abandono de la Nara natal de Kawase); sin embargo, es el uso de la discontinuidad narrativa el factor decisivo de la propuesta. Sin llegar a abusar del flash-back y forward, la película se refugia varias veces en estas alteraciones del tiempo para introducir el germen de la narración en la película de ficción más anti-narrativa de Kawase. Anti-narrativa en cuanto su argumento puede resumirse perfectamente en un par de líneas. Una japonesa llega a Tailandia y es conducida a una casa rural donde conviven un hombre, una mujer, su hijo y un invitado francés que está aprendiendo el arte del masaje. Y poco más. En este sentido, es interesante cómo gran parte del film se instituye en escaparate privilegiado del método de Kawase: la investigación de los lazos que crean los personajes a través de los gestos y la evocación de elementales dialécticas asociadas a la esfera íntima de la existencia (presencia y ausencia, vida y muerte, luz y sombras…).

-36 vues du Mont Saint Loup, de Jacques Rivette. Una película menor dentro de la filmografía del mítico director francés, pero de innegable encanto. El film sitúa su acción alrededor de una compañía de circo clásico (un anti-Cirque du Soleil) que ofrece su última gira, tras la muerte del fundador. En este contexto se produce el encuentro entre un misterioso hombre italiano que afirma no residir en ninguna parte (Sergio Castellitto) y una mujer que regresa a la compañía tras quince años alejada de las pistas de circo (la mítica Jane Birkin). Aquí, como en tantas otras obras de Rivette, el protagonista son tanto los hombres y mujeres de la función como el propio escenario. La dialéctica entre la realidad y la representación queda plasmada en la continua apelación al espectáculo circense y teatral, a la evocación (hablada) de la memoria. Sobre esta realidad, encriptada por un viejo y “estúpido accidente”, se desarrollará una trama sobre el cortejo romántico y la superación del trauma -algo más esquemática de lo que suele ser habitual en Rivette, seguramente debido a la sorprendentemente corta duración del filme (84 minutos)-. Por su parte, las funciones de circo, con todo aquello que las rodea (el previo, el post, entre bambalinas…), irán tejiendo una trama autorreflexiva sobre la complejidad oculta tras el arte más aparentemente rudimentario y artesanal. 36 vues... vibra al son de la declamación, la pantomima y el gesto ritualizado, construyendo un relato crepuscular y espectral, en el que los vivos les hablan a los muertos (en el cementerio o en el escenario) para liberarse de sus pesadas sombras.

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