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la revista rollingstone A veces, con Axl Rose, todo lo que necesitás es un poquito de paciencia. Y otras veces, necesitás un poquito más. El concierto de Guns N' Roses en Winnipeg -su primer recital en Norteamérica desde el lanzamiento de Chinese Democracy en 2008- tuvo que ver, afortunadamente, con la primera opción Luego de hacer esperar a toda una generación de fans para el lanzamiento de su sexto álbum de estudio, y después de mantener a sus seguidores esperando por más de un año para un recital, Rose perdió poco tiempo para ir al grano en el Gran Norte Blanco de América. El frontman y su septeto salieron a escena poco después de las 10:40 pm (prácticamente una matinee para Axl). Y una vez comenzado el show, el tiempo perdido se recobró, y la banda sometió a los 7500 espectadores en el MTS Centre de Winnipeg a una maratón de tres horas que incluyó nuevo material y clásicos de Guns N' Roses. Siguiendo el mismo patrón impuesto en los shows que el grupo dio en Asia, los Guns patearon la puerta con el tema que titula Chinese..., seguido por el "uno-dos-tres-va" de "Welcome to the Jungle", "It's So Easy" y "Mr. Brownstone" de Appetite for Destruction (1987). Y en el momento en el que Rose abrió la boca para gritar: "¿Saben dónde están? ¡En la jungla!", era evidente que la suya era una voz corroída que había perdido poco de su rango, rabia o poder. Asimismo, el resto de la banda - los guitarristas Richard Fortus, Ron "Bumblefoot" Thal y DJ Ashba, los tecladistas Dizzy Reed y Chris Pitman, el baterista Frank Ferrer y el bajista Tommy Stinson (ex The Replacements) - llegaron al fondo, rasgando la mayoría de los temas de Appetite... y Chinese..., con un par de cortes de los discos Use Your Illusion (incluyendo los covers de "Live and Let Die" y "Knocking on Heaven's Door") intercalados en buena forma. A pesar de que parecía estar de buen humor, entre las canciones Rose se mantuvo bastante tranquilo, ofreciendo poco más allá de los habituales agradecimientos y bromas. De hecho, para un tipo que maneja esa presencia de mando musical, se pasó gran parte de la noche intercambiando miradas con sus compañeros, salía de escena durante cada corte instrumental y durante las introducciones de casi todos sus compañeros para sus segmentos en solitario (la mejor: la versión pop de Stinson de "My Generation" de The Who). Además, Rose posteó una foto de bakcstage en su Twitter, y escribió: "Emocionado por poner esto en marcha. En poco tiempo ayudaremos a los Mounties a derrotar a Al Qaeda", en uno de sus primeros tweets desde que comenzó el año nuevo. El escenario negro con tres pasarelas y toda la puesta en escena high tech (que incluye todas las pantallas de video necesarias, brazos lumínicos, pirotecnia, bombas percusivas y cañones que lanzan papel picado) también demandó mucha atención por parte de los asistentes. Pero no la suficiente como para eclipsar regreso triunfal de Rose y compañía a Norteamérica. Ahora tendrás que esperar que lleguen a los Estados Unidos y a Sudamérica. Todo lo que necesitás es un poquito de..., vos sabes... Por Darryl Sterdan El set list de Guns N' Roses en Winnipeg, Canadá "Chinese Democracy" :twisted: "Welcome to the Jungle" :D "It's So Easy" :D "Mr. Brownstone :D " "Shackler's Revenge :D " "Live and Let Die" :D "Sorry" :) "If the World" :) "Street of Dreams" :) "Better" :D "You Could Be Mine" :D "Sweet Child o' Mine" :D :D :D :D :D "I.R.S." :| "November Rain" :cool: :cool: "Scraped" :) "O Canada" / "Pink Panther" :roll: "Out Ta Get Me" ;) "Knockin' on Heaven's Door" :D :D :D "Nightrain" :D :D "Madagascar" :D :D :D "This I Love" :) "Rocket Queen" :D :D "My Generation" :| "Patience" :? "Paradise City :D :D :D :D :D :D :D :D :D :D :D :D :D :D :D " -------------------------___________________________________________________________________________- maravillas Vuelve Guns N' Roses a la Argentina. Tal como anticipó RS , la banda se estará presentando el 20 de marzo en el Estadio de River Plate, en el marco de la gira sudamericana en donde el grupo está presentando su disco Chinese Democracy. Esta será tercera visita de la banda de Axl Rose a la Argentina. Anteriormente, el grupo tocó en 1992 y 1993, también en el estadio Monumental. ____________________________________________________________________________________________ metalica en cordoba: show historico La banda estadounidense tocó en el Orfeo en un concierto que marca un antes y un después para la Docta. Crónica y fotos. Pais Metallica. Foto de José Luis García. de el en Seguramente, la historia del Orfeo Superdomo guardará la noche del 24 de enero de 2010 y el recital de Metallica en un rincón tan glorioso como la del 13 de marzo de 2008. Allá lejos y no hace tanto tiempo, Bob Dylan bajaba hasta Córdoba para un concierto único para... poco más de dos mil quinientas personas. Entre la apatía de aquélla concurrencia y el lleno total de este domingo (con diez mil entradas agotadas en ocho horas), la plaza mediterránea volvió a colgarse el cartelito de apetecible para números de alta convocatoria. Pero eso es otro tema. Lejos de algunas visiones previas que daban a Metallica "de vuelta" de sus días de gloria y obligados a cumplir un compromiso, la banda inventora del thrash metal brindó en Córdoba un show cercano, descomunalmente al palo y para nada concesivo. Uno de los puntos más atractivos del concierto de este domingo, mejor dicho el que lo volvía completamente irrepetible, era justamente su calidad del único programado en un recinto cerrado tipo arena de la excursión argenta, aunque no era solamente eso, por supuesto. James Hetfield, Lars Ulrich y compañía estuvieron mucho más que a la altura de una fecha histórica y fueron una máquina de disparar hits (y no tanto), de una lista que difirió bastante del set de las dos fechas en River. Así, los muchachos recostaron el repertorio en el Black Album ("Of Wolf and Man", "Enter Sandman", "Nothing Else Matters", "Sad But True" y "Holier Than You") y Death Magnetic ("That Was Just Your Life", The End of the Line", "Cyanide", "My Apocalypse!"), a diferencia del tracklisting de estadios que, desde México a Buenos Aires, abrevaba en Ride The Lightning. En rigor de verdad, ni el más optimista de los fans que se pegaron al vallado tenían en mente que al cierre con "Seek & Destroy" Hetfield bajaría del escenario para tener un mucho más próximo baño de multitudes, y había que ver las caras de los fans a los que les acercaba el micrófono para corear las tres palabritas del estribillo. Esa quizás sea la postal más elocuente de lo bien que parecen haberla pasado el grandote y el resto del personal en escena durante la excursión a Córdoba. "Córdoba, son hermosos. ¿Podemos llevarlos con nosotros al próximo show?", largó James cuando promediaba la noche en el domo y ya dueño indiscutido del austero escenario y el "Olé, olé, olé, oleeee... Metaaaa llicaaaaaaa" atronaba ensordecedor. El batero, en tanto, guardó sus únicas palabras dichas directamente para el final, con una amenaza que más de diez mil almas quisieron tomar como promesa: "No sé ustedes, pero yo no voy a esperar 29 años para volver a tocar aquí". El sueño de cualquier metalero, hecho realidad. Por Pablo Leites - Fotos de José Luis García (desde Córdoba) La lista de temas de Metallica en el Orfeo de Córdoba Creeping Death No Remorse Holier Than Thou Of Wolf And Man Welcome Home (Sanitarium) That Was Just Your Life The End Of The Line Sad But True Cyanide My Apocalypse One Master Of Puppets Damage Inc. Nothing Else Matters Enter Sandman Breadfan (Budgie cover) Hit The Lights Seek & Destroy _____________________________________________________________________ Metallica en River: y se hizo justicia para todos Ante 60 mil personas, la banda regresó a la Argentina y tocó el primero de sus tres conciertos prometidos. Crónica y fotos. Fotos de José Luis García las Y finalmente llegó el día. Metallica regresó a River y superó las expectativas de ese público ansioso que quiso volver a verlos después de la decepcionante cancelación de su show en 2003. Sold out, más de 60 mil personas vivieron esta parada del tramo latinoamericano del World Magnetic Tour que, en realidad, significó mucho más que la mera presentación de su último disco, Death Magnetic. Casi treinta años después de su fundación, los cuatro jinetes del thrash metal hicieron honor a su nombre y saciaron la sed heavy de los headbangers argentos. Aquí, un recorrido de diez paradas a través del show. 1- La explosión inicial: River era todo ansiedad. Después de más de diez años de espera y un amague en el medio, la nueva salida de Metallica al escenario del estadio de Nuñez estuvo cargada de muchos significados pero atravesada por la sensación de revancha. El imbatible comienzo con la dupla de Ride the Lightning "Creeping Death" más "For Whom the Bell Tolls", voló más de 60 mil pelucas. 2- La cara de la bestia: James Hetfield es una suerte de monstruo que se come absolutamente todo lo que encuentra en su camino, sin piedad. El tipo, ya lo sabíamos, es un guerrero vikingo: gigantesco, imponente y un verdadero guitar hero. Un gran frontman que sabe moverse, conquistar (véase punto 8) y, sobre todo, adecuar sus cuerdas vocales que siguen en forma a pesar de sus tres décadas de uso. 3- Master of Puppets: que Lars Ulrich es a un tiempo titiritero y columna vertebral queda muy claro en las presentaciones en vivo. Desde su Tama, el danés dirigió esas cabalgatas eternas, uptempo, base necesaria para lograr esa interpenetración de los cuatro instrumentos en un sonido superior (el final de "That Was Just Your Life" tradujo esta idea a un acto, cuando todos terminaron tocando alrededor del batero). Por otro lado, sus aires de frontman-que-no-fue se notan pero son bien canalizados: en "Harvester of Sorrow", por ejemplo, terminó haciendo su habitual arengue, parado sobre la banqueta. 4- La bestia de cuatro cabezas (o de una más tres, que siempre dan cuatro: leáse apartado). La condensación de cuatro virtuosos del metal da como resultado ese sonido único, compacto, imbatible, denso. Robert Trujillo es un ser misterioso y pelilargo que deambula poseído por el escenario mientras hace milagros con su bajo de cinco cuerdas y agrega gravedad a las letras con sus coros deathmetaleros. Kirk Hammett, por su lado, es el verdadero guitar hero del combo: con sus solos la rompió en "Master of Puppets" y con esa intro de "Nothing Else Matters" y fue el único miembro de la banda presentado por Hetfield y aplaudido por todos. 5- El final de la línea: la presentación de Death Magnetic no se tradujo mucho en la lista de temas que recorrió toda la discografía saltando, como ya lo venían haciendo, el período Load-Reload-St.Anger. "That Was Just Your Life", "The End of The Line", "Cyanide" y "All Nightmare Long" fueron los únicos del último trabajo. Pero, claro, se complementaron con clásicos como "Master of Puppets", "Sad But True" y " 6- "One": el pilar de .And Justice For All representó el momento más esperado de la noche. Todo River coreó "Hold my breath as I wish for death" después de que varias explosiones y fuegos artificiales anunciaran la llegada de uno de los himnos metaleros y anti guerra por excelencia. 7- "Enter Sandman": antes de los bises, el gran hit crossover, el que conocen hasta los no seguidores del grupo. Impresionaba ver a todo el campo de juego saltar como si la masa fuera sólo una persona que ocupaba el Monumental de arco a arco. Inolvidables la intro guitarrera de Hetfield mostrando su púa a la cámara para así aparecer en la pantalla, haciendo cuernitos con su mano izquierda, y las tremendas explosiones pirotécnicas. 8- James, el sensible. Cada vez que se dirigió al público, Hetfield demostró su humanidad en cada palabra. "Nuestra misión es hacerlos sentir mejor" o "Queremos curar su corazón"-haciendo referencia al concierto fallido de 2003- o "Estamos muy contentos de estar en Buenos Aires esta noche; estamos haciendo historia", fueron algunas de sus intervenciones. Aunque, claro, su verdadera naturaleza triunfó por momentos: "¿Quieren infierno?", preguntó, "¡Metallica les da infierno!". 9- Directo al crematorium. Aunque la puesta no se correspondió con los visto en otros puntos del World Magnetic Tour (no hubo ataúdes, por ejemplo), los efectos completaron la rudimentaria puesta en escena. A los juegos de luces se les sumaron los fuegos artificiales, las explosiones y las llamaradas que adornaron varios tramos del setlist. Nos conformamos con poco. 10- El futuro. "Últimamente estamos algo nostálgicos", confesó Hetfield en la conferencia de prensa, haciendo referencia a cómo el hecho de haber entrado en el Rock and Roll Hall of Fame durante el año pasado, los hizo pensar en el paso del tiempo y en la situación actual de lo que fue la escena metalera de los ochenta. Por eso, justificó la gira europea que llevarán a cabo en junio de este año junto a Megadeth (sí, y bromeó haciéndose el desentendido cuando le preguntaron por Dave Mustaine), Slayer y Anthrax. Y, yendo al futuro más cercano, Hammett comentó cómo les atraía la idea de tocar en lugares chicos, cerrados. Veremos cómo será la experiencia en el Orfeo de Córdoba. Diferente, sin dudas, pero igual de demoledora. Por Yamila Trautman Mirá la lista de temas completa acá. La importancia de llamarse James Hetfield (y tocar en una banda llamada Metallica) Ante 60 mil personas, la banda regresó a la Argentina y tocó el primero de sus tres conciertos prometidos. Crónica y fotos. alicia El tipo es el prototipo del yankee: blanquito, medio conservador en su posición política, miembro de la Asociación del Rifle y cazador, ex pelilargo y ahora un casi cincuentón prolijo y millonario, en el pasado mucho más afecto al alcohol que a las drogas (y en la actualidad limpio de todo vicio), padre de familia, amante del hard rock y del rock sureño, y él mismo líder de una banda metalera. Cuando sale a escena, es imposible no caer hipnotizado en su embrujo, de la mano de su guitarra, que emite sonidos marciales similares a los de una jauría de serruchos (un equivalente en este aspecto puede ser Lemmy Kilminster con su sempiterno bajo Rickenbaker al comando de Motörhead), y su voz visceral, profunda, de varón con mil y una experiencias. Y eso que a su lado tiene a un baterista petiso y cirquero, que busca robarle el protagonismo todo el tiempo de la mano de su artillería heredera de aquellas grandes gestas de los 70 y los tempranos 80; otro guitarrista, muy efectivo en su papel de lead pero a veces afecto a tocar de más (y así, que su talento pase a ser en esos casos más gimnástico que sonoro) y el nuevo, un bajista de aspecto simiesco, hardcore, skater y surfero, que logró lo que hasta hace unos años parecía imposible: revitalizar al combo (Do you remember St. Anger?). Está claro, el personaje central es James Hetfield, y los secundarios Lars Ulrich, Kirk Hammett y Robert Trujillo. Y así como el cabecilla es Mr. James, es imposible imaginárselo como solista, o tocando con otros tipos que no sean sus compañeros, y viceversa. Ese himno antibélico llamado "One" así lo demuestra, y es el más puro ejemplo de lo que es Metallica: un grupo con las cinco letras de su denominación mejor puestas que ningún otro de su especie, y de otras de esa gran entelequia llamada rock and roll. __________________________________________________________________________________ tim burton habla sobre alicia en el paais de las maravilllas El reconocido director reflexiona sobre el filme, que se estrenará el próximo 4 de marzo. Guns N\' Roses Johnny Depp, Helena Carter Bonham y Tim Burton. Foto de AP. Ya lo dijimos, y lo repetimos: la versión de Alicia en el País de las Maravillas dirigida por Tim Burton, que se estrenará el 4 de marzo, es uno de las películas más esperadas de 2010. En esta nota, Burton recuerda la lectura del clásico de Lewis Carroll, cuenta sobre su relación laboral con Johnny Depp y profundiza sobre el 3D. ¿Qué es lo que más te atrae de esta historia? En cualquier cuento de hadas está lo bueno y lo malo. Lo que me gustó de la Infratierra es que todo es levemente raro, incluidas las buenas personas. Eso, para mí, es algo diferente; es una parte importante de la cultura. Así que, hayas leído la historia o no, tendrás ciertas imágenes o cierta idea al respecto. Es una historia muy popular. La razón por la que hicimos algo con ella es porque desde hace mucho tiempo viene capturando la imaginación de la gente. ¿Por qué crees que Alicia en el País de las Maravillas aún es popular, a más de 140 años de su publicación? De alguna manera apela a algo inconsciente. Es por eso que todas esas grandes historias siguen vigentes, porque hablan de cosas sobre las que la gente quizás no se da cuenta a nivel consciente. Definitivamente hay algo en esas imágenes, por eso es que hubo tantas versiones de ella. Como película, siempre ha sido sobre una pequeña y pasiva niñita que vive una serie de aventuras con exóticos personajes, sin ninguna gravedad. La intención esta vez es extraer la idea de esas historias y moldearlas para lograr algo que no está literalmente en el libro, pero que mantiene su espíritu. ¿Cuántos años tenías la primera vez que leíste los libros? Estaba en la primaria, tal vez tenía 8 ó 10 años. Tengo una extraña conexión con ellos. La casa donde vivo en Londres fue propiedad de Arthur Rackham [famoso ilustrador de libros que creó las conocidas planchas de colores de Alicia en el país de las maravillas]. Yo vivo y estudio fuera del estudio donde él hizo algunas increíbles versiones de Alicia en el País de las Maravillas. Así que sentí que había una conexión entre el material y yo. Y eso de alguna manera siempre ayuda. ¿Cual fue tu reacción cuando se te acercaron para que dirigieras el film? Me dieron un guión y dijeron: "3D". Incluso antes de leerlo, pensé que era interesante, y lo que me gustó sobre el guión fue que lo hizo una historia, le dio forma para una película que no necesariamente es el libro. Así que todos esos elementos me parecieron llamativos. Lo que me gustó sobre esta versión de la historia es que Alicia está en una edad entre la niñez y la adultez, cuando uno se está formando como persona. Mucha gente joven con alma vieja no es muy popular en su propia cultura y en su propio tiempo. Alicia es alguien que no cuadra en la estructura y sociedad victorianas. Es más introspectiva. ¿Por qué decidiste hacer esta versión en particular de la historia? Bueno, hay muchas historias. No es como una historia nueva. Si lees los libros, son todos con este tipo de extrañas aventuras. Así que creo que el objetivo de Linda Woolverton, la guionista, era sólo tener la historia y usar a los personajes. Mira, hay tantas cosas... Siempre va a haber un personaje que será el preferido de alguien. Alguien extrañará a la Langosta, o al que sea. Tenemos a la Reina Roja o a la Reina Blanca, a la Liebre o al Conejo Blanco, había personajes ícono que sabíamos que tenían que estar. Pero luego pensamos: "Dejemos que ruede la historia y veremos". ¿Qué personajes de Alicia... te agradan más? Me gustan todos y así es la cosa. Creo que este material sufrió en el pasado porque todos los personajes son simplemente extraños. Bueno, el Sombrero Loco es extraño, el Gato Sonriente es extraño, el Conejo es extraño. Tratamos de darle a cada uno su propia rareza, así cada uno tiene su propio carácter. ¿Al ir creciendo, tenías un libro para niños preferido? Yo era fanático de Dr. Seuss. Era fácil de leer, me gustaban sus dibujos. Pero la razón por la que quise hacer Alicia... es que era un desafío realmente interesante. Personalmente no sentí lo que habría sentido con otro proyecto ("Oh, hay una gran versión dando vueltas y tratar de hacer una nueva, sería un problema"). En el caso de Alicia hay algunos interesantes, pero no sé si todos son completamente exitosos. ¿Cómo abordaste el film? Estaba muy fascinado por las imágenes icónicas... Creo que la gente siempre se sorprende cuando vuelve y lee las historias, porque no tienen esa narrativa avasallante al estilo El señor de los anillos. Son absurdas, surrealistas; pero esos personajes están en nuestros sueños, en nuestras historias. Esas cosas se nos quedan en el cerebro. ¿Por qué todos los músicos escriben canciones sobre ellas? Los ilustradores se fijan en ellas y las vemos en otro tipo de imágenes. Era clave tratar de hacer ese mundo. Las cosas de Alicia que sentí que eran únicas porque son tan distintas... Por ejemplo, los bizarros cambios de tamaño, o cuando tienes algunos animales que hablan y otros que no. Hay algo muy profundo; estas cosas que parecen al azar pero no lo son. El objetivo es justamente tratar de capturar eso. ¿Qué te gusta de esta versión de la historia? Lo que me gusta de ella es que más una travesía personal. Esta es de las cosas más importantes en la vida hoy en día, ese momento en el que tomas la decisión más importante. Quizás les pasa a todos, quizás no. Quizás lo haces más de una vez en tu vida: cuando aprendes algo, creces. Es como si tuvieras dos partes de ti en conflicto emocional. Y luego, cuando haces ese crecimiento personal es algo increíble, muy fuerte. Te reconcilias contigo y con quien eres, volviéndote la persona que serás, un ser humano. Suena ligero, pero es importante. ¿Por qué no hiciste un relato fiel de los libros? Lo que me encantó de Alicia es que sus icónicas imágenes fueron absorbidas por nuestra cultura. Probablemente sabía más sobre Alicia por escuchar bandas y canciones, ya que muchas de las imágenes de la historia se ven en escena. Eso es lo que fue siempre fuerte de Alicia. Nunca fue la trama de la historia, porque es una historia absurda; realmente no tenía una dinámica narrativa. Por eso creo que a las otras versiones, para mí, siempre les faltó algo, porque eran la pequeña niña observando cosas y diciendo "Oh, eso es extraño". Había un personaje exótico tras otro, sin mucho contexto alrededor. Por lo tanto tratamos de hacer a cada uno de los personajes de Alicia en el País de las Maravillas con más profundidad; de darle a Alicia 'una historia'. Hay una especie de mística sobre Alicia en el País de las Maravillas. Simplemente sentí que sería un poco más apropiado si tratábamos de buscar el verdadero espíritu de esos personajes, y luego brindarle algo de fundamento a todo. ¿Por qué hiciste a Alicia de 19 años? Esa edad me parece fundamental. Es cuando uno está entrando a una cultura donde estás presionado por la sociedad: o te casas, o algo. Y ella me da la impresión de estar en el punto de una bifurcación emocional. Siento que Alicia es un personaje interesante porque está en esa edad, y tiene alma tanto de persona joven como de persona grande. Hay una dinámica, un conflicto entre la niña y la adulta, y luego una reconciliación. Se parecía a la clásica estructura de fantasía - volviendo a El Mago de Oz o a cualquiera de esas historias maravillosas o folklóricas - y estas aventuras son siempre para resolver los problemas emocionales del personaje. Por eso siempre me han intrigado la poesía y el propósito de estas historias, los mitos y eso. Significan algo. Y por eso sus aventuras son la reconciliación con ella misma, ganando en fuerza personal. Esos son los viajes en estas historias, pero también son bastante privados. Me parecía la edad justa para explorar la dinámica de alguien en un momento de transición. ¿Cómo elige Johnny Depp interpretar a un personaje tan vívido como el Sombrerero Loco? Es un personaje ícono y ha sido recreado en animación y en acción en vivo. Creo que Johnny trató de conectarse con el personaje, con algo que se pueda sentir, lo opuesto a simplemente estar "loco". En muchas de las versiones este es un personaje monótono, pero esta vez su objetivo es sacar ese lado humano de la rareza del personaje. He trabajado con él durante muchos años y siempre trata de hacer eso. Esta no fue la excepción. ¿Consideras a Johnny un inspirador, como una musa? No, él es simplemente un trozo de carne . Todos estos actores estuvieron geniales, porque no estaban rodeados de muchas cosas como los sets, la utilería, otros miembros del elenco. Así que mucho de esto debía estar dentro de la mente de cada uno. Realmente no puedes trabajar con actores metódicos en una película como esta. Necesitas gente que simplemente pueda hacerlo sola y sin mucho material. Y sí, Johnny es bueno para eso. Además tuve suerte con los otros actores, ya que fueron por el papel, y, por mí también. Creo que fue muy difícil, porque nunca había hecho una película como ésta, y la verdad que te abre mucho los ojos. Es todo un proceso distinto. Lo pienso para un actor y es realmente un desafío. ¿Cuán cerca estás de Johnny cuando él crea sus personajes? Bueno, yo hago un pequeño sketch y él también. Hablamos, y siempre es distinto. Con él usamos referencias, pero nunca son referencias específicas. El no quiere sentir que simplemente hace una cosa; por lo tanto usamos muchas referencias abstractas. Y siempre tengo mucha intriga pensando en que saldrá de su inspiración. ¿Le permites irse lo más lejos que pueda y luego lo 'traes de vuelta' al guión? Sí, pero él es muy bueno. Nunca quieres irte tan lejos como para perderte ciertos golpes emocionales. Así que intentamos hacer al Sombrerero Loco, por supuesto, pero también darle una cierta cualidad emocional bajo la superficie. Johnny es muy bueno tratando de encontrar lo real en algo irreal. ¿Por qué elegiste a Mia Wasikowska para el papel de Alicia? Tiene cualidades de joven y de adulta. Es muy centrada: algunas personas están atentas a todo, pero otras tienen esa cualidad de alma adulta. Y eso nos parecía importante para Alicia. Pero al mismo tiempo era joven, y hay personas con alma antigua que a la vez son inocentes. Hay una especie de pasividad en Alicia que siempre está presente en los textos, de modo que queríamos darle más fuerza; la que la propia Mia tiene. Simplemente me gustaba su estilo. Siempre me gusta cuando la gente tiene esa cualidad de alma adulta, porque dado que somos testigos de todo a través de sus ojos, se necesitaba que alguien pudiera retratar todo eso con sutileza. ¿Cómo pudo Mia, una actriz relativamente nueva, llevar adelante el papel? Bueno, ella es genial. Esta probablemente sea la película más abstracta que haga, espero. Como dije, era nuevo para mí. En cuanto a lidiar con toda la pantalla verde y esos obstáculos, sinceramente se lo tomó muy bien. Siempre estaba tratando de recordar al personaje y volver a ese lugar dentro de ella. Eso ayudó mucho, porque si no ese proceso podría haber sido una pesadilla: va en contra de todos tus instintos, supongo, porque como actor no tienes nada con que trabajar. El tipo parado ahí con el palo verde no es muy inspirador realmente. Volves con Crispin Glover [quien interpreta a la Sota de Corazones], ¿verdad? Lo conocí a principios de los 80. Es un individuo único, un 'hombre del Renacimiento'. No hay mucha gente del cine que haga sus propias películas, su propio arte y viva su propia vida de la manera que él lo hace. Pero es sensacional. Tiene una presencia muy agradable. Tu elenco está lleno de actores británicos, intérpretes que pueden desaparecer en el personaje. Me encanta trabajar con gente como Matt Lucas, que hace personajes, porque creo que son grandes actores. Son divertidos para ver. Matt hizo un personaje, luego se transformó en otro; esas para mí son señales de que es un buen actor, y fue realmente bueno trabajar con él. También fue importante para mí tener un fuerte sabor británico; hay mucha gente de ahí que siempre he admirado. Quería intentar hacer las voces animadas no demasiado exageradas, así todos sentían que estaban en el mismo mundo. No quería que sintieran personajes en vivo en un mundo completamente animado, así que traté de hacer la acción un poco más extrema, y luego trabajar la animación. Tuve suficiente suerte como para encontrar a grandes actores - si lo hubieran hecho como humanos habría sido genial - quienes llevaron a estos personajes animados al nivel de la acción en vivo. ¿Cómo transformaste a tus actores en personajes? Bueno, es difícil cuando no tienes muchos sets y estás lidiando con tanta tecnología. Trato de mantenerlo lo más vivo posible y lo más rápido posible, así pueden interactuar entre sí lo máximo posible. Por lo tanto, la energía y velocidad son importantes; simplemente tratas de seguir moviéndote y en ritmo. ¿Cómo encararon el diálogo los actores en Alicia...? El tipo de actores con los que me gusta trabajar aporta algo especial... como si hubiera una línea o algo del libro que quisieran ser en el guión. Si un actor se conecta con algo o se siente apasionado por algo, siempre es lindo, y probablemente obtengas algo mejor de él, con un significado que los actores pueden captar. ¿Es la "Infratierra" o el "País de las Maravillas"? ¿Cómo luce en este film? Es y siempre ha sido la Infratierra, pero según la versión cinematográfica, cuando Alicia la visitó de niña, escuchó mal el nombre y la llamó 'País de las Maravillas'. Todos tienen una imagen de la Infratierra. Creo que, en la mente de la gente, es un lugar con mucho brillo y caricaturas. Creímos que si Alicia tuvo esta aventura de niña y ahora regresa, quizás estuvo un poco deprimida desde que se fue. El lugar tiene una cierta cualidad de obsesivo. ¿Y esta película significa un abordaje singular de la tecnología? Bueno, [el supervisor senior de efectos visuales] Ken Ralston se ha ocupado de esto; yo no lo he hecho antes. Es un rompecabezas, y la película no se materializa hasta el final. Lo que ha resultado más difícil fue que cuando termina la producción, generalmente tienes una película: ves las escenas y lleva de seis meses a un año cortarlas. Esto no funciona así, es un proceso muy "Alicia en el País de las Maravillas", es un pequeño retroceso. ¿Cómo incorporaste la tecnología disponible a esta película? Nuestro abordaje fue un poco más orgánico, en el sentido de que Ken Ralston y yo discutimos lo que nos gustaba y lo que no acerca de la animación, la acción en vivo y otras tecnologías. Luego de esa conversación, nos decidimos por una mezcla: personas de verdad, pero también personajes animados, y luego los íbamos a manipular. Por lo tanto, sólo tratamos de elegir cuál usar en cada situación. Eso pasa con la tecnología, hay muchas maneras de usarla. ¿Cómo se te ocurrió el diseño de este mundo? Estuvimos viendo muchos grandes artistas para esto. De alguna manera, terminó siendo más una película animada, en términos de la estructura y de cómo se hizo. Tuvimos muchos diseñadores; cada uno aportó lo suyo, fue realmente un proceso en equipo. ¿Qué fue lo que más te inspiró en lo visual? No elegimos simplemente una cosa; hay muchas cosas diferentes. Miramos fotos de árboles. Pudimos lograr un buen trabajo que nos gustó, y nos aferramos a eso. El objetivo al final de todo era respetar la esencia de la historia y hacerla sentir nueva, diferente. Pero aún hay una razón de por qué me gusta el Gato Sonriente o la Oruga o el Sombrerero Loco: esos personajes están en la conciencia de la gente porque son imágenes fuertes. Fue muy importante hacer justicia en ese aspecto. ¿Por qué elegiste hacer la película en 3D? Bueno, el 3D no es una moda pasajera, vino para quedarse. No significa que cada película vaya a ser en 3D, pero Alicia en 3D, simplemente por el material, parecía cuadrar. Por lo tanto, en vez de tratarlo como algo raro, decidimos pensar como si fuera parte del País de las Maravillas, uniendo el medio con el material. ¿Grabaste en 3D o fue parte del proceso que viene después de la filmación? No lo hicimos con el cable 3D. Con las técnicas que estábamos usando - pura animación, acción en vivo y manipulación de eso - filmarla tradicionalmente nos dio más libertad para meternos más profundo en las capas, que queríamos en el tiempo con el que estábamos lidiando. Tampoco puedo ver realmente la diferencia; seguro hay gente que dice que "de una u otra manera es más puro...". Pero éste parecía el abordaje correcto. Después de ver el trabajo de conversión que se hizo para El extraño mundo de Jack, no encontré razón para hacerla de otra manera. Tratábamos de hacerlo más rápido, pero al final del día no veía ninguna diferencia en la calidad. ¿Utilizar 3D afecta la historia? En los viejos tiempos nos habríamos puesto los anteojos y habríamos salido del teatro con un tremendo dolor de cabeza. Y ese no es el caso hoy en día, ahora es una experiencia mucho más agradable. Yo personalmente no estoy para artilugios de publicidad, así que creo que va con la película, te pone en ese mundo. Y el material de Alicia - el crecimiento y la psicología de los personajes por ejemplo- y los espacios y lugares especiales en los que entras, ayuda en la experiencia. Obviamente, estas películas no sólo tienen que trabajar con el 3D, pero tienen que verse bien, tan bien como la película que uno desea ver. Creo que la publicidad del 3D está quedando de lado, y se trata más de una experiencia que te mete en la película. Cuando El extraño mundo de Jack fue convertida a 3D, sentí que era la manera en la que tenía que haber sido. Sientes más la textura de los muñecos, realmente sentías que estabas en la escena, y creo que eso mejora la experiencia. Esta parecía la clase adecuada de historia para hacer en 3D. Yo siempre trato de preguntarme: "¿Es el medio correcto para esto?", y no sólo hacerlo porque trae publicidad o está de moda ahora. Se sentía que era el material justo. Brinda la impresión de excentricidad, un elemento crucial para la película. ¿Cómo ves el futuro de tus películas ahora que tienes esta mezcla de 3D y acción en vivo? Hace varios años yo estaba en animación. Se la había declarado muerta, y luego dejaron de hacer dibujos a mano. Por lo tanto, las buenas noticias son que hay más formas para todo, que es muy bueno. Debería haber 3D, dibujos animados, animación computada, stop-motion... Todo es válido, es genial. Y ahora es mejor que nunca; yo peleé 10 años para poder hacer una película en stop-motion. Ahora, puedes hacerla sin problema. ¿Estás encantado con los efectos especiales? Yo no soy un realizador que produce efectos especiales porque sí; trato de no verlo así. Incluso con todo el material en esta película, siempre tratamos de volver a la simplicidad del viaje de una persona: es la travesía de Alicia. Es así; algo muy simple, y así tratamos de mantenerlo siempre. En la Argentina Rolling Stone Número 143 En el número de febrero de Rolling Stone una edición de colección en tributo a Sandro, el primer rocker argentino. Escriben Pipo Lernoud, Javier Martínez, Iván Noble, Mariano Roger de Babasónicos, Marcelo Moura, Raúl Porchetto y Afo Verde. Dos RS Interviews con las divas más calientes del pop mundial: Madonna (que se atreve a repasar sus tres décadas de hits y escándalos) y Shakira. Crónicas Bicentenarias: Hebe de Bonafini sin pañuelo, o como doña Kika Pastor cambió su vida luego de la desaparición de sus hijos. Una vuelta por el universo psicomágico de Cuentos Borgeanos. La guerra ecológica: la historia por detrás del fracaso de la cumbre contra el calentamiento global. .Y, como siempre, Rock and Roll, En Caliente, Close Up (con Delfina Gerez Bosco y 50 Cent) y lanzamientos: Tanguito, Los Cafres, Joss Stone, Neil Young, Morrissey y más. ---------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------- Beyoncé en Buenos Aires: la identidad de una diva La cantante se presentó en el Hipódromo de San Isidro, en su primera visita a nuestro país; crónica y fotos. Beyoncé. Fotos de Segismundo Trivero com es el show Se abrió el telón y un haz de luz marcaba su silueta orgullosamente curvilínea. En un power-walking con la fuerza de un camión a 180 km/h, Beyoncé emergió de la bruma para cantar su primer hit solista "Crazy In Love". Desde ahí quedó claro que la ex Destiny´s Child, símbolo sexual y diva máxima de la música pop urbana, subió en modo Sasha Fierce, el incandescente alter-ego que plantea I Am..., el disco que la trajo por primera vez a la Argentina. Es la hembra feroz, destinada a incendiar la pista con el R&B salvaje y futurista, que fue alternando el protagonismo con la otra cara: la baladista dulce y bien intencionada. Es la misma Beyoncé, pero más enfocada a la acrobacia vocal que le demandarán "Ave Maria", "Broken Hearted Girl" y su balada feminista "If I Were a Boy". En esta última levantó un fragmento del rabioso hit de Alanis Morissette "You Oughta Know", que anunció cuál de las dos caras prevalecería: "Diva" la tuvo brillando en la oscuridad con un vestuario luminoso, (casi) rapeando y sobre su estatus de estrella global. En "Radio" se proyectó el video de una Beyoncé de no más de 7 años cantando en el living familiar y se confirmó lo sospechable: hasta en tamaño miniatura, ¡siempre fue una diva! El show, que llegará a Chile el domingo, está potenciado por incontables efectos visuales, con proyecciones y luces que intervienen en cada pasaje. Pero por cada truco tecnológico, el espectáculo posee un elemento orgánico old-school que le da la fuerza sanguínea que tiene su cóctel musical negro: R&B, funk, soul y hip hop. Hay ocho bailarines, una banda completamente femenina con percusionista, sección de vientos, dos bateristas, dos tecladistas, guitarrista y bajista, más las exuberantes coristas XL, The Mammas. Todos tendrán su ratito de protagonismo, en los momentos que B corre tras bambalinas a transformarse con los diseños del célebre Thierry Mugler, vestuarista, asesor artístico y médula estética del show. Pero entre tantos ingredientes el sabor definitivo lo pone Beyoncé, sobre todo cuando no se concentra en dividirse en alter-egos. En más de una ocasión pasó a un segundo escenario, más pequeño, entre las filas vip. Allí se puso casi cara a cara con el público, y desplegó su belleza a prueba de lupas y su talento más allá de los trucos y las múltiples personalidades. Sonaron "Baby Boy", "Upgrade U " y "Check On It", en su mayor parte con diez puntos en canto y baile. También hizo "Irreplaceable" con partes de su floja traducción al español y se olvidó la mayoría de la letra, un gesto simpático entre tanta precisión y virtuosismo interpretativo. "Gracias por ayudarme con mi español", dijo entre risas, mientras flameaba la bandera Argentina en las pantallas. No faltó el festejado medley de Destiny's Child, con pedacitos de "Bootylicious", "Bug A Boo", "Jumpin´ Jumpin´, y "Say My Name". La cita fue en el Hipódromo de San Isidro, y la disposición elegida para el escenario, las plateas y el campo se vivió como un desacierto para los que pagaron el precio mínimo, de 150 pesos, que vieron el escenario con dificultad. El resto, a pesar del valor de las entradas (¡superiores a las de Madonna en sus shows en River!), definitivamente hizo un buen trato. Hacia el final un divertido montaje de versiones YouTube anticipó el hitazo "Single Ladies ", que Beyoncé bailó cómo si estuviera dando una clase magistral de coreografía. El cierre fue con su balada "Halo". La dedicó a Michael Jackson y al recientemente fallecido diseñador Alexander McQueen, luego de descender al vallado y tocar las manos de casi todos los fans de la primera fila. Pero el concierto no terminó hasta que le cantó el feliz cumpleaños a cada cumpleañero presente. Para el momento en el que se despidió diciendo "I am... yours" ("Soy suya"), ya había demostrado que más no se le puede pedir. Por Gabriel Orqueda ----------------------------------------------------------------------------------------------------------------------- -------------------------------------------------------------------------------------- ----------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------- Cine de verano Publicado: 11.02.2010 | 15:20 en Mixed Media, Cine, DVDs Diez opciones para quemarse frente al DVD. metalica en cordova Aaaahh, el verano, las vacaciones. Para mí son, además de la posibilidad de viajar y alejarme de la rutina, la oportunidad para acercarme a esos dos placeres a los que no les puedo dar la atención que se merecen durante el año: la lectura y el cine. Yo vivo a los pedos y necesito tiempo y silencio para sumergirme en un libro. Hay gente que lo logra parada en el bondi o en el baño (¿Cómo hacen? ¿Tienen el tránsito tan lento?). Y con las películas, bueno: convengamos que, a las diez de la noche, hecho percha, la cabeza solo me da para 22 minutos de una sitcom o 45 de una serie, no para aguantar el sueño por dos horas. Pero las vacaciones, aaah las vacaciones. Fue mi tiempo de desquite, de broncear la piel, quemarse las retinas y, también, incendiar el DVD con esta colección de films para todos los gustos. Daybreakers Corre el año 2019 y una epidemia transformó a la mayoría de la población en vampiros, que cazan a los humanos para usarlos como ganado para el suministro de sangre, el cual es controlado por una megacorporación. El tema es que estamos al borde de la extinción y eso pone en peligro también el futuro de los chupasangres que, sin su alimento, degeneran en una nueva y peligrosa raza de pseudomurciélagos gigantes. Detrás de mucha acción, decapitaciones, cuerpos que explotan y ríos de sangre hay una entretenida peli que reparte críticas (a la industria farmacéutica, a la milicia) y que nos pregunta, con ironía, si la humanidad no es una especie de vampirismo diurno. Cold Souls Mi favorita. El siempre genial Paul Giamatti hace de sí mismo, como un actor que, harto de la ansiedad y los conflictos que le trae encarar un papel en una obra de teatro a punto de estrenarse, acude a los servicios de una empresa que se encarga de extraer y congelar las almas de las personas, como una forma de "alivianar" sus problemas. La cosa se complica cuando su "esencia" se pierde entre mafiosos traficantes de almas rusos. Una comedia negra ¿metafísica? brillante que homenajea al mejor Woody Allen y nos enternece sobre la valoración y aceptación de nuestro espíritu (por más feo y chiquito que parezca). Y, encima, con música de la maravillosa Lhasa. The Invention of Lying En una realidad alternativa en la que los seres humanos no tienen la capacidad de mentir, Ricky Gervais (creador de las series The Office, Extras y a punto de estrenar su propio dibujo animado), es el primer hombre en descubrir cómo hacerlo. Una las mejores comedias de 2009. Créanme. Sherlock Holmes Podés estar aburrido de los típicos yeites de Guy Ritchie. Te puede gustar o no esta versión à la Batman y Robin que hizo del personaje creado por Arthur Conan Doyle. Pero, ¡por favor, qué maestro que es Robert Downey Jr.! 9 Las máquinas extinguieron a la humanidad, pero un grupo de muñecos de trapo a los que un científico les dio el don de la vida se encargarán de salvar los últimos legados de la civilización. Es un cuento de niños postapocalíptico digno de Tim Burton (productor del film), flojo en guión aunque fantástico en imaginación visual. Whiteout La última película que vi con asesinatos en el invierno antártico es la versión de The Thing de John Carpenter. Lástima que este policial berreta arruinó ese recuerdo. Paranormal Activity La tengo y no me animé a verla. ¿Es para tanto? Where The Wild Thing Are La imaginación de Spike Jonze es tan pero tan particular como el tipo de espectador al que se dirigen sus obras. Y su adaptación del clásico cuento infantil de Maurice Sendak es tan original como la audiencia que termina construyendo: los "kidults indies". Fantastic Mr. Fox Otra para grandes chicos. Una versión en animación stop-motion de la novela infantil homónima que recomiendo no perderse si quieren ver a George Clooney en el papel de su vida: haciendo de zorro (¿de qué otra cosa podría hacer este encantador chanta?). Universal Soldier: Regeneration ¡SEEEEEEEE! Jean-Claude Van Damme y Dolph Lundgren de vuelta en uno de los papeles ¿consagratorios? de sus ¿carreras? Terroristas nucleares, muertos a mansalva y kickboxing en 96 minutos que son una bosta universal. Pero, ¡qué importa! Lo que pasó, pasó: es verano. ________________________________________________________-------------------------- 3 razones para extrañar al ´viejo´ Lost Publicado: 11.03.2008 | 13:48 en TV revista rollingstone.com.ar ¿Que cambió para peor en la cuarta temporada de nuestra serie favorita? 1. Como fan, me gustaba desconocer la identidad de "los otros". Cada episodio me inducía a un "estado de demanda"; me acostumbré a un ritmo, el de la morosidad de una espera. Para mí, ver Lost era como estar en los minutos previos a un gran almuerzo, cuando se empiezan a sentir los olores de la cocción y, sin embargo, todavía falta para que sirvan. Lo mejor estaba por venir, y se garantizaba en el servicio. Esa fase previa generaba satisfacción; era saciarse con los aromas de la comida, el calor de la hornalla, el gusto imaginado que pronto se haría sensación física en la lengua. Pero en esta cuarta temporada, J.J. Abrams sirvió por fin ese banquete que se esperaba al pie de la olla. Ya intuyo al agujero negro que hay detrás de este lugar remoto, voy confirmando la hipótesis fantástica, veo el futuro de los personajes rescatados, conozco a un tercer grupo de hostiles que llegan con los rescatistas. Ninguna concreción iguala a la víspera, cuando está precedida de un marketing de la expectativa. 2. J.J. Abrams debería haber entendido que muchos de sus fans preferimos los viajes al pasado de sus flash backs a que nos adelanten lo que va a pasar. Tal vez sea un melancólico perdido, o quizá un espectador clásico, pero prefiero la novela de cada personaje tal como se la contaba en episodios anteriores. Si el capítulo se le dedicaba a Kate (Evangeline Lilly) los flash backs avanzaban cronológicamente a través de un suceso de su vida hasta componer una pequeña trama que incidía por H o por B en el presente de los náufragos. Todo muy simple, y hasta compensatorio de las intrigas ramificadas de ese gran laboratorio surrealista que es la isla ´en sí´. La facilidad de lectura armonizaba con la multiplicidad de enigmas, y así fue como la serie se fue haciendo masiva. O bien la intención fue favorecer al nicho más fiel de frikis y expulsar a la masa aficionada que no frecuenta los foros, o bien hubo demasiada confianza en que la seguiríamos viendo pese a todo. Los continuos flash forwards a distintos futuros sucesivos de los sobrevivientes del Oceanic y los rompecabezas obsesivos hechos de retazos de biografías dejan ver los hilos de un manipulador. La fluidez de la forma anterior abre paso a un esfuerzo por desorientarnos. No tiene tanta gracia. 3. Y, por último, celebraba cada lunes que Charlie Pace (Dominic Monaghan) formara parte del grupo: lo consideraba una presencia fundamental, que deberían haber preservado (si es, como dicen, que salió del elenco por un desacuerdo salarial). Charlie era el lector posible de la Rolling Stone, líder de la banda Drive Shaft, pura nostalgia de un rock que ya no escucharían nunca; una fórmula segura para identificar al target de los 13 a los 25. La isla se quedó sin "cultura joven". Era el contacto con la huella que les dejó el mundo, el eco de la sociedad occidental; no era el hambre o el frío lo que lo preocupaban, sino la abstinencia de la heroína; era el maldito neurótico. Representó la excursión a los trópicos de lo urbano, lo mundano, lo híperconectado. Entre esa fauna compuesta por el paralítico que camina, la fugitiva redimida y el Mc Gyver de acento iraquí, Charlie era una vulnerable pincelada de realismo. Se lo extraña. ________________________________------------------------------------____________________________ ___________________________________________------------------------------------________________ ¿La música ya no vale nada? Publicado: 08.02.2010 | 15:14 en Mixed Media, Industria cultural, Creatividad la revista rollingstone Al igual que artistas que entregan gratis sus canciones, ya hay sellos que abren sus catálogos "for free" como forma de promoción. ¿Hay que regalarse para destacarse? Al igual que artistas que entregan gratis sus canciones, ya hay sellos que abren sus catálogos "for free" como forma de promoción. ¿Hay que regalarse para destacarse? "Desde el lanzamiento de Napster, vender música es un arte, tanto como crearla". La frase, subtítulo de un informe de Pew Internet sobre el estado de la música online que leí hace un tiempito (y que recomiendo mirar), retumba en la cabeza de cualquiera que hoy se dedique al arte de combinar los sonidos y desemboca en una pregunta: ¿la música ya no tiene valor? Claro, es una pregunta que parece absurda cuando vamos a una disquería y nos fajan más de ¡42 pesos! por un lanzamiento. A lo que voy es que, hoy, nunca fue tan fácil hacer música pero, irónicamente, nunca fue tan complejo comercializarla, por más contradictorio que esto suene ante la multiplicidad de canales que ofrece Internet. La Red redefinió ideas, conceptos, democratizó reglas exclusivas y ha puesto medios de producción y distribución al alcance de millones (ay, si Marx viviera), pero en un mundo capitalista ya sabemos lo que pasa cuando se genera "sobreoferta": los precios bajan. Y los números pueden descender a cero cuando hay que distinguirse en un escenario donde también hay exceso de estímulos, información y opciones (todas gratuitas). El costo de destacarse en la nueva economía (no solo la musical) está bajando a 0,00. Es tan atractivo como peligroso, pero no significa necesariamente que no se pueda ganar plata. Es más: "el primero te lo regalo, el segundo te lo vendo" es la mejor y más vieja herramienta de marketing, y hay varios ejemplos. El último que llegó a mis oídos es el de Tom DeLonge, guitarrista de Blink 182, que regalará el próximo álbum de su banda paralela, Angels & Airwaves, pero con un plan para no quedarse sin recaudar algo. El disco se podrá bajar gratis desde el sitio de la banda, aunque habrá una versión deluxe digital y física de entre 5 y 10 dólares, y se promocionará entre 55 millones de personas gracias a un acuerdo con las plataformas Live Nation, Fuel TV y Hurley. DeLonge dijo que espera unos 20 millones de descargas y "si solo el 5 por ciento retorna e interactúa con nuestra web, los ingresos superarían por mucho a lo que hemos ganado con uno de los grandes sellos. Creo que la música será como una tarjeta de negocios personal que entregás a la gente y, si le gusta, va a regresar y comprar algo de tu banda". Ahora bien: ¿quién tiene la espalda de un Blink 182 o un Trent Reznor (ícono en lo que a estas técnicas de distribución online se refiere) para bancarse un modelo de negocios así? Y una pregunta aun más válida que pueden hacerse los millones de pequeños músicos que intentan sobresalir (y sobrevivir) en la era 2.0: ¿Hemos llegado al punto de que mis canciones son ahora solo una business card para dedicarme a la venta de camisetas de mi grupo? ¿Cuántos pintores conocemos capaces de regalar sus cuadros a cambio de ser más vistos para poder vender merchandising o vivir de giras? Entonces, ¿por qué la música es el bien artístico más "commoditizado"? La cuestión parece hacerse más compleja con la llegada del "free download" a los pequeños sellos. Por ejemplo, durante todo febrero, Exit Stencils regalará todo su catálogo, sin límites de descargas ni ninguna trampa, como acción para publicitarse y promocionar a sus diez artistas (entre ellos, algunos actos interesantes como Like Bells, Spanish Prisoners y Blake Miller). Nadie discute la libertad de acción que tiene el artista de hacer lo que quiera con su obra, menos la de ponerle el valor. La cuestión pasa por reflexionar si cero no termina siendo un costo muy alto para hacerse escuchar. Mientras pensamos, los invito a pasar por el site de Loudream y bajar nuestra nueva canción. Es gratis, pero porque nuestra música no tiene precio. Eso sí: las remeras van a ser carísimas. espero que les alla gustado graciaspor mirar les desea djrodrigo99

3 comentarios - la revista rollingstone

@Birkinfishere
me pregunto que fue lo que inicio tu inspiracion