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Comedia del Arte(Teatro Italiano)

Comedia del Arte(Teatro Italiano)



Hola a todos los taringueros/as les doy mi humilde pero calida bienvenida a mi post.En el mismo queria compartir informacion del Teatro Italiano(como ustedes habran leido) desde desde el principio incluyendo personajes ¿que es el teatro?,¿donde surge? ¿que contenia este teatro?.Se podria acotar que este trabajo lo realize para mis estudios anteriormente espero que les agrade el post y lo disfruten




TEATRO ITALIANO

comedia
TEATRO NEOCLÁSICO ITALIANO
Un cambio estetico de la escena

Las primeras muestras de teatro renacentista en Italia datan del siglo XV.
Las primeras obras eran en latín, pero acabaron por escribirse en lengua vernácula.
Las prácticas escénicas y arquitectónicas de esta época han influido en la producción teatral hasta nuestros días.

En el plano arquitectónico se hicieron intentos para recrear el escenario romano. Los primeros teatros italianos, sin embargo, se construyeron en espacios ya existentes, como palacios y patios, que tenían forma rectangular.

Escénicamente, el desarrollo más importante fue el descubrimiento de la técnica de la perspectiva, pintando en una superficie plana para crear la ilusión de profundidad o espacio.

Esto permitió la construcción de escenarios que daban la impresión de ser lugares reales.
Lo emblemático, la escenografía real selectiva de la edad media, dio paso al ilusionismo.

Aunque la ley de las unidades exigía una localización única, en la práctica se empezaron a presentar escenas alegóricamente pródigas llamadas intermezzi entre cada uno de los cinco actos de la obra.
Esto exigía cambios de decorados, y así durante los siglos que siguieron se idearon sistemas mecánicos para cambiarlos.
Para incrementar la ilusión de los lugares presentados y para esconder la maquinaria y a los tramoyistas, se diseñó un marco arquitectónico alrededor del escenario, el arco del proscenio que separaba el espacio ocupado por los espectadores del mundo de ilusión de la escena, enmarcando asimismo la imagen que ofrecía el escenario.
informacion
CREACIÓN DE LA ÓPERA Y SU TEATRO EN ITALIA


Las elaboradas exhibiciones escénicas y las historias alegóricas de los intermezzi, en conjunto con los continuados intentos de recrear la producción clásica, llevaron a la creación de la ópera a finales del siglo XVI.
Aunque el primer teatro de corte clasicista tenía un público limitado, la ópera se hizo muy popular.

A mediados del siglo XVII, se estaban construyendo grandes teatros de la ópera en Italia; tenían por norma un gran escenario y proscenio, un patio de butacas en forma de herradura, y gran cantidad de palcos, cubículo dispuestos en hileras a lo largo de los muros internos del teatro, creando así espacios privados para sentarse.
La visión del escenario desde estos palcos era a menudo muy pobre, pero las clases altas acudían al teatro para ver tanto como para ser vistas.
teatro
COMEDIA DEL´ARTE EN ITALIA


Mientras la elite se entretenía con el teatro y el espectáculo de estilo clasicista, el público en general recibía la commedia dell'arte, un teatro popular y vibrante basado en la improvisación.

A partir de varias formas populares del siglo XVI, compañías de intérpretes cómicos crearon una serie de personajes tipo como Arlequín o Pantaleón que eran exageraciones y estilizaciones de cómicos sirvientes, locos, amantes, abogados, doctores, entre otros.

Estos personajes fueron creados muy en la línea de los personajes de las películas de los Hermanos Marx en nuestro siglo, inmersos en tramas y decorados predecibles.

Cada actor tenía discursos predeterminados y partes de la acción conocidas como lazzi. Los decorados proporcionaban guías e indicaban entradas, salidas y el foco de discursos específicos.
Los intérpretes incluían sus lazzi en estas circunstancias según les pareciera apropiado e improvisaban la representación.
Los actores de commedia se esparcieron por Europa, las compañías actuaban no sólo en las calles sino también ante los nobles.
La commedia tuvo su apogeo entre 1550 y 1650, y ejerció su influencia desde el teatro de títeres turco hasta la obras de Shakespeare y Molière.

personajes
La influencia italianizante, EN LA NUEVA COMEDIA ESPAÑOLA
introducida en España por Juan del Encina y Lope de Rueda, lleva a Lope de Vega a centrar en la comedia de tres actos y un sistema de diferentes métricas, y en su inagotable fuente de recursos, el instrumento idóneo para alcanzar sus objetivos, en tanto contempla la tragedia como un medio de realizar recreaciones de carácter histórico o profano (Los comendadores de Córdoba, Contra valor no hay desdicha, La serrana de la Vera o La corona trágica son claros ejemplos de ello) aunque tampoco desestima, en consonancia con la escuela de Ludovico Ariosto, el género épico ni la alegoría mitológica (La Dragontea, Jerusalén conquistada, La Circe, Roma abrasada o La Filomena), ámbito donde cosechó duros ataques y desprecios por parte de otros autores.

italiano
¿Que es la Comedia del Arte?


Un estilo de teatro renacentista es la respuesta obvia.
Pero ¿qué significa eso???
Bufones
Vamos por puntos:
Un estilo de teatro responde a una determinada forma de hacer teatro, que es la concretización de ideas (conceptuales y estéticas) que a su vez son consecuencia de una determinada visión de mundo o cosmovisión.
Así por ejemplo, tenemos el nacimiento del expresionismo como movimiento artístico, que en el teatro se plasmó con una fuerte gestualidad, con quiebres al actuar, sin unidades de tiempo y que nació al alero de la II Guerra Mundial. Otro ejemplo es el teatro realista, basado en el texto, en una actuación emotiva, con un desarrollo psicológico de los personajes, que alimenta nuestro voyerismo a través de la cuarta pared y del respeto de las unidades aristotélica (nuestro querido y también “añejo” Stanislavsky).

En la comedia del arte confluyen aspectos de varios estilos. Es tan añeja que influenció la expresividad expresionista, la imaginación surrealista, los conflictos shakesperianos, los quiebres emotivos, la verdad, etc. Pero eso mismo constituye parte importante del problema. Si es tan amplia ¿Como podemos definirla en términos estilísticos?
del arte

Primero hablamos de máscaras:
Se utilizan máscaras. Casi todos los personajes son enmascarados porque son alegorías. Las máscaras se asocian a arquetipos humanos, que han existido siempre y nunca dejarán de existir, por lo que son de fácil recepción para el espectador y facilitan su reconocimiento social. Al ser caracteres exagerados requieren de una determinada corporalidad y provocan gracia, porque parecen seres de otra especie, ridículos y que adquieren vida propia.
Las máscaras no son exclusivas de la comedia del arte, encontramos los mismos caracteres asociados a las máscaras griegas, a las del teatro Noh, del Balinés y hasta del clown ( “una nariz que desenmascara”) pero también fuera del aspecto teatral. Encontramos máscaras en danzas tradicionales latinoamericanas, africanas y asiáticas, en rituales mapuches, festividades europeas y en cada carnaval o fiesta tradicional.
A través del trance que inducen “se reasoman los demonios, los rostros inmutables, inmóviles, estáticos, que se encuentran en las raíces del teatro” (dice Georgio Strehler, ex director del Piccollo Teatro de Milán) y que permiten una comunicación misteriosa con otra parte de uno mismo.
Comedia del Arte(Teatro Italiano)

Luego hablamos de improvisación:
Solucionar problemas, actuar sin premeditación, hacer algo inesperado o sin pensar.
Improvisar es básicamente HACER.
Ni siquiera se pide ser acertivo, sólo se pide hacer.
La comedia del arte se basa en la acción. Los personajes arquetípicos ACTUAN y casi siempre se equivocan en sus acciones porque sus intenciones están determinadas por su carácter y no por el sentido común (son personajes de comedia).
Improvisar es una técnica y se entrena.
Se trabaja desde el personaje y desde las relaciones que estos generan, pero principalmente, desde el juego.
La gente le teme a improvisar porque le teme a equivocarse, pero nadie se equivoca en los juegos, a lo más se pierde y siempre se puede jugar de nuevo.
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Es Renacentista:
La Comedia del Arte nace en el quiebre de la edad media (1550) de parte de aquellos juglares que habían investigado en los Misterios Bufos medievales.
Italia no era como ahora la conocemos. Estaba dividida, mal organizada y con una profunda falta de fé. El Renacimiento, si bien enaltece al hombre, fue un movimiento cultural muy religioso y lo que se quebró fue respecto a la Iglesia como institución que administra una doctrina y no a la relación que el hombre establece con Dios, que finalmente es lo que consideramos como religión.
De las fiestas tradicionales de cada pueblo nace un arquetipo enmascarado y de las nuevas tendencias socio-económicas imperantes (en el renacimiento nace lo que hoy llamamos “libre mercado”) nace la critica social que está innegablemente ligada a la comedia del arte.
Sin ir más lejos, la relación principal es la del amo y su sirviente; y la inclusión de la mujer en las tablas por primera vez, se debe a reglamentos que establecían que toda aquella persona considerada como escoria social (deformes, actores, ladrones y prostitutas) tenían que vivir a una legua de los centros urbanos (Ley de la Legua).
El movimiento nació en el Renacimiento como una protesta contra él, contra un nuevo “sistema” que cambiaba a Dios por el dinero.
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Es callejera:
Las plazas medievales (e incluso antes) y las ferias eran verdaderos centros sociales. El espacio público era considerado como un espacio cultural donde convivían las artes, las religiones, los pensadores, etc, y se creaban diálogos de todo tipo. Era el escenario perfecto para debates y obras de teatro, en un principio adaptaciones de las misas que luego serían recitadas en latin dentro de la Iglesia y luego versiones cómicas de los misterios bíblicos.
Los espacios teatrales eran burgueses (recordemos al Rey Sol sentado en su propio escenario vestido de sol mientras Moliere y su compañía interpretaban sus comedias), ligados a los nobles que contrataban compañías para sus fiestas particulares. El espacio público era el espacio de la cultura popular y es donde sucede el carnaval (dias de fiesta antes de la cuaresma donde se permitía el mundo al revés).
teatro
Es comedia!
Alta comedia. Se cree que incluso deriva de la comedia erudita y se cita a Plauto cuando hablamos de ciertos personajes, pero lo importantes es que es comedia.
Según Aristóteles, la comedia se caracteriza por “ridiculizar lo feo” y según Bergson, la risa “apela a la inteligencia de los hombres”, siendo más cercana a la anagnórisis que a la catarsis.
La comedia del arte utiliza recursos cómicos y personajes arquetípicos, que a través de historias muy simples, basadas en los personajes más que en la importancia de los argumentos, hablan de los vicios humanos que nos causan gracia con sus estupideces y nos permiten evidenciar y enjuiciar nuestros propios defectos: egoísmo, soberbia, sabiduría, avaricia, vanidad, enamoramiento, etc.
personajes
Es tradicional y critica:
Al hablar de tradición estoy hablando de una manera distinta de relacionarse con Dios.
El uso de máscaras y del espacio público está relacionado intrínsicamente con el Carnaval, una instancia festiva donde los roles se invierten: es el siervo el que reina, el feo el más admirado, el tonto el más ingenioso (“el mundo al revés, abajo la cabeza y arriba los pies”. LEAR, traducción de Nicanor Parra de la obra de Shakespeare).
Podemos decir que el teatro es un carnaval, porque desde el momento en que el espectador asiste al espacio consagrado para la representación, es él quien comienza a mirar y el que aplaude al tonto. Fuera de ahí, los tontos somos nosotros que observamos las conductas humanas para nuestra próxima función (y somos tan tontos que además pretendemos que nos paguen por ser creativos)
La Comedia del Arte juega al carnaval porque nace desde allí y utiliza elementos sagrados, como las máscaras, para su representaciñon del hombre.
Un actor clama justicia, denunciándola con la imagen de la injusticia de la realidad. Lo que sucede, catarsis y/o anagnórisis, también es sagrado.
El aspecto festivo y carnavalazo tambien le permite a la comedia ser mordaz en su crítica. Como los personajes, al estar enmascarados, no corresponden a la realidad de los hombres, se les permite hablar y criticar a la sociedad sin tapujos, y tal como dice el Misterio Bufo “NACIMIENTO DEL JUGLAR” recopilado por Dario Fo, “no es sino con la risa que al patrón se va desnudando” (…)
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Es una gran herramienta para el actor:
Además de ser una visión para redescubrir el teatro, en términos actorales la comedia del arte plantea el gran desafío de crear e interpretar a la vez.
Solucionar problemas, relacionarse y crear humor en escena sin guiones previos, a partir únicamente de lo que el actor pueda hacer con su voz y con su cuerpo, es un ejercicio que desarrolla al máximo las capacidades actorales.
Innumerables técnicas se conjugan (pantomima, danza, cantos, acrobacia, etc.) y dan origen a un espectáculo de gran belleza, honestidad, frescura y gracia, lleno de vida y de alegría que no necesita de grandes requerimientos técnicos, solo un ”espacio vacio, un actor y alguien que lo mire” (Peter Brook)
Bufones
Luego de todo esto cabe preguntarse si la comedia del arte es o no añeja, si no tiene ninguna relación con la actualidad y si no vale la pena experienciarla, porque además para los actores es un ejercicio de gran frescura y un gran desafío lograr interpretar un personaje arquetípico, crear humor y desarrollar la dramaturgia en un espectáculo.
El porqué se inserta en la línea del movimiento se debe a la necesidad técnica del uso de máscaras, que requiere una plasticidad física y una orientación menos intelectual para desarrollar los juegos.
del arte

PANTALEON:


Comedia del Arte(Teatro Italiano)



Il Magnifico es el arquetipo del viejo avaro: arribista, piensa que todo puede comprarse y venderse con dinero aunque nunca lo quiere gastar. Siempre hace creer que es pobre y lo devora el deseo de hacerse rico y de casar a su hija con un hombre adinerado. Lujurioso aunque impotente está enfermoy sufre al no poder ser amado. Se asocia al Invierno por su precario estado de salud y su incapacidad de procrear. Se trabaja con la imagen de un águila.

Pantaleón es una tipica mascara veneciana de la mitad del siglo XVI. Según el dramaturgo florentino Anton Francesco Grazzini, conocido con el apodo Lasca, su origen está en los espectaculos teatrales de Lorenzo el Magnifico y su sirviente Zanni. En estos espectaculos el Magnifico a menudo actuaba hablando con acento Veneciano. En la Comedia del arte, el personaje conocido como el viejo Pantaleone ó Pantaleón era el viejo mercante y tacaño, unas veces rico y apreciado por la nobleza y otras veces arruinado, pero siempre muy particular. Un señor inocente y crédulo, al que siempre buscaban burlar. Es rival de Arlequín.
Para ocultar su edad en su afán de atraer a las mujeres, Pantaleone llevaba una extraña indumentaria turca, que consistía en un calzón ajustado a las piernas y ceñido hasta las rodillas.
Curiosamente, del recorrido de la "Comedia Italiana" por Europa y especialmente a su paso por Inglaterra, fue la imagen de Pantaleón la que puso de moda este tipo de calzones a finales del siglo XVII, y en su honor se los llamó "pantaloons". Entre otras obras de teatro,como los intereses creados, de Jacinto Benavente, lleva el nombre de Pantalón.


comedia
DOTTORE
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Arquetipo del que sabe, es feliz de saber y de enseñar sus ciencias. Relacionado a los libros (doctor de doctorados más que de medicina), representa a aquellos que dicen saber y no saben nada. Su verborrea denuncia su limitado conocimiento y su gran barriga demuestra que más que el intelecto cultiva su sibarismo. Trabaja con la idea de un chancho y su motor es la guata.

El nombre viene de "balle" (mentiras) le da bien la idea de esta máscara, que lo sabe todo el apoyo de su ciencia, la arrogancia y la ignorancia.
Nacido en Bolonia, en el momento en que la Universidad estaba bien establecida en la capital de Emilia (segunda mitad del siglo 16).
Balanzone es bastante grasa (la grasa = rico), siempre vestidos de negro, está bien preparado, rico en busca y habla y habla, un río de la ciencia inútil ostentación, burlas la creencia exagerada actuales de la ciencia y el humanismo.

El médico es el segundo viejos, junto con Pantaleón en la Commedia dell'Arte, y aparece por primera vez en el escenario de mediados el siglo 16, con el nombre de Graziano (o Grazian Baloardo), que más tarde se convirtió en Dottor Balanzone.
El carácter médico se utiliza normalmente en la Commedia dell'Arte juega a poner una pausa en la acción, con vacío, prefabricados y monólogos supuestamente erudita.
Una especie de tambor, de solo de bajo en el Jazz, que da el tiempo para los otros músicos a tomar un descanso e ir beber algo o poner una caña en su nuevo saxofón.

El Doctor es miembro de cada academia (conocido o desconocido) que lo sabe todo y hace que las citas en griego o el latín cultivadas, lástima que nunca la derecha.
En el escenario es muy rara vez un médico de medicina de verdad, él más a menudo suplanta a un abogado, un juez, o el Notario Público.

La creencia popular, la hostilidad hacia estas "Lo sé todo", los personajes, muestra cómo la "Commedia dell'Arte", utilizada para caracterizar y hacer que la ironía en la vida cotidiana, tirando de la pierna en todas las creencias establecidas, fuerza anárquica en un mundo rígido y esquemático, con el humor típico italiano y auto-ironía

El nombre viene de "balle" (mentiras) le da bien la idea de esta máscara, que lo sabe todo el apoyo de su ciencia, la arrogancia y la ignorancia.
Nacido en Bolonia, en el momento en que la Universidad estaba bien establecida en la capital de Emilia (segunda mitad del siglo 16).
Balanzone es bastante grasa (la grasa = rico), siempre vestidos de negro, está bien preparado, rico en busca y habla y habla, un río de la ciencia inútil ostentación, burlas la creencia exagerada actuales de la ciencia y el humanismo.

El médico es el segundo viejos, junto con Pantaleón en la Commedia dell'Arte, y aparece por primera vez en el escenario de mediados el siglo 16, con el nombre de Graziano (o Grazian Baloardo), que más tarde se convirtió en Dottor Balanzone.
El carácter médico se utiliza normalmente en la Commedia dell'Arte juega a poner una pausa en la acción, con vacío, prefabricados y monólogos supuestamente erudita.
Una especie de tambor, de solo de bajo en el Jazz, que da el tiempo para los otros músicos a tomar un descanso e ir beber algo o poner una caña en su nuevo saxofón.

El Doctor es miembro de cada academia (conocido o desconocido) que lo sabe todo y hace que las citas en griego o el latín cultivadas, lástima que nunca la derecha.
En el escenario es muy rara vez un médico de medicina de verdad, él más a menudo suplanta a un abogado, un juez, o el Notario Público.

La creencia popular, la hostilidad hacia estas "Lo sé todo", los personajes, muestra cómo la "Commedia dell'Arte", utilizada para caracterizar y hacer que la ironía en la vida cotidiana, tirando de la pierna en todas las creencias establecidas, fuerza anárquica en un mundo rígido y esquemático, con el humor típico italiano y auto-ironía

teatro

CAPITAN MATAMOROS
personajes



Heroe militar generalmente español, es aquel que habla de sus éxitos en batalla y en amores y arranca hasta de su sombra. Paranoico, asustadízo y cobarde, es el arquetipo del fanfarrón. Siempre imitando a los heroes, elaborando estratégias y seduciendo a las mujeres, se transforma en una gallina ante cualquier eventual peligro.

El Capitán o Matamore est un personage de la commedia dell’arte que evolucionó hacia la personificación del militar español.
Fanfarrón y cobarde, el Capitán era una parodia del heroísmo militar. En el siglo XVI las hazañas militares que cantaban los trovadores ya no eran apreciados por el pueblo. Las provincias conquistadas por los españoles eran gobernadas con dureza y el estado de ánimo había cambiado. La manutención de los mercenarios lastraba las economías. Así, se comenzó a tratar los relatos épicos y militares con sarcasmo y el Capitán original se convirtió en español.
El teatro italiano y europeo abundaba en personajes de este tipo con nombres como Matamore, Fracassa, Spavento (espanto), Rodomonte, Spezza-Monti (fiende-montañas), Rinoceronte, Scarabombardon, Cerimonia, Giangurgolo (Juan Bocazas), Rogantino, Scaramouche, etc. con características propias y orígenes diversos
italiano

TARTAGLIA

Bufones



El que tratamudea. Es el arquetipo del Tímido, que se corta hasta para hablar. Generalmente el notario o juez que llega aresolver los enredos, disfruta en secreto del oporto y se queda pegado en las sílabas más cochinas de las frases.
Es un ñoño que se estresa con facilidad y que trata de buscar en el conocimiento un resguardo, pero no puede porque ante el público sufre de ataques de pánico.
Su imagen es la de una tortuga.

del arte
ARLECCHINO


Comedia del Arte(Teatro Italiano)



Responde al arquetipo del niño. Es un astuto sirviente (segundo zanni)siempre hambriento, al que le gusta jugar, que pasa de la trsiteza a la felicidad con gran facilidad y que por su ansiedad siempre genera enredos. Es vital, ágil, activo, ladrón si es necesario, básico (comer, dormir y amar son sus motivaciones principales) y fiel a su amo.
Se trabaja con la idea del gato o del mono.
Arlequín desempeña el rol de servidor humilde ,el traje de Arlequín está compuesto de una chaqueta y un pantalón de retazos coloridos e irregulares, y un sombrero blanco que en ocasiones tiene una cola de zorro o de conejo. Anda siempre con un cinturón del que pende un palo, y además usa una media máscara negra con elementos demoníacos (incluyendo una especie de cuerno), nariz respingada y con ciertas características animales (hay máscaras de Arlequín con rasgos de gato, mono, perro, etc.). Se dice también que el traje está hecho con retazos de tela que él mismo habría ensamblado, realzando el lado modesto del personaje.


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PULCHINELLA

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Responde al arquetipo del feo. Jorobado hedonista, disfruta con ser el más feo y asqueroso de los sirvientes. Es flojo, glotón y desprecia a la humanidad, aunque se conmueve con facilidad. Siempre risueño y salamero, trabaja con la imagen de una pulga o de una rata.

Por otro lado, Polichinela o también conocido como Pulcinello, vestía siempre de blanco y con un gorro puntiagudo. Tenía la nariz aguileña y la barbilla prominente, con voz nasal y de elevado volumen. A veces, también tenía joroba. Era un astuto matón que no se separaba de su garrote para darle una paliza a quien no pensara como él.
teatro

BRIGUELLA

personajes



Primer zanni (de las ideas) es el que genera intrigas. Pelador, inescrupuloso, maquiavélico a veces, es quien sabe hacer todo tipo de oficios con la prolijidad de un asesino. El arquetipo del cínico, representa las mentiras. A todos adula mientras piensa en como causarles mal y sacarles provecho. Egocéntrico, bebedor y flojo, trabaja con la imagen de un cuervo.


italiano
SERVETTAS (COLOMBINA)


Bufones


Astutas, representan a las mujeres bonitas e inteligentes.
Seductoras, siempre consiguen que los babosos zannis les hagan la pega y son las que funcionan en complicidad con el público.
Colombina es un personaje de la Commedia dell'Arte italiana. Se trata de una criada.
Se viste con un traje ajado y lleno de petachos y no lleva máscara. En ocasiones, bajo el nombre de Arlequina, puede llevar un traje similiar al del Arlequín. Es característico su denso maquillaje alrededor de los ojos y el hecho de llevar un tamborcillo con el que rechazar los intentos de acoso de Pantaleón.
A menudo se trata del único personaje sensato del escenario. Colombina ayuda a su señora, la innamorata, a ganarse el afecto de su verdadero amor, a base de manipular a Arlequín y contra Pantaleón, mientras manejaba al entorno de innamorato.

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ENAMORADOS

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Están enamorados del amor. Vanidosos, siempre esperan al príncipe azul y son incapaces de ver que lo tienen al lado. Preocupados en exceso por el día en que consumarán el amor, revisan sus posturas y su look, la pureza de sus sentimientos, su poesía, pero siempre mirando el horizonte y no la realidad tangible.
comedia
El oficio del payaso y sus contenidos



Bufones, cómicos, caricatos, saltimbanquis, jongleurs, llámeseles como se les llame, son payasos.
Podríamos decir que un payaso se mueve entre tres parámetros:
La olla, la libertad y el oficio. El orden puede ser alterado según el payaso.
La olla es una necesidad, y yo diría, la necesidad primera de cualquier ser inteligente como el payaso. Comer, yantar, disfrutar de la comida o, simplemente, comer por necesidad. Actuar, cobrar, comer y viajar. Moverse para volver a actuar, cobrar, comer, y volver a viajar.
La libertad, imprescindible para muchos, aunque vivan presos, en fin, el humor del que se está jugando la vida.
Y el oficio… Otros lo llaman sinceridad, honestidad. La necesidad de hacer bien su trabajo. Un ejercicio espiritual casi siempre disciplinado.
No se sabe cuándo empezó este oficio, ni dónde. Pero conservamos en la Ilíada de Homero al bufón Tersites, quien en los banquetes de los griegos, durante los descansos de la guerra de Troya, al decir las verdades, hacía enfadar siempre a Agamenón y a todos los reyes. (El humor es un arma más poderosa que la ira). Es Ulises, “el de los 1.000 ardides” el que reconoce este poder y el que lo acalla. Posiblemente es el primer estacazo a un payaso.
En la cultura greco-latina los payasos aparecían en los intermedios o al final de las obras teatrales, parodiándolas. O en las casas de los patricios y nobles, amenizando con sus chanzas y filosofías los banquetes. No cobraban un sueldo, pero comían. Llegaron a haber tantos y con tan buen hacer, que a este nuevo oficio se le adjudica un nuevo nombre: “Parásitos”, de donde procede la otra acepción tan conocida y divulgada.
Cuando el emperador romano se convierte al cristianismo y hace de éste la religión oficial (no será la única vez que el cristianismo marque un rumbo en los payasos), se prohíben los teatros y las Atelanas que se celebraban en calles y plazas. La necesidad obligó a los payasos a convertirse en nómadas.
Y llegó la Edad Media. En aquel entonces había un espacio importantísimo: la feria. Se celebraban en los primeros lugares y podían durar semanas. Las gentes vendían y compraban, y sobre todo, había comida. Y en este ámbito (alrededor del fogón) aparecen los que serían conocidos como “gleemen” en Alemania, “jongleurs” en Francia, ”clowns” en Inglaterra. Todos ellos conocidos como bufones. Eran hombres fuertes, atléticos. Podían ser acróbatas, músicos, magos, domadores. Y les encantaba su libertad y los huevos fritos con chorizo. Hay constancia de ello.
Otro tipo de bufón se da en las cortes de la Edad Media. Aunque la mayoría se limitaba a la fiesta, a la holganza y la pitanza, había quien alcanzaba la categoría de consejero. Son ejemplo de ello: Jeffery Hudson, bufón de Carlos I de Inglaterra; el bufón Pierna Barbarroja de la corte española, pintado por Velázquez; o Triboulet, bufón de Francisco I de Francia. En una ocasión, Triboulet fue amenazado de muerte. Al decírselo al rey, éste le contestó que no se preocupara, que si alguien osara matarlo, sería ahorcado media hora después. Entonces Triboulet, preocupado, respondió: “¿No podríais colgarlo media hora antes?”
En el siglo XVI existían compañías de actores que iban de corte en corte, cobrando por las representaciones, danzas y comedias cómicas. Las farsas principales eran los conflictos entre amos y siervos (tal vez el comienzo de la pareja de payasos).
El Concilio de Trento, celebrado de 1500 a 1560 (caramba, otra vez la Iglesia), prohíbe a los cardenales, obispos, y a todo aquél que trabajase en las cortes, tener una cortesana oficial. Este oficio no era el de simple puta. Las cortesanas estaban educadas con mucho refinamiento. Conocían el latín y el griego. Sabían de poesía, danza y conocían a Platón. Esta prohibición les dejó sin sus protectores.
Y entonces dos formas de vivir y vender se unen. Los hombres vendiendo productos bufonescos, y las mujeres, productos culturales de alto nivel.
Alguien tuvo la feliz idea de que existía gente dispuesta a pagar una entrada por ver espectáculos que antes sólo se representaban en las cortes. Y apareció la Comedia del Arte. Arte entendido como gremio, oficio.
Aparecen los personajes: Arlequín, que lleva un vestido de parches multicolores en forma de rombos. Polichinela viste de blanco y con gorro puntiagudo. El Doctor, El Capitán, Brighella… En Francia aparece Pierrot, de cara blanca. Todos influirían en la creación del payaso moderno




informacionteatropersonajes

7 comentarios - Comedia del Arte(Teatro Italiano)

@b_boyrio4to1
orco4550 dijo:me gusto

gracias por tu buena onda y me alegra mucho de que te halla gustado!!!
@hugocra
muy interesante (y buen laburo).
@locounpoco
Muy buen Post te dejo +10 y te invito a una comunidad que esta buena y de la cual participo donde la idea es compartir material de lo referido al Teatro. Saludos y gracias por compartir
@rozzz
no sabes lo bien que me vino.. necesitaba hacer un tp para el conservatorio y te afane todo.. info.. imagenes.. todo, te juro jajajajaja mas diez ya!!