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A continuación la parte 2 ...

AÑOS 80, EL ASENTAMIENTO DE LA MUSICA ELECTRONICA
Primera Parte


En 1980, VANGELIS consigue un nuevo éxito al ser elegida música suya para formar la parte mayoritaria de la banda sonora de la serie documental televisiva COSMOS, incluida la cabecera. La serie, dirigida por CARL SAGAN, prestigioso y joven científico de la NASA, ademas de escritor, y ganador del Premio Pulitzer, despierta un entusiasmo extraordinario, hasta tal punto que se edita un disco con la banda sonora formada por fragmentos de obras de VANGELIS, y también, en menor medida, de BACH, VIVALDI, PACHELBEL y otros.

KRAFTWERK aporta aire fresco con su COMPUTER WORLD. TANGERINE DREAM experimenta un nuevo auge con el fichaje de JOHANNES SCHMOELLING. TANGRAM es un LP formidable y, además, de masiva aceptación. Tocan en directo nada menos que en BERLIN ESTE, grabando el LP QUIXOTTE, y componen la banda sonora para el film THIEF. La música para films policiacos se convertirá durante los ochenta en uno de los más rotundos baluartes de la música electrónica. Un "clásico" de esta "moda" se debe a JIMMY PAGE y su espectacularmente electrónica banda sonora para DEATH WISH 2, donde esos primeros planos de la venganza de CHARLES BRONSON hallan en los tremendos rugidos sintéticos su vehículo idóneo para edificar una atmósfera de odio ciclópeo imposible con el uso de instrumentos convencionales.

La consagración de KITARO le llega a raíz de la banda sonora que compone para la serie documental televisiva SILK ROAD (LA RUTA DE LA SEDA). Busca inspiración viajando por Asia y Europa, y de regreso crea una de las más bellas músicas de los años ochenta. El episodio piloto tiene tanto éxito que se le encarga musicalizar el resto de la serie. De esta forma, nacerá toda una colección de impresionantes temas, épicos unos, sentimentales otros, pero con un indiscutible talento acompañado de una cualidad que le permite fusionar lo mejor de las herencias musicales oriental y occidental, con el resultado de varias horas de música extraordinariamente arrebatadora.

NEURONIUM lanza su DIGITAL DREAM, que se transforma en un éxito rotundo y uno de los álbumes más legendarios de la música electrónica de los ochenta.

A principios de los ochenta se registra una espectacular proliferación del uso de sintetizadores en la música. No solamente hay una explosión de grupos Tecno y Disco que los emplean, sino que además se apoderan de bandas sonoras, spots publicitarios, sintonías radiofónicas, cabeceras televisivas... Así, a fines de esta década lo extraño es oir una composición donde no intervenga un sintetizador o instrumento electrónico. El Tecno y los demás estilos que tienen un compromiso especial con la electrónica se han visto popularizados enormemente en detrimento de las corrientes adictas a los instrumentos acústicos o clásicos. A los sintetizadores hay ahora que añadir además los ordenadores, que suponen una verdadera revolución en el terreno de la composición musical.


Con su obtención del OSCAR A LA MEJOR BANDA SONORA por su CHARIOTS OF FIRE (CARROS DE FUEGO) en 1982, VANGELIS no sólo demuestra una juventud creativa contrastante con la de la mayoría de sus compañeros pioneros de la electrónica, sino que proporciona al sintetizador una dignidad que hasta entonces no ha tenido. Demuestra que un músico totalmente autodidacta, sin el menor conocimiento de solfeo, puede prescindir de partituras y desarrollar todo su talento artístico gracias a los sintetizadores, siendo capaz de componer una obra magistral y obtener un Oscar por ello. Es el espaldarazo definitivo para dignificar la música electrónica. Y, por supuesto, la fama y el prestigio de VANGELIS suben como la espuma en una época en la que sus compañeros electrónicos de generación se pasan a posiciones muy próximas a la música Pop comercial al perder su liderazgo en la vanguardia. VANGELIS recibe durante los meses siguientes 52 ofertas para componer bandas sonoras. También al contrario que muchos músicos, rechaza el camino del oro fácil, y prosigue el de su propia evolución, en el dificilísimo territorio de la Vanguardia Musical Electrónica. Con algunas bandas sonoras como MISSING, THE BOUNTY o ANTARCTICA, y dos discos más con JON ANDERSON continúa su carrera con SOIL FESTIVITIES, MASK e INVISIBLE CONNECTIONS. En 1986 colabora desinteresadamente en pro del tercer mundo componiendo la música para la famosa carrera RACE AGAINST TIME, evento deportivo celebrado conjuntamente en todo el mundo. En 1988 aparece DIRECT, rebosante de talento, y cuyas piezas conectan de inmediato con el público.

Según avanza la década, TANGERINE DREAM hace música cada vez más próxima al Pop, hasta que en 1989 su música ya puede calificarse como Pop Instrumental más o menos convencional. A fin de cuentas, en aquel momento ya es del todo habitual que las bandas Pop utilicen sintetizadores y otros instrumentos electrónicos. Sólo las bandas sonoras permanecerán como reducto de su vanguardismo durante los años próximos. A pesar de esta paulatina transformación, siguen teniendo ideas frescas, y momentos de genialidad sublime. Esto puede escucharse en sus álbumes TANGRAM (1980), POLAND (1983), HYPERBOREA (1983), FLASHPOINT (1984), LEGEND (1986) y NEAR DARK (1987). Por otro lado, los primeros indicios irrebatibles de que avanzan hacia el Pop los encontramos en UNDERWATER SUNLIGHT (1986) o TYGER (1987), en el cual incluyen una cantante solista. En cualquier caso, no se puede negar que TANGERINE DREAM está en una de sus fases de mayor actividad, pues a estos y otros trabajos hay que añadirles una decena de bandas sonoras importantes, un vídeo musical titulado CANYON DREAMS, y un elevado número de discos recopilatorios. En este último capítulo, nos encontramos con que se editan durante los años ochenta nada menos que 15 LPs en varias colecciones, más una re-grabación y la utilización en sus bandas sonoras de numerosos fragmentos re-grabados de anteriores discos. Esta explotación comercial intensiva de su música parece apuntar a que TANGERINE DREAM ve su creatividad superada por las múltiples ofertas que se le hacen debido a su estatus de estrella. A mediados de los ochenta, es evidente que hay problemas en TANGERINE DREAM, cuyo nombre es propiedad comercial de FROESE. Se registra un constante cambio de miembros en sus filas, que culmina con la salida del mismísimo CHRISTOPHER FRANKE en 1988. Esta pérdida es vista por los fans como algo irreparable.


En 1983, EDGAR FROESE publica un LP y una banda sonora suyos. A partir de entonces, su carrera en solitario quedará congelada, como si el mantenimiento de TANGERINE DREAM, cuya existencia al terminar la década parece ya sostenerse unicamente en él, requiriese de todo su esfuerzo creativo.

KLAUS SCHULZE empieza la década de los ochenta renovando su instrumental. Deja en segundo plano todo lo analógico, y se surte de sintetizadores digitales y de ordenadores, incluyendo una computadora de ritmo hecha de encargo, y el sofisticadísmo Fairlight. Posteriormente, incorpora el sistema MIDI en su estudio, y también muestreadores. Entre sintetizadores, muestreadores, computadoras musicales y unidades de percusión, suman más de 40; a los que hay que añadir 3 ordenadores Atari, un Apple-II, y todo el equipo de efectos y de grabación. Esta renovación tecnológica coincide con su cambio de imagen (se corta su melena hippie y adopta un modo de vestir convencional).

Su álbum DIG IT, es una alusión a ese paso personal desde lo analógico a lo digital, y contiene títulos tan expresivos como "Death of an Analogue" ("Muerte de un analógico", una auténtica marcha fúnebre electrónica, triste, emotiva y de gran sensibilidad artística.

Su estilo cambia asombrosamente. Y así TRANCEFER (1981) es un álbum donde usa una paleta de sonidos muy particulares, que recrean una orquesta donde conviven ruidos de máquinas y coros sintéticos, para edificar dos aventuras de misterio, con su planteamiento, una fuerte dosis de suspense y nudos repletos de acción y ritmo.

A juicio de algunos, su AUDENTITY, aparecido en 1983, es su obra cumbre, o al menos la apoteosis de su juventud artística. Los temas rítmicos son una balada a la tecnología, un canto sin temor al futuro. Y el último, es una sinfonía donde SCHULZE pone la esencia de toda su carrera artística, recreando su propia biografía en música.

En su gira por Polonia del 83, graba otro doble LP, que recoge versiones muy distintas de piezas del AUDENTITY, otra del X, y música nueva muy innovadora.

De regreso, compone la banda sonora del film "ANGST". Sin embargo, pese a su labor constante y a disponer de un sofisticado equipamiento electrónico, SCHULZE no puede evitar recibir a mediados de los ochenta las peores críticas de su carrera. Se le tacha de snobista, de presuntuoso, de mediocre disfrazado de pionero, de hacerse pasar por un experto en tecnología musical mediante la compra de carísimos instrumentos que luego no usa. Esta merma de popularidad coincide con la mala marcha de sus negocios, que le acarrean cuantiosas pérdidas económicas. Por si no hubiera bastante, la discográfica por la que ficha no publica sus obras fuera de Alemania, y además SCHULZE en persona debe ocuparse de dos casos de ediciones fraudulentas de sus álbumes en Estados Unidos.

Durante el periodo 1983-85, su música tiene un estilo mucho más comercial que toda la anterior, aproximándose bastante al Pop y al Tecno, lo que no impide que su fama se escurra rápidamente entre la de tanto genio electrónico aparecido en los ochenta.

Cuando muchos le creen acabado y piensan que se ha rendido ante las crecientes dificultades de seguir sosteniendo una carrera dentro de la música electrónica y se ha conformado en ser uno más de los aspirantes a alcanzar un hit en las listas de éxitos Pop, SCHULZE causa una gran sorpresa en 1986 con DREAMS, un álbum con piezas absolutamente innovadoras, con formas y estructuras nada convencionales, pero con la inconfundible personalidad de SCHULZE. Música densa, emocionante, solemne y misteriosa de un KLAUS SCHULZE maduro, cansado por los avatares de una larga carrera artística, pero que aún tiene cosas nuevas que decirnos.

Paralelamente, el pulso que KLAUS estaba perdiendo frente a muchos nuevos artistas de los que se decía que iban a derrotarle completamente, empieza a equilibrarse. KLAUS SCHULZE no es, a ojos del público, tan genial como creían sus fans más acérrimos de los años setenta, pero tampoco lo son los artistas revelación que parecía que iban a desbancarle en los ochenta.

Con ANDREAS GROSSER graba BABEL, una sinfonía dividida en una parte rítmica y misteriosa, como una Historia de la Electrónica relatada en un estilo de Espada y Brujería, y otra con ritmo más lento, wagneriana, que sugiere la nostalgia de larguísimos viajes a tierras remotas.

Con EN=TRANCE, se completa el ciclo, y la transformación del estilo de SCHULZE hace que su música no se parezca en nada a la que hacía en los años setenta, aún cuando sigue teniendo su huella inconfundible. Obviamente, esto se debe a su propia evolución como persona. El KLAUS SCHULZE maduro es, musicalmente, más complejo, con una riqueza rítmica que caracteriza a unos pocos sintesistas, una cierta relación con el minimalismo, y con un talento especial para buscar nuevas formas sonoras y enlazarlas con su estilo actual.

En el plano personal, logra superar sus problemas con el alcohol y las drogas, que a mediados de los ochenta le habían puesto en una situación-límite.


Los años ochenta también registran una cierta reaparición en la vida pública de WALTER CARLOS, el pionero del sintetizador que logró con sus discos un éxito apoteósico a fines de los sesenta, cuando todavía casi todos los demás integrantes de la primera ola de sintesistas no habían tocado nunca todavía un sintetizador. Tras el éxito de SWITCHED-ON-BACH a fines de los sesenta, CARLOS se retira de la escena pública. Sigue trabajando y publicando discos exitosos, pero evita aparecer en público, lo cuál no sirve sino para alimentar el misterio. Durante mas de una década, WALTER CARLOS es sólo el nombre que firma los discos. Por fin surge de su clausura y se va difundiendo el motivo de su prolongada ausencia pública. Se ha transformado. No es la misma persona que a fines de los sesenta. Ahora es una mujer. Aunque antes, cuando su cuerpo era de hombre, también se sentía mujer. Claro que la sociedad de entonces no habría aceptado eso, o cuanto menos le habría hecho la vida imposible. WENDY CARLOS afronta los ochenta con un frescor creativo admirable. Compone cinco horas de magnífica música electrónica para la película EL RESPLANDOR, y, finalmente STANLEY KUBRICK sólo incorpora varios minutos. Por virtud de una curiosa norma de la productora, esa música inédita no puede publicarse, con lo cuál una de las obras cumbre de CARLOS queda absurdamente arrinconada. A pesar de tamaño disgusto, WENDY sigue adelante y compone la banda sonora de TRON, así como varios LPs, entre los que cabe destacar DIGITAL MOONSCAPES y BEAUTY IN THE BEAST, compuesto este último en base a las escalas musicales ALFA, BETA y GAMMA, desarrolladas por ella misma.

PETER BAUMANN, que se había dedicado a la música Pop tras su salida de TANGERINE DREAM, pasa a dirigir durante algún tiempo el sello discográfico PRIVATE MUSIC, por él fundado.

KRAFTWERK reduce drásticamente la cadencia de aparición de nuevos álbumes suyos.

ASHRA TEMPEL y MANUEL GOTTSCHING reaparecen a mediados de los ochenta, y se dice de ellos que "musicalmente hablando están en el umbral de la vejez", lo cuál no implica que sea cierto y que carezcan de ideas, sino solamente que éstas ya no atraen a un publico amplio como sí sucedía en el pasado.

CONRAD SCHNITZLER parece estar viviendo siempre treinta años en el futuro. Ha logrado algo tan increíble como permanecer en la vanguardia musical durante los años sesenta, los setenta, los ochenta, los noventa... y a este paso, desde luego los Dos Mil. Su adelantada intuición le hizo ser uno de los primeros músicos en utilizar los sintetizadores, y posteriormente pasarse a los ordenadores cuando aún nadie creía en ellos, convirtiéndose en un maestro de la creación musical por ordenador. El SCHNITZLER de los ochenta es un innovador radical, un enemigo tan feroz de la música comercial de consumo masivo, que ello le acarrea verse apartado de casi todos los circuitos comerciales de distribución, por lo que su música se difunde tan sólo por los conductos de la cultura alternativa y subterránea. Ello no implica que por propia voluntad él se ponga límites intraspasables, sino que cuando le apetece es capaz de hacer música calificable como "comercial", y así lo demuestra en diversas ocasiones. Entretanto, ha transcurrido el suficiente tiempo como para que su hijo GREGOR haya crecido y colabore con él en algunes álbumes. No afecta en cambio el paso del tiempo a su frescura creativa. En sus álbumes, CONRAD SCHNITZLER demuestra una insólita juventud artística para un hombre que ya entonces pasa de los cincuenta años de edad. Además sus actuaciones en directo siguen siendo siempre atrevidas y espectaculares, como por ejemplo un concierto basado en la presencia de cien cassettes sonando al mismo tiempo.

Los años ochenta son escenario del excelente momento en el que se hallan los músicos electrónicos de la segunda oleada, en mucha mejor forma que la mayoría de los de la primera. Los que mayor fama internacional logran en esa década son tal vez JEAN MICHEL JARRE, NEURONIUM y KITARO.

JEAN MICHEL JARRE se convierte durante los ochenta en un coloso de la música electrónica y también en una estrella del Pop en general. Su éxito durante la segunda mitad de los setenta con OXYGENE y EQUINOXE se incrementa notablemente con MAGNETIC FIELDS al iniciarse la nueva década. A fines de 1981 toca nada menos que en China, publicando un doble álbum de gran difusión que recoge sus actuaciones. Después de aparecer una recopilación de sus éxitos, logra un enorme impacto en 1984 con su vanguardista ZOOLOOK, en el que podemos escuchar cómo construye las líneas básicas por las que avanzarán diversos subgeneros vanguardistas del Pop durante los años ochenta y noventa. Quizá el mayor de sus logros sea comprender y demostrar el enorme potencial que poseen los entonces recién aparecidos samplers. En este álbum, JARRE hace un espectacular uso de las voces humanas muestreadas digitalmente, lo que incluye la colaboración de LAURIE ANDERSON. Después la NASA le encarga componer la música que acompañará el acto de celebración del 30 aniversario de la agencia espacial. Así nace RENDEZVOUS, una de las joyas de la música electrónica de todos los tiempos; y así llega el apoteósico concierto en Houston, que se desarrolla en la ciudad entera, con los músicos, instrumentos y altavoces emplazados en diversos puntos de la misma, pero que gracias a los milagros de la tecnología forman un único Todo. El último trabajo de JARRE en los ochenta es REVOLUTIONS, que se adentra casi por completo en el Pop, haciendo que el artista llegue a nuevas audiencias, aunque levantando el rechazo de sus fans más adscritos a su estilo genuino y original, que siempre había tenido en la electrónica radical su foco de atención.

Al finalizar los ochenta, JEAN MICHEL JARRE consigue llegar a ser más famoso que su padre, el insigne compositor de bandas sonoras MAURICE JARRE (autor de éxitos como DOCTOR ZHIVAGO). Incluso parece haber influenciado en materia tecnológica a su padre, que a fines de los ochenta empieza a incorporar los sintetizadores a su música antes puramente orquestal, logrando un resultado interesante.


Si DIGITAL DREAM supuso para NEURONIUM darse a conocer internacionalmente, y THE VISITOR fue un éxito comercial importante en España, CHROMIUM ECHOES supuso su lanzamiento definitivo al estrellato electrónico mundial. En 1981 además, VANGELIS descubre NEURONIUM a través de DIGITAL DREAM y THE VISITOR, gustándole tanto que invita a MICHEL HUYGEN y CARLOS GUIRAO (únicos componentes de NEURONIUM entonces) a pasar unos días en Londres y tocar juntos en su estudio. A raíz de ello HUYGEN y VANGELIS se hacen amigos. CARLOS GUIRAO también deja NEURONIUM y a partir de entonces se hace evidente que el peso del grupo reside sobre HUYGEN, que es además quién compone la música. De los 4 componentes originales de NEURONIUM ya sólo queda el compositor de origen belga. Desde entonces se rodea de buenos músicos como SANTI PICO para la interpretación instrumental, y NEURONIUM sigue adelante. Tras ABSENCE OF REALITY, aparecido como LP en solitario de HUYGEN, se publica INVISIBLE VIEWS. A estas alturas, el grupo español ya es conocido hasta en Japón. Un contrato con la prestigiosa compañía JIVE ELECTRO asegura la distribución mundial de los discos de NEURONIUM y HUYGEN, y así HERITAGE de NEURONIUM y CAPTURING HOLOGRAMS de HUYGEN en solitario, se ven lanzados al mercado mundial, coincidiendo con el extraordinario éxito de NEURONIUM en el festival británico U.K.Electrónica. Es el primero de un alud de éxitos, que llevarán incluso a la creación de un Club de Fans de NEURONIUM en Londres, ofertas de conciertos por todo el mundo, nuevos trabajos que incluyen varios LPs, bandas sonoras, sintonías de programas televisivos, el interés por parte de artistas de la talla de MANUEL GOTTSCHING para tocar juntos en conciertos, y el prestigio de HUYGEN como productor de otros artistas.

Después de su proyección mundial con THE SILK ROAD, KITARO materializa su talento con una producción musical extraordinariamente prolífica, que combina con sus giras mundiales. En 1984 efectúa una gira por Asia en la que alcanza un reconocimiento estelar. Fruto de estos conciertos es LIVE IN ASIA, grabado en Shanghai. Compone la banda sonora para un film fantástico de animación titulado QUEEN MILLENNIA. Entre sus más memorables trabajos en esta época, hay que destacar THE LIGHT OF THE SPIRIT, música bellísima asequible a cualquier tipo de público sin importar las etiquetas, así como otros álbumes no exentos de ritmo, donde parece retomar parte de su herencia del Rock Sinfónico que hacía en los años setenta con la FAR EASTERN FAMILY BAND.

AÑOS 80, EL ASENTAMIENTO DE LA MUSICA ELECTRONICA
Segunda Parte

Muchos son los músicos electrónicos surgidos en los años ochenta, demasiados para atreverme a afirmar que la selección de nombres que a continuación hago sea lo bastante representativa.


CONSTANCE DEMBY comenzó sus actividades musicales en los años sesenta. Perteneció al grupo CENTRAL MAINE POWER AND LIGHT COMPANY. En los años setenta inició su carrera en solitario como compositora de música innovadora. Su primer álbum, SKIES ABOVE SKIES, fue publicado en 1978. A mediados de los ochenta se dió a conocer de manera internacional.

El griego YANNI se estableció en California a los dieciocho años de edad. Tras formar parte de una banda de rock progresivo, inició su carrera en solitario con el álbum OPTIMYSTIQUE en 1980. El éxito internacional le llegó a mediados de los ochenta con la aparición de su segundo álbum y la reedición del primero.

La norteamericana SUZANNE CIANI fue pionera de la música electrónica a principios de los años setenta. Durante años, se dedicó a explorar las posibilidades que brindaban las nuevas tecnologías, e hizo música para numerosos anuncios televisivos y para otras producciones. En 1979 se publicó SEVEN WAVES, el primer álbum independiente de su etapa como artista en solitario. A mediados de los ochenta, alcanzó el éxito internacional con sus discos. Desde fines de los ochenta, se ha ido decantando más hacia los instrumentos acústicos que hacia los electrónicos, y ha demostrado ser una pianista de gran talento.

STEVE ROACH nació en Estados Unidos en 1955. Fundó la banda de sintesistas MOEBIUS al inicio de su carrera, y, en 1978, empezó a dar numerosos conciertos de sintetizador en solitario. Su primer álbum en solitario apareció en 1982. También ha colaborado con muchos otros artistas electrónicos

ROBERT RICH comenzó construyendo sus propios sintetizadores y a experimentar con ellos en 1976 a la edad de trece años. Su interés por los estados de trance y los sueños lúcidos le llevó a cursar estudios de psicología en la Universidad de Stanford. Sus "Sleep Concerts" nocturnos, interpretados por vez primera en 1982 para una audiencia dormida en un dormitorio de Stanford, y sus "Trance Concerts" para antes de irse a dormir, se han hecho legendarios en la zona de San Francisco, Estados Unidos. Rich también ha trabajado en el CCRMA (Center for Computer Research in Music and Acoustics), donde comenzó a experimentar con un sistema de entonación basado en las series armónicas naturales. Ha publicado numerosos artículos sobre música electrónica y escalas tonales alternativas.


Iniciado desde temprana edad como pianista de forma autodidacta, el estadounidense TIM STORY empezó a tocar con sintetizadores a mediados de los años setenta. A principios de los ochenta, aparecieron sus primeros discos en un pequeño sello noruego. La reedición de uno de estos álbumes por Windham Hill en 1989 le lanzó al estrellato mundial. A partir de entonces, y habiendo publicado también en Hearts of Space y Eurock, su difusión no ha cesado de crecer.

DAVID SUN ha estado componiendo y tocando su música desde principios de los años ochenta. Ha grabado discos que han tenido una buena acogia internacional. Es además un pionero en la composición de música para relajación.

SERGE BLENNER nació en Francia en 1955, empezó a componer música electrónica a mediados de los años setenta, e inició su carrera discográfica en 1979. Reside y trabaja en Alemania desde hace bastantes años.


HIMEKAMI es básicamente Yoshiaki Hoshi, un compositor japonés nacido en 1946, que se acompaña de otros músicos. En 1971, Hoshi ganó el Primer Premio de un concurso japonés nacional de intérpretes de órgano eléctrico. Su actividad como intérprete dejó paso más tarde a su labor como compositor. Su primer disco apareció en 1981. Ha realizado también algunas bandas sonoras. En 1993, fue director musical de la ceremonia inaugural del Campeonato Mundial de Deportes Alpinos, celebrado en Japón.

Nacido en 1963 en Alemania, MATHIAS GRASSOW empezó su carrera musical a principios de los años ochenta. Aunque al principio no le resultó nada fácil, con el paso del tiempo ha conseguido ocupar un puesto importante dentro de la música electrónica de vanguardia.

STEVE HILLMAN es un sintesista británico cuyos primeros trabajos se publicaron a principios de los ochenta. Ha realizado exitosos conciertos en Gran Bretaña. En sus álbumes, ha colaborado a menudo su esposa Linda.

RICHARD BURMER publicó su primer disco como compositor de música electrónica en 1984. En la segunda mitad de los años ochenta, obtuvo el éxito internacional, pese a no ser muy prolífico.

El británico RON BERRY empezó como guitarrista de Rock en los años sesenta. A principios de los setenta, su interés se dirigió hacia la exploración de nuevos caminos sonoros. En 1974 se construyó su primer sintetizador y empezó a experimentar con él. Su faceta de ingeniero electrónico le permitió el suficiente dominio sobre la tecnología musical para poder explotar las posibilidades de los sintetizadores, ocupando puestos como por ejemplo de técnico en el departamento musical de la Universidad de Durham. En 1982, se publicó su primer trabajo en solitario, al que han seguido otros desde entonces. Berry compagina la grabación de sus álbumes con la composición de bandas sonoras para videos.

KEVIN BRAHENY cuenta con una sólida trayectoria en el campo de la tecnología musical, habiendo colaborado con diversos científicos, entre ellos SERGE TCHEREPNIN, en el diseño de sintetizadores analógicos. Esto y su experiencia como intérprete de instrumentos de viento fueron la base para que se convirtiera en uno de los primeros músicos en utilizar ampliamente sintetizadores controlados por viento (es decir, que se tocan como un instrumento de viento). Su debut como compositor en 1980, con la publicación de su álbum "LULLABY FOR THE HEARTS OF SPACE", marcó el inicio de una interesante carrera.

El sintesista francés JOEL FAJERMAN, nacido en 1948, empezó su carrera como interprete de Rock. En 1973 se especializó en manejar sintetizadores. A fines de los setenta empezó a componer música para anuncios televisivos, series y programas de radio y televisión. La fama le llegó a principios de los ochenta gracias a su genial banda sonora para la serie documental L'AVENTURE DES PLANTES dedicada a la vida de las plantas.


El canadiense PASCAL LANGUIRAND inició su carrera discográfica como sintesista en 1978, pero fue a mediados de los ochenta cuando alcanzó la fama internacional con el gran éxito de su LIVING ON VIDEO en TRANS-X.

El estadounidense LARAAJI saltó a la fama en los años ochenta, tras labrarse una aureola de músico enigmático a causa de su personalidad mística y de sus actuaciones espontáneas en parques y plazas de Nueva York.

Con la publicación de su primer trabajo en 1983, RAY LYNCH se reveló como un sintesista con la sensibilidad propia de un compositor de Música Clásica, y su éxito se multiplicó con sus siguientes álbumes.

JONN SERRIE comenzó su carrera discográfica en 1987, y de inmediato cosechó un gran éxito mundial de crítica y de público. A ello contribuyó sin duda su talento, ya demostrado desde bastantes años antes con su actividad componiendo música para planetarios.

El caso de RUDIGER LORENZ no abunda mucho. Rockero durante mas de 20 años (los setenta, los sesenta y parte de los cincuenta), en los ochenta se pasó a la música electrónica al tiempo que comenzaba una prolífica carrera en solitario, que le hizo mucho más famoso que con su media vida dedicada al Beat y al Rock. Sus composiciones, que han gozado de buena aceptación, se centran en un Tecno muy sofisticado con algunos pasajes clasicistas y unas gotas de Rock. Su hijo TIM, guitarrista, colaboró a veces con él.

PETER SCHAEFER fue un artista-revelación en los ochenta. Claro miembro de la Generación del Ordenador, aprendió a programar desde muy joven. Esto, unido a su prolífica e imaginativa creatividad, así como a su pleno dominio de teclados, le situaron como uno de más destacados nuevos sintesistas germanos. Sus discos están repletos de ideas atrevidas.

MARTIN KORNBERGER y VOLKER KUHN formaron un dúo que a mediados de los ochenta pasó de ser prácticamente desconocido a tener fans en diversas naciones. La música que hicieron entonces posee una innovadora estructura musical donde el ritmo desempeña también funciones melódicas, y se adelantó a los planteamientos que imperarían en el Pop electrónico de los años noventa. KORNBERGER, que en 1981 obtuvo un puesto destacado en el Festival de Música Electrónica organizado por la firma Roland, actuaba como cerebro del dúo, mientras que KUHN desempeñaba elpapel de virtuoso de la guitarra eléctrica.

El fenómeno BERND SCHOLL es muy llamativo. Antiguo Rockero en su adolescencia, se pasó a los sintetizadores en 1980 para hacer un tipo de música que le convirtió en una de las cabezas visibles de la música electrónica "ecologista". Partidario de GREEN PEACE y de que la tecnologia puede preservar la naturaleza en vez de destruirla, SCHOLL se hizo famoso en Alemania y también alcanzó un puesto relevante dentro de la escena internacional. A sus discos hay que añadir sus estupendos conciertos, que también han contribuído a su popularidad.

Hijo de un trompetista de Jazz, JESSE CLARK fue un artista-revelación en los ochenta. Este sintesista norteamericano fusiona influencias Pop con las tendencias más clásicas de la música electrónica y con formas orquestales melódicas en la línea de compositores como JOHN WILLIAMS. El resultado es un tipo de música que quizá pueda ser normal en el futuro, como resultado de la creciente unificación universal de estilos que se registra en la escena musical mundial. CLARK se ha mantenido bastante apartado de los circuitos convencionales de distribución, por lo que su música no es muy conocida.


BERND KISTENMACHER representó durante los ochenta en Alemania al ala más conservadora del sonido analógico. Su música, que en los noventa ha evolucionado hacia la incorporación de elementos Tecno aunque manteniendo el espíritu original, se nutre del ambiente electrónico de los setenta. KISTENMACHER ha considerado siempre poco creativas a las nuevas corrientes de la música electrónica más cercanas al Pop que aparecieron en los ochenta. En sus trabajos de los ochenta hallamos ese sabor a fría y eficiente tecnología punta, y esa misteriosa solemnidad que caracterizaron los mejores momentos musicales de los grandes genios electrónicos de los setenta, todo ello potenciado por el mayor poder de la tecnología musical de los ochenta y los noventa.

ASHOK PREMA es un hindú afincado en el Reino Unido que ´se dió a conocer en los ochenta como un refrescante unificador entre las formas musicales de la India y el moderno Pop occidental, en el marco de la música electrónica, siguiendo la ya citada tendencia colectiva de unificar estilos para dar origen a una mayor riqueza y originalidad musicales. Definido como el KLAUS SCHULZE oriental, y bastante influenciado también por TANGERINE DREAM, su carrera no le ha reportado un ascenso al estrellato, pero sí una sólida aceptación de los fans más expertos de la música electrónica.

SOFTWARE, dúo que fundaron Peter Mergener y Michael Weisser, alcanzó en los ochenta elevadas cotas de admiración entre los fans de la música electrónica cósmica, convirtiéndose en sinónimo de gran talento e ideas vanguardistas. También influenciados por KLAUS SCHULZE al principio, los integrantes de Software no tardaron en esculpir su propio estilo, cuyo concepto original era, según ellos, explorar el futuro a través de la música.

MARK SHREEVE imprimió en los ochenta un giro impresionante al Tecno y al Pop Electrónico , logrando composiciones de un ritmo aplastante. No en vano compuso un tema de su disco LEGION con CHRISTOPHER FRANKE, el maestro del secuenciador que contribuyó de forma decisiva al triunfo de TANGERINE DREAM. La música de SHREEVE es de una sofisticación absoluta, que deja muy atrás a la onda Tecno vigente en los ochenta, y que en los noventa, cuando la escena colectiva ha acabado por aproximarse a los planteamientos del músico en la década anterior, se ha hecho más atrevida aún. En Gran Bretaña, se le ha llegado definir como el JEAN MICHEL JARRE británico.

El también británico IAN BODDY fue uno de los líderes de la vanguardia electrónica musical en Gran Bretaña durante los ochenta. Con varios discos publicados, goza entre los fans más experimentados de un sobrado prestigio, constatado en su gran éxito dentro del festival U.K ELECTRONICA, así como en otras muchas actuaciones en directo, y en la difusión cada vez mayor que tienen sus trabajos fuera de su país..

Estilos de Música Electrónica

Acid
Evolución del house hacia los sonidos crujientes, repetitivos y lisérgicos creados con el aparato TB-303 de Roland. Su símbolo fue el famoso "Smiley", y sus inventores el grupo Phuture (DJ Pierre y Spanky) con el tema "Acid Trax" (editado en 1987). Damon Wild y Hardfloor fueron los abanderados del sonido post-acid a mediados de los noventa.

Acid-jazz
En la época en que se desarrolló el acid-house, tuvo lugar una recuperación del sonido funk de los 70 a través de la estética moderna aunque revisionista. Al fenómeno se le llamó acid jazz, y es uno de los géneros que hizo posible el ascenso de la denominada cultura de club.

Ambient
Música climática, relajada, atmosférica y evocadora que incide en la profundidad y los espacios abiertos. Se basa en la superposición de sonidos y capas sintéticas y su inventor indiscutible fue Brian Eno. Nada que ver con la new age.

Ambient dub
Mezcla de sonido ambient con los ecos y los efectos dub de la música jamaicana. Música envolvente.

Artcore
Nombre que recibe la tendencia más experimental y ambient del jungle. Se le ha llamado también intelligent jungle. LTJ Bukem y Omni Trio han sido las grandes figuras del género.

Balearic beats
Más que un estilo, es la forma de pinchar que tenían los disc-jockeys españoles en la Ibiza de los ochenta: mezclar todo tipo de estilos y ritmos, del rock al house y del funk a la psicodelia.

Big Beat
Antes de denominarse así, también se llamó brit-hop, amylhouse o chemical beats. Y en todo caso, ha representado un nuevo paso en la conexión dance-rock. The Chemical Brothers, con su artillería de breakbeats furibundos, fueron pioneros de un género que contó con muchos defensores, pero que sucumbió a la oscuridad de su lado experimental.

Braindance
Una invención del sello Rephlex que lleva el tradicional intelligent techno por caminos de complejidad estructural (electro caótico, jungle hiperacelerado o ambient turbulento) y hacia despropósitos rítmicos antisociales.

Breakbeat
Es el ritmo base del hip-hop, gracias al sampleado de fragmentos instrumentales del funk de los setenta, como el omnipresente "Funky Drummer" de James Brown. Pero también, por extensión, es una corriente del techno surgida en Gran Bretaña, también llamada hardcore, que dio origen al jungle a través de la aceleración del breakbeat.

Cheesecore
La vertiente más pop y comercial del criminal sonido gabber holandés, con melodías tontas y hasta pegadizas. También se le denomina fluffycore.

Chill-out
Estilo musical bastante relajado muy similar al ambient aunque no necesariamente recrea de forma electrónica diferentes parajes naturales.

Clubpop
Pop con influencias del easy listening y de una música de baile especialmente sencilla y casera. También se le llama "sonido Shibuya" porque fue en ese distrito de Tokio donde aparecieron los nombres principales.

Dance
Música de baile. En su origen englobaba todos los ritmos y estilos. En la actualidad, designa sobre todo al movimiento surgido del techno y el house.

Deep house
La corriente más cálida, envolvente y llena de soul del house. Tiene una gran influencia del sonido disco, y sus capitales son New York (donde se le denomina garage), New Jersey y Chicago. Su momento de máximo esplendor fueron los últimos años ochenta y los primeros noventa.

Downtempo
Su nombre (tempo bajo, ritmo suave) lo dice todo. Actualmente se cita como la evolución del trip-hop hacia terrenos plácidos, casi pastorales, decididamente influidos por el dub. La escena vienesa y la alemana han sido algunos de sus baluartes.

Dream House
Género comercial de duración muy limitada (poco más de un año), típicamente europeo. A medio camino entre la new age y el eurobeat, entre el trance y la música de Jean-Michelle Jarre, el dream house devolvió la melodía (fácil) a la música de baile.

Drum"n"bass
Nombre genérico que se aplica al jungle al ser esta combinación (bajo y batería) la base de su receta rítmica. Drum"n"bass también designa a las ramificaciones más complejas.

Dub
Tiene su origen en Jamaica, en las versiones instrumentales de los temas reggae, a los que se añadían ecos y efectos sonoros. Por extensión, el dub es un género que utiliza las bases del reggae para crear efectos electrónicos, ecos y reverberaciones.

Easy Listening
También denominado lounge music o *bleep*tail music. Música de fácil escucha que, sobre todo en los años cincuenta y sesenta, compuso las bandas sonoras de divertidas comedias y alimentó los hilos musicales (a esta variante se llamó muzak). Su combinación con la electrónica actual dio origen a la escena future listening.

EBM
Siglas que corresponden a Electronic Body Music, un estilo de mediados de los ochenta que utilizaba ritmos fríos y monocordes, emparentados con el rock industrial.

Electro
Género practicado a comienzos de los 80, nacido de la fusión del funk, el hip-hop y la música electrónica europea.

Electronic listening music
Música electrónica para escuchar en casa, y no especialmente en las pistas de baile, por lo general intelligent techno. En Inglaterra se le denomina electronic y en Estados Unidos se ha adoptado la etiqueta IDM (Intelligent Dance Music).

Eurobeat
Estilo de baile europeo muy comercial basado en melodías vocales pegadizas, esquemas house e incrustaciones de rap y ragga.

Experimental
Extraño, inclasificable, vanguardista. Se dice de todo aquel género musical que rompe reglas, que intenta ir más lejos en busca de nuevos ritmos, sonidos y construcciones.

Freestyle
Inicialmente, en los años 80, fue la denominación que recibió un estilo entre el electro y el latin hip-hop, practicado por cantantes femeninas que imprimían a sus temas un fuerte componente melódico. En el mundo del hip-hop también se utiliza para designar la rima improvisada de un MC o el estilo de pinchar (sólo hip-hop underground) de los DJs con más criterio. En los noventa ha definió la forma de pinchar de algunos DJs , que mezclan absolutamente de todo, de techno a drum"n"bass pasando por dub y house.

French Groove
La escena dance parisina generó en el último tercio de los noventa su propio sonido, caracterizado el groove, el house y la música disco, todo con un exquisito toque francés que le confiere señas de identidad propias. De ahí el nombre de french groove, una actitud que ha sabido combinar house y funk de forma imaginativa (y comercial).

Gabber
También llamado gabba, algo así como el trash metal del techno. Hardcore originado en Rotterdam que se caracteriza por un ritmo veloz (entre 200 y 250 bpms) y martilleante que atrae a un público adolescente. Cuando se mezcla con melodías simples y hasta tontas se le llama happy hardcore.

Garage
House de ascendencia disco y soul. Se caracteriza principalmente por las poderosas voces, desbordantes de sentimiento y tradición negra.

Goa
Ciudad del sur de la India cuya escena trance, profunda y psicodélica, ha dado lugar al género Goa Trance. La variante más exótica y hippie del techno, también llamada psychedelic trance. Algunos dicen que este estilo ya no existe y que ahora se llama Full on.

Hardcore
La música de las raves empezó a ser más rápida y basada en ritmos entrecortados, más dura y plagada de voces chillonas. The Prodigy fue el grupo más popular del fenómeno hardcore que más tarde dio a luz al jungle, aunque también hubo una variante techno impulsada desde Bélgica.

Hardhouse
House de ritmos más implacables nacido, simultáneamente, en Chicago y Nueva York.

Hardstep
Una de las múltiples derivaciones del drum"n"bass, que se caracteriza por sus bajos rotundos, que simulan un zumbido de funk criminal; y sus violentos y vertiginosos ritmos.

Hardtrance
Evolución del trance hacia fórmulas más adustas y ritmos más duros y veloces, una feroz colisión entre trance y hardcore.

House
El ritmo con el que comenzó la credibilidad de la música de baile. Nació en Chicago a mediados de los ochenta en el club Warehouse (de ahí el nombre del estilo). Proviene de la cultura musical negra americana, y recoge influencias de la música disco, el funk y el synth-pop europeo.

Illbient
La densa y excitante mutación del ambient. Denominado también Crooklyn Dub debido a su origen (Brooklyn, en New York), el illbient es el sonido de la ciudad enferma, con sus ruidos y misterios. Aprovechando las profundas líneas de bajo del dub jamaicano y la complejidad de la música contemporánea, el illbient se constituye en polución sonora de efectos inquietantes que, en los últimos tiempos, ha poseído al drum"n"bass americano y al hip-hop más extraterrestre.

Intelligent techno
Las recopilaciones "Artificial Intelligence" del sello Warp patentaron un tipo de electrónica, inspirada en el techno de Detroit, más pensada para el viaje mental y la escucha en casa que no para el baile en el club. De ahí viene el concepto "techno inteligente", que se refiere a la electrónica con clase y un marcado carácter experimental.

Italodisco
También conocido como spaghetti-disco, el fenómeno del italo es uno de los más singulares de la historia de la dance music. En un año especialmente brillante, 1983, gran número de producciones italianas asaltaron las pistas de baile. Muchos pioneros de Detroit citan a la escena como una fuerte influencia.

Jungle
Género musical surgido en Inglaterra que se basa en la aceleración del breakbeat y en rotundas líneas de bajo, capaz de mezclarse con todo: soul, ambient, raggamuffin, hip-hop y música industrial. Hace años fue masivo y creativo, pero ahora la innovación está en uno de los géneros nacidos a su sombra, el two-step.

Latin House
Aunque sus orígenes son tan antiguos como los del propio house, lo cierto es que la combinación de ritmo house y sabor latino siguió evolucionando en los noventa y dio jugosos resultados.

Lounge
Es sinónimo de easy listening (música de fácil escucha para un relax rutinario), aunque desde principios del año 2000 se identifica con una nueva corriente de música ambiental y downtempo en extremo complaciente.

Minimal
Califica a un tipo de música que utiliza muy pocos sonidos y ritmos repetitivos y que, sin embargo, suele arrojar resultados creativos asombrosos. Normalmente se aplica al techno (todo el sonido derivado de Basic Channel) y al house más experimental.

New age
Música sintética próxima al ambient pero mucho menos creativa, con voluntad de crear relax y utilizada por los yuppies para combatir el stress. Hay quien dice que es el estilo heredero de la escena planeadora alemana de los setenta.

Pop electrónico
La influencia que la nueva música electrónica ha tenido sobre el pop en los noventa ha sido decisiva y ha transformado su concepto de forma radical.

Progressive
Calificativo que se aplica tanto al house como al techno, aunque últimamente también se aplica a la evolución "seria" del trance tras el cambio de siglo. A comienzos de los noventa, el progressive house fue un estilo complejo y evolutivo, con dubs, bases de percusión y samples del pop y músicas exóticas.

Speed Garage
Un estilo que deja muy claras sus intenciones en las dos palabras que componen su nombre: por un lado, speed (su base rítmica es veloz, con origen en el breakbeat y el jungle), y por otro, garage, porque recupera el gusto por las grandes voces del deep house americano. Mezclados estos ingredientes, y otros como rotundas líneas de bajo, voces pasadas de revoluciones y los típicos toastings del raggamuffin, se obtiene uno de los ritmos más excitantes que inundaron las pistas de baile. Sus evoluciones son primero hacia UK Garage y finalmente a two step.

Synth-pop
Es un género propio de los años ochenta consistente en elaborar pop futurista con sintetizadores.

Tech-house
Interacción entre techno y house en un mismo tema. Normalmente se aplica al house que, lejos de la herencia disco o el pulso funk, prefiere el sonido más futurista y frío del techno.

Techno
Género musical que aparece en Detroit a finales de los ochenta, muy influenciado por el house de Chicago, el electro neoyorquino y el synth-pop europeo. Música de baile abstracta y futurista que en años sucesivos se ha ido haciendo más dura y más compleja.

Trance
Variante del techno nacida en Alemania a comienzos de los noventa que combina ritmos rápidos y largas evoluciones sintéticas con efectos ácidos. Su cuna es Frankfurt. A finales de los noventa hubo una resurrección en Inglaterra impulsada por DJs bastante importantes en el escenario techno.

Tribal
Adjetivo que se aplica al house y al techno que utilizan percusiones tribales para crear efectos hipnóticos.

Trip-hop
Género surgido del hip-hop, generalmente de carácter instrumental. Tiene un plus experimental, viajero y abierto a multitud de sonidos diferentes: ambient, jazz, dub, bandas sonoras...

Two Step
La evolución del speed garage hacia formas más sinuosas: ritmos rotos heredados del drum"n"bass, bajos pesados y soul marciano en lo que es la interpretación inglesa del ryb americano. Las producciones son raras por naturaleza, pero a la vez sexys, plagadas de efectos extraños y voces recortadas.

El PC en la música electrónica

Los instrumentos virtuales han recorrido un largo camino desde sus humildes comienzos. Hemos visto réplicas software de los sintes, instrumentos y samplers más populares del mundo "real". Que mejoraban las características de algunas de las unidades hardware más caras a cambio de menos dinero.
Sorprende lo lejos que ha llegado el mercado gracias a las firmas como Native Instruments, Applier Acoustics y Steinberg, por nombrar unas cuantas, afianzando la tecnología plug-in con productos totalmente válidos para el músico con menos recursos.
Tras la primera avalancha de sintes analógicos virtuales, durante los últimos meses se ha producido una significativa explosión comercial de emulaciones de instrumentos. Tanto en cantidad como en calidad. Desde pianos acústicos como Steinberg The Grand a pianos eléctricos (Applied Acoustics Lounge Lizard EP 1), pasando por avanzados sintetizadores como Native Instruments Absynth y VirSyn Tera, e incluso ampliaciones y nuevas alternativas al sampler tradicional, con "ROMplers" tipo Spectrasonics Stylus.
Vivimos un momento muy bueno para el mercado del software nativo gracias al progresivo crecimiento y abaratamiento simultáneo de las CPU y la memoria RAM. Esta ventaja os permite obtener la máxima calidad de sonido posible. Sin tener que preocuparnos por el rendimiento del ordenador. Los instrumentos virtuales integran los inexorables avances de la informática. Mejorando prestaciones y ofreciendo una flexibilidad y calidad de sonido que resultan casi incomparables.


Programas

Absynth (Native Instrument): sintetizador monotímbrico semimodular de 16 voces dotado de gran sonido y características exclusivas.

FM7 (Native Instrument): réplica casi exacta de los circuitos del sintetizador FM Yamaha DX7 de los años 80, al que añade nuevas funciones y compatibilidad con los datos y patches de cualquier sintetizador FM Yamaha.

Kontakt (Native Instrument): es un sampler modular de 16 voces qu soporta varios formatos de muestreo.
Cada vez que importamos un archivo creamos un instrumento muestreado, por lo tanto con este programa podemos cargar 16 al mismo tiempo.

Lounge Lizard (Applied Acoustics): emula un piano eléctrico. Reproduce un piano eléctrico real que incluye controles de fuerza. Rigidez y ruido con respuesta sobre la velocidad y el tono del diapasón, la velocidad de caída la rigidez de los martillos y, finalmente, la posición correcta de la pastilla.

PPG Wave 2.V (Steinberg): recreación software del sintetizador de los 80 Waldorf PPG Wave.

Reactor 3 (Native Instruments): sistema modular muy flexible con el que se puede construir sintetizadores, samplers, cajas de ritmos o secuenciadores por pasos.

SampleTank (IK Multimedia): módulo de sonidos basado en muestras con una enorme y variada librería de sonidos multimuestreados a los que puedes acceder directamente.

Stylus (Spectrasonics): módulo de muestras que difiere de los verdaderos samplers al no dejarte cargar tus sonidos.

Tassman (Applied Acoustics): con este programa se pueden crear sintetizadores e instrumentos a partir de bloques de construcción.

Tera (VirSyn): programa muy completo a la vez que complejo. Con dicho software tenemos la posibilidad de sintetizar, secuenciar y mezclar.

The Grand (Steinberg): emula un auténtico piano de cola. Hasta el momento es la versión virtual más realista de un piano de cola.

Virtual Guitarist (Steinberg): programa que genera frases de guitarra rítmica realistas, precisas y con un gran sonido. Su método es el "acorde de un sólo dedo".

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Bueno espero q les haya gustado... Es una pequeña reseña para los q les gusta la electronica conozcan un poquito de sus inicios e historia, asi como sus estilos.

Fuente 1
Fuente 2