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1011 discos para descargar gratis

Como su nombre tiene a bien indicar, este libro es excelente además de interesante como referencia musical. Editado por: Robert Dimery, con Prefacio de Michael Lydon, seleccionado y escrito por 90 críticos de corte internacional.
La lista se encuentra organizada de forma cronológica, abarcando producciones realizadas desde el año 1950 hasta el 2005, siendo este libro publicado en el 2006.
Nuestra intención al igual que la obra impresa, más que una lista de los mejores 1001 discos, es dar a conocer los álbumes y sus cantantes que, a juicio de los críticos expertos, representan de mejor forma la música de los 55 años que comprende.

Por mi parte continuo con este proyecto con el compromiso de colocar dichos álbumes, con su respectiva crítica, y así seguir hasta que la lista este completa. Todos estos álbumes, como viene siendo costumbre, cuando el afán es compartir, serán alojados en Mediafire, sin limitaciones para descargar.

Seguimos con la lista...


En honor a quien lo merece, les hago participes del aporte de nuestro compañero P0L0K0, aquí en Taringa por fin el ebook en descarga de los "1001 álbumes que debes escuchar antes de morir" para aquellos que como su servidor le hemos estado buscando afanosamente. Todo el crédito para él.

1001 álbumes el libro


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476. Steve Winwood – Arc of a Diver (1980)



Steve Winwood es un cantante, teclista y compositor inglés. Sus primeros pasos los dio en la banda Spencer Davis Group y Blind Faith en los años sesenta y luego en el grupo inglés Traffic, para posteriormente iniciar a mediados de los setenta una exitosa carrera como solista que tuvo su punto cúlmine en la segunda mitad de los años ochenta. Su sonido se caracteriza por el uso del teclado como instrumento principal adornado con influencias de jazz, el R&B y el pop.
No sería hasta la publicación del álbum "Arc Of Diver" de 1980, un disco en el que él mismo tocaba todos los instrumentos, que Winwood consolidaría su éxito como solista. El disco sirvió para modernizar el sonido de Winwood con sintetizadores y percusión electrónica.
Este disco contiene la canción éxito "While You See A Chance" y el Hot 100 "Arc Of Diver", fue recibido con los brazos abiertos por la crítica y saludado como un sonido nuevo. Elevando el disco a la categoría de multiplatino.

1.While You See a Chance
2.Arc of a Diver
3.Second-Hand Woman
4.Slowdown Sundown
5.Spanish Dancer
6.Night Train
7.Dust

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477. Pretenders – Pretenders (1st Album) (1980)



The Pretenders es un grupo anglo-americano de rock que en sus comienzos formó parte de la llamada new wave. La banda se componía originalmente de su fundadora, compositora, guitarrista y vocalista Chrissie Hynde, el guitarrista James Honeyman-Scott, el bajista Pete Farndon y el batería Martin Chambers. Las muertes de Honeyman-Scott y Farndon por consumo de drogas malograron esta formación, y los múltiples cambios de músicos en los años posteriores han dejado a Chrissie Hynde como único miembro permanente y referente absoluto del grupo. La actividad pública de Hynde ha trascendido el terreno musical y se ha destacado como activista en favor de diversas causas.
The Pretenders se funda en 1978, cuando la primera oleada del punk británico da sus últimos coletazos. La banda finalmente reunida por Hynde se componía de varios conocidos suyos, músicos jóvenes procedentes de Hereford, más próximos a la estética pop, y que a pesar de haber quedado al margen de la explosión del punk en 1976, estaban ansiosos por ponerse al día.
El álbum de debut, Pretenders , fue editado en enero y resultó un enorme éxito de crítica y de ventas, tanto en el Reino Unido como en los Estados Unidos. El disco acabaría por ser incluido entre los mejores LPs de todos los tiempos por las publicaciones VH1 (puesto 52) y Rolling Stone (puesto 155), y segundo mejor LP del año por la revista Melody Maker. El grupo inició una gira, interpretando el álbum al completo, que incluyó dos conciertos en Nueva York en mayo16 y agosto17 de 1980, y el festival de Heatwave, en agosto de ese año.

1.Precious
2.The Phone Call
3.Up the Neck
4.Tattooed Love Boys
5.Space Invader
6.The Wait
7.Stop Your Sobbering
8.Kid
9.Private Life
10.Brass In Pocket
11.Lovers of Today
12.Mystery Achievement

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478. Einstürzende Neubauten – Kollaps (1981)



Primer LP de la banda alemana Einstürzende Neubauten, en ese entonces conformado por Blixa Bargeld, N.U. Unruh, y F.M. Einheit.
No se sabe si los Einstürzende Neubauten protestaron alguna vez contra el invasor americano, pero sí que consta que hacia 1980 se implicaron en un experimento musical como pocos había habido hasta entonces; estando aún en fase de incipientes balbuceos el estilo de música llamado “industrial”, estos sujetos se bautizaron con palabras que significan “demoliendo edificios nuevos” y probaron a ensayar con fuentes de sonido auténticamente industriales como martillos neumáticos, cortafríos y llaves inglesas; cuenta la leyenda que dichos ensayos se llevaban a cabo en un hueco cavado en un pilar de una autopista de las afueras de Berlín Oeste, al que los invitados a los ensayos eran conducidos con los ojos vendados para que no pudieran localizar dónde se emplazaba. Otros rumores dignos de mención son los que sitúan a los Einstürzende Neubauten usando sus martillos pilones para abrir un agujero en la pared que les permitiera escapar de ser linchados por los asistentes a un concierto suyo en Noruega.
“Kollaps” es el álbum donde queda recogido todo esto. Disco fiero como pocos, posee la audacia y facundia de los que saben que están inventando algo y no se amilanan ante ello; paisajes minerometalúrgicos como el lignito extraído en las minas de los alrededores de Dresde se suceden uno tras otro, y el cielo musical se vuelve irremisiblemente plomizo. No pretendían engañar a nadie los Einstürzende Neubauten; como prueba el que titularan uno de los temas de este disco “Hören mit Schmerzen” (escuchar con dolor), su actitud era absolutamente premeditada y consecuente. De hecho, uno de los momentos sublimes de “Kollaps” es la versión de la almibarada melodía del “Je T´Aime Moi Non Plus”, de los paradigmáticos hippyviolinistas parisinos Jane Birkin y Serge Gainsbourg, interpretada aquí al cortafríos o rotaflex o lo que quiera que eso sea, que mi conocimiento sobre herramientas metalúrgicas nunca ha sido exhaustivo.
Desde entonces, cada álbum de los Einstürzende Neubauten ha supuesto un salto sin red hacia ignotos agujeros negros y regiones con gravedad desconocida; en el entanto, Blixa Bargeld, F.M. Einheit, Alexander Hacke y los otros participantes en tantos y tantos atentados al lugar común han ido envejeciendo, y ellos que empezaron en tugurios y descampados fueron encargados años después de poner música a carísimas obras de teatro a estrenar en grandes escenarios institucionales alemanes. Pero esa es historia que deberá ser referida en otras páginas; ésta termina emplazándote a que escuches el “Kollaps” y que pienses después en lo prescindible que resulta la melodía cuando no se tiene nada que decir con ella.

1.Tanz Debil
2.Steh Auf Berlin
3.Negitiv Nein
4.U-Haft Muzak
5.Draussen Ist Feindlich
6.Horen Mit Schmerzen
7.Jet'm
8.Kollaps
9.Sehnsucht
10.Vorm Krieg
11.Hirnsage
12.Abstieg & Zerfall
13.Helga
14.Negativ Nein (Live)

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479. Siouxsie & the Banshees – Juju (1981)



Angustia, magia negra, frenesí, atmósferas oscuras y densas, se condensan en este cuarto álbum de la impredecible Siouxsie y sus Banshees, una de las bandas cruciales de los años ochenta, de un registro que supo distinguirse a tiempo de la camada postpunk que derivó en la uniforme y monocorde música "dark" o "gótica". Se debe agradecer a la sensibilidad artística de Siouxsie Sioux por haberle dado la vuelta a cada uno de los clisés del siniestrismo y, en todo caso, haber consumado un desarrollo no efectista, imponiendo su personalidad provocadora. Acompañada de Steve Severin en el bajo, supo sobrevivir a la vorágine punk –de la cual ambos provenían– y obsequiarnos la versión "oscura" del pop, con ciertos retoques orientalistas.
Juju es un álbum nocturno, que reclama la noche para ser escuchado y caer en su hechizo. A la vez, por su temática desfila toda la parafernalia de las películas de horror, en nueve surcos que repasan desde la celebración del Halloween (Halloween), hasta el rito vudú de tortura que consiste en traspasarle alfileres a una muñeca (Voodoo dolly), desde destripadores perseguidos (Night shift) hasta el canibalismo televisivo (Monitor) y la colección de cabezas humanas (Head cut).
Pero lo destacable es que la Siouxsie no se vale de adornos ni de sobreproducciones para transmitirnos su particular visión de lo tenebroso. Desde el inicio escuchamos a una banda de rock básico, sin más pergaminos que magníficos riffs de guitarra cortesía de John McGeoch y una percusión a cargo de Budgie. Ambos marcan el ritmo frenético de las canciones más delirantes del álbum. Los admiradores de Siouxsie y sus Hadas Malignas suelen rescatar esta primera etapa de la diva postpunk; sin embargo, no decepcionan sus trabajos posteriores. Este es tro álbum esencial.

1.Spellbound
2.Into the Light
3.Arabian Knights
4.Halloween
5.Monitor
6.Night Shift
7.Sin in My Heart
8.Head Cut
9.Voodoo Dolly

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480. Heaven 17 – Penthouse & Pavement (1981)



Despúes de las desavenencias entre Crash y Ware con Oakey y marcharse de The Human League, forman B.E.F como dúo, y Heaven 17 cuando incorporan al cantante Gregory en los temas.
Editan este disco en el 81 que tuvo bastante aceptación en el Reino Unido, llegando al puesto veinte en las listas. En Europa, receptiva a los sonidos Techno Pop que empezaban a invadir los mercados, tuvo bastante impacto el tema que salió como single que era Play to Win.
Creo que es un disco de referencia dentro de la electrónica en general y del Techno Pop y Shynt Pop en particular. El disco contaba de la parte Penthouse, en la cual el ritmo Funk Soul sintético, tomaba fuerza con los cuatro temas que aquí se encontraban, y que por aquel entonces, no era un sonido muy habitual.
Sólo por esta cara A ya es una referencia para lo que después hicieron otros grupos, incluidos los actuales, en mezclar Soul y Electrónica, o como se decía hace años, "Sentimiento a las máquinas" La cara B, aún es deudora de los sonidos más puramente que Ware y Marsh había fabricado con The Human League, aunque temas como The Eight of the Fighting son una pura gozada Syth pop bailable y no desentonaría en cualquier recopilatorio Electroclash.
En definitiva, desarrollando lo que consiguieron plenamente en el siguiente álbum Luxyry Gap, asemejando estar aún en una encrucijada entre el pasado y el futuro, consiguieron con esas dudas un puñado de temas imprescindibles para el posterior desarrollo de los sonidos electrónicos. Y es que, a pesar de no tener éxito, ya con los primeros Human League estos dos chicos eran muy buenos.

1.(We Don't Need This) Fascist Groove Thang
2.Penthouse and Pavement
3.Play to Win
4.Soul Warfare
5.Geisha Boys and Temple Girls
6.Let's Make a Bomb
7.Height of the Fighting, The
8.Song With No Name
9.We're Going to Live For a Very Long Time
10.Groove Thang - (B.E.F.)
11.Are Everything - (12" version)
12.I'm Your Money - (12" version)
13.Decline of the West - (B.E.F.)
14.Honeymoon in New York - (B.E.F.)

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481. Go-Gos – Beauty & the Beat (1981)



The Go-Go's son una banda de rock conformada exclusivamente por mujeres formada en 1978. Hicieron historia como el primer grupo completamente femenino en la música pop que tocaba sus propios instrumentos y escribían sus propias canciones, que llegó a las listas de Billboard con un álbum #1. Surgieron a principios de la década de 1980 y éxito fuera de lo común contribuyó al florecimiento de una era de nuevas bandas y nueva música en los Estados Unidos. Su álbum debut "Beauty and the Beat" es considerado como una piedra angular del "American new wave". En un inicio únicamente tocaban pop punk y posteriormente se definieron como el sonido distintivo del rock de 1980. Tienen cinco éxitos Top 40.
The Go-Go's firmaron con IRS Records en Abril de 1981. Su álbum debut Beauty and the Beat fue una sorpresa ya que llego al tope de las listas de popularidad en seis semanas. "Our Lips Are Sealed" y una nueva versión de "We Got the Beat" fueron extremadamente populares a principios de los 80´s. Belinda Carlisle llego a ser la más exitosa de las ártistas de la banda, teniendo varioes sencillos a finales de la década de 1980, incluyendo el sencillo número uno "Heaven Is a Place on Earth"

1.Our Lips Are Sealed
2.How Much More
3.Tonite
4.Lust to Love
5.This Town
6.We Got the Beat
7.Fading Fast
8.Automatic
9.You Can't Walk in Your Sleep (If You Can't Sleep)
10.Skidmarks on My Heart
11.Can't Stop the World

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482. Motörhead – No Sleep ‘Til Hammersmith (1981)



Surgidos a mediados de los años 70, Motörhead, liderados por su frontman y bajita Lemmy Kilmister, fan de los Beatles, roadie de Jimi Hendrix y miembro de Hawkwind, fue uno de los nombres claves en el hard rock acelerado, iterativo y potente, una banda británica significativa dentro del heavy metal de los 80, que retomaba con amplificación sonora y sudoración escénica las constantes más básicas del rock’n’roll, ejecutadas con rapidez, redundancia abrasiva, destreza e indocilidad sónica.
En su juventud Lemmy admiraba a gente como Chuck Berry, Little Richard, Elvis Presley, The Who o The Beatles, banda a la que contempló con asiduidad en The Cavern. Paradójicamente, Lemmy siempre afirma que los Beatles son una de las grandes bandas de la historia por su diversidad, característica poco ajada en Motörhead, recayendo sus sonidos en la potencia de su instrumentación y en la agresividad de su característica vocalidad, vinculada a su pronunciada personalidad, una de las más carismáticas en el mundo del rock.
Los años 80 encumbraron a Motörhead como una de las bandas más poderosas del planeta y uno de los nombres clave de la new wave británica de heavy metal, apuntaladores del speed metal o el thrash metal, especialmente tras el fenomenal directo “No Sleep ‘Til Hammersmith” de 1981, creado como resultado de la gira del album Ace Of Spades, tal vez uno de los álbumes en vivo más importantes de la historia, con el que alcanzaron rapidamente el No. 1.

1.Ace of Spades
2.Stay Clean
3.Metropolis
4.Hammer, The
5.Iron Horse
6.No Class
7.Overkill
8.Road Crew, (We Are) The
9.Capricorn
10.Bomber
11.Motorhead

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483. Soft Cell – Non Stop Erotic Cabaret (1981)



Soft Cell fueron unos de los pioneros en utilizar la fórmula del dúo con cantante excéntrico y andrógino (Marc Almond) que se hacía acompañar de un freakie experto en el aparataje electrónico (Dave Ball) de único compañero, como ya hicieron Suicide, DAF, O.M.D. o con posterioridad Pet Shop Boys.
Procedentes de Leeds, Inglaterra, las letras del algo afectado y melodramático Almond hacían referencia habitualmente a elementos de un determinado submundo gay, nunca antes reflejado expresamente en la música popular, y a la hipocresía de algunas personas que, formando parte de él, renegaban públicamente del mismo dando una imagen respetable cara al exterior; pero todo ello estaba bañado en un cocktail musical que incluía fundamentalmente pop y soul de guante blanco, que, aunque realizado con la instrumentación electronica de Ball, los convertía en un producto perfectamente consumible por todos los públicos.
En este primer LP, que fue su mejor creación y que acabó publicando el sello Some Bizzare cabe destacar Tainted Love, una versión de un tema de northern soul cantado originalmente por Gloria Jones, que fue nº 1 en muchisimos paises, junto con otras canciones como Bedsitter, Chips on my shoulder, Secret Life o los tonos melancólicos de Say Hello Wave Goodbye, a modo de cierre.
El disco fue exitoso y polémico, destacando el revuelo que generaron sus videoclips en general, y en especial el del tema Sex Dwarf, dirigido por Tim Pope, habitual director de videos de gente como The Cure. En cierto modo, Non-stop the erotic cabaret supuso el canto de cisne de Soft Cell, que continuaron hasta 1983 publicando 3 álbumes más, pero ninguno de este calibre.

1.Frustration
2.Tainted Love
3.Seedy Films
4.Youth
5.Sex Dwarf - (remix)
6.Entertain Me
7.Chips on My Shoulder - (remix)
8.Bedsitter
9.Secret Life
10.Say Hello, Wave Goodbye
10.Say Hello, Wave Goodbye
11.Where Did Our Love Go?
12.Memorabilia
13.Facility Girls
14.Fun City
15.Torch
16.Insecure Me
17.What?
17.What?
18.....So

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484. Orchestral Manoeuvres in the Dark – Architecture & Morality (1981)



La escena musical de Liverpool a fines de los 70's representaba un excitante y dinámico lugar donde se podía triunfar. Todo el mundo integraba una banda, tenía incluso la libertad de optar entre una u otra, o lisa y llanamente estaba formando un grupo. En medio de toda esta actividad se encontraba Eric's Club, un espacio pequeño y discreto que promovió a varios exponentes como The Teardrop Explodes, Echo & the Bunnymen y Frankie Goes to Hollywood. Este era el panorama que reinaba en ese local, cuando Orchestral Manoeuvres In The Dark debutaron en 1978.
Los miembros fundadores Andy McCluskey y Paul Humphreys habían sido originalmente inspirados por la música electrónica experimental de grupos alemanes como Kraftwerk y Neu!.
En 1981, logran ir más alto aún con 'Enola Gay', su primer hit internacional (inspirado en el avión que tiró la bomba atómica en Hiroshima). El éxito obtenido le permitió a OMD convertirse en uno de los principales polos atrayentes a nivel de espectáculos. Contratando músicos extras para esos shows, Humphreys y McCluskey reclutan para el futuro otros instrumentistas para sus sesiones de grabación. Finalmente, OMD se vuelve un cuarteto: se agregan Martin Cooper (teclados y saxo) y Malcolm Holmes (batería), que eran ya amigos en los tiempos pre-OMD.
El tercer album, 'Architecture and Morality' editado en 1981, demostró una de las mejores etapas artísticas de OMD. Desde allí se destacan 'Souvenir', 'Joan Of Arc' y 'Maid Of Orleans'. Todos ellos alcanzaron el Top5 en 1982. Vendían millones de singles y albums, estaban en boca de todo el mundo. "Architecture & Morality", es la obra cumbre de Orchestral Manoeuvres In The Dark. LLegó a copar el puesto nº 5 de la lista de singles Inglesa y el nº 3 en la de álbumes.

1.The New Stone Age
2.She's Leaving
3.Souvenir
4.Sealand
5.Joan of Arc
6.Joan of Arc (Maid of Orleans)
7.Architecture and Morality
8.Georgia
9.The Beginning and the End
10.Extended Souvenir - (bonus track)
11.Motion and Heart - (Amazon version)
12.Sacred Heart - (bonus track)
13.Romance of the Telescope - (bonus track)
14.Navigation - (bonus track)
15.Of All the Things We've Made - (bonus track)
16.Gravity Never Failed - (bonus track)

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485. Brian Eno & David Byrne – My Life in the Bush of Ghosts (1981)



My Life in the Bush of Ghosts es un disco fascinante. Fascinante porque es tan fácil dejarse llevar por el encanto de sus sampleados pioneros, de su rítmica inquieta e intuitiva o su revolucionario concepto a la búsqueda de cargarse ideas preconcebidas sobre lo que debe ser un disco de rock como por ser un disco en el que convergen numerosas actitudes y formas de ver otras culturas desde el anglocentrismo de dos pedazo de "arties" como David Byrne y Brian Eno. Y pese a todas las críticas ideológicas que se puedan verter sobre éste disco, es innegable que es uno de los mejores publicados por cualquiera de sus dos autores, por reflejar a la perfección sus actitudes frente a la música y el mundo, y por ser una irresistible colección de canciones que sirvieron de inspiración a muchos otros discos posteriores igualmente imprescindibles.
Pero además de la influencia de este disco hay que hablar del lado controvertido, el ideológico. Al poco de publicarse en 1981, este LP comenzó a recibir acusaciones de imperialismo ideológico, siendo el ejemplo más citado el de la crítica de Joe Pareles para Rolling Stone:
Como todo el arte encontrado, plantea cuestiones que tienen que ver con el contexto, la manipulación y el imperialismo cultural […] My Life in the Bush of Ghosts me hace preguntarme, sin embargo, cómo reaccionarían Byrne o Eno si Dunya Yusin dividiese un poco de “Animals” y un poco de “The Paw Paw Negro Blowtorch”, y le añadiese su idea de un contexto adecuado. ¿Tiene este poblado global un tráfico de doble sentido?
Ahí están resumidas, en un breve párrafo, las principales acusaciones de este disco. La crítica de Pareles era, en general positiva, aunque recogía las reticencias básicas de un punto de vista cimentado en arquetipos rockistas, que no acababa de ver claro cómo una emergente forma musical basada en el sampleado y que erosionaba hasta cierto punto el concepto de autoría occidental podía acomodarse en una interpretación de la música pop tradicional basada vagamente en los conceptos tradicionales de autoría y autenticidad. Esto es lo que dijo Brian Eno al respecto en una entrevista en Trouser Press:
Tengo interés por ver qué ocurre cuando este álbum se publique […] porque los críticos de rock siempre analizan las palabras en una canción; consideran eso como la cumbre del significado. Existen un montón de cosas por debajo, pero el significado, supuestamente, está presente en las palabras.
No debemos olvidarnos de que este LP no deja de ser una de las cimas del post-punk, y en este sentido es fácil comprobar como Eno y Byrne pretendían intencionadamente desmontar, o al menos juguetear, con la idea de la autoría musical y la autenticidad asociada a ella, algo que está en perfecta sintonía con las intenciones revolucionarias de tantos representantes del post-punk que demandaban una reinterpretación propia de los criterios para valorar el arte y la vida en general. Eso sí, tampoco podemos olvidarnos de que, con el tiempo, y una vez asumidos conceptos como el sampler, el poder subversivo de este disco ha quedado un tanto limado en este sentido, y curiosamente la autoría de Byrne y Eno es clarísima en este disco, siendo muy fácil situarlo en el contexto de sus respectivas carreras. Pero es que, claro, estamos hablando de dos tipos con una personalidad más que marcada y que, irónicamente, seguían siendo inconfundiblemente ellos mismos por mucho que intentasen ocultar su autoría mediante estrategias –como la de no cantar en ninguna canción en el disco cuando la crítica asociaba al cantante de un disco con su autor- que hoy difícilmente son consideradas como controvertidas.
Aún así, nos queda otra área en la que este disco fue discutido, y aquí sí que nos metemos en un terreno de arenas movedizas, un terreno en el que es harto complicado llegar a una respuesta definitiva, pero un terreno que, por lo mismo, es más interesante. My Life in the Bush of Ghosts desató la discusión, en el terreno del pop, sobre las relaciones culturales de el Reino Unido con su antiguo imperio y de la nueva posición culturalmente imperialista de los EEUU.

1.America Is Waiting
2.Mea Culpa
3.Regiment
4.Help Me Somebody
5. The Jezebel Spirit
6.Very, Very Hungry
7.Moonlight in Glory
8.The Carrier
9.A Secret Life - (Arabic)
10.Come With Us
11.Mountain of Needles

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486. Black Flag – Damaged (1981)



Black Flag es una banda originaria de California Estados Unidos, se formó ahí por el año de 1977, son famosos por darle al punk un sonido mucho más rasposo y más rápido. Fue una banda que se consideró como una amenaza pública, con tintes políticos, fueron tachados de terroristas y constantemente vigilados por las autoridades.
Se tardaron algunos años en finalmente publicar este álbum “Damaged”, la disquera MCA Records después de muchas promesas al final nunca lo editó por considerarlo un disco demasiado contestatario e inmoral. Por lo tanto Greg Ginn, líder, guitarrista y compositor, se aferró a sus ideas y para lograr sacar el álbum fundó una disquera alternativa llamada SST que con el tiempo fue un sello que editó a bandas tan importantes como Hüsker Dü, Sonic Youth, Minutemen, Meat Puppets o Dinosaur Jr. entre otros.
Posteriormente Black Flag sufrió muchos cambios de formación, el único miembro constante fue justamente Greg Ginn, pero como en casi todos los casos de las bandas de punk tuvieron momentos desastrosos con discos muy malos y momentos brillantes. Altas, bajas y una vida corta. Sin embargo dejaron este su primer disco LP como un histórico del punk.

1.Rise Above
2.Spray Paint (The Walls)
3.Six Pack
4.What I See
5.T. V. Party
6.Thirsty and Miserable
7.Police Story
8.Gimmie Gimmie Gimmie
9.Depression
10.Room 13
11.Damaged II
12.No More
13.Padded Cell
14.Life of Pain
15.Damaged I

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487. X – Wild Gift (1981)



Los punks de California desarrollaron su propia identidad, primero en Los Ángeles y después en San Francisco. Los primeros héroes de la escena de Los Ángeles fueron los Germs (10), cuya carrera breve y trágica permanecería como símbolo de toda la escuela. GI (1979) no contenía canciones, sino miniaturas de canciones, no melodías sino simples gritos a muy alta velocidad. Su vocalista, Paul "Darby Crash" Beahm, era un visionario decadente en la tradición de Rimbaud y Kerouac, pero no tenía tiempo para probarlo (murió de una sobredosis en 1980).
Pero fue X (12) el epítome del zeitgeist de Los Angeles en la era del punk-rock. En lugar de practicar el nihilismo y la perversión que los punk-rockers a menudo jactaban, los vocalistas John Doe y Christine "Exene" Cervenka los pintaban como enfermos sociales, causados por la alineación en la metrópolis. Las letanías depresivas de LA (1980) de Suicide una cosmovisión más allá de la desesperación de los Sex Pistols. Mientras no tan metafísicos como los Doors, ellos también centraban en el retrato atmosférico de la enfermedad (deshumanización), más que en el análisis físico de los síntomas. A diferencia de los Doors, quienes buscaban un trance psicodélico, X ventilaban furia y disgusto. El álbum era, a final de cuentas, una galería de vagos, drogadictos, beatniks, pervertidos, bandidos, etc. La vida decadente nueva del tema, era el objeto de sus sermones hiperrealistas. No es de sorprender, su punk-rock se basaba en los matices estilísticos el guitarrista Billy Zoom los cuales contenían fuertes elementos de country, blues y rockabilly, géneros que hacían referencia a la gente ordinaria y sus vidas ordinarias. Wild Gift (1981) y Under The Big Black Sun (1982) lo probaron: X eran una banda de rock de raíces, sus armonías vocales recordaban a Jefferson Airplane, y sus letras introducían un populismo de un nuevo tipo.

1.The Once Over Twice
2.We're Desperate
3.Adult Books
4.Universal Corner
5.I'm Coming Over
6.It's Who You Know
7.In This House That I Call Home
8.Some Other Time
9.White Girl
10.Beyond and Back
11.Back 2 the Base
12.When Our Love Passed Out on the Couch
13.Year 1
14.Beyond and Back
15.Blue Spark - (demo)
16.We're Desperate - (single version)
17.Back 2 the Base
18.Heater - (rehearsal)
19.White Girl - (single mix)
20.Once Over Twice, The - (unissued single mix)

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488. Psychedelic Furs – Talk, Talk, Talk (1981)



The Psychedelic Furs, grupo post-punk comandado por Richard Butler, a la voz, y flanqueado por su hermano Tim Butler, con el bajo, John Ashton a la guitarra, y Vince Ely a la batería, publica en 1981 su segundo disco "Talk, talk, talk", que sigue la estela del título homónimo, con el que debutaron estas "pieles psicodélicas". "Talk, talk, talk" representa la introducción del grupo de la psicodelia progresiva en el post-punk, adaptada a los 80, y con reminiscencias de la música glam y aperturas hacia el pop ochentero, y en el que Richard Butler nos transmite un mensaje de libertad sexual y emocional: no a los compromisos, no a los tradicionales flirteos y galanteos, y sí al instinto, a la sexualidad, el impulso y la lascividad.
En conclusión, bastante recomendable disco de The Psychedelic Furs, abanderados del post-punk comercial de calidad de los 80.

1.Dumb Waiters
2.Pretty in Pink
3.I Wanna Sleep with You
4.No Tears
5.Mr Jones
6.Into You Like a Train
7.It Goes On
8.So Run Down
9.All of This and Nothing
10.She Is Mine

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489. Human League – Dare (1981)



The Human League tuvo que pelear duro el puesto que terminó ocupando en el pop de entre las décadas de los setenta y los ochenta, ya que la eclosión de los Nuevos Románticos de la mano de Spandau Ballet, Duran Duran o los propios Ultravox, no dejaba mucho sitio para los demás. Pero todo llega, y el álbum ‘Dare!’ (A&M, 1981) y más concretamente el tema ‘Don´t You Want Me’ les granjeó fama y reputación a nivel mundial. Ni antes, ni después hicieron un disco parecido. ‘Dare!’ son palabras mayores, probablemente uno de los mejores discos de synth-pop de todos los tiempos.
El origen de The Human League está en Sheffield en 1977 y en el grupo llamado Dead Daughters, formado por Martyn Ware e Ian Marsh –dos amantes del glam-rock, la Tamla Motown y la músiica electrónica-. Posteriormente, y ya con Adi Newton, pasaran a llamarse The Future. Cuando Adi se marcha, Ware y Marsh comienzan a buscar cantante siendo Glenn Gregory –fundador de Heaven 17- el elegido, aunque finalmente rechaza la oferta. Martyn decide proponerle el puesto a un antiguo compañero del Instituto llamado Phillip Oakey, que decide aceptarla. A partir de éste momento nace The Human League. Con esta formación registran sus primeras maquetas y poco después reclutan a Adrian Wright que se encargará de todas las cuestiones visuales. Buena parte del material registrado en esta época fue compilado por Richard X y publicado en 2002 bajo el título de ‘The Golden Hour of the Future’.
En 1978 firman con la discográfica independiente Fast y publican su primer single ‘Being Boiled’, que les servirá para girar con Siouxsie And The Banshees. En 1979 se publica su álbum debut ‘Reproduction’ (Virgin, 1979) y en 1980 su continuación ‘Travelogue’ (Virgin, 1980). Ambos tendrán un moderado éxito comercial, lo que provocará un aumento de las tensiones internas de la banda, motivo por el que a finales de 1980 Ware y Marsh deciden dejar The Human league y formar British Electronic Foundation. Oakey toma las riendas y retoca la formación del grupo, pasando Adrian Wright a ocuparse del sintetizador y reclutando al bajista Ian Burden y a las coristas Susanne Sulley y Joanna Catherall y algo más tarde, al guitarrista de The Rezillos, John Callis.
Con The Human League completamente reconstruida, Oakey planea su asalto definitivo a las listas de éxito y al reconocimiento masivo. 1981 es el año crucial del grupo y comienza con la publicación de tres singles: ‘Boys and Girls’, ‘Love Action’ y Open your Heart’ que auguran el éxito del álbum ‘Dare!’ (A&M, 1981).
Al abrumador éxito de ‘Dare!’ le seguirán un par de álbumes, ‘Love & Dancing’ (A&M, 1982) e ‘Hysteria’ (Virgin, 1984) que fueron difuminando las intenciones de la banda, pasando ésta a un periodo de inactividad sólo alterado por el álbum ‘Crash’ (A&M, 1986) y el trabajo en solitario de Oakey junto a Giorgio Moroder publicado en 1985, que duraría hasta 1990 -año de publicación de ‘Romantic?’ (A&M, 1990)-.

1.Things That Dreams Are Made Of
2.Open Your Heart
3.Sound of the Crowd
4.Heart Like A Wheel
5.Do or Die
6.Human
7.Get Carter
8.I Am the Law
9.Seconds
10.Love Action (I Believe In Love)
11. Don't You Want Me

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490. Gun Club – Fire of Love (1981)



“Fire Of Love” de GUN CLUB. Ahora mismo, uno de los mejores discos de rock'n'roll, una verdadera obra maestra. Sin que, en apariencia, se distinga de tantos y tantos discos de rock'n'roll nervioso y excitado, de tantas citas constantes al blues y el rock primitivo con un espíritu punk y la crudeza por bandera, de nuevo el motivo que hace de éste y no de cualquiera de ellos un disco imprescindible, vuelve a ser otro de esos misterios.
El misterio del debut de GUN CLUB no es realmente desconocido, sino precisamente uno de los misterios más fascinantes y discutidos de todos. En realidad se trata de esa pulsión inconfundible que late en el blues. Son pocos los grupos de rock que verdaderamente han podido captarla, y hacer de su música el estallido de pasión que hace del verdadero blues lo que es. Sin duda GUN CLUB no optaban por la versión más melancólica de aquella música, sino por el lado salvaje. Abrazaban esa forma de concebir el blues como un lamento expresado con cierta rabia, y asimismo como el explícito pero también sutil manifiesto de las más bajas pasiones. Por supuesto, las lúbricas. Pero también las autodestructivas y amorales que acompañan sus relatos.
Por alguna circunstancia del destino, tal vez por la inopinada habilidad del malogrado Jeffry Lee Pierce como avatar capaz de conjurar estas fuerzas, existen muy pocos discos ejecutados por músicos blancos, que sean capaces de transmitir lo que “Fire Of Love”. Una electricidad lúbrica y desbocada, una intensidad animal, que hace que, sin recurrir a impropios golpes de efecto, cortes que remiten al obligatorio repaso a los cánones del rockabilly acelerado y a la fidelidad a ese rígido patrón de tres compases, tomen un inesperado vuelo. No es de extrañar que uno no haya parado de escuchar y leer toda la vida recomendaciones fervorosas por parte de gente con criterio de lo más fiable. Esta formación de GUN CLUB pertenece a las mejores leyendas del rock'n'roll. Y personajes como Mark Lanegan le rinden un culto apasionado, y justificado.

1.Sex Beat
2.Preaching The Blues
3.Promise Me
4.She's Like Heroin To Me
5.For The Love Of Ivy
6.Fire Spirit
7.Ghost On The Highway
8.Jack On Fire
9.Black Train
10.Cool Drink Of Water
11.Goodbye Johnny

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491. Bauhaus – Mask (1981)



Mientras el punk se ahogaba en su propio grito, las cosas en Inglaterra comenzaron a cambiar. Algunos grupos comenzaron a homenajear a los viejos héroes del glam aportando sus giros a la música punk, y un brote de oscuridad no esperada los arropó en sus tentáculos. Había nacido el after-punk, una música que dejaba de lado la crítica social para internarse en la cavernosa naturaleza humana y los efectos de feedback con pedaleras.
Esta corriente musical se transformó en lo que hoy en día conocemos como "rock gótico", formando con una baraja de bandas dispares como Sisters of Mercy, Joy Division, Echo and the Bunnymen, Siouxie and the Banshees y por supuesto la banda que nos ocupa. Bauhaus.
Este segundo trabajo de Bauhaus es una hoja de afeitar en las manos de un niño. Frío, cortante y desgarradora, con momentos de descarnado rock y tenebrosas baladas, delirios funk, ska enfermizo, despliega toda la oscuridad interior que tenían dentro los cuatro miembros del grupo. La sobriedad rítmica de bajo y batería se ve asaltada a fuego por la guitarra demente de Daniel Ash y el auténtico poderío vocal del señor Peter Murphy. Historias de desamor, ciencia ficción, de perdición humana a extraños compases. El grupo hace una concesión a lo acústico y a los teclados para incorporarlos a su original pesadilla, guitarras cruzadas, melodías de piano disonantes, instrumentos imposibles.
Desde que el grupo le pega una patada a la puerta de entrada con "Hair of the Dog" y su base rítimica heredera de Emerson, Lake & Palmer se nos ofrece una variedad destacable. Tenemos hits llamados a ser singles eternos como "Passion of Lovers", composiciones bailables como "Dancing" o "Muscle in Plastic" y baladas capaces de causar el más frío de los sudores, como "Hollow Hills" o la misma "Mask". Un repaso en clave de rock oscuro a una multitud de estados de ánimo, todo acompañado por el inigualable talento para los efectos de Daniel Ash y el caos instrumental siempre latente.
Todo en el disco tiene su lugar. Todos los instrumentos se escuchan a la perfección y el talento innato de la banda aflora sin fisuras. Caso aparte son las ya señaladas habilidades de Ash y sobre todo el poderosísimo registro vocal de Murphy, su voz penetrante, su capacidad de tonos vocales y su personalísimo estilo es marca de la casa y sello del grupo. La producción es sumamente limpia, y la abundancia de efectos no colapsa una grabación brillante llena de matices que, pese a la aprente inocencia de algunos temas, nos arrastra a algunas de las simas más profundas de la historia del rock.
La teatralidad y el caracter casi vampírico del grupo están muy presentes en este disco, desde la portada hasta el último sonido todo rezuma una incomoda sensación que no todo el mundo está preparado para soportar si lo escucha atentamente.
Cinco estrellas para una obra maestra de los 80. Si les apetece caminar por el lado oscuro este disco no podría ser un mejor guía turístico. Disfrutadlo.

1.Hair Of The Dog
2.The Passion Of Lovers
3.Of Lillies And Remains
4.Dancing
5.Hollow Hills
6.Kick In The Eye 2
7.In Fear Of Fear
8.Muscle In Plastic
9.The Man With The X-Ray Eyes
10.Mask
11.In Fear Of Dub
12.Ear Wax
13.Harry
14.David Jay/Peter Murphy/Kevin Haskins/Daniel Ash
15.Satori

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492. Bobby Womack – Poet (1981)



A veces minusvalorado, el gurú del R&B Bobby Womack es uno de los artistas más minucioso y duradero. Tras su paso por The Womack Brothers, The Valentinos, y sus numerosas composiciones para Wilson Pickett, Janis Joplin, o J. Geils, lanzó su propio debut en 1971: "Communication". Temas como "Woman's Gotta Have It" (1972) y "Lookin' For Love" (1973) subieron a las listas. Más tarde colaboró con los Rolling Stones, Rod Stewart, o Stevie Wonder durante los 80. En "Anthology" (2003) puede disfrutarse una visión general de su trabajo.
Como compositor, Womack es famoso por haber compuesto y grabado originalmente, entre otras canciones, el primer número uno de los Rolling Stones en el Reino Unido, “It´s All Over Now” y “I can Understand It”, de New Birth. Como cantante, es conocido por las canciones “Lookin’ For a Love”, “That´s the Way I Feel About Cha”, “Woman´s Gotta Have It”, “Harry Hippie”, y su éxito de los 80, “If You Think You´re Lonely Now”.
Después de un período de media década de olvido en los primeros lugares de las listas, la música soul del veterano Bobby Womack regreso con este álbum “Poet”. En 1981 las tendencias con que se enfrento volvieron a colocar su carrera en ascenso para Womack y para el modesto sello Beverly Glen, donde fue producido dicho álbum. Mejor conocido por el éxito de la balada "If You Think You're Lonely Now", “Poet”también es resaltado por la rítmica "Secrets". Obra maestra comparable en el orden de sus contemporáneo, Marvin Gaye, este disco reivindicó a Womack en su búsqueda de una declaración personal que también congeniara con su público.

1.So Many Sides Of You
2.Lay Your Lovin On Me
3.Secrets
4.Just My Imagination
5.Stand Up
6.Games
7.If You Think You're Lonely Now
8.Where Do We Go From Here

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493. Tom Tom Club – Tom Tom Club (1st Album) (1981)



Tom Tom Club surgió en 1980 como un proyecto paralelo a Talking Heads por parte de dos de sus miembros, Tina Weymouth y Chris Frantz. En 1981 publicarán su album debut, Tom Tom Club (Sire Records), que contaba con la participación del guitarrista Adrian Belew, que luego fue miembro no-oficial de Talking Heads, el teclista Tyrone Downie, el percusionista Uziah Thompson y tres hermanas de Tina Weymouth como coristas, además de otros músicos que habían participado en la anterior gira de los Heads.
Alejandose del sonido art-rock del incomprendido Remain In Light, de los Talking Heads, Frantz y Weymouth juegan aquí con el funky y la new wave. Los dos singles del album, "Genius Of Love" y "Wordy Rappinghood", se convertirán en dos temas referentes para comprender la consecuente escena alternativa newyorkina y el hip-hop de los primeros ochentas. En 1982 se lanzaron otros dos singles originalmente no incluidos en el album, que si estarán en la reedición de la Warner de 1990, "Booming And Zooming" y "Under The Boardwalk".
Vaya una portada y disco. Una de hipnosis rítmica por todos lados, de bajos, de guitarras que parecen turbinas saltadoras, de sintetizadores serpenteantes y de chicas cantando dulces melodías. Muy inspirador, a bote pronto me parece que Architecture in Helsinki y Stereolab se los tienen bien aprendidos, cada uno a su manera.

1.Wordy Rappinghood
2.Genius Of Love
3.Tom Tom Theme
4.L'Elephant
5.As Above, So Below
6.Lorelei
7.On, On, On, On...
8.Booming And Zooming
9.Under The Boardwalk
10.Lorelei (Remix)
11.Wordy Rappinghood (Remix)
12.Genius Of Love (Long Version)

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494. Rush – Moving Pictures (1981)



Rush es un trío canadiense que siempre supo ser "de culto", mantener un perfil bajo e increíblemente tener excelentes ventas y leales seguidores por todo el mundo. Son tres artistas tranquilos, sin excesos ni veddetismos, tocan un rock que si bien es progresivo no se va por las ramas, posee excelentes instrumentistas, y las canciones tienen una suerte de introducción/nudo y desenlace. Y cuando tenés a Neil Peart de baterista... tenés el 75% del partido ganado.
Moving Pictures es el título del octavo disco de estudio de la agrupación Rush. Ha llegado a ser cuádruple platino y está considerado uno de los mejores álbumes de rock progresivo de todos los tiempos, el álbum más vendido de una larga carrera que empezó hace ya más de 30 años.
Este LP contiene la canción más popular de Rush, Tom Sawyer, un himno al individualismo. Una oda a las tendencias de mente abierta. Contiene pequeñas alusiones al personaje homónimo de Mark Twain.
Otro aspecto a destacar del álbum es la canción YYZ, uno de los mejores instrumentales de todos los tiempos. Es uno de los temas favoritos de los fanáticos de la banda, siempre es esperado en sus directos. Como curiosidades sobre este tema: -Durante la introducción las siglas del título se tocan de manera repetitiva de acuerdo al código Morse (-.-- -.-- --..).
El título proviene de un código aeronáutico asignado al Aeropuerto Internacional de Toronto.
Limelight es un tema rockero y comercial pero con una profunda letra que trata sobre la intimidad personal cuando eres una estrella de rock. Red Barchetta está inspirada en un cuento de Richard S. Foster ("A Nice Morning Drive" ) aunque el título fue una ocurrencia de Neil Peart al admirar un Ferrari 166 MM Barchettade.
"Moving Pictures" muestra la "progresión" que ya venía mostrando la banda durante sus cinco discos anteriores. Y realmente, ningún fan del rock debería dejar de pasarlo por alto, porque aquí hay tres intérpretes de una calidad enorme, una música con composiciones ricas en contenido, y lo más importante: una banda que hace lo que siente y no mira mucho al costado.

1.Tom Sawyer
2.Red Barchetta
3.Yyz
4.Limelight
5.Camera Eye, The
6.Witch Hunt
7.Vital Signs

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495. ABBA – Visitors (1981)



En tan sólo nueve años, los que van de 1973 a 1982, el cuarteto sueco ABBA se las ingenió para revolucionar el mercado del pop radial y dejar una seguidilla de éxitos que aún hoy permanecen en el inconsciente colectivo de varias generaciones
The Visitors es el nombre del octavo y último álbum de estudio del grupo sueco ABBA, publicado en 1981 por Polar Music. The Visitors mostró que ABBA ya había madurado como grupo; sus canciones tocaban temas más serios y su estructura musical era más compleja. No obstante, como todos los álbumes del grupo, The Visitors fue un álbum exitoso en la mayoría de los países donde fue lanzado.
La separación de ABBA coincidió también con el divorcio de ambas parejas. Era imposible dividir ambos terrenos y, pese a que lo intentaron, la mejor solución fue disolver esa máquina de éxitos pop que había sido ABBA en sus nueve años de vida. Bjőrn y Benny continuaron grabando juntos, en tanto que las dos señoritas se lanzaron como solistas, sin mayor suceso.

1 1.The Visitors
2.Head Over Heels
3.When All Is Said and Done
4.Soldiers
5.I Let the Music Speak
6.One of Us
7.Two For the Price of One
8.Slipping Through My Fingers
9.Like an Angel Passing Through My Room
10.Should I Laugh or Cry
11.The Day Before You Came
12. Under Attack
13. You Owe Me One


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496. ABC – Lexicon of Love (1982)



Uno de los máximos exponentes de los "Nuevos Románticos" en los 80. Un grupo nacido en Sheffield, que sigue vivo y que este mismo año regresó con nuevo disco. Sin embargo, siempre se les recordará por este maravilloso trabajo que se convirtió inmediatamente en una de las obras maestras de la historia del Pop.
Todo comenzó en 1977 cuando Mark White, Stephen Singleton y David Sydenham formaron una banda orientada al uso de sintetizadores, al estilo de The Human League, Clock DVA o Cabaret Voltaire en ese tiempo; la banda se llamó Vice Versa. Después de una entrevista encargada por Martin Fry, White y Singleton decidieron llamarlo para formar parte de su agrupación.
Vice Versa sacó un EP y unos cuantos singles, todos de estilo synthpop, llegando al industrial, como Human League o Kraftwerk. "New Girls", su primer sencillo había sido el "sencillo de la semana" por NME.
“Lexicon of Love “ Su segundo disco, contó con la producción de Trevor Horn, que por entonces estaba muy de moda gracias a The Buggles y su famoso "Video Killed The Radio Star". Para muchos, no se ha vuelto hacer música Pop de baile como ésta. Su sonido épico y una orquestación sublime, logró que la potente voz de Martin Fry (líder de la formación) se luciera en los 10 temas del álbum. Y eso que fue su debut...
En definitiva, un álbum distinguido, exquisito y sofisticado que sorprendió a toda una generación y que descubrió a Martin Fry como un cantante capaz de competir con gente como Bryan Ferry o hasta David Bowie. El archiconocido "The Look Of Love" ha ensombrecido con el paso de los años otros buenos temas de este disco, como "Poison Arrow" o este olvidado "All Of My Heart"...

1.Show Me
2.Poison Arrow
3.Many Happy Returns
4.Tears Are Not Enough
5.Valentine's Day
6.Look of Love, The - (part one)
7. Let's Go Forward
8.Date Stamp
9.All of My Heart
10.4 Ever 2 Gether
11.Look of Love, The - (part four)

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497. Prince – 1999 (1982)



Prince Rogers Nelson, cantante, compositor e instrumentista de rock, soul, funk y new wave. Usa el nombre artístico de Prince, pero también es conocido por otros apodos, entre ellos «The Symbol» y «El artista anteriormente conocido como Prince». Durante la década de los años 80, fue uno de los artistas más importantes e innovadores, fue comparado con Michael Jackson, por estar a su mismo nivel. Sus Influencias musicales abaracan a grandes artistas y bandas como Jimi Hendrix, Sly & the Family Stone, Curtis Mayfield, Parliament-Funkadelic, Stevie Wonder,Joni Mitchell,Duke Ellington ,Miles Davis incluso a Santana, James Brown, The Beatles y Led Zeppelin.
Este álbum, 1999 supuso su primer gran éxito popular, y probablemente su primera gran obra maestra. La canción que dio título al disco se convirtió en un clásico, aunque la canción que le aupó a las listas de éxitos fue el segundo sencillo, Little Red Corvette, tema dirigido básicamente al público blanco. Antes de la gira de promoción del disco, André Cymone dejó la banda, frustrado por el egocentrismo de Prince para empezar una carrera en solitario como solista y productor. Fue sustituido al bajo por Mark Brown, rebautizado como Brownmark. En esta gira la banda tuvo por primera vez el nombre The Revolution.

1.1999
2.Little Red Corvette
3.Delirious
4.Let's Pretend We're Married
5.D.M.S.R.
6.Automatic
7.Something in the Water (Does Not Compute)
8.Free
9.Lady Cab Driver
10.All the Critics Love U in New York
11.International Lover

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498. Grandmaster Flash & the Furious Five – The Message(1982)



Joseph Saddler, más conocido como Grandmaster Flash, es un DJ old school nacido el 1 de enero de 1958 en Barbados, aunque creció en el Bronx, Nueva York. Fue pionero de toda una serie de técnicas rompedoras como el “cutting” (cambiar de un disco que está sonando en un plato al otro sin perder el ritmo), “Duets” (retrasar manualmente los platos para repetir breves muestras de sonido), y “phasing” (superponer dos copias del mismo disco, lo que produce un sonido fluctuante ). También fue de los primeros en cambiar los arreglos de los temas utilizando copias duplicadas de discos, editando y repitiendo las partes de clímax girando los discos hacia atrás y adelante.
Comenzó a pinchar discos desde adolescente mientras crecía en el Bronx, actuando en directo en pistas de baile y fiestas de barrio. A los 19 años, mientras cursaba sus estudios de electrónica en el Samuel Gomsper Institute durante el día, formaba ya parte del circuito local de DJs.
Tenía un grupo llamado The Furious Five, que lo formaban Melle Mel, Cowboy, Kid Creole, Mr. Ness aka Scorpio y Rahiem , además del propio Flash como DJ.
Tras pasar primero por el sello Enjoy, grabando el tema “Supperapin”, Flash y The Furious Five firmaron por Sugar Hill Records, sello de Sylvia Robinson.
En 1981, con el single “The Adventures of Grandmaster Flash on the Wheels of Steel”, Flash mostró todas sus increíbles habilidades como DJ, siendo este la primera grabación con el sonido del scratch. Para 1982, “The Message”, con la voz principal de Melle Mell, se convirtió en la primera canción de rap con un mensaje serio en su letra. Ese mismo año Flash hace un cameo en la primera película sobre la naciente cultura hip hop, “Wild Style” mezclando y haciendo scratch en la cocina.
En 1983, las relaciones entre Flash y Melle Mel comenzaron a deteriorarse y el rapero abandonó el grupo para crear el suyo propio al que también llamó Furiuos Five.
Joseph Saddler, famoso mundialmente como Grandmaster Flash & the Furious Five, los inventores del hip-hop moderno.

1.She's Fresh
2.It's Nasty
3.Scorpio
4.It's a Shame
5.Dreamin
6.You Are
7.The Message
8.Adventures of Grandmaster Flash on the Wheels of Steel

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499. Elvis Costello – Imperial Bedroom (1982)



Dentro del amplio espectro sonoro surgido a finales de los años 70 en el Reino Unido y tras el estallido del punk británico, que recuperó desde una apostura irascible y reinvidicativa las bases más simples y directas del rock’n’roll, Elvis Costello destacaría en su extensa trayectoria como un meritorio y prolífico escritor de canciones, cuyas composiciones tanto se anexaban al arrojo punk o la frescura pop de la new wave como roturaban, desde una perspectiva de comentarista social airado y cáustico, en heterogéneas disposiciones sonoras que solían nutrirse de variadas músicas como el country, el jazz, el blues, el reggae, el soul, el Tin Pan Alley y el Brill Building pop o el folk.
Continuando con el paso arrollador de producir un álbum por año, Costello and the Attractions lanzaron "Imperial Bedroom" en 1982 y sorprendieron a sus fanáticos al reemplazar al productor Nick Lowe con el una vez ingeniero de los Beatles Geoff Emmerick. La banda le dio la bienvenida a un sonido más de jazz de la época del pop pre-invasión británica. "Man Out Time" se parecía más a "Wall of Sound" de Phil Spector, si alguna vez se sintió un poco introspectivo.
"Imperial Bedroom" le presentó al mundo lo que sería la definitiva imagen del trabajo de Costello a fines de los años 80' y durante los años 90'.
Elvis Costello retornaba a su faceta más pop con cortes como “Beyond belief”, “You little fool” o “Man out of time”, y a el empleo de tempos más sosegados en sus primeros trabajos, y arreglos mucho más sofisticados y derivados del pop tradicional y el jazz, recordando en sus cortes tanto a Ira y George Gershwin como a Burt Bacharach o a Cole Porter. Esta dirección, alabada por unos, denostada por otros, sería la que dominaría muchas de sus siguientes composiciones.
El álbum llegaría el número 6 en las listas de ventas inglesas y al 31 en los Estados Unidos.

1.Beyond Belief
2.Tears Before Bedtime
3.Shabby Doll
4.The Long Honeymoon
5.Man Out of Time
6.Almost Blue
7....And in Every Home
8.The Loved Ones
9.Human Hands
10.Kid About It
11.Little Savage
12.Boy With a Problem
13.Pidgin English
14.You Little Fool
15.Town Cryer

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500. The Cure - Pornography (1982)



Pornography es el cuarto LP de la banda británica de rock The Cure. Su primera edición fue lanzada en 1982. Este álbum es considerado por algunos como el más oscuro y deprimente de todos los de que la banda ha editado a lo largo de su carrera. Sin proporcionar el menor atisbo de alegría, este álbum parece estar envuelto por una atmósfera de auténtica desesperanza. Por poner un ejemplo, la letra de la primera canción del álbum One Hundred Years, comienza con la frase "It doesn't matter if we all die." ("No importa si todos morimos" ).Con el transcurso de los años, Pornography ha ido ganando adeptos, y hoy día es considerado como uno de los mejores LP de la banda, sin duda el paradigmático del estilo temprano del grupo, y uno de los álbumes clave para entender aquella época musical.
Cabe destacar que durante el tour de presentación de este disco, se dio comienzo a el maquillaje característico de The Cure, al tratar de representar en escena, el dolor y la intensidad de dichas letras.
Pornography es el último disco de la banda en el que Laurence Tolhurst aparece en los créditos como baterista. A partir de este momento, Tolhurst, miembro fundador de la banda, se convertiría en el teclista del grupo.
Pornography fue remasterizado por Chris Blair en los míticos estudios de Abbey road en Londres. Se produjo el relanzamiento el el Reino Unido el 25 de abril de 2005 (el 26 en Estados Unidos) como parte de las series Deluxe de la discográfica Universal. La nueva edición, de dos CDs incluye una versión remasterizada del LP original, en el primer CD, y una colección de demos, canciones en vivo, en el segundo. También existe una edición monodisco, que incluye el álbum original tal cual, solo que remasterizado y es el que se presenta aquí para descarga. Fue lanzado a finales de 2005 en Europa, y a principios de 2006 en Estados Unidos.
En 2002, The Cure realizó una actuación en Alemania la que tocó el disco al completo, junto con Disintegration y Bloodflowers, como parte de los conciertos de la trilogía (The Cure: Trilogy)


1.One Hundred Years
2.A Short Term Effect
3.The Hanging Garden
4.Siamese Twins
5.The Figurehead
6.A Strange Day
7.Cold
8.Pornography

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Y POR ULTIMO LES PIDO Q ENTREN A
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9 comentarios - 1011 discos para descargar gratis

JOKERPOKER
choche ke fue????? ponte las caratulas pues asi on asap adan!!!!!!
fagott
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condesade
maldito bobo y lo links'''''''