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La historia del anime

La historia del anime

La historia del anime, el género de animación de origen japonés, comienza en la segunda década del siglo XX, con una serie de cortometrajes similares a los encontrados en otros países, influenciados por las obras de Disney en gran parte.

Algún tiempo tras la Segunda Guerra Mundial, empezaron a surgir grandes compañías dedicadas tanto a las series televisivas como a los largometrajes, entre las que destaca Toei.

Aunque muchas siguieron en activo en las últimas década del siglo XX, y siguen al principio del siglo XXI, una serie de directores y creadores de historias han alcanzado renombre propio en este género, bien por obras de gran fama, como Katsuhiro Otomo con Akira o Akira Toriyama con Dragon Ball, o Masashi Kishimoto con (Naruto) como por sus largas y premiadas trayectorias, como Hayao Miyazaki o Akira Amano con Katekyo Hitman Reborn.

Pioneros

La batalla del mono y el cangrejo:hecho por Seitaro Kitayama en 1917.En 1906 aparece la primera película de animación, Humorous Phases of funny face, del productor americano James Stuart Blackton. En 1907 se hizo la primera producción de animación japonesa, en donde sale un niño marinero. En 1908 aparece en Francia Fantasmagorie, del dibujante Emile Cohl y producida por Gaumont. Este tipo de películas de animación llegan a los cines japoneses hacia 1910. Entre 1914 y 1917 se exhibieron unas 93 películas de animación extranjeras, siendo las americanas las de mayor popularidad. Ante tal fenómeno, los productores japoneses comenzaron a plantearse la realización de cine de animación nacional.

La compañía Tennenshoku Katsudo Shashin (Tenkatsu) es quien reacciona primero, encargando en 1916 al dibujante de manga Oten Shimokawa una película del género. En aquella época no existía documentación en Japón sobre las técnicas de animación, por lo que la tarea de Shimokawa no fue fácil. No obstante, consiguió realizar el primer filme de animación japonesa, Imokawa Mukuzo, Genkanban no maki (Mukuzo Imokawa y el guardián de la entrada) estrenada en enero de 1917. Por su parte, el pintor de estilo occidental Seitaro Kitayama, interesado por las películas extranjeras de animación que veía, presenta un proyecto de realización propia a la compañía Nippon Katsudo Shashin (Nikkatsu), que ésta acepta encargarle. Kitayama tampoco era un experto en la animación, pero a base de pruebas y errores, consiguió terminar Saru Kani gassen (La batalla del mono y el cangrejo), basada en un cuento popular japonés, que fue estrenada en mayo de 1917. Shimokawa y Kitayama comenzaron la realización de sus películas en 1916, coincidiendo con la puesta en marcha del dibujante de manga de corte político Sumikazu Kouchi, que por encargo ahora de la compañía Kobayashi Shokai, estrenaría en junio de 1917 Hanawa Hekonai, Shinto no maki (Hekonai Hanawa y su nueva espada), con un samurái como protagonista.

La historia del cine de animación japonés comienza efectivamente en 1917 gracias a los trabajos de estos tres pioneros, pero no se conserva copia de ninguna de estas películas por lo que se desconocen otros datos. La de Kouchi fue la más elogiada de ellas por las críticas de la época, siendo además la primera en rodarse, aunque se estrenara después de las otras dos.

Shimokawa llegó a realizar cinco películas de animación, pero debido a la sobreexposición al reflejo luminoso que conllevaba el proceso, sus ojos experimentaban gran cansancio, por lo que decidió abandonar este trabajo y volver a dibujar manga. Kouchi también se apartó del cine de animación tras realizar cuatro películas, pero luego volvería temporalmente a este campo debido a que personalidades de la esfera política le encargaron cortos de propaganda. Por el contrario, Kitayama, se dedicó plenamente a la realización de películas de animación. Comenzó empleando como ayudantes a jóvenes aspirantes a pintores, a los que enseñaba las técnicas del dibujo animado. Kitayama, que en 1917 llegó a realizar hasta diez películas, presenta ese mismo año una película basada en el personaje infantil Momotarō, que consigue exportar a Francia, convirtiéndose en el primer producto de animación japonesa que llega a occidente. Kitayama crea sus propios estudios de cine en 1921 pero el Gran terremoto de Kantō de 1923 destruirá sus instalaciones de Tokio, por lo que decide mudarse a Osaka.

Allí se aparta de los dibujos animados para dedicarse a rodar documentales informativos para una empresa de noticias local. No obstante, la gran importancia de la labor de Kitayama residirá en haber enseñado las técnicas de la animación a una serie de jóvenes que proseguirán el trabajo que él empezó.

Uno de estos fue Sanae Yamamoto, (cuyo nombre original era Zenjiro Yamamoto). Era un aspirante a pintor que acudió a trabajar a los estudios de Kitayama, donde quedó fascinado por el mundo del dibujo animado. Al marcharse su maestro de Tokio, Yamamoto decide independizarse y formar sus propios estudios de animación. En 1925 realiza Ubasute yama (La montaña donde se abandona a los viejos), que tiene como tema el respeto y cuidado de los ancianos. Consigue el patrocinio de la Secretaría de Educación para una serie de películas de animación de corte educativo, y entre sus obras más representativas se encuentran Usagi to Kame (El conejo y la tortuga, 1924) y Nippon ichi no Momotaro (Taro Melocotón, el número 1 de Japón, 1928).

También de esta época es Shiobara Tasuke, dirigida por Hakuzan Kimura. Éste trabajaba pintando murales de anuncio para las salas cinematográficas, pero cambia su profesión para dedicarse a los dibujos animados, destacando pronto por sus historias de samuráis. En 1932 rueda la primera película erótica de la animación japonesa, Suzumi-Bune (El paseo nocturno en barco), que le cuesta ser detenido por la policía, que además confisca la película. Kimura, individuo del que se desconocen muchas cosas, entre ellas las fechas de nacimiento y muerte, se retirará tras este incidente. Existen rumores de que una copia fue vendida ilegalmente al extranjero, pero en cualquier caso Suzumi-Bune se convirtió en una película fantasma, imposible de ver. Al parecer se trataba de un traslado a la pantalla del mundo erótico creado por los artistas del Ukiyo-e del período Edo.

Otro discípulo de los pioneros (en este caso de Sumikazu Kouchi) fue Noburo Ofuji, que empezó la producción de dibujos animados gracias a la ayuda económica de su hermana mayor, Yae, siendo su primera película Baguda-jo no tozoku (El ladrón del castillo de Baguda, 1926). Como material de trabajo utilizaba el tradicional papel Chiyo, popular desde el período Edo, pero sus colores no pudieron ser recogidos por la fotografía en blanco y negro de la época. Ofuchi también realizó varias películas de animación con siluetas, como fue el caso de Kujira (La ballena, 1927), cuyas imágenes hizo acompañar con la música de la ópera Guillermo Tell de Rossini. Ofuchi dedicó mucho tiempo a estudiar la posibilidad del cine sonoro y en color, y gracias a la ayuda de su hermana, consiguió realizar casi todas sus películas prácticamente solo.

En 1923, año del Gran terremoto de Kantō, Yasuji Murata ingresa en la recién formada Yokohama Cinema Shokai, en principio dedicada a la importación de películas extranjeras. Murata comienza a trabajar allí pintando esporádicamente murales de películas para los cines, pero el presidente de la compañía le contrata como empleado fijo al ver su talento para el dibujo. Murata también escribía los rótulos para las películas extranjeras de la compañía, pero, impresionado por las películas de animación de John Randolph Bray que aquella importaba, propone a su presidente la producción propia de cintas similares. Autodidacta de la materia, Murata escoge una popular historia infantil para su primera realización, Saru Kani gassen (La batalla del mono y el cangrejo, 1927). Desde entonces hasta que deja la compañía en 1937, Murata rueda cerca de 30 películas de dibujos animados, la mayoría de corte educativo.

Primeros adelantos tecnicos

La liebre y la tortuga de Sanae Yamamoto hecho en 1924.Normalmente el trabajo de animacion era muy laborioso. La empresa Yokohama Cinema Shokai se adelanto a sus competidores al comprar una nueva camara de motor automatico que no requeria mover una manivela, lo cual permitia acelerar el trabajo. La primera pelicula rodada con esta c£mara sera Kaeru wa kaeru (Una rana es una rana, 1929), encargada nuevamente a Yasuji Murata.

Para el cine de animación, el celuloide es un material indispensable, pero en Japon no se fabricaba. El celuloide comenzo a distribuirse con profusion en Estados Unidos a finales de 1914 con los trabajos de Earl Hurd, quien ademas lo patento. Como producto de importacion, el celuloide era muy caro en Japon, por lo que en su lugar se empleaba una especie de cartulina sobre la que se dibujaban los personajes, que luego se recortaban y fotografiaban (sistema llamado cut out). Murata era un maestro de esta tecnica y no tenia nada que envidiar a sus competidores que usaban celuloide. Como titulo mas representativo de animacion por cut out destaca su Tsuki no miya no Ojo sama (La reina del Castillo de la Luna, 1934).

El primero en utilizar en Japon el tan preciado celuloide para el cine de animacion fue Kenzo Masaoka, nacido en una familia adinerada de Osaka. Tras estudiar dibujo en una Escuela de Artes, inicialmente entra en el mundo del cine como actor, abandonando poco despues en favor de la realizacion de dibujos animados. Su primera pelicula fue Nansensu monogatari Sarugashima (La absurda historia de la isla de los monos, 1930), acerca de un muchacho criado por un mono. Masaoka realizo tambien la primera pelicula de animacion sonora, Chikara to onna no yo no naka (Las mujeres y la fuerza mueven el mundo, 1932), donde utiliza parcialmente el todavia caro celuloide. Masaoka no escatimo gastos para aumentar la calidad de sus peliculas, y asi a partir de Chagama ondo (El ritmo de la tetera, 1934) empleara el celuloide para el total de sus obras. Otro de sus titulos, Mori no yosei (El hada del bosque, 1935), recibió elogios de sus colegas en el mundo de la animación y fue comparado a los cortos Silly Symphonies de Walt Disney.

Mientras que la mayoria de los cineastas contemporáneos se dedicaban a hacer películas de propaganda belica para el ejercito nacional, Masaoka realizara durante la guerra una obra de gran poesía que hara olvidar las penurias de la época y que quedara para la posteridad del genero, Kumo to churippu (El tulipan y la araoa, 1944). De sus cintas de postguerra, la mas representativa sera Sute neko Tora-chan (Tora, el gato abandonado, 1947), sobre una gata que decide criar a un gatito que ha sido abandonado. Masaoka, por haber sido el primero en introducir el celuloide en los dibujos animados y el primero tambien en realizar una pelicula sonora de esta modalidad, ha sido llamado el padre de la animación japonesa y es respetado como tal.

II Guerra Mundial

primera

Taro Melocotón, el guerrero divino de los mares: el primer largometraje de anime con audio realizado en 1943.En 1933, Mitsuyo Seo es contratado por los estudios de Kenzo Masaoka. Seo era un dibujante que destaco pronto por la gran rapidez con que realizaba su trabajo, que fue decisiva en la anteriormente citada Chikara to onna no yo no naka. Seo, que aprendió la técnica de sonorizan de Masaoka, pronto se independizo. Su primera pelicula fue Osaru Sankichi. Bokusen (Sankichi el mono. Defensa antiaerea, 1933), que recibio muy buenas criticas.

El 7 de diciembre de 1941 Japon ataca la base norteamericana de Pearl Harbour, comenzando su participacion en la II Guerra Mundial. Entonces, la Armada Imperial encarga a Seo una pelicula de propaganda que realce los exitos militares del Japon de cara a los mas jovenes. Asi, con un equipo de cinco personas, Seo realiza la pelicula de dibujos animados Momotaro no umiwashi (Las aguilas marinas de Taro melocoton, 1942), de 37 minutos de duracion, que a pesar de su descarado caracter propagandistico, tuvo gran exito entre el pblico infantil. Fue protagonizada por el personaje de los cuentos infantiles Momotaro, que aqui es el capitan de un portaaviones, mientras que perros, monos y perdices seran los pilotos de aviacion. La flota enemiga viene dirigida por un personaje de gran parecido con Brutus, antagonista de Popeye, que aqui corre de un lado para otro huyendo de los ataques japoneses.

Seo entra a formar parte de la Shochiku Doga Kenkyusho, donde tambien se encontraba Kenzo Masaoka, y alli vuelve a recibir un encargo de la Armada. En enero de 1942, el Cuerpo de Paracaidistas de la Armada habia descendido sobre la isla de Sulawesi (Indonesia), conquistando la base americana, asi que se decidio airear tambien este primer exito del cuerpo ante los nioos japoneses con otra pelicula de dibujos. De esta manera se gesta la realizacion de Momotaro, umi no shimpei (Taro Melocoton, el guerrero divino de los mares, 1943), con un equipo de 70 personas (el mayor hasta entonces en la historia de la animacion) y un tiempo total de elaboracion de 14 meses. Finalmente se consiguio toda una superproduccion de 74 minutos de duracion, aunque el equipo se habia reducido a 25 personas por haber sido llamado a filas parte del personal masculino y a las fabricas de armamento el femenino. Terminada la guerra, Seo realizo en 1947 Osama no shippo (La cola del rey), vagamente inspirada en el famoso cuento de Hans Christian Andersen El traje nuevo del emperador, pero la pelicula no se llego a estrenar. Despues de esto, Seo deja el cine y se dedica a dibujar para las revistas de nioos, o a diseoar personajes para adornar la ropa infantil.


En 1933 se estrena Ugoku-e Kori no tatehiki (El duelo del zorro y el tejon en dibujos animados), que contaba una historia protagonizada por unos tejones que viven en un templo budista. Un zorro que ha adoptado la forma de samurai llega al templo, sucediendose un duelo de transformaciones entre los tejones y el zorro que termina con la derrota de este ltimo. Entre los gags que aparecen en la pelicula, esta el del zorro-samurai disparando una ametralladora. El director fue Ikuo Oishi, quien tras filmar un anuncio en dibujos animados para una fabrica de chocolate, decidio dedicarse a la realizacion de cine de animacion. Su obra mas representativa fue Futatsu no Taiyo (Los dos soles, 1929), pero con el estallido de la guerra se dedicoa realizar peliculas de instruccion para la Armada. Durante uno de estos trabajos, el barco en el que volvia de rodar unas tomas en el extranjero es hundido por un submarino norteamericano, falleciendo.

En 1940 se estrena una adaptacion en dibujos animados de la famosa opera de Puccini Madame Butterfly, O-Cho fujin no genso (Fantasia sobre la Dama Mariposa), realizada por el sistema de animacion con siluetas y firmada por Kazugoro Arai y su amigo Tobiishi Nakaya. Arai, que al igual que Tobiishi en realidad ejercia como dentista, decidio dedicarse a la animacion por sombras tras quedar fuertemente impresionado por la vision de la alemana Prinzen Achmed(1926) de Lotte Reiniger. En los ratos libres que les dejaba su profesion, ambos se dedicaron a estudiar el mundo de la animacion, llegando a convertirse en profesionales. En 1942 Tobiishi murio como consecuencia de la guerra, pero Arai continuo su trabajo en solitario. De sus obras mas representativas destacan Ogon no tsuribari (El anzuelo de oro, 1939), Jack to mame no ki (Jack y la mata de habichuelas, 1941) y Kaguya hime (La princesa resplandeciente, 1942).

Posguerra

tambien

Con la derrota de Japon en agosto de 1945 termina la II Guerra Mundial, constituyendose en octubre del mismo aoo la Shin Nihon Dogasha, dedicada a la produccion de peliculas de dibujos animados, con Sanae Yamamoto y Kenzo Masaoka como figuras principales. Centrada en Tokio, llego a reunir hasta 100 personas para dedicarse al mundo de la animacion, pero la falta de trabajo obligo a disolver la recien nacida compaoia. En 1947, contando entonces con la colaboracion de Yasuji Murata, se forma en su lugar la Nihon Manga Eigasha, donde Masaoka concluye Sakura (El cerezo), obra que describe las bellezas de Kioto a lo largo de las cuatro estaciones pero que, sin embargo, no llega a estrenarse. Tras ello, en 1948 Yamamoto y Masaoka deciden independizarse de Nihon Manga Eigasha para formar la Nihon Doga Company.

En septiembre de 1950, con gran retraso, se estrena en Japon la pelicula de Disney Blancanieves y los siete enanitos (1937), que segn se dice, el director de animacion Osamu Tezuka vio unas 50 veces. En 1952 Noburo Ofuji rueda un remake de su pelicula de 1927 Kujira (La ballena). A la idea primitiva de animacion por sombras, Ofuji aoade la inspiracion de las vidrieras occidentales para utilizar celofan coloreado. En el Festival de Cannes de 1953 compitio en la seccion de cortos, pero finalmente el premio se lo llevo Crin Blanc (Albert Lamourisse, 1953), quedando su obra en segundo puesto. Se dice que Pablo Picasso vio entonces este trabajo de Ofuji, por el que quedo fuertemente impresionado. Poco despues, la pelicula de animacion por siluetas Yurei-sen (El barco fantasma, 1956) consigue un premio especial en Venecia, con lo que el nombre de Ofuchi pasa a ser reconocido en el extranjero.

En enero de 1950, el dibujante Ryuichi Yokoyama, conocido por el manga Fuku-chan, decide dedicarse al mundo de la animacion tras haber visto el corto de Disney The Skeleton Dance (1929), que se habia estrenado en Japon en 1930. Para ello, compra una camara de 16 mm y convierte su casa en estudio de cine, que llamara Otogi Productions, comenzando el trabajo en marzo del mismo aoo con un equipo de seis personas. Su primera pelicula sera el mediometraje Onbu o-bake (El duende a hombros), de la que har£ una proyeccion en sala privada en diciembre de 1955, con asistencia de varias personalidades de la esfera cultural, entre ellas Yukio Mishima. Su segunda pelicula sera Fukusuke, estrenada en salas comerciales en octubre de 1957. Al aoo siguiente utilizara el amplio terreno del jardin de su casa para construir unos estudios mayores, aumentando su equipo a 23 personas. Tras ello realiza su tercera pelicula, Hyotan Suzume (1959), que cuenta la lucha contra unas ranas malvadas que han roto la paz de una aldea de pacificas congeneres. A continuacion estrena Otogi no sekai ryoko (Viaje alrededor del mundo, 1962), compuesta por cinco partes, la tercera de los cuales, Tatsumaki ni sukareta akai shatsu (La camisa roja que se llevo el ciclon), tiene el interes adicional de remitirse al estilo del ukiyo-e.

Otogi Productions necesito considerables prestamos de dinero para poder realizar largometrajes, pero no consiguio recuperar la inversion realizada, por lo que termino en bancarrota en 1972. Yokoyama termina asi su labor pero contribuyo a la formacion de nuevos tecnicos del genero. Uno de ellos, Shinichi Suzuki, llego a realizar por su cuenta un cortometraje de ciencia-ficcion titulado Purasu 50.000 nen (50.000 aoos despues, 1961), que recibio buenas criticas en Francia con motivo de su proyeccion en el Festival Internacional de Cortometrajes.

BunrakuEn Japon existe un teatro tradicional de muoecos llamado Bunraku, que todavia se representa de vez en cuando. En el cine de animacion existe tambien la variante de peliculas de marionetas, cuyo mas conocido exponente esta en la cinematografia checa. Tadahito Mochinaga (1919-1999) fue el primero en producir animacion basada en el bunraku, y enseoo esta t←cnica para el cine de animacion a los realizadores chinos. Mochinaga, discipulo de Mitsuyo Seo, habia sido encargado de realizar peliculas en China durante la guerra, permaneciendo alli hasta 1955. Al regresar a Japon forma la Ningyo Eiga Seisakusha, dedicada al cine de marionetas y que ofrece nueve titulos, de los cuales destacan Uriko Hime to amanojaku (La princesa Uriko y el diablo rabioso, 1956) y Chibikuro Sambo no tora taiji (El negrito Sambo vence al tigre, 1956). Este ltimo consiguio el premio a la mejor pelicula infantil en el Festival de Cine de Vancouver.

Como discipulos m£s aventajados de Tadahito Mochinaga en el cine de marionetas destacan Kihachiro Kawamoto (1924) y Tadanari Okamoto (1932-1990). Kawamoto, tras una etapa trabajando con Mochinaga, viaja a Checoslovaquia en 1963 para conocer a su admirado Jiri Trnka (1912-1969), gracias al cual perfecciona la tecnica de animacion de marionetas. De vuelta a Japon realizara con produccion propia titulos de esta modalidad como Hanaori (La flor arrancada, 1968), Oni (El demonio, 1972), Dojoji (El templo de Dojo, 1976) y Kataku (1979), en su mayor parte basados en piezas tradicionales del teatro No o el Kyogen.

Kawamoto consiguio varios premios en festivales internacionales, dando asi su nombre a conocer en el extranjero. Tadanari Okamoto, que aprendio tambien la tecnica de Mochinaga, se independizara para formar la Eko sha, dedicada al publico infantil. Sus trabajos mas representativos fueron Fushigi na kusuri (Un medicamento extraño, 1965), Home my home (1970), Chiko tan (1971) y Okon joruri (1982).

La industria de la animacion

anime

Toei DogaEn agosto de 1958 nacera la mayor productora de cine de animacion de Japon, Toei. Hiroshi Okawa, presidente de la productora, se fija en sus viajes al extranjero en el cine de dibujos animados norteamericano, y decide poner los medios necesarios para el crecimiento en calidad del genero en Japon hasta hacerlo exportable y competitivo. Hasta entonces, los productores de japoneses de cine de animacion contaban con instalaciones muy pobres y equipos reducidos, por lo que no era posible realizar largometrajes tan notables como los occidentales, ni alcanzarles tampoco en longitud o volumen. Okawa, tras estudiar la situacion del genero en Japon, decide comprar la compañia Nichido Eiga de Sanae Yamamoto, pasando este y sus 23 empleados a formar parte de Toei, que crea la subdivision Toei Doga.

Okawa, al son de su lema favorito, tenemos que convertirnos en la Disney de Oriente, construyo unos estudios de tres plantas con todas las facilidades modernas, y puso al frente de estos a Yamamoto como maximo responsable. Su primer y espectacular trabajo sera Hakujaden (La leyenda de la serpiente blanca, 1958), superproduccion de 78 minutos en la que trabajaron 109 personas y que se convierte en el primer largometraje en color del cine de animacion japon←s.

Gracias al exito de esta primera produccion, Okawa se marco el objetivo de estrenar un largometraje de animacion por año. Uno de los que recibio mayor aceptacion de critica y pblico fue Oji no orochi taiji (El valeroso principe derrota a la serpiente gigante, 1963), dirigida por Yugo Serikawa (1931-2000), que procedia del cine de imagen real (era ayudante de direccion de Nobuo Nakagawa y Kyotaro Namiki en Shintoho). Entre los ayudantes de Serikawa en esta pelicula estaba el an desconocido Isao Takahata, asi como Yasuo Otsuka (1931), que era un funcionario dedicado a la lucha anti-drogas que dejo su trabajo para dedicarse a la animacion.

Takahata realizaria otra de las obras maestras del cine de animacion de Toei Doga, Taiyo no Oji. Horusu no daiboken (Las aventuras de Horus, Principe del Sol, estrenada en España como La princesa encantada, 1968), basada en una mezcla de la saga Yukara con leyendas escandinavas y que contaba la lucha del valeroso principe Horus contra el pais de los hielos y la nieve, dominado por un ser malvado y su hermana menor Hilda, obligada a su pesar a obedecerle. Hilda, que posee una hermosa voz, es incapaz de resistirse a las ordenes de su hermano e intentara destruir la aldea donde vive Horus. Este tipo de tormento psicologico por la lucha entre el bien y el mal de un personaje, ademas femenino, no se habia visto nunca en el cine de animacion, por lo que fue muy comentado. El responsable principal de este retrato psicologico fue Yasuji Mori (1925-1992), mientras que el joven desconocido que se encargo del diseño de los paisajes de la aldea fue Hayao Miyazaki (1941), que gano prestigio entre la profesion gracias a ello. El tema de La princesa encantada era el de unirse para hacer frente a las dificultades, pero esto fue tambien la historia que rodeo a su filmacion: un equipo con ganas de trabajar frente a una productora que no paraba de poner pegas ante la continua escalada del presupuesto y la prolongacion del trabajo. De hecho, estuvo a punto de paralizarse la produccion de la pelicula, pero gracias a la insistencia con que Takahata y su equipo defendieron su causa ante sus jefes, pudo terminarse. A pesar de las buenas criticas que cosecho, la pelicula, que habia costado una fortuna, sufrio un duro fracaso comercial, del que Takahata fue obligado a hacerse responsable con una bajada de categoria y sueldo mas que notable. Ante ello, Takahata y Miyazaki deciden abandonar Toei poco despu←s y buscar la forma de continuar realizando libremente peliculas de dibujos animados. Otros titulos representativos de Toei Doga fueron Wan Wan Chushingura (Rock el valiente, 1963, Daisaku Shirakawa), Nagagutsu wo haita neko (El gato con botas, 1969, Kimio Yabuki), Dobutsu Takarajima (La isla del tesoro, 1971, Hiroshi Ikeda y Yasuji Mori) y Tatsu no ko, Taro (Taro, el hijo del dragon, 1979, Kirio Urayama).

Toei Doga (que en 1998 cambiara su nombre por el de Toei Animation), se adelanto a sus competidores al empezar en 1993 la digitalizacion del proceso de animacion, que sustituyo a los largos procesos tradicionales y que hoy dia es empleada en la casi totalidad del genero producido en Japon. Por ello, a Okawa le corresponde no solo el merito de haber apostado por la animacion japonesa consiguiendo llevarla hasta un nivel que permitiese su exportacion a todo el mundo, sino tambien el de haber producido su digitalizacion, creando con ambas decisiones las bases para su crecimiento y difusion.

Osamu TezukaOsamu Tezuka (1928-1989) fue tambien una figura clave. Era un estudiante de medicina que se vio obligado a trabajar en las fabricas durante la guerra. En abril de 1945, un dia que descansaba de la fabrica, ve la pelicula de Mitsuyo Seo Momotaro, umi no shimpei (Taro Melocoton, el guerrero divino de los mares, 1943) que, segn lo que anoto en su diario, le dejo impresionado hasta el punto de prometerse realizar algn dia su propia pelicula de dibujos. Con objeto de concretar este sueño, en 1961 formaria su propia compañía, Mushi Production.

Su primera obra, de caracter experimental, es Aru machikado no monogatari (Historia de un rincon de la calle, 1962). Con un trasfondo antimilitarista, los protagonistas son las paredes de una ciudad, testigos de una apasionada historia de amor entre el poster de un violinista y el poster de una pianista, romance que sera interrumpido continuamente por los posters de un dictador. Con una duracion de 39 minutos y un tono poetico, Tezuka coordina el montaje y la direccion, contando en este ltimo apartado con la ayuda de Eiichi Yamamoto (1936), procedente de Otogi Productions, y Yusaku Sakamoto, que venia de Toei Doga.

Series para television

japon

La siguiente realizacion de Mushi Production fue una serie para la pequeña pantalla. La television comenzo sus emisiones en Japon en 1953, y las primeras muestras de animacion que se televisaron procedian de Estados Unidos, con gran popularidad entre el pblico infantil. Toei Doga tambien se planteo la posibilidad de crear series de dibujos para la television, pero una entrega por semana suponia un trabajo demasiado pesado para ser rentable, por lo que abandono la idea. En cambio, Tezuka, al frente de Mushi Production, decidio afrontar el reto que ello suponia, naciendo asi la primera serie de la animacion japonesa, con entregas semanales de 30 minutos.

El tema elegido fue el personaje de manga que el propio Tezuka habia creado para aparecer periodicamente en una revista shonen, el robot Tetsuwan Atomu. El laborioso trabajo que suponia hacer cuatro entregas mensuales se llevo a cabo por el sistema de animacion limitada, que empleaba la menor cantidad posible de celuloide. En enero de 1963 se empieza a emitir la serie, que se gano enseguida la aceptacion infantil, llegando hasta un tercio de la audiencia. Tras ello, Toei Doga decide aprovechar el fenomeno y en noviembre del mismo año emite su Okami shonen Ken (Ken, el niño lobo, Sadao Tsukioka), segn una historia original que en cierto modo se acercaba a la de El libro de la selva de Rudyard Kipling.

Janguru Taitei (El imperio de la jungla, 1966) es otra de las obras mas conocidas de Tezuka, y la primera del medio que utiliza el color. Sin embargo, en aquella epoca la television en color era un lujo que pocos podian permitirse, por lo que la mayor parte de los niños tuvo que verla en blanco y negro.

Estas obras de Mushi Production para television consiguieron venderse a Estados Unidos, donde Tetsuwan Atomu fue rebautizada como Astroboy y Janguru Taitei como Kimba, El Leon Blanco, nombres con que mas tarde saltarian a Europa.

Los robots gigantes

animacion

Gracias al exito de las series de television de Mushi Production y Toei Doga, pronto surgio la competencia por parte de otras productoras. Cualquier genero era susceptible de ser usado: deportes, fantasia, aventuras, series para chicos y para chicas,... Al igual que Astroboy, muchas de estas series se emitieron en el extranjero. Ya en la d←cada de los 60 con el anime en blanco y negro de Tetsujin 28-go, de la productora TCJ y basada en el manga homonimo de Mitsuteru Yokoyama (considerado el creador del genero) comenzo el tema de los robots gigantes, serie que tambien se vendio a los Estados Unidos donde la titularon Gigantor, aunque no fue hasta principios de los años 70 cuando comenzo el auge de las series de robots gigantes con a Mazinger Z, basada en los personajes creados por Go Nagai, a la que seguirian varias imitaciones.

Parte de estas series se exportaron, pero algunas de ellas resultaron problematicas en paises como Francia o Filipinas. Tambien hubo series de caracter educativo basadas en la literatura occidental, algunas tan mundialmente famosas como Heidi, (1974), El perro de Flandes, (1975) o Marco, de los Apeninos a los Andes, (1976). De estas, Heidi fue dirigida principalmente por Isao Takahata, mientras que el diseño y paisajes de las escenas corrio a cargo de Hayao Miyazaki. Incluso viajaron a Suiza para buscar paisajes reales que luego pudieran utilizar. La serie se emitio en Italia en 1976, pero muchos pensaron que se trataba de una serie italiana y no japonesa. Gracias a la serie Uchu Senkan Yamato (Space Battleship Yamato, tambi←n traducida como Star Blazers, 1974), la animacion japonesa llego a ser reconocida.

En su primera retransmision no consiguio una repercusion destacada, pero si en su segundo pase, y a partir de que se efectuase un remontaje para su exhibicion en salas cinematogr£ficas, que provoco que los jovenes hicieran cola ante los cines desde la noche anterior al estreno, hecho que fue recogido por todos los periodicos del momento como fenomeno sociologico. El creador de los personajes de esta serie fue Reiji Matsumoto, y gracias al exito de Yamato, otras de sus obras fueron adaptadas a la pantalla. De estas, la mas popular fue Galaxy Express 999, cuyas adaptaciones para el cine, realizadas por Rintaro comenzaron a estrenarse en 1979.

El motor de las historias arrancaba de una maquina de tren a vapor que, en el futuro, emprendia un viaje a traves de diversos planetas, siguiendo la idea del poeta y autor de cuentos infantiles japones Kenji Miyazawa (1896-1933) en su Ginga Tetsudo no yoru (Tren nocturno de la via lactea). La imagen de la locomotora surcando el espacio era el lazo de union entre las historias.

En 1979 se emitio la serie de robots gigantes Mobile Suit Gundam de Yoshiyuki Tomino (1941), pero no consiguio gran audiencia. No obstante, la alcanzo en su segunda emision, llegando tambien a montarse ediciones especiales para su estreno en salas de cines (7 peliculas entre el año 1981 y el 2002). De la saga Gundam se emitieron hasta seis series distintas. Se vendieron perfectamente todo tipo de juguetes y reproducciones de robots inspirados en Gundam.

El formato OVA

consiguio


El formato OVA (Original Video Animation) tuvo su punto £lgido a comienzos de la d←cada de los 80. Se trataba de producciones lanzadas directamente al ambito domestico, sin haber sido emitida previamente por television o estrenada en cines. La mayor calidad juntamente con la situacion economica de Japon hizo que este formato compitiera con las series televisivas que los fans se daban el lujo de comprar.

El primer ova fue el de Dallos realizado en diciembre de 1983. Era un anime de ciencia ficcion que fue fruto del pionero esfuerzo del estudio Pierrot, que se aventura en este nuevo y desconocido mercado.

Finales del siglo XXLas decadas de los 80 y 90 trajeron coinciden con la irrupcion a gran escala del anime en occidente, entre cuyos principales exponentes estarian series como Dragon Ball (basada en el manga homonimo de Akira Toriyama), Saint Seiya (Los Caballeros del Zodiaco), Capitan Tsubasa (Oliver y Benji o Supercampeones), Rurouni Kenshin (El guerrero samurai o Samurai X), Slayers (Rina y Gaudi o Justicieros), Neon Genesis Evangelion (del director Hideaki Anno), Marmalade Boy o Kimagure Orange Road, Ranma 1/2 de Rumiko, que permitieron el redescubrimiento del tema en occidente y que en muchos paises abrieron el camino a la creacion de culturas otakus propias. Asi como tambien la masificacion de las chicas magicas como Sailor Moon y Magic Knight Rayearth.

Inicios del siglo XXI

La historia del anime


Una parte considerable de los mangas de exito en Japon acaban en la actualidad con su version en anime, ejemplos claros de los cuales son series como Rozen Maiden, One Piece, Naruto,Bleach, Inuyasha, y Fullmetal Alchemist, entre muchas otras. Empiezan a ser menos frecuentes las series de anime originales (en el sentido de no estar basadas en manga) adem£s de darse mucho menos el caso de manga creado a partir de un anime.

Ademas, el terreno preparado en occidente por las series de las decadas anteriores ha permitido que gran parte del anime creado sea traducido y distribuido en los mercados de todo el mundo. En los ltimos años surge ademas en occidente, de la mano de las culturas otaku de la decada de los noventa, gran cantidad de grupos y fansub que se encargan de distribuir por internet muchas series de anime (y mediante escaneos tambi←n los mangas mas conocidos) Esto es a la vez causa y consecuencia de la creciente distribucion del anime fuera de Japon, puesto que muchas series ya cuentan con renombre antes de ser licenciadas y traducidas, lo cual permite su mas facil exportacion.

Incluso la otrora todopoderosa Disney ha apreciado las producciones japonesas como producto comercial de calidad. Su distribuidora Buenavista obtuvo los derechos de distribucion en cine de las peliculas del estudio Ghibli, del cual han salido muchas de las mejores obras que Japon ha dado al mundo de la mano de Hayao Miyazaki. Su exito ha sido muy grande, tanto que la pelicula de animacion El viaje de Chihiro recibio en el 2002 el ᅮscar de la Academia a la mejor pelicula de animacion, premio que jamas una pelicula japonesa de animacion pudo ganar.

primera
hasta pronto

7 comentarios - La historia del anime

gino9
pon unas imagenes reco
xllx_angie_xllx
asuuuu no sabia la historiaa del anime y eso ke me gusta mushooo gran post amm una pregunta como doy puntos?? hihihihi xP