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Los 10 mejores guitarristas

A continuacion los mejores 10 guitarristas a mi criterio ( estan todos desordenados)


Jimmi Hendrix


Los 10 mejores guitarristas


Seguramente el mejor guitarrista de la historia de la música, con un talento excepcional para tocar la guitarra, no era lo único que sabía hacer sobre un escenario, gran músico y buen cantante.
Ha sido una de las grandes influencias, un innovador del instrumento de las seis cuerdas, John Allen Hendrix (al que más tarde le cambiaron el nombre por el de James Marshall) nació el 27 de noviembre de 1942, en Seattle.
No era un gran amante de los estudios y para ganarse la vida decidió enrolarse en el ejército americano como paracaidista, aunque tampoco tuvo mucha fortuna ya que tras romperse un tobillo abandonó su corta vida militar.
Su destino final lo encontró en la música, pasión familiar a la que le había llevado su padre Al. Con su guitarra, Jimi imitaba a los grandes nombres del blues americano, a los que admiraba profundamente, especialmente a B.B. King.
En su efímero paso por el ejército había conocido a otro joven aficionado al blues llamado Billy Cox, un bajista con el que formaría el dúo de R&B The King Casuals.
Al mismo tiempo, sus habilidades guitarreras serían contratadas como músico de sesión y de acompañamiento por gente tan importante en la época dentro de la música negra como Little Richard, King Curtis, Sam Cooke o los Isley Brothers. Estos trabajos le ayudarían a conocer el negocio desde dentro y a desarrollar sus maneras de expresión sonora.
En 1965 se va a Nueva York y comienza a tocar en los clubs. Se une a los grupos de John Hammon Jr. y Curtis Knight, sin conseguir liderar una banda propia.
En 1966 cuando forma los Blue Flames (con Randyo California) y se rebautizó como Jimmy James cuando logra conformar por fin un grupo que comenzaría a actuar regularmente por los locales neoyorquinos.
Una noche que actuaban en uno de ellos, el "Café Wha,", los Jimmy James & The Blue Flames fueron vistos por el ex bajista del grupo británico de R&B The Animals, Chas Chandler.
Chandler se dió cuenta del potencial de aquel guitarrista zurdo de raza negra y nada más terminar el concierto, se le acercó y le rogó que le acompañase a las Islas Británicas, en donde intentaría lanzarlo como solista. Jimi aceptó.
Chandler junto a Mike Jeffries se convirtieron en sus representantes y después de buscarle tras varias audiciones a dos valiosos acompañantes como Noel Redding (al bajo) y Mitch Mitchell (a la batería) decidieron denominar al trío liderado por Hendrix como la Jimi Hendrix Experience, terceto que debutó en directo en octubre de 1966 en la ciudad francesa de Evereux.
Poco después fue presentado en Londres ante una selectiva audiencia, nada más y nada menos que gente como Eric Clapton, Brian Jones o Pete Townshend asistieron al concierto de la Experience, que seguramente fliparían con la explosión guitarrera de la Fender Stratocaster de Hendrix.
A finales de año, la Experience publicaba en Polydor su primer y exitoso sencillo, la versión más célebre del tema Hey Joe (número 6 en listas) que tendría una espléndida continuación con Purple Haze (número 3) y The Wind Cries Mary (número 6), composiciones propias que también triunfaron en ventas.
Si en el aspecto comercial sus vinilos alcanzaron la máxima nota, sería con sus ardientes conciertos con los cuales Jimi Hendrix pasaría a la historia.
Su primer disco llega al número 2 en el chart británico, Are You Experienced? (1967) es sin duda, uno de los mejores discos debut de un artista rock en toda la historia del género.También conseguiría triunfar en su país natal a raíz de su aparición en el Festival de Monterey, en 1967.
Tras grabar su cuarto sencillo, Burning of the midnight lamp que no ofreció los resultados comerciales de los anteriores aunque entró entre los 20 más vendidos, la Jimi Hendrix Experience presentó su segundo trabajo en disco grande, Axis: Bols As Love (1967), otro buen disco aparecido a finales del mismo año con temas como If six was nine, Little wing o Bold as love y colaboraciones vocales de gente como Graham Nash o Roy Wood.
Después llega el doble Electric Ladyland (1968), otros de los grandes discos de la historia. Las relaciones entre Noel Redding y Hendrix se hicieron insoportables culminando las disputas con la marcha del bajista del grupo. El disco contiene temas como Voodo Chile (A Slight Return), Rainy Day, Dream Away o la versión de Bob Dylan All Along The Watchtower y que contaba con apoyos de grandes nombres de la música británica como Steve Winwood al órgano o Chris Wood a la flauta, además de, entre otros, el americano Al Kooper al piano.
La vida de Hendrix a finales del 68 y todo el 69 se tornó muy inestable. Su terrible adicción a las drogas y su inestabilidad emocional provocaban un comportamiento vacilante. Problemas legales, arrestos en Suecia y Canadá y conflictos personales iban acrecentando estas contrariedades.
Chandler abandonó su representación y Jimi dejó aparcado el proyecto de la Experience para fundar Band of Gypsies, un nuevo formato trío completado por su antiguo compañero Billy Cox al bajo y el batería Buddy Miles.
Su actuación en Woodstock (en la cual estarían Cox, Mitchell, Larry Lee, Jerry Vélez y Juma Sultan) volvería a resultar muy llamativa, en especial debido a su interpretación del Star-Spangled Banner.
Los tres grabarían el Lp en directo Band of Gypsies (1970), que recogía su actuación en el Fillmore East de Nueva York.
El estilo funky de la batería de Miles no convencía a Hendrix y éste rompería la formación abandonando a la banda en pleno concierto en el Madison Square Garden.
Un desorientado Jimi recuperaba al batería Mitch Mitchell y proyectaba la grabación de un nuevo album doble, Firts rays of new rising sun, disco que nunca vería publicado en vida.
Con Cox y Mitchell seguiría actuando, incluso en el famoso Festival de la Isla de Wight en agosto de 1970.
Un mes más tarde, su compañera sentimenal, Monika Danneman, lo encontraría muerto en su habitación londinense debido a un ahogamiento con su propio vómito provocado por la ingesta de drogas. Era el 18 de septiembre de 1970 y el genio de la guitarra contaba solamente con 27 años de edad.




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Joe Satriani


musica


Hoy en día con todo un enjambre de "artistas" fabricados por las compañías discográficas con el fin de saciar al gran público, es díficil hallar a alguién que se haya abierto un espacio por sus propios méritos, entre esas personas se encuentra Joe Satriani, quién ahora es considerado uno de los mejores guitarristas de todos los tiempos, su labor en la guitarra inicia en 1970 cuando tenía la edad de 14 años, cuando había pasado apenas un año el tenía ya suficiente confianza en su capacidad para tocar la guitarra y empezó a darle clases a otras personas, como Steve Vai, Marty Friedman (Megadeth y Cacophony), Kirk Hammett (Metallica), Larry LaLonde (Primus, ex-Possessed), Charlie Hunter, Kevin Cadogen (Third Eye Blind), Alex Scolnick (Testament) entre otros, ya después a la edad de 18 años, estudio con Billy Bauer y Lennie Tristano, maestros de jazz que le enseñaron gran parte de lo que después lo llevaría a dar clases en la escuela de música más famosa del mundo: "Berkley College Of Music". Fue durante sus años de profesor en Berkley donde tuvo la oportunidad de darle clases a gente que tiempo después se haría famosa por sus habilidades en la guitarra, entre todos ellos están: David Bryson de Counting Crows, Kirk Hammet de Metallica, Diamond Darrell de Pantera, Larry LaLonde de Primus y Charlie Hunter. Vale la pena dar un alto en uno de sus alumnos que con el paso del tiempo lograría llegar a ser también un guitarrista de reconocimiento mundial y a juicio de muchos inclusó llegó a superar a Satriani, se trata de un alumno de la generación de 1979, nos estamos refieriendo a Steve Vai. Ya después formo un grupo en San Francisco al que se le llamo "The Squares" donde aperecía en el bajo Andy Milton y su inseperable baterista: Jeff Campitelli, el cuál es el que más apariciones ha tenido al lado de Satriani. Después funda su propia promotora llamada "Strange Beautiful Music" y graba un EP con 5 canciones, la distribución del EP estuvo a cargo de la disquera de Satriani llamada "Rubina" en honor a su esposa. Después llegaría a Relativity Records invitado por su agradecido alumno Vai que en ese entonces ya había grabado su primer album: "Flex-able" y además había estado en gira con Frank Zappa. Allí es donde en 1986 lanza "Not Of This Earth" su primer album disponible al público másivo, aunque no era tna refinado como su sucesor lanzado en Octubre del 87: "Surfing With The Alien" el cuál lo llevaría al reconocimiento másivo del público, y su cara a la portada de prácticamente todas las publicaciones de la guitarra de ese entonces, las ventas llegarón a un punto comparable al de "Blow By Blow" de Jeff Beck y se terminó conviertiendo en el disco de rock instrumental más vendido desde "Wired" del mismo Jeff Beck. Este disco es considerado una de las obras maestras de la guitarra en incluye varios de sus más grandes éxitos entre ellos el tema "Always With Me, Always With You" o el tema con el mismo nombre del álbum. Durante la gira promocional del disco en la cual interpreta varios temas nuevos grabó 3 temas en vivo y puso uno nuevo de estudio y así lanzó un EP llamado Dreaming #11. Por cierto aquí entra la ancetdota del electricista que estaba preparando el escenario y se cayó de una altura considerable necesitando de las técnicas de reanimación pulmonar de los estaban presentes, hecho que definitavamente afecto la forma de tocar de Joe en esa ocasión. Su siguiente lanzamiento sería hasta 1989 cuando es lanzado "Flying In A Blue Dream" en el cual Satriani deja de interpretar temas 100% instrumentales y se pone cantar en algunos temas, definitivamente este disco contiene algunos de los mejores temas de rock que han sido interpretados con una guitarra. Vale la penar tomar una pausa en el evento celebrado en 1992 denomindo "Leyendas de la guitarra" con Brian May como anfitrión en este evento estuvieron sin lugar a dudas los más grandes del momento, incluyendo a Steve Vai que por primera vez interpretaba en vivo material de su disco "Passion And Warfare" considerado como uno de las mejores obras en la guitarra de todos los tiempos, en este evento por supuesto que Joe Satriani estuvo presente y dió una de las mejores actuaciones sobre esa escena. Para Satriani lo mejor aún estaba por venir, en julio del 92, se lanzaría su albúm más conocido: "The Extremist" gran parte de su éxito se debe a que contiene el tema más aclamado de Joe: "Summer Song", el cuál fue nominado para un Grammy. No se podía dejar pasar el momento y poco despúes del lanzamiento de este albúm también se editó el primer video oficial de Joe llamado "The Satch Tapes" donde por primera vez podemos verlo interpretar algunos de sus más grandes haste ese entonces definitivamente se trata de un video que todo buen aficionado a la guitarra debería darse el lujo de poder ver, dad que difícilmente se puede hallar calidad similar en las interpretación de un video de rock primordialmente instrumental. El siguiente año se lanzo un albúm doble llamado "Time Machine" el cual consistia en un disco de estudio el cual contiene viejos temas inéditos entre ellos los que conformaban el EP original lanzado bajo el sello de "Rubina" más algunos temas nuevos, el segundo disco consiste en una grabación en vivo. Póco después en el 94 toma el lugar de guitarrista con el famoso grupo "Deep Purple" para la gira que realizarón ese año, asi pues es se unió a lista de guitarristas que han tomado el lugar del guitarrista original de este grupo (Ritchie Blackmore) entre los que destaca Vinnie Moore. Para su siguiente disco el autodenominado "Joe Satriani", el último bajo el sello de Relativity Records su productor le sugirió apagar todos sus pedales de efectos, cosa que ampliaría aún más su reportorio músical, pero que terminaría siendo un grave error comercial, dado que el disco con un tono más de blues y con más enfoque en la melodía que en la velocidad no fue bien aceptado por la crítica y no logro las ventas de sus antecesores, pese a que en realidad la calidad del albúm es incuestionable. Durante la grabación de este albúm fue cuando se filmo el video llamado "Reel Satriani" el cual es su segundo video oficial. Y en el 96 viene lo mejor, el también denominado "Tour de la década" nombre con el que tambíen fue conocido el evento llamado G3 en el cual se cumplía el sueño de muchos guitarristas y por primera vez hicieron una gira juntos: Joe Satriani, Eric Johnson y Steve Vai, además es en esta gira cuando podemos ver por primera vez el nuevo "look" de Satriani sin el cabello largo. En ese mismo año también aparecio en la compilación navideña de nombre "Merry Axemas" donde participa en "Silent Night/Holy Night". El año siguiente (1997) se lanzaron el video y el disco del G3 Tour, también en ese año grabo 2 temas al lado de Pat Martino los cuales fueron: "Ellipsis" y "Never and After". También en ese año se hizo la gira G3 por Europa sólo que ene esta ocasión ni Vai que estaba muy ocupado con su nuevo disco de aquel entonces (Fire Garden) ni Eric Johnson acudieron en su lugar fueron: Kenny Wayne Shepherd y Robert Fripp, desgraciadamente no se lanzó el disco de esta gira. Para el 98 aprovechando el cambio a su nueva compañía disquera (Epic) lanzó "Crystal Planet" con un sonido (y apariencia) renovados, definitivamente es uno de sus mejores discos y sin lugar a dudas es claro que el cambio de compañía disquera le ayudo a Satriani a darle un nuevo giro a su carrera, además es sorprendente el avance en su técnica que demuestra en este álbum. Su sonido en este disco es al contrario del anterior bastante basado en los múltiples efectos que usa a lo largo del disco, sin que por eso disminuya la calidad del mismo. Para el 2000 se lanzó su más reciente albúm de estudio hasta la fecha "Engines Of The Creation" en el cuál incursionó en el mundo de la música electrónica recibiendo bastantes críticas al respecto, su tema "Until We Say Goodbye" fue nominado a un Grammy. Según el propio Satriani su intento en este disco fue regresar a los días de su primer disco (Not Of This Earth) donde el se sentía con más libertad para explorar nuevos sonidos y ambientes músicales, sin embargo el sonido de este albúm, a decir verdad fue más "tecno" de lo que muchos esperabamos, lo que le valió toda una serie de criticas a este albúm. Junto a él, se lanzó en algunas tiendas de EUA el disco adicional llamado "Additional Creations" el cual contiene un tema nuevo y 3 remixes de los que se encuentran en el albúm. El 19 de Junio del 2001 se lanzó "Live In San Francisco" el cuál fue grabado en el Historic Fillmore de San Francisco, este es su segundo lanzamiento, siendo el primero el del "Time Machine" también se lanzará un DVD proximamente. También se realizó un G3 con: John Petrucci y Steve Vai. En ese mismo año sacó el DVD de "Live In San Francisco".De nuevo en el 2003 se embarcó de nuevo en una gira del G3 junto Vai y Malsmteen, de la cual saldrían dos documentos sonoros y visuales,el cd "Rockin in a free world" y el DVD "Live in Denver",los planes más inmediatos es hacer una gira europea junto el g3 vai y robert fripp, durante el verano, también se plantea nuevo disco de estudio.



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Steve Vai


instrumental


Nacido el 6 de junio de 1960 en Long Island, Nueva York (cumplió seis años el sexto mes de 1966(( EL 6 DEL 6 DEL 66 CUMPLIO 6..COMENZO CON LA MUSICA A LOS 6 AÑOS..Y LA VIOLA TIENE 6 CUERDAS..QUE LOCO NO? )) como así comentó en la introducción de su libro de transcripciones de Frank Zappa). Steve Vai conquistó el reconocimento general tocando como guitarrista del legendario músico, productor y magnate Frank Zappa. A principios de los 80 abandonó la banda de Zappa y grabó su primer disco como solista, "Flex-Able", y reemplazó a Yngwie J. Malmsteen como guitarra solista en Alcatrazz. Entonces se unió al antiguo "front-man" de Van Halen, David Lee Roth para grabar dos álbumes, "Eat them and smile" y "Skyscraper", además de una versión en español del primero titulada "Sonrisa salvaje". Posteriormente tocó para Whitesnake en el álbum "Slip of the tongue" y en 1990 grabó su segundo álbum "Passion and Warfare" obteniendo la atención mundial en su carrera como solista. Por estas fechas gana un Grammy por su participación en el disco tributo a Zappa "Zappa's Universe", por su solo en "Sofa", siendo criticado por varios músicos otorgándole el reconocimiento a Mike Keneally, por su participación en ese disco. También saltó a la pequeña pantalla apareciendo unos cuantos minutos en la película CrossRoads donde hizo el papel del guitarrista del diablo que trata de vencer a un joven guitarrista virtuoso enfrentado en un duelo guitarrero frente a Ralph Macchio.
En 1992 participa junto a Joe Satriani entre otros en el concierto Guitarras en Sevilla en La Expo´92. En 1993 aparece el álbum titulado "Sex & Religion", con una formación nueva y una dinámica más de banda, dejando de lado el estilo solista. Se trata de un disco mayoritariamente vocal, y en parte polémico por el contenido de sus letras, en las que se refiere al sexo y a la religión. En el año 1995 Steve graba un álbum titulado "Alien Love Secrets", del cual, posteriormente presenta una versión en DVD con los videos de las canciones que componen este álbum. EL disco se compone de siete temas instrumentales, y fue grabado en 6 semanas. Al año siguiente (1996) participa en la gira llamada G3 junto a Joe Satriani y Eric Johnson, donde le acompaña Keneally en los teclados y guitarra. Se graba un disco en vivo del mismo nombre. En 1996 también sale a la venta "Fire Garden" un extenso disco de 18 temas, tratándose la primera mitad de temas instrumentales y la segunda incorporando canciones cantadas, y afianzándose Steve en su faceta de cantante. Llegando a mitad del año 1999, aparece el disco "The Ultra Zone", en gran parte instrumental, con cinco temas cantados. Se trata de un disco compuesto de trece temas bastante variados. Un segundo disco G3 con el virtuoso de la guitarra Yngwie J. Malmsteen se graba en el 2000. EL siguiente año Steve Vai graba su primer disco en vivo, "Alive in an ultra World", presentando canciones que caracterizan los paises que el visitó en la gira de "The Ultra Zone". Más adelante, en el 2004, Steve Vai lanza su segundo disco en vivo, "Live In Astoria: London", donde selecciona grabaciones de sus actuaciones en el Astoria en Londres, recopilándolas en este disco. Su último álbum editado en 2005 se titula "Real Illusions: Reflections" y para presentarlo realizó una gira mundial con músicos de gran categoría, como Tony Macalpine (guitarra y teclados), Billy Sheehan (bajo), Jeremy Colson (batería y percusión) y Dave Weiner (guitarra eléctrica y acústica), en ese mismo año participa en un nuevo G3 al lado de Satriani y John Petrucci, para el presente 2006 Steve participará en un tour homenaje a su mentor Frank Zappa.
Vai junto a la marca de guitarras Ibanez crea en 1989 la serie JEM, diseñando también la primera guitarra de siete cuerdas llamad Universe. También junto a Ibanez se desarrollaron las primeras y únicas guitarras de tres mástiles, denominadas JEM Tripleneck. La utilización en vivo de este tipo de guitarras (en el G3 del 2003) marca la pauta del nivel que ha alcanzado Steve. En el 2000 junto a Carvin crea según sus especificaciones su propia serie de amplificadores llamada Legacy.




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Steve Ray Vaughan


becker


Y pensar que inicialmente lo que él quería era tocar la batería..pero en lugar de eso, para su cumpleaños número ocho, le encajaron una guitarra. Así empezó el idilio de este texano nacido a mediados de la década de los ´50 con la guitarra, casi de prepo. Ni su padre ni su madre tenían talento como músicos, pero eran grandes fanáticos de ella y solían llevar a sus hijos a cuanto concierto hubiera, poco a poco la música fue tomando un lugar importante en la vida del pequeño Stevie. Fue su hermano mayor, Jimmie, quien le dio su primera y prácticamente única clase de guitarra enseñándole un par de acordes; y a partir de allí comenzó a autoaleccionarse, tocando todo de oído, sin aprender jamás a leer la música de una partitura. Y así, para cuando contaba con escasos trece años, ya tocaba en varios clubes nocturnos, donde tuvo la posibilidad de codearse con varias eminencias del blues. Al poco tiempo abandonó sus estudios secundarios para trasladarse a Austin, Texas, en busca de una carrera en el mundo de la música. A principios de los años ´70 formó parte de varias bandas hasta recalar en The Cobras, con la que grabaría sus primeros singles, sin embargo no logró demasiado reconocimiento. En 1975 forma Triple Threat, compuesta por él, un saxofonista, un bajista, un cantante y un batería, Chris Layton, que lo acompañaría por el resto de su carrera. A fines de esa década, la banda se empezó a desmantelar, y Stevie decidió rebautizar la banda con los miembros que quedaban (Chris Layton y Jackie Newhouse, el bajista) con el nombre de Double Trouble, inspirado en una canción de Otis Rush, y fue él quien se hizo cargo de la voz aparte de ser la única guitarra del grupo. Vaughan se valió de las experiencias con las distintas bandas de las que fue parte durante esa década para ir puliendo su distintivo estilo, pero el cual a la vez siempre tiene reminiscencias de sus antiguos ídolos e influencias: grandes como Otis Rush, Buddy Guy, Albert King y, en especial, Jimi Hendrix, Vaughan. Su capacidad de tocar intercaladamente la sección rítmica y, a la misma vez, hacer de guitarra líder y su magistral uso del wha-wha son su marca registrada. Para esta altura Jackie Newhouse había sido reemplazado por Tommy Shannon como bajista de la banda, quedando así conformada su alineación definitiva (aunque más adelante se le agregaría un tecladista); y ya con este elenco estable definieron el perfil de la banda, un blues duro, muy eléctrico, al estilo power-trio, pero que aún así lleno de sentimiento y de eso que tiene el blues que le llega a uno al alma. A pesar del virtuosismo que desplegaban los tres músicos en escena, su estilo no fue bienvenido en el Festival de Jazz de Montreaux en el que participaron en el año ´82, llegando incluso a ser echados del escenario por los constantes abucheos del público. Sin embargo esto no fue en absoluto un fracaso para la banda y mucho menos para Vaughan, su talento, desconocido para el público general, no pasó desapercibido en el mundillo musical, y pronto llamó la atención de artistas consagrados, como los Rolling Stones, David Bowie, de quien fue el guitarrista de su álbum Let´s Dance, y Jackson Browne, en cuyo estudio comenzó a grabar lo que sería su primer disco Texas Flood. Masivamente aclamado tanto por la crítica como por el público en general y con Pride and Joy como estandarte, Texas Flood se transformó prontamente en disco de oro. Tal fue el impacto del debut que los reconocimientos no tardaron en llegar, el disco fue nominado para los Grammys, a lo igual que Rude Mood para mejor tema instrumental; y aunque no lograron pasar de la nominación, Stevie sí se adjudicó los premios que otorgaba la revista Guitar Placer en los rubros mejor nuevo talento, mejor álbum y mejor guitarrista de blues. Los próximos dos años fueron verdaderamente movidos en la vida de la banda: dos nuevos discos de estudio y uno en vivo. El primero en llegar fue Couldn´t Stand The Weather, publicado en 1984, a menos de un año del debut de Texas Flood. El tema que le da título al disco y el cover de la excepcional canción de Jimi Hendrix, Voodoo Chile (Sligth Return), son las dos joyas centrales de un disco que si bien no logró el mismo impacto que su antecesor, aún así le valió a Vaughan nuevos reconocimientos al conseguir nuevamente un premio al mejor instrumentista de blues del año. Ese mismo año, en el mes de octubre, vería realizado uno de sus sueños al llegar a realizar un show en el famoso Carnegie Hall. Para la ocasión expandió al tradicional trío al sumarle una sección de vientos, teclados y las participaciones de invitados especiales, como su hermano Jimmie y la cantante Angela Strehli. El evento se llevó a cabo la noche después del cumpleaños número treinta de Stevie, y con esa excusa, llegó a calificar a la velada como “su mejor cumpleaños, para siempre...”. Las grabaciones de lo ocurrido esa noche desembocaron en un excelente disco en vivo: Live At Carnegie Hall. Soul To Soul, el tercer álbum de la banda, fue lanzado en 1985, y con el aditamento de haber incorporado de forma definitiva al grupo a un tecladista, Reese Wynans. Esto llevó a Stevie a modificar el nombre del conjunto, y pasó a llamarse Stevie Ray Vaughan and Serious Trouble, sin embargo nunca llegó a nombrarse a la banda de tal manera y el antiguo nombre prevaleció. Para no variar el estilo de los discos anteriores, en este se mezclaban las composiciones propias de Vaughan (Ain´t Gone And Give Up On Love, Life Without You) con clásicos covers de sus ídolos, como Come on (Pt 3) o You´ll Be Mine. Su forma de cantar denota en este disco una mayor madurez, lo que lo lleva a arriesgar mucho más a la hora de entonar, callando así a los que lo acusaban de flaquear en ese aspecto. Desde el momento en que decidió que la música iba a ser su vida que el ritmo de Vaughan era acelerado, por así decirlo, pero esos últimos tres años fueron verdaderamente vertiginosos. El debut discográfico, las giras, más grabaciones, discos en vivo… todo fue desgastando a Stevie, que para entonces había desarrollado una fuerte adicción a la cocaína y al wishkey, y a mediados de 1986 fue internado en un centro de rehabilitación después de haber terminado con una extensa gira europea. Eventualmente se recuperó de sus adicciones y en poco tiempo estaba en el ruedo de nuevo, participando con distintos artistas en las grabaciones de temas y shows en vivo, como el acústico que grabó para MTV, e incluso llegando a hacer una participación especial en la película Back To The Beach. En 1989 volvió a los estudios de grabación con Double Trouble para grabar lo que sería su último disco con la banda, In Step. Un discazo por donde se lo mire, el cual el valió a la banda un Grammy al mejor disco de blues. Está compuesto mayoritariamente por temas compuestos por el propio Vaughan y hasta un tema escrito por sus compañeros, apenas dos canciones de las diez del disco son covers. Las canciones de Stevie evolucionaban en cada disco, con arreglos cada vez más perfectos y letras más personales, como se puede ver en el ejemplo de Wall Of Denial, en la que habla de su rehabilitación y de una clara declaración antidrogas. El Alpine Valley Music Theater fue el lugar elegido para el recital de blues que a fines de agosto de 1990 logró reunir en un mismo escenario a leyendas como Eric Clapton, Buddy Guy, Robert Cray junto a Jimmie Vaughan y a Stevie. Depués de tocar todos juntos durante unos quince minutos una extendida versión de Sweet Home Chicago los músicos se preparaban para el largo viaje de regreso a Chicago que les esperaba. Clapton tenía su helicóptero aguardándolo, pero como sus guitarras aún no habían sido embaladas, decidió dejarle su lugar a Vaughan. Minutos después de haber despegado, el helicóptero se introdujo dentro de una espesa niebla y se estrelló contra una de las laderas de las montañas que rodeaban en valle, matando a todos los pasajeros instantáneamente, entre ellos a Stevie Ray. Nadie supo del fatal accidente hasta que pasó el tiempo y el helicóptero no arribó a su destino, y solo gracias al localizador que poseía el helicóptero fue posible encontrar lo que quedaba de él y sus pasajeros. Así se extinguía la vida de uno de los más grandes guitarristas y músicos de blues que vio el mundo. El mismo año, poco después de su muerte, se dio a conocer el disco en el que habían estado trabajando los hermanos Vaughan, Family Style. Un muy buen disco de blues-rock, del que se destacan temas como Telephone Song y Hard To Be. Este fue el último disco de estudio de Stevie, a pesar de que al poco tiempo se edito otro álbum póstumo: The Sky Is Crying, una compilación de temas grabados por Vaughan que nunca habían sido incluidos en ningún otro disco. Compuesto principalmente por versiones de sus ídolos de siempre en lo que es una especie de muestra de las que fueron sus grandes influencias. A lo largo de los años fueron editándose otros tantos discos compilatorios de Vaughan (Greatest Hits o The Real Deal) y también otros que dan testimonio de sus recitales en vivo (Live in Tokio o Live at Montreaux), la mayoría de los referentes de la guitarra contemporánea, John Mayer o Eric Johnson, lo citan dentro de sus más importantes influencias, e incluso Martin Scorcese dedicó una capítulo en su serie de películas documentales Scorcese Presents The Blues a Stevie Ray. Como pasó con casi todos los artistas de su magnitud, se fue demasiado rápido, dejando la sensación que aún no había alcanzado la cima de su talento.



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Eddie Van Halen


hendrix


Los hermanos Van Halen (Eddie y Alex) nacieron en Holanda y en el año ‘67 se trasladaron a California.
Ahí, su padre, un músico de Jazz, los incentivó a que fueran músicos y fueron, durante muchos años, concertistas de piano.
Sin embargo al crecer fueron cautivados por el Rock lo que llevó a aprender a tocar nuevos instrumentos.
Al principio, Ed tocaba la batería y Alex la guitarra, sin embargo, con el tiempo fueron cambiado sus instrumentos.
Empezaron a tocar en 1972 en reuniones familiares y en la escuela.
Después conocieron a David Lee Roth, quien cantaba en The Red Balls Jet y que impuso fuerza al grupo.
También en la Secundaria estaba Michael Anthony que dijo: Todos en la escuela tocan guitarra o batería, así que yo tocaré el bajo», y le sacó dos cuerdas a su guitarra.
Estos cuatro personajes formaron Mamooth en 1973 y se cambiaron el nombre a Van Halen, desechando la idea de Rat Salade, en 1974.
Empezaron a tocar en clubes nocturnos durante tres años y un día, Gene Simmons, el bajista de Kiss, les financió unas grabaciones de demos para el sello Warner, quienes los aceptaron y, hasta ahora han hecho toda su discografía.
El álbum debut fue homónimo (Van Halen) y tuvo grandes éxitos como: Runnin´ with the Devil, You Really Got Me, Ain’t Talkin’‘bout Love y Jamie’s Cryin’.Ahí corría el año ‘78.
Al año siguiente sacaron la continuación del primer álbum (Van Halen II)que tuvo los éxitos de: Dance the Night Away, You’re No Good, etc. Eso fue en 1979.
En 1980 salió el tercer disco de la banda, Women And Children First, que no tuvo muchos singles de éxitos, pero como álbum, llegó muy arriba en Billboard.
Dos años más tarde salió el disco Fair Warning, cual contenía uno de los éxitos más grandes de la banda: Unchained.
Después de un año, 1983, salió Diver Down, disco que recorrió los lugares más altos de Billboard y tenía los siguientes éxitos: Pretty Woman, Cathedral, Big Bad Bill, etc.
Después en el año 1984, salió el disco del mismo nombre (1984) que fue el punto cúlmine de la Era de DLR.
El primer single, Jump, sacó del nro.1 de Billboard a Thriller de Michael Jackson, y éste, admirado por la calidad de Eddie, Le pidió la colaboración en uno de sus temas, Beat It.
Esto provocó mucho a DLR, que para vengarse grabó su propio disco en solitario sin avisar nada a los otros miembros de la banda.
DLR dijo que preferiría seguir con su carrera de solista para ganar más dinero y, por este comentario fue expulsado del grupo. Después llamaron a Sammy Hagar.
Sammy Haggar era un cantante que con su primer disco con «mini-éxitos» había ganado algo de dinero.
Entre sus cualidades estaba la de tener una voz muy aguda y saber tocar guitarra, algo que DLR nuncá trató de hacer.
Cuando Van Halen estaba buscando a alguien que pusiera la voz por el grupo, Eddie fue al garage y había un auto muy lujoso.
Éste, extrañado preguntó quién era e dueño y el propietario del garage le dijo:» Es de un tal Sammy Haggar.¡Hey!, lo deberías tener en tu banda.» y Ed le pidió su número.
Se juntaron los tres con el nuevo cantante y empezaron a tocar.
Sammy empezó a improvisar letras y de esa forma salieron varias canciones.
Así, Sammy fue el nuevo vocalista de Van Halen y principal figura de 5150, álbum clásico para los seguidores de Van Halen.
Éste tuvo grandes éxitos como: Why Can’t This Be Love, Dreams, Love Walks In y Best Of Both Worlds.
Dos años después, en 1988 salió OU812, discó que empezó a bajar la clásica dureza del estilo que cultivaba Van Halen.
De allí, hubo varios singles exitosos, tales como: When It’s Love, Finish What Ya Started, Feels So Good, Cabo Wabo, etc.
Después de dos años de giras y uno de trabajo, salió al mercado For Unlawful Carnal Knowledge, más conocido como F.U.C.K., que fue el punto más alto de la popularidad de Van Halen.
Hubo un trabajo promocional de este disco tan grande que llegaron hasta Japón, Holanda y Argentina, entre otros países más extraños aún.
Fue tan bueno el material que se obtuvo durante esas giras, que se grabó un disco en vivo llamado: Van Halen LIVE: Right here, Right Now.
En él se encuentra casi todo el disco F.U.C.K, éxitos de discos anteriores, un solo de cada un de los miembros de la banda y tres canciones inéditas: One Way To Rock, Give To Live y Won’t Get Fooled Again.
Después de estos años de gira, en 1995 salió Balance, que puede que no sea el disco más popular, pero sí el perfecto balance entre el Rock crudo de los primeros años y las últimas baladas.
En este disco se encuentran los éxitos: Can’t Stop Lovin’ You, Don’t Tell Me, Not Enough, etc.
Después, Eddie tuvo problemas por el alcohol y Sammy generó un a polémica por la canción Amsterdam, que hace mención que allá las drogas son legales.
Eddie y Sammy generaron una polémica, cuando Ed, mencionó la idea de hacer una recopilación de los grandes éxitos de la banda.
Dicho disco, se llamo «The Best of Van Halen Vol. I», en el cual, tras 10 años separados, volvieron a tocar junto a Diamond Dave 2 temas ineditos (Can’t Get this stuff No More y Me wise magic).
Tras una decada con Hagar, problemas internos, hacen que este deje la banda, y que su lugar sea ocupado por Gary Cherone. Lanzaron un disco con Cherone en las voces (Van Halen III), el cual no tuvo mucha venta, y que realmente, a los fanaticos no les gusto mucho, por tanto, Cherone tuvo un paso sin pena ni gloria. Una cancion rescatable es Without You (1998) del album Van Halen III, pero ningun exito llego al numero uno.
Cherone dejo la banda, y Hagar volvio a las voces. Eso hasta hace unos meses, en donde nuevamente, Hagar tuvo problemas con los hermanos Van Halen, los cuales decidieron expulsar a Hagar y a Mike Anthony de la banda.
Y para nuestra sorpresa, el lugar de Mike lo ocupa Wolfgang Van Halen, hijo de Ed, y en las voces, tal como en sus inicios, esta nuevamente David Lee Roth.




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Jimmy Page


Vai


Nació el 9 de enero de 1944 en Heston, en el condado de Middlesex, Inglaterra. Hijo de un administrativo, James Page y de una secretaria, Patricia Elizabeth Gaffikin su pasión por el rock se inició cuando escuchó la canción Let's Play House de Elvis Presley. En 1956 apareció por primera vez en un programa televisado de jóvenes talentos, Huw Wheldon Show, dónde interpretó Mama Don't Wanna Play No Skiffle No More. En enero de 1963 realiza su primera grabación de estudio con el sigle Diamonds del duo Jet & Tony. A partir de entonces, Jimmy se convierte en músico de estudio colaborando con artistas como Mickie Most, Who, Rolling Stones, Davy Jones, Joe Cocker, etc. En 1966 Page entro a formar parte de The Yardbirds por dónde habían pasado grandes guitarristas de la talla de Eric Clapton y Jeff Beck con quien trabajó durante algunas semanas. No nos podemos olvidar del hecho de que Peter Grant era por aquel entonces manager de los Yardbirds. En julio de 1968 el grupo se disgrega, teniendo pendientes una serie de actuaciones en la península escandinava, hecho que motivó la búsqueda de nuevos músicos por parte de Page. En septiembre de ese mismo año Jimmy Page decide crear The New Yardbirds con John Paul Jones al bajo y teclados, a quien ya conocía de antes porque ya habian trabajado juntos (J.P. Jones era arreglista). Conoce a Robert Plant que por aquel entonces era el cantante de Hobbstweedle. John Bonham, el baterista, fue aconsejado por Plant, con quien había estado en dos grupos anteriores. El nombre de Led Zeppelin lo plagió Page de un chiste de Keith Moon, con el que había coincidido en una sesión de grabación de un tema de Jeff Beck. La actividad dentro del cuarteto fue frenética desde el principio. En seguida se hicieron de notar sus labores como productor, compositor y músico de estudio en todos los trabajos de Zeppelin, siendo muchas veces el artífice de temas que se han convertido con el tiempo en clásicos de la música rock, además de ser considerado como uno de los músicos más inspirados y capacitados para la improvisación en directo, al igual que sus compañeros de banda. Una de sus características como guitarrista es el uso de un arco de violín durante algunos temas, así como del sintetizador denominado como theremin. También es conocido entre otras cosas por ser el que popularizó la guitarra Gibson ES-1275 Doubleneck (de doble mástil) , lo que le convirtió en un hito de los años setenta. Durante la gira americana de 1977 Page solía dar recitales de efectistas y extravagantes solos de guitarra de hasta 20 minutos. Su pasión por el ocultismo se puso de manifiesto durante la gira de Led Zeppelin en el año 1973, con la parafernalia que le acompañaba, sus trajes y amuletos con signos ocultistas y su consabida admiración por Aleister Crowley. Durante los últimos años de Led Zeppelin (finales de los 70), la actividad de Page dentro de la banda disminuyó a causa de los problemas que le reportaba su addición a sustancias como la heroína. Esto, más el cada vez más alarmante alcoholismo de John Bonham, provocó la imposición de los dos miembros restantes de la banda, Robert Plant y John Paul Jones como principales compositores del que sería el último trabajo del grupo, In Through The Out Door. Tras la muerte de John Bonham en casa de Page el 25 de septiembre de 1980, se hizo pública la separación de Led Zeppelin. El periodo que comprende la disolución de Led Zeppelin hasta nuestro días ha sido para Page bastante intenso. Además de ocuparse de la remasterización de todo el catálogo de Led Zeppelin en formato CD, ha compuesto la banda sonora de Death Wish 2 (Charles Bronson); ha tocado junto a muchos solistas y bandas, como Jeff Beck, Yes... o incluso ¡Harry Connick Jr! También participó en el álbum de Box of Frogs, un disco reunión de antiguos miembros de The Yarbirds. Formó una banda llamada The Firm, con la cual sólo publicó dos discos, llamados The Firm y Mean Business junto a los nombres de Paul Rodgers, Tony Franklin y Chris Slade. También participó en los festivales ARMS, junto a estrellas como Steve Winwood, Bill Wyman, Charlie Watts, Kenny Jones o Simon Phillips. Lo más destacable de su trabajo en solitario quizás sea su trabajo publicado en 1988, Outrider, con Jason, el hijo de John Bonham a la batería y Robert Plant, voz invitada en la canción The Only One. En los noventa la actividad de Page se tradujo en el disco que realizó junto con David Coverdale, ex vocalista de Deep Purple y Whitesnake. Tras esto, se sucedieron dos colaboraciones con Robert Plant, la primera se titulaba No Quarter y consistía en una gira en la cual se presentaban nuevos arreglos de temas de Led Zeppelin con nuevos aires orientales. La segunda colaboración consistió en un álbum llamado Walking Into Clarksdale (1998), con su consiguiente gira de presentación. En 1998 también lanzó el disco "The Masters: No Introduction Required" junto a John Paul Jones, viejo amigo de Led Zeppelin. En cuanto a su vida personal se conoce poco. Tiene una hija llamada Scarlett, fruto de una relación en los setenta, y un hijo, James, nacido de su matrimonio que duró hasta 1995. Poco después se casó con la joven Jimena Gómez Paratcha, de origen argentino-brasileño, con quien también ha tenido descendencia. Gracias a su relación con Jimena, durante los últimos años, Jimmy Page se ha volcado a las acciones benéficas, sobre todo en Brasil, donde auspicia la fundación Casa Jimmy, para niños sin hogar, y la Action For Brazil's Chidren Trust, por las que ha sido recientemente coronado como Caballero de la Orden Británica.



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Jason Becker


Page


Jason Becker nació el 22 de Julio, 1969,Estados Unidos. Comenzó a tocar la guitarra debido a que en su familia había varios músicos, pero termino aprendiendo de forma autodidacta y de oído porque al poco tiempo sobrepaso ampliamente las habilidades de su padre y su tío.
“escuchaba frases de Yngwie Mamslteen en sus conciertos o una obra de Stravinski y luego tocaba esas frases de oído en mi guitarra, los fallos que cometía al tocarlas de oído hicieron que desarrollase mis propias frases” dijo en una entrevista.
Luego a los 16 años conoce a Marty Friedman (Megadeth) y lo invita a unirse a su actual proyecto Cacophony. Cacophony es una banda que actualmente solo se conoce en el under metalero pero en aquel tiempo había empezado a hacer mucho ruido en los medios, y no tubo demasiada trascendencia solo por su corta duración (dos años).
Con esta banda lanzo dos discos, “Speed Metal Symphony”(1987) y “Go Off”(1988), las dos guitarras eran la combinación perfecta, Friedman aportaba escalas y armonías exóticas occidentalizadas, mientras que las influencias clásicas eran aportadas por becker. En 1988 Lanza su primer disco solista llamado “Perpetual Burn”, un disco donde muestra su habilidad técnica y compositiva
En 1988 ingresa a la formación de la banda solista de David Lee Roth, cantante de Van Halen, gracias a unos demos en los que Becker interpretaba canciones de Van Halen como Hot For Teacher, entre otras. Este puesto era muy codiciado, ya que estaba reemplazando al muy respetado guitarrista Steve Vai.
En 1989 (a los 20 años) le diagnostican esclerosis lateral amiotrófica, la cual va atrofiando todos los músculos del tiempo hasta la muerte.
En 1990 sale elegido como el mejor guitarrista del año según los lectores de la revista Guitar Magazine.
Durante la gira con David Lee Roth, Becker comienza a perder la movilidad de su cuerpo. Hasta que pierde la movilidad casi total de su cuerpo por culpa de la enfermedad, llegando a poder mover únicamente los ojos con los que se comunica con su familia y además mediante un sistema informático adaptado a sus ojos empieza a componer su disco Perspective(1996), este disco tan sólo rescata una canción tocada por él. Ya sin movilidad, Becker vive con su familia sentado en una silla de ruedas y comunicándose mediante movimientos de sus ojos. Aún así, en 1999 y 2003 editó 2 nuevos discos llamados Raspberry Jams y Blackberry Jams respectivamente utilizando un sistema computarizado que guía con los ojos.
A pesar de que los doctores le dijeron que sólo iba a tener 3 años de vida, Becker ha podido sobrevivir durante 18. La historia de su vida esta resumida en el video The Legendary Guitar of Jason Becker.




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http://www.youtube.com/watch?v=QRhAuy6clLc




Marty Friedman


guitarristas


Marty Friedman nacido el 8 de diciembre de 1962 en Washington, D.C., Estados Unidos es un guitarrista estadounidense, mejor conocido por el periodo de 1989 a 2000 en el que se desempeñó como el guitarrista solista de la banda de thrash metal, Megadeth.
Friedman es un guitarrista empírico, conocido por su improvisación y por fusionar la música oriental con estilos musicales de occidente, tales como el metal neoclásico, thrash metal y más adelante el rock progresivo, J-pop, jazz, new age y similares. Yendo más allá de las escalas tradicionales, Friedman frecuentemente usa arpegios en las escalas con las que toca, utilizando una técnica poco convencional de tocar las cuerdas, favoreciendo los movimientos hacia arriba. También es conocido por su uso frecuente de vibratos melódicos y extensos. Antes de unirse a Megadeth, formo y toco en varias bandas, incluidas Deuce, Hawaii, Vixen (no la banda femenina del mismo nombre), y Cacophony notablemente. Cacophony ofrecía elementos de metal neo-clásico, armonías sincronizadas de guitarras hermanas, y contrapuntos. Friedman grabo con Jason Becker dos álbumes en Cacophony, Go Off y Speed Metal Symphony.
Después que Cacophony se acabó en 1989, Marty Friedman audiciono para la banda thrash metal Megadeth aceptando el consejo de otro guitarrista Jeff Loomis, y se unió a la banda en febrero de 1990. El primer álbum que grabaría con ellos seria Rust in Peace, ahora considerado uno de los álbumes clásicos del thrash metal, Rust in Peace fue platino en los Estados Unidos. En un futuro trabajaría su método de tocar solos en escalas exóticas como cuando estaba en Cacophony y lo integraría a la música de Megadeth. En febrero de 1992, Megadeth lanzaría el disco Countdown to Extinction, el cual fue un álbum mucho más comercial, y que apuntaba hacia una mayor audiencia, el cual sería doble patino. Friedman participaría en los siguientes lanzamientos de Megadeth Youthanasia (1994), Cryptic Writings (1997), Risk (1999). Después de un total de cinco álbumes de estudio, Friedman dejaría la banda en diciembre de 1999. Después diría que se canso de tocar metal y que sentía que no se podía desarrollar como músico. Durante el tiempo que Friedman estuvo en la banda, se vendieron más de diez millones de álbumes en el mundo entero, y la formación de Megadeth, de 1990 a 1999, en donde esta incluido Friedman, es mundialmente reconocida por los fanáticos como la mejor alineación de la banda.




link: http://www.videos-star.com/watch.php?video=zvHeOiFXUZ8


http://www.youtube.com/watch?v=zvHeOiFXUZ8




Yngwie Malmsteen


Friedman


(Estocolmo, 1963) Guitarrista sueco. Considerado un virtuoso de la guitarra, supo unir a la velocidad una técnica exquisita, a la que añadió una particular manera neoclásica de entender la música. Creció escuchando a Mozart y a Bach, y cuando era un adolescente formó su primera banda, a la que llamó Powerhouse. Influido por guitarristas como Jimi Hendrix, Ritchie Blackmore o Eddie van Halen, con catorce años creó el grupo Rising, un homenaje a Rainbow y a su elepé Rainbow Rising. Tras grabar algunas maquetas para diversos sellos de Suecia, el productor Mike Varney le convenció para que trasladase su residencia a Los Ángeles, en Estados Unidos. Una vez allí, se unió al grupo Ron Keel´s Steeler como guitarra solista y grabó rápidamente su primer álbum, que era también el del debut del grupo. Tras este primer trabajo le llegaron multitud de ofertas para incorporarse a bandas tan prestigiosas como Kiss, UFO o la banda de Ozzy. Tras pensárselo mucho decidió unirse a Alcatrazz, el grupo creada por el ex cantante de Rainbow, Grahan Bonnet. Debutaron en 1984 con el elepé No parole from rock ´n´ roll, al que siguió un año después Disturbing the peace, grabado en directo durante su gira japonesa. Tras la edición de este elepé, el grupo se disolvió, y las ofertas de trabajo volvieron a llover al guitarrista. La más interesante llegó de manos del sello Polydor, que le ofreció la posibilidad de lanzarse en solitario. Con el acompañamiento de Jeff Scott Soto a la voz, Jens Johansson a los teclados y el ex batería de Jethro Tull, Barriemore Barlow, produjo él mismo y grabó en 1984 el elepé que dio comienzo a una era, Rising force. Su deseo de tener un control absoluto de todo lo que tuviese que ver con su música le llevó a hacer algunos cambios en el grupo para la grabación de su siguiente elepé. En sustitución de B. Barlow entró Anders Johansson, y además se les unió el bajista Marcel Jacob. Con esta nueva formación grabó un año después Marching out, y para su siguiente trabajo, Trilogy, lanzado en 1986, el cantante J. S. Soto fue reemplazado por Marc Boals, ex vocalista de Ted Nugent. Este elepé está considerado por muchos como el mejor en la carrera de Malmsteen; en cualquier caso, el álbum le consagró definitivamente en el Olimpo de los guitarristas, debido en parte a su combinación de velocidad y melodía. Tras un desafortunado accidente de tráfico que obligó al grupo a parar durante un año y medio toda su actividad musical, volvieron en 1988 con el elepé Odissey, con la voz del nuevo miembro del grupo (antiguo integrante de Rainbow) Joe Lynn Turner. El álbum fue aclamado por la crítica y el público. Fue éste un trabajo de carácter un poco más comercial, con los solos de guitarra acortados para favorecer el ritmo de las canciones. Producido por Jeff Glixman, alcanzó el número cuarenta en las listas de elepés estadounidenses e incrementó notablemente el volumen de fans del guitarrista.



link: http://www.videos-star.com/watch.php?video=aS_IYe5JTZ4


http://www.youtube.com/watch?v=aS_IYe5JTZ4




Eric Jonhson


rock


Eric Johnson está en la lista de todos los tiempos héroes guitarra, pero su trayectoria creativa ha tomado algunas interesantes vueltas y revueltas. Se ha ganado críticas y éxito comercial, un Grammy, elogios de sus compañeros y una obashed devoción de sus fans. Sin embargo, su historia como guitarrista, vocalista, tecladista, compositor y productor no es un "típico" uno. Sin embargo, este tres de la década viaje ha llevado a su nuevo 2005 favorecida Naciones álbum de estudio 'Bloom'. "Bloom" 16 características nuevas canciones que van de la gama estilística, que siempre ha sido el enfoque de Johnson en sus álbumes en solitario. Él es uno de los muy pocos músicos de pleno éxito artístico y comercial con esta filosofía. " El rock 'n' rollo raveup "Atasco de verano" cómoda junto a la brillante cubrir Bob Dylan "Mis páginas Volver", la hipnótica "Secreto del Mar", líricamente provocación "triste legado" y la mermelada rollicking país "Homenaje a Jerry Reed. Su sorprendente ya regalos como un compositor y productor, además de su mandíbula caída-técnica de la guitarra, han crecido sustancialmente en este álbum. 'Bloom' se Johnson llamamiento a la larga los aficionados al mismo tiempo que otros nuevos en la tapa. Johnson es un nativo de Austin, Texas, que está imbuida de blues y música country. Pero la música de Johnson refleja una gama más amplia de influencias, además de blues y de los países, en particular, pop, rock y jazz / fusión. Su meticulosamente álbumes producidos casi siempre se dividen por igual entre instrumentales y vocales que muestra todas las canciones de sus intereses musicales. Por el momento Johnson ha llegado a su adolescencia, él está haciendo olas en la escena de Austin. A las 16, fue un miembro de una banda llamada Mariani y por 21, fue parte de los electroimanes, un jazz-rock con una banda de culto intenso. Grabó su primer álbum, 'Siete Mundos', entre 1976 y 1978, pero no fue liberado hasta 1998. 21 expedido el álbum con la bendición de Johnson. 'Un gestor de los derechos de propiedad a 'Siete Mundos'. Johnson de la floreciente reputación en la década de 1970 y principios del decenio de 1980 condujo a período de sesiones de trabajo con los gustos de Cat Stevens, Carole King y Christopher Cross. De hecho, que desempeñó en la Cruz 'Grammy-radicales, auto-titulado álbum debut 1980. 'Uno de los más importantes interrupciones de la carrera de Johnson fue una aparición en 1984 de la PBS de televisión "Austin límites de la ciudad». Al parecer, el Príncipe vio el rendimiento de Johnson y lo recomendó a su sello, Warner Bros Documentos. La filial de Warner Reprise Documentos firmados Johnson, y 'Tonos' fue puesto en libertad en 1986. Prince band members Wendy and Lisa even sang uncredited background vocals. Prince miembros de la banda Wendy y Lisa, incluso sin crédito cantó coros. La canción "Zap" fue nominado para un Premio Grammy por Mejor Interpretación Rock Instrumental. Johnson ya había ganado una considerable cobertura de la guitarra revistas en este punto, y su crónica de su carrera aumentado rápidamente. Johnson avance en la corriente principal con respecto a 1990 se produjo la liberación del Capitolio "Ah Via Musicom". La boyante, en cascada instrumental "acantilados de Dover" que gozan las montañas Airplay de radio a través de múltiples formatos. El platino-venta álbum fue nominado para un Grammy y "acantilados de Dover" propio Johnson ganó un Grammy por Mejor Interpretación Rock Instrumental, superando los compañeros candidatos Hermanos Allman Band, Danny Gatton, Rush y Sí. El suave, flexible instrumental "Marcas" es otra de relieve. "Ah Via Musicom" Johnson dio la distinción de más de ser el primer artista que tres instrumentales de un álbum alcanzar el Top 10 en cualquier formato. Pasó tres años en el camino de la promoción de "Ah Via Musicom" y, a continuación de gira con BB King y contribuyó a álbumes de Chet Atkins y Dweezil Zappa. En 1996, Johnson regresó con "Venus Isla 'en la Capitol. " Entre las canciones de ella incluyen "SRV" (un homenaje a su amigo, otro nativo de Texas y la leyenda de la guitarra, el difunto Stevie Ray Vaughan) y "Manhattan". Este álbum ilustrado de crecimiento de Johnson como un compositor, productor, vocalista y, quizá lo más sorprendente, el tecladista. Él promovió el álbum con el éxito masivo, por primera vez gira G3, en el que también figuran sus amigos y compañeros de guitarra virtuosos Joe Satriani y Steve Vai. El álbum en directo y de vídeo VHS casa "G3 Live en Concierto ', seguida en 1997; el DVD de vídeo vuelven a casa vino a lo largo de tres años más tarde. The video has been certified platinum. El vídeo ha sido certificado platino. Uno de Johnson favorita de lado los proyectos, además de sus propios álbumes y guesting sobre otros artistas álbumes, es el trío de extranjeros blues Amor Niño. El grupo álbum de 2000 'En vivo y más allá "Johnson fue el primer proyecto de Naciones favorecida, Vai la etiqueta. The song "Rain" was nominated for a Grammy for Best Pop Instrumental. La canción "Rain" fue nominado para un Grammy por Mejor Pop Instrumental. 2002 se produjo la liberación de 'Recuerdo'. Este popular colección de 12 previamente demos inéditas, Outtakes y grabaciones en directo que abarcan toda su carrera sólo está disponible a través de www.ericjohnson.com o en su muestra. Johnson pasó a sus fans por sorpresa, una vez más, con una gira acústica en solitario en 2004, mostrando su guitarra acústica y piano competencias. También fue honrado por Martin Guitarras con su propio modelo de la firma acústica. Ese verano, él también fue invitado por Eric Clapton a tomar parte en la encrucijada Festival de la Guitarra. Una perenne favorito en el Austin Musico Awards, Johnson y los miembros de su banda ganó una variedad de premios, en marzo de 2005 para el período 2004-05. Johnson ganó Austin Músico del Año, Mejor Guitarrista eléctrico y Mejor Guitarrista acústica, así como la colocación de alta en los hombres vocalista, tecladista y cantar las categorías. Chris Maresh fue nombrada como la mejor bajista Tommy Taylor y ganó Mejor baterista honores. La liberación de 'Bloom' y la siguiente visita serán los principales aspectos más destacados de 2005 por Johnson, pero el año empezó sin duda en una nota alta. En enero, se incorporó a Fender en la feria NAMM en Anaheim, California, para presentar su propia nueva Fender Stratocaster Signature Series guitarra.



link: http://www.videos-star.com/watch.php?video=2Sh1P0earDU


http://es.youtube.com/watch?v=2Sh1P0earDU



Si estan en desacuerdo con algun guitarrista ponganlo en los comentarios y pongan por cual lo reemplazarian

35 comentarios - Los 10 mejores guitarristas

Permafrost
Muy metalera la lista para mi gusto. Yo pondría a Eric Clapton. Ah, y Jimi Hendrix se escribe asi.
rukari
muy buena selección!
malmsteen.satriani
todos son de mis favoritos guitarristas en especial Hendrix y Stevie Ray pero todos son fabulosos!
Yo tengo un post de Guitarristas de gran variedad ninguno mejor en particular AQUI te dejo mi post por si te quieres pasar (aun esta en mejora y por agregar descargas).
Matute169
Cometiste un pecado

no esta
Los 10 mejores guitarristas


pero igual buen post =)
retrieve +1
y brian may?
SergioMalmsteen
esta buscando remplazo para freddy mercuri ... Brian May sin mercuri es como papas fritas sin sal... tienen gusto a poco... ( con la mejor de las ondas )
ikarus999
la lista esta un poco orientada al metal, y es muy arriesgado elegir solo 10 nombres...
betelijah
se te olvidò mencionar a Albert y Blues Boy King
Suicide7
ey falta Slash de Guns N Roses guey..
dgemivm
Slash no le llega a los talones a estos tipos.
juanjo1562
CREO QUE NNO AS PENSADO EN SANTANA, PARAA MI ES UNO DE LOS MEJORES.
UN SALUDO
Lucybell91
Faltan Carlos Santana y Richie Sambora
nicolinoroche1
Matute169 dijo:Cometiste un pecado

no esta
musica


pero igual buen post =)


no cometio pecado

hizo bien y tambien no esta slash perfecto
fedxmen +1
bien no esta slash y esta yngwie en numero 1
Arimoto
Y Angus Young? y Eric Clapton? y Kirk Hammett?
NegroSamoano666
desde mi punto el mundo esta lleno de guitarristas buenos y siempre sale alguno mejor que el anterior, ahi chicos de 7 años que tocan como la san puta. Pero lo que rescato de los buenos guitarras es su comportamiento en el escenario y lo que me produce al verlo.
entonces mi guitarristas favoritos segun ese criterio son angus young, jimi hendrix, itchie blackmore (no se si se escribe asi) y jimmy page, aunque estos un poco aburridos en recitales pero son zeppelin y purple!!!
gerracob
poner solo diez es muy poco faltan jeff beck gary moore richie blackmore y uno de los mejores Carlos Santana pero excelente post bato!!!
lucho_9208
y Dick Evans??? (Mas conocido como The Edege, el de U2)
JimmyHaHa
Lee Ranaldo y Thurston Moore, de Sonic Youth.
TeoMacs
y Bobby dall ? na mentira ese es de mi banda favorita de rock(? (PoisoN)
elcamel15 +1
me gustaria saber a quienes esuchaste para hacer esa seleccion...

aguante paco de lucia
dgemivm
Sin duda De Lucia, Di Meola y Mclaughlin son de lo mejor, pero la mayoria se cierra en el rock. Tambien falta Zappa en todas las listas.
fvgchippi
Te Falto john Petrucci de DT, etuvo en el G3 en BS AS con oe Satriani, Eric jhonson
KikoGuanabacoa
Pero donde quedo el Señoron Keith Richards ???? me parece inmensamente mejor que un par de los citados.
pituth
ANGUS YOUNG Y SLASH FALTARIAN..!!
CAPOS ELLOS 2!
IGUAL FUE UN MUY BUEN POST..! :twisted: :twisted: :twisted: :twisted: :twisted: ;) ;) ;)
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ALMAFUERTEEE CARAJOOOOOOOOOOOOOOOOOOOOOOOOOOOOOOOOOOOOOOOOOOOOOOOOOOOOOOOOOOOOOO!!!!
maxipinchabh
te falto el gran ERIC CLAPTON , pero igual un buen post
atavachron
y ALLAN HOLDSWORTH???
Si no saben quien es por favor busquen en esta honorable página...
mafaji
Estamos hablando de gtr de rock,y si nos ponemos a poner nombres nunca serian 10, estoy casi de acuerdo, te cambio a Page por Blackmore, pues su aporte al hard rock, neo-rock ....y su influencia en terminos generales es mas significativa, y debo reconocer, que el tipo es un neurotico insoportable, con un ego que le hincha a cuelquiera las p....bueno, pero apabullaba a clapton y a un monton.Page fue un blusero, aveces muy "oscuro o sucio" si se quiere, en sus improvisaciones, Blackmore, si estaba de humor tenia velocidad,fuides y control melodico y pienso como otros que fue el padre de los Yngwie y todos eso dedos de chicle, que vienen detras. Pero en fin no todo musico puede cambiar la escena musical, Hendrix, Van Halen y Satrianni lo hicieron.
Malmsteenfor
Yngwie malmsteen!!!!!!!!!!!!!!!!!! todos son grosos pero yngwie es mi preferido
metal_addict
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BUEN POST
Ma7y_2606
my copado pero la proxima saca al ultimo y pone a angus! muy bueno aguante el rock : Alaba: : Metal: : Headbang:
DamiSyd
te falto gilmour, blackmore, clapton, john frusciante.... se nota que te gusta el heavy nomas y que reconoces a hendrix por ser el primero en hacer musica con la guitarra y pones a vaughan porque toca lo mas parecido a barridos de pua sin tocar metal..
dgemivm
Muy respetable el ranking. Bien ahi no poniendo a Slash.
Pondria a Zappa si o si.
SergioMalmsteen
te falto el de airbag cosme fulanito... anda, dejense de joder, esta espectacular la lista, si tambien creo que falta clapton ( manolenta ) y hendrix ( negroso ) pero esta muy bien la lista man.