El post que buscas se encuentra eliminado, pero este también te puede interesar

Detrás de las canciones -Parte II-

Bienvenidos a la segunda parte del post que causó sensación (?, acá van a poder leer historias de canciones que pasaron a la historia, lo que inspiró a sus autores, sus repercusiones, y algunas curiosidades. ¿Querés ver la primera parte? Cliqueáme
Comencemos.


Detrás de las canciones -Parte II-

Don't dream it's over / Crowded house


música


"Don't Dream It's Over" es una canción de la banda neozelandesa Crowded House, que fue lanzada como single en Enero de 1987 y además fue incluída dentro del repertorio de su aclamado disco debut homónimo. Con este "temazo", esta banda de Oceanía se colocó dentro d elos rimeros lugares de los rankings en todo el planeta y con el paso de las decadas la melodía de "Don't Dream It's Over" ha pasado a ser un clásico de los 80's. Esta canción fue escrita por el vocalista y guitarrista Neil Finn en una noche de reflexión, luego de una terrible pelea con su esposa, de nombre Sharon. El guitarrista se encontraba triste en su habitación de un Hotel donde siempre se refugiaba luego de las constantes peleas y con el fin de desahogar las penas escribió esta canción. Con una letra llena de reflexiones acerca de la vida y de levanterse ante cada fin de los romances, donde nos tratan de decir que el mundo no se acaba por un amor perdido. En la parte musical, los encargados de interpretar la canción fueron, el guitarrista y vocalista Neil Finn, el multi-instrmentista Nick Seymour en bajo, en batería y coros el señor Paul Hester y Mitchell Froom en teclados. "Don't Dream It's Over" fue todo un éxito en Nueva Zelanda, donde la banda es considerada por la gente y la prensa especializada como "heroes nacionales" (?). Pero lo más impactante fue el éxito en Estados Unidos, donde esta balada logró llegar al casillero #2 del Billboard Hot 100. Esto se repetiría u tiempo despues cuando con la canción "Something So Strong," los Crowded House llegaron al Top 40 estadounidense.



queen

Tubthumping / Chumbawamba


Erasure


Personalmente esta canción me parece una especie de bazofia pegadiza, pero la incluyo considerando que sonó bastante, que su historia resultó ser más interesante de lo que uno creería; y va con una suerte de dedicación a alguien que el gusta, también. "Tubthumping"(tambien conocida como "I Get Knocked Down" ) es una canción de la banda británica Chumbawamba, la cual fue publicada como single el 11 de Agosto de 1997 solo en Inglaterra.
Gracias a esta canción la banda logró tener un éxito en ventas a nivel mundial, porque pese a los años de actividad musical nunca habían logrado tanta popularidad fuera de las islas Británicas. Esta canción aparece en el repertorio del disco Tubthumper, lanzado en Septiembre de 1997, y que es considerado la joya musical de esta agrupación anarquista, ya que en sus canciones hace una critica a la izquirda británica, a los malos tratos salariales con los obreros, el racismo y diversos temas sociales que los medios conservadores ingleses tapaban al resto del mundo.
Esta canción fue escrita de manera conjunta por todos los integrantes de la banda y su titulo se refiere a los politicos, aunque en ninguna parte de la canción se menciona esa palabra. Musicalmente la canción no es algo de otro mundo y su belleza viene de la frivolidad primaveral de sus acordes. Con muchos guiños a la música electronica, la banda se aleja de su anarco-punk para pasear por carreteras musicales mas populares para la gente y hacer de las suyas con un pegajoso coro que no deja a nadie sin tararear lo facil que es: "I get knocked down/I get up again/You're never going to keep me down"... La banda tenía bien aprendida la formula para hacer un hit popular, barato y fácil de memorizar. Obviamente, muchos fans de corazón de la banda no les gustó esta canción, ya que la consideraban un insulto hacía la fanaticada y el "vender" los ideales de la banda a las grandes marcas comerciales y discográficas. Pero la banda, en un comunicado a sus "hinchas", explicó que gracias a esos contratos su música pudo llegar a otras latitudes del planeta y hacer asi mas grande la fanaticada de Chumbawamba y esa era la solución real ante ese sueño. Al parecer la anarquia se quedó sentada en un sillón... Esta canción llegó al segundo lugar del UK Singles Charts y un mes despues se enteraron que estaban en la sexta plaza del Billboard Hot 100 de los Estados Unidos y que además en diversas partes de Europa la canción era furor en las radios. Además fue utilizada en el Mundial de Francia 98, como una de las canciones utilizadas en la final de dicho campeonato. Tambien a sido utilizada en diversos anuncios publicitarios, programas de radio y televisión y hasta la mismísimo Homero Simpson la canta en un capitulo.






historia

White Wedding / Billy Idol


Led Zeppelin


"White Wedding " es una famosas canción del cantante británico Billy Idol, que fue lanzada como single en 1982 e incluída dentro del repertorio de su disco debut, titulado con su nombre artistico. Esta canción es considerada como una de las más famosas en la carrera musical de este cantante, cuyo verdadero nombre es William Michael Albert Broad y tuvo un éxito planetario, logrando entrar en los primeros lugares de muchos rankings alrededor del mundo. Muchos críticos especularon que esta canción fue escrita por Billy Idol en repudio al matrimonio de su hermana, debido a que no se llevaba muy bien con su futuro cuñad. Pero fue el propio músico quien dijo que eso no era cierto, y que el matrimonio de su hermana solo fue una excusa para escribir esa letra que está muy alejada de enojos y disputas entre las familias de los novios. Todas estas hipotesis nacen del mensaje de la letra, donde se relata la historia de una joven que está enamorada de otra persona mientras esta en pareja. Incluso, esta malvada mujer quiere casarse con ese chico que llegó a confundir su actual relación amorosa. Con esa letra, la canción pasó a ser considerada como clásico "anti-matrimonio" y muchas veces, y "sin querer queriendo", es tocada en algunas bodas con mas de alguna pizca de ironía...Con "White Wedding" la carrera de Billy Idol tuvo un crecimiento artistico fenomenal y eso se vió reflejado en ser una de las imagenes artisticas de MTV, que potenció su raiting mostrando a este cantante de aspecto telegénico y con una bandera de chico malo, rebelde y sin causa. Musicalmente, esta canción es fenomenal, ya que mezcla diversos ganchos de New Wave con un astuto riff roquero, especialmente ligado al punk. En la música, Idol logró crear una atmosfera muy interesante con esa mezcla de riffs de guitarra y una dosis de Backbeat, alimentado por una parte de bajo muy sorprendente para el oyente. En algunos tramos de la melodía, la canción contiene sutiles toques electrónicos, incluyendo un efecto de sonido en el coro, con aires terrorificos y con una sensación increíble. Esta canción logró entrar a la casilla # 36 del aclamado Billboard Hot 100 con su versión original, mientras que en el Reino Unido la cosa fue distinta, ya que recien entró a los charts tres años despues de su lanzamiento, llegando al sexto lugar del UK Singles Charts.



detras de las canciones

Gimme Hope Jo'anna / Eddy Grant


historia de canciones


"Gimme Hope Jo'anna" es una canción del cantante oriundo de Guyana, Eddy Grant. Esta polémica pieza musical fue lanzada como single en 1988 y fue incluída dentro del disco Barefoot Soldier, que es considerado como el último disco exitoso de este gran músico y critico social. Además, esta canción fue el ultimo gran hit que tuvo en las radios Grant, ya que con el paso de los años, su carrera musical se fue en picada al suelo y hoy solo vive de los viejos hits.
Esta canción, escrita por Grant, tiene un importante mensaje político en contra del Apartheid de Sudáfrica y fue dedicada, segun palabras del propio autor, a Nelson Mandela. Es que en ese oscuro periodo politico donde la segregación racial, implantada por los colonizadores ingleses, hizo estallar una guerra social en Sudáfrica, donde Mandela fue el principal opositor a este movimiento y quedó en la historia mundial al ser considerado como un personaje legendario que representaba la falta de libertad de todos los hombres negros sudafricanos, lo cual contagió a otros paises que pasabn por el mismo problema. La misteriosa palabra "Jo'anna" no se debe a un nombre femenino, sino que es una referencia a Johannesburgo, la ciudad más grande de Sudáfrica y donde estaba el núcleo de todo este movimiento racial. En la letra de la canción, Grant deja muy en claro sus ideales pacifistas influenciados en el discurso social de Mandela, por ejemplo cuando dice "She's got supporters in high up places, Who turn their heads to the city sun", se refiere simplemente al poco apoyo internacional para ir en contra del Apartheid, especialmente de los paises que dicen ser "potencias mundiales". Además, esa frase tiene un mensaje oculto, ya que contiene un juego de palabras que hacen referencia a Sun City, que es un lujoso centro hotelero ubicado en Sudáfrica y que en 1985 tuvo cierta polémica, cuando diversas figuras del rock y el Pop, opuestos a las políticas de apartheid, prometieron no actuar nunca más en ese lugar y además criticaron abiertamente a artistas que lo habían hecho. Incluso esos artistas le dedicaron una famosa y manoseada canción, en señal de protesta... Otra frase destacable es la que dice "She even knows how to swing opinion, In every magazine and the journals", que va dedicada a todos los medios de comunicación que "vendían humo" con sus titulares que atribuían el éxito del sistema de Apartheid, mintiendo descaradamente y faltandole el respeto a toda esa gente que día a día caía muerta defendendo sus ideales. Pero Grant era muy valiente y tambien puso su critica al ejército que apoyaba el apartheid, y les declaró toda su furia describiendolos como "buitres carroñeros" que metían sus garras en fronteras vecinas como infiltrados del gobierno. Dentro de la lírica, Eddy Grant tambien le hace un homenaje al reverendo Desmond Tutu, otro de los fieles opositores de ese movimiento que en 1984 fue merecedor del Premio Nobel de la Paz. La canción fue todo un éxito en Europa, llegando a entrar en el Top Ten de las listas del Reinio Unido, Alemania, Suiza, Suecia, Alemania, Francia y Suecia. Además a sido considerada como uno de los himnos pacifistas mas coreados en Europa, y áfrica. Si son observadores, se habrán dado cuenta que en los meses pasados esta canción fue muy utilizada con motivo del Mundial de Fútbol con sede en Sudáfrica.




Detrás de las canciones -Parte II-

A little Respect / Erasure


música


"A Little Respect" es una canción del dúo británico de synth-pop Erasure. Esta canción fue incluída en su aclamado disco The Innocents, que fue publicado en Abril de 1988, y fue elegida como single promocional, siendo publicada el 19 de Septiembre de 1988 y llegó ser considerada como una de las mejores canciones canciones de esta dúo formado por Vince Clarke y Andy Bell. Era finales de 1987 y en toda Europa la gente bailaba las canciones de Erasure. Es que las melodías de canciones como Sometimes, It Doesn't Have To Be y Victim Of Love eran muy populares en los clubes de baile y eran piezas fundamentales para el fenómeno musical del Synth-pop que reinaba en los rankings del mundo. Pero estos dos chicos ingleses no se querian quedar de manos crizados y solo disfruando con la fama en los sectores donde la gente bailaba y disfrutaba este estilo musical. Con el lanzamiento de The Innocents, su fama se acrecentó a tal punto que hasta la gente que criticaba a estas bandas tuvo que rendirse a los pies del buen ritmo de las canciones de este dúo. La canción "culpable" de que esta banda la rompiera en todas las radios del planeta fue "A Little Respect", una composición de Clarke y Bell que fue lanzada como el tercer single del disco en septiembre de 1988 y rápidamente se convirtió en un clásico de la década de los 80's. Musicalmente esta canción contiene muchas bases hechas con sintetizador que estan mezcladas con una interesante parte de guitarra acústica, que le da un toque especial a esta "rola". Contiene un coro sacado del tan usado "manual para hacer un hit", que contiene un llamativo y épico falsete, que hace que todos los fanáticos empiezen a "tararearlo" minutos despues de escucharla por primera vez. La letra simplemente nos habla de un amante que le ruega a su pareja que le tenga algo de compasión y respeto ante algun error que cometió dentro de su vida amorosa.
En fin, esa mezcla de sintetizadores, letras de amor y un coro pegadizo hicieron que "A Little Respect" fuera el single mas exitoso del disco y de la historia de la banda. Una de las pocas anecdotas de esta canción dice que Bell no era muy partidario de que "A Little Respect" fuera lanzada como single ya que podría tener cierta confusión con "Respect" de la gran Aretha Franklin y podrían tener ciertos problemas legales por temor a algun plagio (especialmente por la temática de la letra). Para suerte de Clark y Bell, nada de eso pasó y la canción estuvo fuera polemicas y problemas judiciales. Finalmente, gracias a esta gran canción todo fue felicidad dentro del grupo. Es que con "A Little Respect" la banda logró seguir su buena racha en los rankings británicos, donde llegó al puesto #4 del UK singles chart y luego estuvo varias semanas en el Top 10. En Estados Unidos tambien fue todo un éxito, ya que entró al puesto #14 del aclamado Billboard Hot 100 y al segundo lugar del U.S. Hot Dance Music/Club Play chart. Con esta canción, Andy y Vince se dieron a conocer a nivel mundial con presentaciones masivas, discos de platino, discos de oro, entradas agotadas y extensas giras. Además de eso, lograron colocar una canción como emblema musical de una década y eso no lo hacen muchos...
Los videos en vivo no tienen desperdicio, la ropa y el baile le dan el toque extra que los hace inolvidables, sinceramente, nunca vi unos tacos rojos tan bien usados como en este video. Mis respetos a Erasure, y un merecido




queen

Yummy Yummy Yummy / Ohio Express


Erasure


historia


Les digo la verdad, esta la pongo solo por Homero, así que si quieren considérenla como un "bonus track"
"Yummy Yummy Yummy" es una canción de la banda norteamericana Ohio Express que fue publicada como single en 1968. Con esta pegajosa, divertida y simple melodía, la banda logró el éxito que tanto buscaban sus productores y obviamente los integrantes de la banda. Ese verano de 1968 toda la gente, de Estados Unidos y de toda Europa, bailaba sin parar al compás de "Yummy Yummy Yummy" y dejaban en claro que el fenómeno musical sesentero de los adolescentes llamado "Bubblegum" no era era algo pasajero, sino que estaba mostrando sus primeras armas melódicas para quedarse por un buen rato... Esta canción de los Ohio Express fue el inicio musical del ya mencionado género Bubblegum, que destacaba por un estilo Pop ligero, con ganchos musicales pegadizos (especialmente los coros) y letras superhipermegasimples sin caer en poesias profundas o metáforas contra la sociedad o algún personaje odiado por todos. Es que a mitad de los 60's las canciones ya estaban tomando un aire crítico hacía la sociedad, porque los músicos se dieron cuenta que una canción valía mas que mil balas en las guerras y que mil decretos contra los obreros o la represión hacía los estudiantes. Obviamente eso no le gustaba a los empresarios dueños de las radios, ya que ellos preferían la inocencia del pop, mas ritmo, mas moda y no reflexiones poéticas sobre lo que pasaba en el mundo. De ahí aparece el fenómeno Bubblegum, como una alternativa del Pop para esos (pocos) jóvenes norteamericanos que no les interesa la música de Bob Dylan, Joan Baez o The Doors, con el fin de que puedan degustar de una música dulzona con letras sin sentido, pero divertido. Aprovechandose de esta moda y las ganas de lograr fama en las radios, el famoso compositor Arthur Resnick (que tenía en su curriculum el haber escrito las famosas canciones "Under The Boardwalk" y "Good Lovin') junto a Joey Levine, voz principal de los Ohio Express, escribieron una canción que llevaba un título y coro que rezaba simplemente: "Yummy Ymmy Yummy" y la grabaron en 1968 en los estudios de Buddah Records bajo la producción de Jerry Kasenetz y Jeff Katz.
Para esta grabación la pareja de productores tuvieron la (genial) idea de usar una banda con musicos ya probados ( con mucho talento) en el estudio, con el fín de que acompañen a Levine de manera eficiente y con mucha calidad en la ejecución de sus instrumentos. Debido a esta drástica desición de los "jefes", el resto de la banda se tuvo que quedar a brazos cruzados y masticando la rabia mientras vepian a Levine dandole duro al canto en los esayos previos a la grabación de esta inolvidable canción. Hasta ahi todo iba a bien para la canción, a pesar de que el resto de la banda no participara en la grabación ni en las ideas de producción este trabajo iba viento en popa para los productores y Levine que ya se imaginaban un buen pasar de esta melodía en los charts. Solo tenían que esperar que los productores le dieran la fecha y hora en que tenían que grabarla y estaban listos para el éxito... Un día, mientras Levine y los músicos de sesión terminaban de ensayar los nuevos arreglos que le habpian hecho a la canción, los productores Jeff y Jerry se acercaron a Levine para expresarle que con esta sesión de ensayo bastaba y que la próxima semana ya la grabarían oficialmente en los estudios para ponerla como single ese mismo año. Levine quedó feliz con la propuesta y se fue a casa con una sonrisa que abarcaba todo el ancho de su cara... Pero muchas personas dicen de la sonrisa al llanto y la rabia hay un solo paso y eso le pasó a Levine cuando se dió cuenta que antes de que entre a grabar la canción, esta ya estaba sonando en las radios. Es que los productores "le jugaron chueco" al cantante de los Ohio Express y decidieron lanzar como single una arreglada versión demo que había dejado grabado Levine en los estudios días antes. Eso sí, iba con el nombre de la banda en la carátula del sencillo...
La reacción de la banda fue marcada por la rabia y el sentirse engañados porque esa versión que habían lanzado al mercado aún no estaba terminada y además los productores jamás le dijeron el por qué de ese acto, simplemente callaron para siempre el motivo del lanzamiento tan apresurado de "Yummy Yummy Yummy". Menos mal que los productores no se equivocaron con lanzar la canción en una versión "demo", puesto que "Yummy Yummy Yummy" fue todo un éxito en ambos lados del Atlántico ese mítico año 1968 (llegó al puesto #5 en el UK Singles charts y al puesto #4 del US Singles Pop) y llegó a vender un millón de copias en todo el mundo a pesar de su letra simple, su voz nasal y una melodia pegajosa y muy divertida. Con esta canción el fenómeno Pop Bubblegum estaba en su punto máximo y a los artistas elegantes plagados con mucho talento le costaría un mundo sacarlos de las radios...
Pero la canción no estuvo fuera de polémicas cuando era todo un hit en Estados Unidos. Resulta que un grupo de personas "conservadoras" acusó en varios medios de comunicación de que "Yummy Yummy Yummy" era una canción que trataba defendía el embarazo adolescente. La razón de estos individuos era que la frase "I got love in my tummy" (en español es algo asi como "tengo amor en mi barriga" ) era un mensaje que insinuaba su posición sobre ese tema.



Si señor, queda un poco ridículo en el video como con unos 60 años encima, cantando semejante pavada... Cantando... haciendo playback



Led Zeppelin

Paradise City / Guns n' Roses


detras de las canciones


"Paradise City" es una canción de la famosa banda de hard rock Guns N' Roses que fue publicada como single en 1988 y además forma parte de su aclamado disco debut Appetite for Destruction, que fue publicado un año antes (especificamente un 10 de Agosto de 1987) y que tuvo una excelente crítica por parte de los medios.
Con ese disco la banda tuvo un debut "arrollador", logrando vender cerca de 30 millones de copias y apoderandose de las listas radiales con sus exitosos singles ( de ahí tambien salen las clásicas "Welcome to The Jungle" y "Sweet Child O´ Mine". En fin, los 80's se iban con buena música de fondo... En sus casi siete minutos de duración, "Paradise City" nos trae toda la potencia y energía del rock que hacían estos cuatro chicos de Los Angeles, California y que la hizo ser uno de los singles mas exitosos de la corta pero exitosa carrera de los "Guns" y de la música de finales de los 80's (que cerraba el telón con buen rock). Escrita de manera conjunta por los cinco integrantes de la banda, "Paradise City" contiene una letra que critica abiertamente a la ciudad de Los Angeles. Le tiran duros "palos" a su sistema corrupto, a la represión en las calles por parte de la policia y nos relata con rabia como la vida se hace dura cuando el poder de los altos mandos solo esta basado en la violencia. Cabe señalar que esta misma temática la usaron para escribir la tambien clásica "Welcome To The Jungle"... Otra melodía rockera inspirada en lo que se vivía en las calles de L.A. Pero la letra tiene un contraste muy notable en el coro ("Take me down to the paradise city where the grass is green and the girls are pretty..." , donde Axl canta sobre paisajes llenos de vegetación, de la inocencia y todas las oportunidades que se pueden dar en la vida. Eso suena mas a "ironía pura" que a algun recuerdo de infancia del cantante cuando vivía en Indiana. Aunque con los Guns N'Roses nunca se sabe, pero quizás escribieron esa parte simplemente para hacer algo mas rabiosa a la canción. Pero tambien existen curiosos y estudiosos de las canciones de esta banda que sugieren a "viva voz" que esa parte de la canción fue ideada por Axl con cierta referencia a la heroína, una droga que por ese entonces era casi como un alimento para la banda. En la parte musical todo es impresionante. Una gran producción y una buena composición hicieorn que esta canción sea uno de los emblemas musicales de la banda. Por ese entonces las bandas rockeras se habían dedicado a componer comerciales "Power Ballads" pero con la llegada de los Guns la cosa cambió y los furiosos riffs de guitarra volvieron a liderar los charts. Es que con esta canción quedó muy claro que a los Guns N 'Roses no los paraba nadie. La canción contiene a un Slash brillante que nos deja de regalo potentes riffs y complicados solos desde su mágica guitarra y que son uno de los puntos fuertes dentro de la melodía. Además, Axl decidió utilizar un sintetizador en la parte inicial de la canción, cosa que pocos "amigos del rock" aceptaban pero que a los chicos de la banda les impotaba un huevo. Por eso dentro del disco Paradise City , la unica pista que lleva un toque de sintetizador es esta canción y eso le dió otro bono a la banda, ya que no se quedaban en sus guitarras ni en los rulos de batería sino que tambien buscaban innovar dentro del rock. La canción fue un hit tremente y mucha gente la tomó como un himno a la decadencia urbana de varios estados de U.S.A, adaptandola a su contextos e ideales. El resultado final fue una canción que brilla por sí sola y que se vió reflejada en el cuarto lugar que obtuvo en el Billboard Hot 100 a principios de 1989 y al sexto puesto que lograron en la lista UK Single Charts.




historia de canciones

Do you really want to heart me? / Culture Club


Detrás de las canciones -Parte II-


"Do You Really Want to Hurt Me" es una canción de la banda británica Culture Club, que fue publicada como single el 1 de septiembre de 1982 y forma parte del famoso disco debut Kissing to Be Clever, que fue la gran sorpresa musical aquel año 1982, ya que vendió muchas copias y le dió el puntapié inicial a esta gran banda liderada por el "camaleonico" Boy George . Esta canción fue escrita por el cantante Boy George, inspirada y dedicada con puño y sangre al baterista Jon Moss, que fue su pareja "secreta" durante seis años. Ambos vivieron sus aventuras amorosas cuando eran parte de la banda pero a pedido de su manager, tivieron que esconder la relación ante la prensa y los fans con el fín de evitar las polémicas en el mejor momento de la banda. Esto hizo que Boy George muchas veces se sintiera herido y muy triste, porque su amor era verdadero hacía ese joven que estaba detrás de los tambores.... Asi nace esta emblemática canción. Boy George llegó con la letra de la canción bajo el brazo a los estudios de grabación donde la banda preparaba su primer LP. Luego de tocar su nueba composición, la banda decidió ponerle ritmo de reggea a esa preciosa letra que había cantado su vocalista. Asi fue como el grupo empezó a trabajar la canción a ritmo de reggea, el cual mezclaron con delicados arreglos musicales, que hacen de la canción una pieza histórica en la musica ochentera. Luego de grabarla y editarla para el disco, la banda decidió que "Do You Really Want to Hurt Me" fuera lanzada como single promocional de su disco. En un principio, Boy Geoge se oponía a que la canción fuera lanzada como sencillo promocional, ya que consideraba que su canción era demasiado personal y contenía en sus letras una historia que lo tenía muy angustiado. Sobre ese momento crucial para la banda, Boy George comentó en una extensa entrevista con la Q Magazine en Septiembre de 2008: "Sobre esos dos primeros singles... bueno, era nuestra última oportunidad para promocionarnos. Había amenazado al resto de la banda y a los productores que si lanzaban la canción yo me iba del grupo. Es que esa canción no era del estilo de Culture Club, no eramos nosotros. Parecía más una canción de Spandau Ballet. Pero me equivoqué... Es que era una canción muy personal, además trataba sobre Jon (Moss), y de ahí en adleante todas las canciones se referían a él ...". Musicalmente, "Do You Really Want To Hurt Me", es una canción perfecta y muy bien construida a partir del reggea. Las secuencias de los acordes de guitarra y los teclados estan muy bien alineados y se complementan de manera perfecta dentro de la canción. Boy George señaló en el libro 1000 UK # 1 Hits (de los periodistas Jon Kutner y Spencer Leigh): "La música de esta canción es simple. Pero estoy de acuerdo con aquellos que dice que las canciones mas potentes del mundo son las que hablan de amor y esta es una de ellas. Todos pueden entenderlas, especialmente los jovenes que siempre están perdiendo y ganando en el amor. Al final del día, todo el mund quiere tener un amor". "Do You Really Want to Hurt Me" fue un pexito total en los rankings de todo el mundo y de paso le dió a la banda la fama necesaria para seguir en carrera por varios años mas.
Llegó al primer lugar en los UK Singles Charts, y se mantuvo ahí por tres semanas. Mientras que en Estados Unidos la canción llegó a la segunda casilla del Billboard Hot 100 en Marzo de 1983.




música

Black Dog / Led Zeppelin


queen


"Black Dog" es una canción de la famosa banda inglesa Led Zeppelin y fue publicada dentro del disco Led Zeppelin IV, que es uno de los trabajos mas aplaudidos de esta banda de Heavy Metal y que contiene una batería de éxitos y canciones que ya son de culto para los fans de esta gran agrupación rockera.
Un 8 de Noviembre de 1971 fue el día en que la banda lanzó a la venta este gran disco y a la vez el single de esta canción junto a Misty Mountain Hop en la cara B. El EP tuvo un gran éxito entre la gente, logrando entrar en los primeros lugares de varios charts del mundo y colocando a la banda en la cumbre de la popularidad en el planeta, siendo solo superados por The Beatles en ventas de discos. Esta canción que abre el cuarto disco de los Zeppelin, fue compuesta por Jimmy Page, Robert Plant y John Paul Jones en las míticas sesiones de grabación en los estudios de Atlantic Records. La historia cuenta que el bajista John Paul Jones fue quien empezó a escribir la canción luego de escuchar el disco 'Electric Mud" del gran Muddy Waters, ya que quedó impresionado con el sonido del bajo en varias de las canciones que contenía dicho disco. En pocos minutos, Jones ya tenía escrita la famosa línea de bajo y el riff de guitarra, el cual fue depurado en el estudio por los dedos del maestro Jimmy Page que le incorporó uno que otro efecto de sonido a su guitarra en la interpretación y posterior grabación. Page utilizó varias pistas de sonido en la grabación de las partes de guitarra, esto lo hizo grabando varias veces el riff y luego sobreponerlos. Aparte de eso, Page tuvo la genial idea de usar varios amplificadores dentro del estudio, para que suene potente el riff. Allí esta el secreto de esta canción... Luego de eso, Page y Bonham empezaron a grabar las partes de batería y los cortes que el guitarrista había ideado para que Plant improvise la letra de la canción. Bonham, fiel admirador del gran Little Richard, se inspiró en la canción "Keep a Knockin" para idear la parte de la batería. Ese juego entre guitarra y batería es uno de los detalles musicales mas llamativos dentro de la canción, ya que la gran interpretación de la guitarra de Page y la dureza de los golpes a la caja por parte del gran John Bonham, crea un ambiente digno del rock más ácido y que nos muestra toda la potencia de esta famosa banda en su nivel máximo de inspiración musical y experimentación en los arreglos de estudio. Al escuchar la canción, se nota que Page disfrutó como un niño tocar guitarra en esta grabación, ya que puso sus mejores solos, arregló y regrabó varias partes e incluso se dió el lujo de crear un efecto que hace pensar que se a a caer sobre el escenario luego de tanto movimientos de dedos. Luego de que sus compañeros ya tenian terminada la música, Plant empezó a escribir la letra de la canción, basandose en la idea que le planteó Jones: "Que sea una canción para bailar y saltar". Los arreglos vocales fueron ideados por Robert Plant, que se inspiró en la canción "Oh Well", que la banda inglesa Fleetwood Mac había publicado en 1969. En esta canción destacaba el hecho de que la parte vocal se cantaba sin acompañamiento musical alguno, creando un ambiente divertido en la canción. Plant tomó esa idea y la plasmó en la canción que estaban grabando. La idea del vocalista de Led Zeppelin calzó muy bien en la canción y le dió ese efecto dinámico, marcado con ecos y efectos vocales, que hace tan interesante a esta pieza clásica del rock. Terminada la canción, los cuatro integrantes empezaron a buscarle un título a su nueva creación. Se "cranearon" diversos titulos, pero nada los convencía. Días despues, la banda se dirigía a los estudios ubicados en Grange Headley, con el fin de grabar su mega-hit "Starway To Heaven". Ese día se les atravezó en el camino un enorme perro de color negro y Plant con sus compañeros, luego de mirarse las caras con risas y picardía, decidieron colocarle a su canción: "Black Dog". Así de simple, aunque dicho titulo no tiene nada qe ver con la temática de la letra... Aunque con los Led Zeppelin nunca se sabe. Así nace esta clásica y potente melodía llamada "Black Dog". Una canción que nos trae todo el "power" de este cuarteto inglés que revolucionó con sus canciones al mundo con espectaculares riffs, potentes solos de batería y una producción exquisita para el oído delos amantes del buen rock. Con su "Perro Negro", los Led Zeppelin nos demostraron todo su talento musical y nos convence del por qué son catalogados como una de las mejores bandas de hard rock de todos los tiempos.




Erasure

Solo le pido a dios / Leon Gieco


historia


"Sólo le pido a Dios" es una canción del cantauro argentino León Gieco. Fue publicada en 1978 como parte del disco LP IV y se convirtió en una de las canciones mas famosas de este cantante, llegando a ser considerada como un himno mundial de la paz por ser interpretada por diversos artistas alrededor del mundo. La historia cuenta que Gieco compuso esta canción en su natal Cañada Rosquín, y luego de terminarla se la enseñó a su padre. El padre de Gieco quedó impactado con esta canción que nacía del temor de su hijo por el conflicto bélico que estaban a punto de iniciar ese año Chile y Argentina por tratados y lineas fronterizas de tres islas en el Canal Beagle que solo hicieron dividir y debilitar. Por ese entonces ambos paises estaban en el poder de "Generales en jefe", ya que en Argentina estaba Jorge Rafael Videla y al otro lado d ela cordillera de Los Andes, se encontraba Augusto Pinochet, asi que sus mentes e ideales eran jugar a la guerra. Por ello, inspirado en la canción "A Hard Rain's A-Gonna Fall" de su idolo Bob Dylan, León Gieco escribe estos temerosos versos en una canción que no fue de su real gusto en un principio y la dejó guardada en una carpeta porque la encontró aburrida y monótona. León Gieco ya tenía elegido el "tracklist" de su cuarto disco, el cual se disponía a grabar en los meses de invierno de 1978. Una de esas noches, mientras el músico grababa y arreglaba su disco en el estudio de grabación apareció Dino Saluzzi, que era un conocido bandoneonista que había participado en una canción de ese disco llamada "Cachito Campeón de Corrientes". Debido a una confusión con un familiar de Saluzzi, el bandeonista había entendido que Gieco lo quería de vuelta en el estudio para grabar alguna canción, lo cual era falso porque Gieco ya tenía listo el disco. Luego de que el músico le contara lo sucedido al bandoneonista salteño, este le pidió a Gieco alguna canción para poder grabar y así sacar sus ganas de tocar porque el viaje a Buenos Aires "por las puras" lo tenía algo enfurecido. Para ello, León buscó esa vieja canción que había desechado por "aburrida y monótona" que llevaba como titulo "Solo le Pido a Dios" y se la interpretó a Saluzzi para que improvisara algo mientras le productor Amílcar Gilabert apretaba "play" para grabar esa toma y ver que podían hacer. La interpretación salió casi perfecta, tanto que Gieco quedó impactado con la fuerza que había tomado la canción. Luego de eso, el musico y el bandoneonista interpretaron por segunda vez la canción con algunos cambios en la tonalidad y el resultado fue un poco mejor que la anterior toma. Pero Gieco decidió coservar la magía de la primera improvisación y decidió colocar esa en el disco. Para darle más fuerza a su decisión justo en esos momentos que escuchaba el tema en el estudio apareció Charly García (prócer del rock argentino y latino) quien quedó impactado con esa canción y le dijo a León Gieco algo como "Che, está re buena esta canción, dejála así no más...". Asi nacía "Solo le Pido a Dios"... Al lanzar el disco, la canción no tuvo mucha promoción en las radios ni su mensaje tuvo mucha repercusión entre la gente. Pero en 1982, cuando la Guerra de las Malvinas dejaba al pueblo argentino herido y con mucho miedo a ser partícipes d elo peor, la canción empezó a sonar como un himno a la paz, un discurso musical ideado justamente para ese episodio bélico que nunca más debe ocurrir en Sudámerica ni en el mundo. Gieco diría en una entrevista años más tarde que " la canción pasó de ser una melodía monótona a ser un Himno nacional". En la interesante página web "Rock.com.ar" se señala sobre esta canción: "Con el paso del tiempo, el sencillo huayno dio la vuelta al mundo y hoy es una de las canciones latinoamericanas más versionadas, no solo en español. Y en algunos casos fue superhit de ventas, como cuando la interpretó Ana Belén en España, a mitad de los 80". "Solo le Pido a Dios" es una de las piezas claves en la carrera de Leon Gieco y para la música latinoamericana, ya que fue un himno contra las "inutiles" guerras, las dictaduras imperantes en esa época y hasta el día de hoy se sigue escuchando fuerte cada vez que hay problemas sociales o limitrofes entre paises de todo el mundo...



Led Zeppelin

Total eclipse of the heart / Bonnie Tyler


detras de las canciones


Ésta va para mi amigo irlandés que se que la va a disfrutar!
"Total Eclipse of the Heart" es una famosa canción de la cantante galesa Bonnie Tyler. Esta gran balada fue escrita por el productor Jim Steinman (quien trabajaba junto al cantante norteamericano Meat Loaf) para el quinto disco de Tyler llamado Faster Than the Speed of Night, que fue publicado en 1983.
El single de esta canción fue lanzado a la venta el 5 de marzo de 1983 y llegó a los primeros lugares en los rankings de Estados Unidos, Reino Unido y Canadá. De acuerdo a una entrevista que se le hizo a Steinman en Ocutbre del 2006 por el periodico australiano Herald Sun, este le habia ofrecido dos canciones al cantante Meat Leaf: "Total Eclipse of The Heart" y "Making Love Out Of Nothing At All" para que formen parte del repertorio de su disco Midnight At The Lost And Found de 1983. Pero razones de dinero y escritorio hicieron que esta canciones no fueran aceptadas por el manager de Meat Leaf. Por esta razón el productor decidió pasarle esta canción a Tyler y la otra fue aceptada por la banda Air Supply. Ambas fueron éxitos... En la grabación de Total Eclipse of The Heart participaron el baterista Max Weinberg y el teclista Roy Bittan, que eran parte de E-Streets la banda que acompañaba al famoso cantante norteamericano Bruce Springsteen. La guitarra electrica fue grabada por Rick Derringer, que fue integrante de la banda sesentera The McCoys ( eso que se hicieron famosos por "Hang On Sloopy" y que alcanzó gran fama como en 1973 con la canción "Rock and Roll, Hootchie Koo." La frase "Turn Around, Bright Eyes" fueron cantados por el cantante canadiense Rory Dodd, quien partició en varias canciones compuestas por Jim Steinman e hizo coros en varios discos de artistas famosos como: Carly Simon, Barry Manilow, Barbra Streisand, Lou Reed, Julian Lennon y Billy Joel. Esta balada le dió otro rumbo a la carrera de Tyler y fue el eje fundamental para la fama internacional que tanto buscaba. De hecho se convirtió en el primer artusta galés en llegar al número uno del famoso Billboard en EE.UU. Sin lugar a dudas, esta canción es la mas exitosa de la carrera artistica de Bonnie Tyler y llegó a vender, en 1983, mas de 60.000 copias por día, y en total ha llegado a vender cerca de 6 millones de copias.




historia de canciones

Riders of the storm / The doors


Detrás de las canciones -Parte II-


"Riders on the Storm" es una canción del grupo estadounidense The Doors. Esta experimentación musical, compuesta por los cuatro integrantes, de la banda fue publicada como single en diciembre de 1970 para promocionar el disco L.A. Woman de 1971. Esta gran canción, que segun el guitarrista Robby Krieger está inspirada en el clásico de la música country "(Ghost) Riders in the Sky: A Cowboy Legend", fue grabada en el estudio Doors Workshop en diciembre de 1970 con la ayuda del ingeniero Bruce Botnick, que durante mucho tiempo fue el co-producción de sesiones de grabación de estos cuatro chicos de Los Angeles, California. La pista incorpora efectos de sonido reales de truenos y lluvia hechos con el piano electronico Fender Rhodes de Ray Manzarek. Por otra parte, Jim Morrison grabó la voz principal y luego agregó algunos susurrós sobre la letra para crear ese efecto inquietante que da un tono misterioso a la canciòn, que ademas seria la ultima grabacion que haria el denominado The Lizard King con The Doors. Existen tres teorias sobre la inspiración de la temática lírica de esta canción. Algunos dicen que está basada en el sádico Billy Cook que fue condenado a la camra de gas, quien mató a una familia en Illinois, luego de ese trágico acto, en la carretera hizo parar a un auto y mató a la familia que le recogió (muchos dicen que esto se debe por la frase There's a killer on the road...). Además hay un dato que le dá mas peso a esta teoria y es que Morrison escribió un guión teatral llamado "The Hitchhiker", donde el personaje principal, de nombre Billy, mientras camina por una autopista asesina a un hombre, un alguacil, y una familia completa. La segunda tesís es que, según una leyenda urbana, esta canción tiene relación con un trágico accidente causado por un vehículo que conducia a alta velocidad y que, al chocar con un camion, mató a varios indios de la tribu Navajos (la tribu mas numerosa de E.E.U.U) que venian en el interior. La ultima idea sobre la temática de esta canción, es aquella que dice que la bada quería hacer una versión alternativa de un famoso poema surrealista francés de 1930, titulado Chevaliers de l'Ouragan (en español "Jinetes del huracán" escrito por Louis Aragon. La canción fue un gran éxito para esta famosa banda de rock, ya que alcanzó el puesto #14 en el Billboard Hot 100 estadounidense, el #22 en las listas de singles del Reino Unido, y el número séptimo puesto en Holanda.



música

It's a sin / Pet shop boys


queen


"It's a Sin" es una canción del duo electronico Pet Shop Boys con la cual llegaron al puesto #1 en los UK Singles Chart donde se mantuvieron por tres semanas en junio de 1987. Fue escrita por Chris Lowe y Neil Tennant para su disco Actually realizado en 1987. La canción trata de una descripción que hace Tennant sobre el trato y la educación católica en el St Cuthbert's High School en Newcastle, Inglaterra. La canción contiene gran cantidad de frases en latín (concretamente, Tennant recita una parte del Confiteor , que es una oración en latín de la liturgia católica, grabados en lugares como la Catedral de Westminster) y de varias imágenes religiosas que son usadas pra darle mas peso al mensaje de la canción. Tennant ha dicho que escribió la letra de este tema en tan solo 15 minutos bajo una sensación de frustración y enojo por sentir esa forma de enseñanza como dañina y peligrosa. Esa frase en latín que se peude escuchar al final de la canción se traduce como: "Yo confieso ante Dios todopoderoso, y mis hermanos, que he pecado mucho en pensamiento, palabra, acto y omisión, por mi culpa, por mi culpa, por mi gran culpa ". Este es pate de un rezo catolico muy usado en las misas. Este tema nos muestra un estilo mas teatral en la musica de los Pet Shop Boys, dandole toques dramaticos cargados con sintetizadores y una gran parte orquestada por cuerdas que le da un toque impresionante a esta canción. Como ya hemos mecionado esta canción fue un gran exito para el dúo ingles, llegando a los primeros lugares de los rankings en toda Europa y fue el sencillo mas vendido del año 1987 segun las estadisticas disqueras. En los Estados Unidos alcanzó el lugar # 9 en el Billboard Hot 100, convirtiéndose en el tercer single de la banda en llegar al Top 10 en tierra norteamericana. La canción tambien tuvo su momento de controvercia cuando dias despues de lanzar el single el DJ ingles Jonathan King acusó a los Pet Shop Boys de haber plagiado la melodía del hit de Cat Stevens "Wild World" editado en 1971. El DJ hizo varias declaraciones al diario "The Sun" hasta escribir una columna donde relata el por qué el acusa de plagio. Esto llevó a que el "pinchadiscos" se vaya a tribunales con la banda inglesa donde fue demandado. Al final el duo ganó el juicio y el dinero que tuvo que pagar King fue donado a obras de caridad.



Erasure

Dream on / Aerosmith


historia


"Dream On" es una canción de la banda Aerosmith. Esta canción tiene la particularidad que fue su primer sencillo de su álbum debut homónimo. Fue escrita por el vocalista Steven Tyler y fue el primer gran éxito de la banda. El sencillo fue lanzado en julio de 1973 y alcanzó solo el puesto 59 en las listas norteamericanas. Sin embargo, en Boston, lugar de origen de la banda, "Dream On" ocupó las primeras posiciones en las listas. La estación de radio WBZ-FM (que nombres raros eh!!) oriunda de Boston la designó como el sencillo más popular de ese año. En 1976 fue lanzada la versión del disco (distinta a la que lanzaron en 1973) y llegó al puesto 6 en la lista de los Billboard.
Cuado la banda interpreta esta canción en vivo, Steven Tyler suele tocar la parte del piano. La banda también ha interpretado "Dream On" junto a una orquesta en varias ocasiones y escenarios. A inicios de 1990, la banda tocó esta canción con una gran orquesta para el décimo aniversario de MTV. Adicionalmente, en 2006, Steven Tyler y Joe Perry tocaron la canción junto a la Boston Pops Orchestra para un espectáculo del Día de la Independencia de los Estados Unidos. "Dream On" es una de las canciones más exitosas de la banda y fue su sencillo más popular durante los setentas. Desde entonces, la canción ha aparecido en la mayoría de los álbumes recopilatorios de Aerosmith, incluyendo Live! Bootleg, Greatest Hits, Classics Live I and II, A Little South Of Sanity, Young Lust: The Aerosmith Anthology, O, Yeah! Ultimate Aerosmith Hits, Rockin' The Joint y Devil's Got a New Disguise. Tan famosa llegó a ser esta canción que pasó a formar parte de la lista del Salón de la Fama del Rock en su sección de las 500 canciones que dieron forma al rock and roll. También ocupó la posición 172 en la lista de Rolling Stone de las 500 mejores canciones de todos los tiempos.




Led Zeppelin

Start me up / The Rolling Stones


detras de las canciones


"Start Me Up" es una famosa canción de la banda The Rolling Stones. Esta famosa pieza del rock fue compuesta por Mick Jagger y Keith Richards para el álbum Tattoo You lanzado en el año 1981. La primera versión que se hizo de "Start Me Up" se grabó en Múnich durante las sesiones de estudio del disco Black and Blue y una segunda en las sesiones de 1978 para Some Girls. Los nombres dados a estas versiones eran Never Stop y Start It Up; ademas cabe señalar que la canción tenía originalmente un sonido más tirado al estilo "reggae". Pero fue en 1981, cuando el productor Chris Kimsey le propone al vocalista de los Stones, Mick Jagger, usar las canciones archivadas para un nuevo álbum con vistas a realizar una nueva gira mundial. Así fue que Kimsey decidió grabar este tema que estaba olvidado en alguna repisa o velador pero esta vez con un sonido mucho más rockero dejando de lado la idea que tenga una onda jamaicana. Luego de eso la cinta fue a Nueva York. Ahí se le dan los toques finales a la canción, incluyendo el cambio en la letra de "start it up" a "start me up" y la eliminación de la parte de bajo eléctrico. El resultado fue un exitazo mundial para la banda. Start Me Up alcanzó el puesto número 2 en los Estados Unidos y el 7º en la lista de éxitos británica en agosto de 1981. Fue el último sencillo de los Stones en ingresar en el Top 10 en el Reino Unido. Ademas le dió ese toque "ochentero" a la banda, que por ese entonces llegó a hacer bailar y gozar a esa nueva juventud. La banda se adaptaría facilmente a esa epoca de peinados raros, plastico y canciones raras gracias a un riff pegajoso y la energia de una banda "demoniaca".



historia de canciones

We will rock you / Queen


Detrás de las canciones -Parte II-


We Will Rock You es una famosa canción de la banda britanica Queen. Fue compuesta por el guitarrista de la banda y doctor en astronomia Brian May. Fue editado por primera vez en el disco News of the World (1977) y reeditada varias veces en las numerosas recopilaciones (grandes exitos, discos en vivo, Bootlegs y cuanto disco mas) sacadas a la venta luego de la muerte del líder de la banda Freddie Mercury. Cabe destacar que el videoclip de la canción fue grabado en el patio trasero de la casa del baterista Roger Taylor. En el plano musical, la canción cuenta con un un ritmo cuadrado y conciso con voces fuertes y un coro tipo himno, acompañados con batería, palmas y un solo de guitarra. Dichos efectos de percusión fueron creados por la banda simplemente sobrecopiando los sonidos de pisotear el suelo y hacer palmas, con ello recrearon ese sonido como si todo un ejercito de personas golpeara al mismo ritmo, lo mismo hicieron en el coro. También existe una versión que Queen realizó para empezar sus conciertos en la promoción del disco a finales de los setentas y comienzo de los ochentas. Esta versión era mas rápido y mucho mas rockera (se conoce como "fast version" e incluía guitarra, bajo y batería en toa la pista. Esta versión a pueden encontrar en los discos "Live Killers" editado en 1979 y en el dicos en vivo Queen Rock Montreal (2007). tambie se encientra en el disco Queen On Fire- Live at the Bowl publicado en el año 2004. Esta versión mas roquera tambien está disponible en una versión de estudio. En 1977, la banda la grabó especialmente para el show de John Peel en la BBC Radio 1. Esta versión se encuentra en un cd raro editado en Italia llamado "Queen - We Will Rock You". Hasta hoy día, el tema sigue siendo parte de los cánticos tradicionales de aliento en los estadios de fútbol, baloncesto, y de varios equipos deportivos alrededor del mundo. Tambien, esta canción da nombre al musical producido porel comediante, escritor y director británico Ben Elton y supervisado por Brian May.



música

Rock me Amadeus / Falco


queen


Rock Me Amadeus es una famosa canción del cantante austríaco Falco, editada en 1985 para su disco Falco 3.
Este gran hit ocupó las primeras posiciones de las listas de singles en ambos lados del Atlántico.
Cabe señalar que fue el único gran éxito de Falco en Estados Unidos, y uno de los dos únicos singles en alcanzar el Top 10 en el Reino Unido, a pesar de su popularidad en Alemania y su Austria natal, además de su fanaticada en otras regiones de Europa. Como datos de este clasico ochentero podemos señalar que fue grabada en alemán y su tematica es sobre Wolfgang Amadeus Mozart, donde habla sobre su popularidad y sus deudas a la sociedad. Tambien existe una versión más larga (de ocho minutos), llamada "Salieri Mix" (excelente titulo)la cual apareció en el lanzamiento inicial del disco Falco 3 en Estados Unidos. Tambien se dice que la canción está inspirada en la película Amadeus. Para el lanzamiento en Estados Unidos la canción fue remezclada por DJ Chris Modig. La popularidad de "Rock Me Amadeus" lo llevó a alcanzar el número uno en el Billboard Hot 100 el 29 de marzo de 1986. Es por ello que a Falco lo consideran un artitas one-hit wonder (artista de un sólo éxito) en Estados Unidos debido a las bajas posiciones que alcanzaron sus otras canciones que siguieron a "Rock Me Amadeus". Sin embargo, Falco tuvo un éxito anteriormente en 1982 con su canción "Der Kommissar", y su siguiente single del álbum Falco 3, "Vienna Calling", que alcanzó el #18 del top 100. "Rock Me Amadeus" está en el puesto #44 del ranking de la lista de los 100 mejores One-Hit Wonders, de la cadena de televisión musical VH1, y en el #87 del top 100 de las mejores canciones de los 80s, también de la VH1. La misma suerte tuvo este tema en el Reino Unido, donde alcanzó el número uno el 10 de mayo de 1986, convirtiéndose en el primer single de un artista austríaco en lograr esta posición. En el Reino Unido, Falco también se considera un one-hit wonder, aunque su canción "Vienna Calling" alcanzó el top 10. Falco también se convirtió en el primer artista de habla germana que alcanzó el número 1 en las listas principales de los Estados Unidos (Billboard Hot 100, ARC Top 40 y US Cashbox).




Erasure

Yellow submarine / The Beatles


historia


Yellow Submarine es una canción de la famosa banda The Beatles grabada para su album del año 1966 "Revolver" entre el 26 de mayo y el 1 de junio de 1966, en los estudios estudios Abbey Road 2 y 3. Segun biografias de la banda, se cuenta que Paul escribió esta canción una noche mientras estaba tendido en su cama en esa etapa del sueño cuando una persona se encuentra en un ciclo REM, es decir, entre dormido y depierto, y simplemente se le vino a la cabeza un submarino amarillo, siendo que "en ese estado mental se suelen pensar cosas extrañas... o mejor dicho estupideces". Esto es como "soñar despierto". Muchas veces se ha dicho que el tema fue hecho bajo el efecto de las drogas (especialmente el LSD) pero esto fue rapidamente desmentido por Paul McCartney quien señaló que era simplemente una canción para niños. Tambien señaló en otras entrevistas que lo único que relacionaba con submarino amarillo eran unos dulces azucarados que él había probado alguna vez en Grecia. Inevitablemente la juventud comenzó a nombrar a las drogas duras como "Yellow Submarine". Una caracteristica especial de esta canción son los "efectos especiales" donde podemos oír a Paul y a John haciendo burbujas en un balde con agua, a Alf Bicknell sacudiendo una cadena en una tina y a Brian Jones (de The Rolling Stones) haciendo chocar vasos de cristal. La canción cuenta con la voz principal del baterista Ringo Starr con la seguda voz de John Lennon y Paul McCartney. En la parte del coro se puede oir cantar aparte de los cuatro integrantes de la banda a Neil Aspinall (asistente de la banda),George Martin (productor de la banda), Geoff Emerick, Patti Harrison, Brian Jones (integrante de los Stones), Marianne Faithfull (cantante y actriz britanica, ademas de novia de Mick Jagger) y Mal Evan (asistentes y roadie de la banda).



Led Zeppelin

Terminamos por hoy

detras de las canciones

historia de canciones

19 comentarios - Detrás de las canciones -Parte II-

Clondemimismo
Total eclipse of the heart / Bonnie Tyler

DIOS!!!!!!

Un temazo, gracias...

como siempre... con calidad y por eso +10


Pitbullina dijo:Ésta va para mi amigo irlandés que se que la va a disfrutar!


Ese tipo es un suertudo...
don_patron
Clondemimismo dijo:
Ese tipo es un suertudo...

eh?? por que??
en fin... y el post de las "patas de pollo" cuando
djwilson82
interesante, me recordo canciones que hace mucho no oia
Gainan
muy bueno te dejo 10
GU13
encuentra en un ciclo REM, es decir, entre dormido y depierto, y simplemente se le vino a la cabeza un submarino amarillo, siendo que "en ese estado mental se suelen pensar cosas extrañas... o mejor dicho estupideces".


yo vivo en en estado REM entonces :B


arteinentendible
buenisimo che!! no tengo puntos ni pude terminar de leerlo hoy, pero va a favorito. gracias.
Clondemimismo
quiero la tercera parte!!!!!!!!!!!!!!!
daaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaleeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeee
te aumento la cuota de favores en uno mas
Rafa_85 +1
Excelente +10 Saludos
paulosg
Interesante!!!
+10