Jazz.Parte 1.

Jazz.Parte 1.

musica

info

Bienvenidos a mi muy extenso post del Jazz,espero lo disfruten.


discos

HISTORIA DEL JAZZ


1. ¿Que es el JAZZ?

2. Caracteristicas

3.Instrumentos

4. Agrupaciones

5.Evolución y estilos






1. ¿Que es el Jazz?



El jazz es un tipo de música dificil de definir. Como muchas otras artes se explica a si mismo, y solo la experiencia de su audición permite comprenderlo.

LAS RAICES.

El jazz es el fruto del encuentro de la tradición musical africana y la europea, en un escenario preciso, Estados Unidos, a raiz de la llegada de los esclavos negros desde principios del siglo XVII.

En el siglo XIX, la religión cristiana ( sobre todo las iglesias baptista y metodista) fue impuesta a muchos de estos esclavos, que encontraron en los texos del Antiguo Testamento numerosas analogias aplicables a su propia situacion y en las corales una forma de expresión musical.

Esos salmos se conoce como GOSPELL, canto religioso que adopta formas diversas: la prédica del pastor, los grupos vocales y gran número de solistas especialmente femeninas.

El BLUES, El blues es una estructura de doce compases, que utiliza las llamadas < blue notes < , alteraciones de la tercera y séptima notas de la escala, pero el blues es mucho mas, hay quien lo traduce por tristeza, aunque es mas acertado la la definición de los propios cantantes de blues: < Blues is a feeling< , es una sensación, un sentimiento.

Por otro lado surge en Saint Louis hacia 1870 un estilo pianistico, que sin llegar a ser jazz se acerca mucho por su carácter dinámico y saltarin, es el RAGTIME.

El nacimiento del jazz se pierde en esa confluencia de formas y estilos musicales de la cultura afroamericana que se producea finales del siglo XIX: el gospell, el blues, el ragtime, las marchas militares, la música de baile europea...Toda esta mezcla creará el transfondo sobre el que Jerry Roll Morton se permitiria autoproclamarse < inventor del jazz<


CARACTERISTICAS


Superposición de ritmos regulares e irregulares, con la utilización de notas a contratiempo y sincopas.

La improvisación. La forma mas comun de los temas de jazz clásico es la forma canción . El musico de jazz al improvisar crea nuevas melodias, puede hacerlo adornando las melodias existentes o creando nuevas lineas por encima de las armonias dadas, que están en la base de toda la composición.


INSTRUMENTOS


El jazz es una música de raiz africana con elementos occidentales, esto se refleja en los instrumentos.

- Ritmicos : Bateria, contrabajo.

- Melódicos : Piano, Trompeta, Saxofon, Guitarra.


AGRUPACIONES


-TRIO : Formado generalente por dos instrumentos rimicos (bateria y contrabajo) y uno melódico, que suele ser el piano o la guitarra.

-CUARTETO : Es quizas la agrupacion mas caracteristica, consiste en añadir a la anterior un instrumento de viento, trompeta o saxofor.

-BIG BAND : Las más comunes cuentan con una seccion de ritmo (piano, contrabajo, bateria y guitarra) y otra de viento (saxofones, trompetas y trombones).


EVOLUCIÓN Y ESTILOS.


-Estilo Nueva Orleans.

Esta ciudad fue la cuna del jazz, aqui nació Jerry Roll Morton, que si bien no inventó el jazz, si fue uno de los primeros musicos que tuvo conciencia de esa musica. En este primer jazz todavia se aprecian claramente los lazos con la musica de pasacalle y con el ragtime.

-Nueva York y Chicago en los años veinte.

En los primeros años veinte el jazz encontró refugio en los locales de los traficantes de alcohol. Ya en 1923 las orquestas de King Oliver y de Jerry Roll Morton comenzaron a grabar discos que anunciaban el jazz <tradicional< que tendria en Louis Armstrong a su más popular representante. Tambien era la epoca de Paul Witheman con su versión de < Rhapsody in Blue < y sobre todo la orquestra de Duke Ellington.

-La era del swing.

En la segunda mitad de los años treinta el jazz alcanzó uno de sus grandes momentos de exito. El estilo se conoce como < mainstream < ( corriente principal), época entermedia entre el jazz tradicional y el jazz moderno.

-Los años cincuenta : bebop, coul y rhythm and blues.

En la relavivamente breve historia del jazz , apenas un siglo, los cambios han sido varios. Lo que en principio parecian modas son en realidad estilos.

El club Minton´s Playhouse seria la cuna de un nuevo estilo, el bebop. Mientras tanto el rhythm and blues, la forma más popular de la musica afroamericana, habia alcanzado un desarollo imparable gracias a figuras como Ray Charles, Louis Jordan, fats Domino, o Chuk Berry .

-The New Thing.

Mientras una parte de la musica afroamericana alcanzaba una dimension como nunca se habis conocido, el jazz veria el advenimento de la < New Thing < o Free Jazz, (improvisación). Aún hoy el free jazz tiene más fama en Europa que en Estados Unidos. Buena parte de los musicos del free jazz, exelentes instrumentistas, fuero poco a poco abandonando este callejón sin salida que les conducia a una situación de incomprensión musical generalizada.

-Los años setenta.

Como en los años del bebop, surgirán de nuevo las polemicas y muchos consideraba a Miles Davis y a su jazz-rock fuera del jazz o todo lo mas como un género menor. Los años setenta no significaron, ni mucho menos, el final del jazz y de la musica afroamericana en general, sino una nueva etapa de transición.

-Vuelta a los origenes.

Los años ochenta significaron en cierta manera un proceso de clarificación, Miles Davis regresó a los escenarios tras una larga ausencia rodeado de musicos jovenes. El jazz recibia apoyo insitucional, incluso en España el gobierno subvencionaba giras y conciertos.

En los años noventa el jazz está mas presente que nunca en la actualidad musical. El rap, la recuperación del bebop, el revival del soul, los éxitos comerciales del funk, la aparición de nuevas bandas del mas puro esstilo Nueva Orleans, la actualidd del blues o incluso el éxito en las discotecas del acid jazz - son sintomas de la buena salud de esta musica con el nombre < Jazz< .


instrumentos

Eso fue solo un comienso,algo licht,ahora lo que verdad implica el posts.Y hay mucho mas.

imagenes

El blues, cuyo origen se remonta a las canciones folclóricas de Africa y a la música religiosa cristiana, es un lamento con un dejo de resignación y frecuente humor. Entre las primeras grandes voces que se grabaron sobresalieron las de muchas mujeres, incluyendo a Gertrude "Ma" Rainey (1886-1939) y a Bessie Smith (1900-1937). Por lo común, el blues moderno es interpretado por pequeñas bandas que destacan en primer plano la guitarra eléctrica y otros instrumentos, al igual que la voz del cantante. Entre los más populares músicos de esta vertiente se encontraban Muddy Waters (1915-1984) y B. B. King (nacido en 1925).

Cuando los músicos de blues y de dixieland depuraron sus técnicas instrumentales, nació el jazz, que tiene como una de sus características vitales la improvisación. Por lo general, los músicos escriben una estructura armónica básica y las otras partes se crean espontáneamente basadas en la música que interpreta el resto del grupo.

Alrededor de 1920, el jazz se extendió desde el sur conforme los músicos negros se mudaron a Chicago y New York. El más influyente de los primeros músicos de jazz fue el trompetista Louis Armstrong (1900-1971). Nacido en New Orleans, una de las cunas del jazz, Armstrong fue asimismo el primer cantante famoso de este género y creador del scat, un recurso que consiste en utilizar la voz como instrumento, cantando sílabas sin sentido. Otro de los más destacados jazzistas de esa generación fue Duke Ellington (1899-1974). Pianista, director de orquesta, compositor y arreglista, Ellington tuvo un enorme impacto en la composición y ejecución de la música de jazz.

Cada nueva generación del jazz ha explorado nuevas direcciones. A principios de los años 40 surgió un estilo complicado llamado bebop, apoyado por el trompetista "Dizzy" Gillespie (1917-1993) y el saxofonista Charlie Parker (1920-1955), el improvisador más grande del jazz.

En los años 60, músicos de jazz como el trompetista Miles Davis (1926-1991) y el saxofonista John Coltrane (1926-1967) experimentaron con las más variadas influencias musicales. Los más jóvenes empezaron a introducir ritmo de rock and roll. Luego, en los años 70, muchos músicos de jazz experimentaron con instrumentos electrónicos y crearon una mezcla de rock y jazz llamada fusión. En los años 50, el jazz había empezado a gozar de amplia popularidad como uno de los bienes culturales más importantes, aumentando su auditorio entre los intelectuales y los estudiantes de nivel superior. Hoy es parte de la corriente principal del espectáculo en Estados Unidos, y los conciertos de jazz atraen a muchos miles de oyentes cada año.

El jazz ha tenido una influencia enorme sobre toda la gama de música de Estados Unidos. En ninguna obra puede observarse más claramente tal influencia que en la de George Gershwin (1898-1937), uno de los más prestigiosos compositores de este siglo. Compositor de canciones populares, Gershwin también creó una serie de comedias musicales para los escenarios de Broadway. Sus más notables trabajos se han convertido eh clásicos modernos, los primeros en incorporar con éxito el jazz a formas tomadas de la tradición europea. Entre ellas están el concierto "Rapsodia en Azul" (1924), y la ópera "Porgy and Bess" (1935).


parte 1

1. ¿Qué es el JAZZ?. Conceptos previos


El jazz es un tipo de música difícil de definir, puesto que en la mayor parte de los casos su estudio teórico se ha abordado desde los principios de la música clásica por musicólogos europeos y el jazz se resiste a ser abordado desde fuera de su propio universo.

El jazz, como muchas otras artes se explica a sí mismo, y sólo la experiencia de su audición permite comprenderlo.


Las raíces. El jazz es el fruto del encuentro de la tradición musical africana y la europea, en un escenario preciso, Estados Unidos, a raíz de la llegada de los esclavos negros desde principios del siglo XVII.

En el siglo XIX, la religión cristiana (sobre todo las iglesias baptista y metodista) fue impuesta a muchos de estos esclavos, que encontraron en los textos del Antiguo Testamento numerosas analogías aplicables a su propia situación y en las corales una forma de expresión musical.

Con el paso del tiempo esos salmos teñidos de tradición africana darían lugar a lo que se conoce como GOSPELL, canto religioso que adopta formas diversas: la prédica del pastor, los grupos vocales y gran número de solistas especialmente femeninas.

La música religiosa convivía con la profana: canciones de plantación, baladas, y otras formas de expresión popular, tanto africanas como europeas, que alimentarían uno de los grandes pilares de la música afroamericana, el BLUES. Si nos atenemos a criterios musicales el blues es una estructura de doce compases, que utiliza las llamadas “blue notes”, alteraciones de la tercera y séptima notas de la escala, pero el blues es mucho más, hay quien lo traduce por tristeza, aunque es más acertado la definición de los propios cantantes de blues: “Blues is a feeling”, es una sensación, un sentimiento.

Por otro lado surge en Saint Louis hacia 1870 un estilo pianístico, que sin llegar a ser jazz se acerca mucho por su carácter dinámico y saltarín, es el RAGTIME, su característica principal es la superposición de un ritmo regular tocado por la mano izquierda y un ritmo sincopado que va haciendo la mano derecha, a veces también utiliza las “blue notes”. Su origen parece ser que está en las danzas que bailaban los esclavos parodiando a sus amos. Las partituras de ragtime se grababan en “rollos de cartón” para piano mecánico o pianola y su músico más representativo fue Scott Joplin.

El nacimiento del jazz se pierde en esa confluencia de formas y estilos musicales de la cultura afroamericana que se produce a finales del siglo XIX: el gospell, el blues, el ragtime, las marchas militares, la música de baile europea....Toda esta mezcla creará el transfondo sobre el que Jerry Roll Morton se permitiría autoproclamarse “inventor del jazz”.

jazzistas

2. Características


- Superposición de ritmos regulares e irregulares, con la utilización de notas a contratiempo y síncopas. Ambas consisten en una alteración del ritmo, se trata de acentuar una parte débil del compás, pero mientras que la síncopa continúa en la parte fuerte, las notas a contratiempo terminan antes de comenzar la parte fuerte siguiente.

- La improvisación. La forma más común de los temas de jazz clásico (anterior al free jazz, años 60) es la forma canción (AABA). Cada una de las partes suele tener 8 compases. El músico de jazz al improvisar crea nuevas melodías, puede hacerlo adornando las melodías existentes o creando nuevas líneas por encima de las armonías dadas, que están en la base de toda la composición.

Historia del jazz

3. Instrumentos

El jazz es una música de raíz africana con elementos occidentales, esto se refleja en los instrumentos se utiliza. Fundamentalmente se dividen en dos clases: los que marcan el ritmo (rítmicos) y los que tocan la melodía (melodía).

- Rítmicos: Batería. Se empezó a utilizar muy tempranamente pero como un instrumento secundario, que acompañaba a los solistas. Pronto se convirtió en uno de los más importantes de cualquier formación.

Contrabajo. Tocado directamente con los dedos. A veces se sustituía por una tuba.

- Melódicos: Piano. Utilizado ya en el ragtime, pasó al jazz como instrumento protagonista.

Trompeta. Tuvo una importancia enorme hasta los años 40 en que fue remplazada por el saxofón. Antes de la trompeta se empleaba un instrumento parecido, la corneta.

Saxofón. Se puso de moda con Coleman Hawkins y pasó a convertirse en solista a partir de la revolución de Charlie Parker.

Banjo. Era el instrumento más importante de la música popular norteamericana. Se utilizó hasta los años 20, luego cayó en desuso sustituido por la guitarra.

famosos de la historia

4. Agrupaciones

Las agrupaciones instrumentales en jazz son muy variadas, pueden ir desde un instrumento solista a grandes bandas de hasta 50 músicos. Las más comunes son:

- TRIO. Formado generalmente por dos instrumentos rítmicos (batería y contrabajo) y uno melódico, que

suele ser el piano o la guitarra. Esta agrupación se puso de moda a partir de los años 40 con el inicio del jazz moderno.


- CUARTETO. Es quizás la agrupación más característica, consiste en añadir a la anterior un instrumento de viento, trompeta o saxofón. En un QUINTETO habrá dos instrumentos de viento.


- BIG BAND. Las más comunes cuentan con una sección de ritmo (piano, contrabajo, batería y guitarra) y otra de viento de viento (saxofones, trompetas y trombones). La época más importante de este tipo de agrupaciones fue en los años 30 o “era swing”.

Jazz.Parte 1.

5. Evolución y estilos.


Estilo Nueva Orleans. Esta ciudad fue la cuna del jazz, aquí nació Jerry Roll Morton, que si bien no inventó el jazz, sí fue uno de los primeros músicos que tuvo conciencia de que esa música, en la que se entremezclaban tantas influencias y que partía de una tradición un tanto difuminada, era una “nueva” música. En este primer jazz todavía se aprecian claramente los lazos con la música de pasacalle y con el ragtime. Figuras indiscutibles de este momento son los cornetistas Buddy Bolden y posteriormente King Oliver

Pronto los grupos de jazz comenzaron a emigrar a otras ciudades de Estados Unidos, como Nueva York o Chicago, y en 1917. Tras la clausura del barrio de Storyville, (en el que a lo largo de veinte años habían encontrado cobijo la prostitución y toda su infraestructura recreativa), esa emigración fue masiva.



Nueva York y Chicago en los años veinte. En los primeros años veinte el jazz encontró refugio en los locales de los traficantes de alcohol. Ya en 1923 las orquestas de King Oliver y de Jerry Roll Morton comenzaron a grabar discos que anunciaban el jazz (a posteriori llamado “tradicional”) que tendría en Louis Armstrong a su más popular representante.

Armstrong, al frente de sus Hot Five primero y luego con los Hot Seven, consiguió que el jazz diera un salto enorme en su evolución al imponer la expresión personal del solista frente a la improvisación colectiva entretejida que caracteriza el estilo de Nueva Orleans.

Otra gran figura fue la de Bix Beiderbecke, un trompetista blanco cuyo original fraseo y prematura muerte hicieron de él un mito del jazz de esa época

Junto a ese florecimiento de los solistas, los años veinte conocerían el inicio del esplendor de las grandes orquestas, como la de Paul Witheman, que se consagraría entre el gran público con su versión de “Rhapsody in Blue” de George Gerswhin, la de Fletcher Henderson, con solistas como Rex Stewart a la trompeta o Coleman Hawkins al saxo tenor y sobre todo la orquesta de Duke Ellington



Los años de la Depresión. El crac económico de 1929 afectó gravemente a numerosos músicos que se vieron alejados de los estudios de grabación y de los escenarios, sin embargo el público seguía reclamando espectáculos y las orquestas ya establecidas siguieron conociendo un auge imparable al que se sumaría, entre otras, la de Count Basie, considerada por muchos la mejor orquesta de jazz de todos los tiempos.
De estas orquestas surgirán numerosos solistas de enorme personalidad. Figuras singulares de este momento son el pianista Art Tatum y el pianista y cantante Fats Waller.

Una importante consecuencia de la depresión económica americana fue el desplazamiento a Europa de muchos artistas en busca de trabajo. Aquí el panorama que encontraron fue muy diferente al que conocían, pues si en un primer momento sus actuaciones se limitaban a los salones de grandes y vetustos hoteles, que veían en el jazz un signo de modernidad, pronto pasarían a las salas de concierto arropados por una afición que veía en ellos a los padres de una nueva música.

Fue el momento de la eclosión de los “hot clubs”, verdadero conciliábulos de los aficionados al jazz, a la vez que, contagiados por la presencia de músicos como Coleman Hawkins o Sidney Bechet, comenzaron a despertarse numerosas vocaciones musicales, surgió así la mítica formación del Quinteto del Hot Club de Francia liderado por el guitarrista Django Reihardt y el violinista Stéphane Grappelli

La era del swing. En 1923 se derogó la prohibición del alcohol en Estados Unidos y este hecho, junto a los éxitos y la popularidad de formaciones de músicos blancos como Benny Goodman o Glenn Miller contribuyó a que el jazz perdiera, al menos en parte, el calificativo de música marginal
En la segunda mitad de los años treinta el jazz alcanzó uno de sus grandes momentos de florecimiento. Es el estilo que se conoce como “mainstream” (literalmente se traduce por corriente principal), época intermedia entre el jazz tradicional y el jazz moderno.

Las orquestas seguían siendo el marco ideal para el lucimiento de los solistas y a la vez favorecieron la eclosión de nuevos talentos como el saxofonista Lester Young y del contrabajista John Kirby.

Fue el momento también de la aparición de dos grandes cantantes, Billie Holiday y Ella Fitzgerald, quienes, junto a Sarah Vaughan, reinarán hasta nuestros días como diosas entre las voces del jazz.



El jazz tras la segunda guerra mundial. En 1941, los Estados Unidos entraron oficialmente en guerra y buena parte de los músicos de jazz se vieron obligados a vestir el uniforme militar y a colaborar con las bandas del ejército o a grabar discos destinados al esparcimiento de la tropa. En Europa tampoco se respiraban buenos aires para esa música que los nacionalsocialistas calificaban de "degenerada".

La influencia de la guerra en la vida de los músicos y sobre todo las ansias de innovación de los más jóvenes contribuirían a una profunda renovación del jazz.

El club Minton´s Playhouse sería la cuna de un nuevo estilo, el bebop, que tiene en Charlie Parker y Dizzy Gillespie a sus líderes indiscutibles. Los músicos de jazz ya no encontraban en el mundo del espectáculo el lugar adecuado para expresar su talento, simplificando las cosas, si Louis Armstrong representó en su momento la toma de conciencia del solista dentro de las formaciones del jazz, los bopper representaron una toma de conciencia mucho más amplia, se trata de volver a los orígenes, de reinterpretar y reescribir la tradición mediante la exploración de nuevas armonías, la ampliación de los registros sonoros y explotar todas las posibilidades de los ritmos y los tempos a la vez.

Entre los nuevos músicos Thelonius Monk sería uno de los primeros en adaptar el piano al bebop, igual harían Charles Mingus con el contrabajo y Miles Davis con la trompeta entre otros muchos.

La escena del jazz de la segunda mitad de los años cuarenta era un auténtico hervidero, pues, ante el nacimiento del bebop, los representantes de la tradición trataron de revitalizar el estilo de Nueva Orleans, a la vez que la música afrocuabana, instalada en Nueva York, se adueñó de buena parte de las salas de baile

Fue también la época del gran triunfo de la cantante Ella Fitzgerald, con unos recursos técnicos incomparables como el "scat", forma vocal basada en sílabas onomatopéyicas (ya utilizada por Louis Armstrong) que permite competir con la improvisación instrumental. Junto a ella destacaron como las más grandes figuras del jazz vocal Billlie Holiday, con un estilo más intimista y Sarah Vaughan, la cantante más emblemática del bebop.

Además de los clásicos como Armstrong, Basie o Ellington y de los modernos Parker y Gillespie, el rhythm and blues vivía un momento de esplendor con la aparición de figuras como Ray Charles, Etta James o Chuk Berry. Incluso parecía que algo empezaba a cambiar en la política estadounidense, surgiendo las primeras emisoras radiofónicas destinadas al público afroamericano y desterrando etiquetas como la de "race records" que se habían destinado a esta música.



Los años cincuenta: bebop, coul y rhythm and blues. En la relativamente breve historia del jazz, apenas un siglo, los cambios se han producido siempre a caballo sobre movimientos existentes, que no han desaparecido, sino que sólo han cedido la primera página de la actualidad sin llegar a extinguirse. Lo que en principio parecían "modas" son en realidad estilos, que se han afirmado con el paso del tiempo y están obligados a convivir en el amplio espacio de la música afroameriana. Esta situación se hace patente en los años cincuenta.

Por un lado algunos músicos blancos, como Chet Baker, rehuyeron el lado más explosivo del bebop sin renunciar a los progresos que éste suponía y adoptaron una estética más apaciguada con un toque de lirismo y emoción a la que se aplica el nombre de cool jazz .

El cool jazz, sin embargo es un movimiento amplio que abarca desde el llamado "jazz de cámara", por ser demasiado elegante según algunos, del Modern Jazz Quartet, hasta colaboraciones irrepetibles como la Miles Davis y Gil Evans, pianista y compositor cuyos sabios arreglos, entre los mejores de la historia del jazz, crearon la atmósfera ideal para que el estilo intimista de Davis alcanzara algunas de sus puntos culminantes.

Por otra parte con Max Roach, los Jazz Messengers y las formaciones del saxofonista Sonny Rollins o del contrabajista Charles Mingus, el bebop proseguía su evolución, enriqueciéndose día a día con nuevos hallazgos que sentarían las bases del jazz moderno.

Mientras tanto el rhythm and blues, la forma más popular de la música afroamericana, había alcanzado un desarrollo imparable gracias a figuras como Ray Charles, Louis Jordan, Fats Domino, o Chuk Berry.

En el terreno estrictamente del jazz, algunos músicos surgidos del bebop comenzaron a cultivar el funk, impregnado de resonancias del blues y del gospell, en el que destacarían organistas como Lou Benett, guitarristas, Grant Green o trompetistas como Donald Byrd. Su música era densa y tórrida, con ese mismo espíritu de trance místico heredado del gospell y que el soul haría suyo.



Los años sesenta: la "New Thing" y el soul. En Estados Unidos los años sesenta vieron cómo los movimientos políticos y sociales afroamericanos adquirían cada vez mayor dimensión con líderes como Martin Luther King o Malcolm X, y lograban el objetivo de la consecución de los derechos civiles que hasta entonces el racismo les había negado.

En este marco apareció la primera casa discográfica dirigida por un hombre de color, la Tamla Motown, responsable del lanzamiento de numerosas estrellas del rhythm and blues y el soul con una gran capacidad de penetración comercial, es el caso de Marvin Gaye, Aretha Franklin, Sam Cooke y sobre todo James Brown, apodado “Godfather of soul” (el padrino del soul), que supo transformar como nadie la esencia del gospell en experiencia mística laica, convirtiendo sus conciertos en actos de fervor casi religiosos.

Mientras tanto el pop británico de los Rolling Stone o Erik Clapton descubría el blues y lo divulgaba entre el público europeo a través de sus propias versiones, a menudo bastante alejadas del original, pero que sirvieron para dar a conocer a algunos de los grandes maestros del blues.

Así mientras una parte de la música afroamericana alcanzaba una dimensión como nunca se había conocido, el jazz vería el advenimiento de la “New Thing”, literalmente la “cosa nueva” o free jazz, una radical alteración de los principios musicales que habían regido anteriormente la improvisación. Músicos como Ornette Coleman o Cecil Taylor lideraron este movimiento revolucionario de tintes reivindicativos que chocó contra el muro de la incomprensión. Promovían una música ajena al servilismo hacia el público blanco, que paradójicamente era el único que les prestaba atención, mientras el público afroamericano se decantaba hacia otros estilos. Aún hoy los coletazos del free jazz tienen más eco en Europa que en Estados Unidos

Buena parte de los músicos del free jazz, excelentes instrumentistas, fuero poco a poco abandonando este callejón sin salida que les conducía a una situación de incomprensión musical generalizada.

En resumen, el final de los años sesenta fue una época de increíble proliferación de estilos y de géneros y el aficionado al jazz disponía de un amplísimo abanico de ofertas, desde el tradicionalismo de Armstrong a la vanguardia de Cecil Taylor o de Charles Mingus, pasando por las orquestas de Count Basie y Duque Ellington, por las diversas formaciones de Dizzy Gillespie, los Jazz Messengers, el blues de B.B. King, el soul o el rhythm and blues


Los años setenta y el espíritu de fusión. En el mundo de la música todo había cambiado: la difusión discográfica, el tipo de conciertos, la radio, la televisión... ya nada era lo mismo, y la música, al igual que otras artes, como el cine, es también negocio. Jimi Hendrix y otros se habían aventurado en el mundo del rock con una música eléctrica de marcado acento afroamericano y habían conseguido un éxito notable. El rock, la música progresiva, el pop y otras etiquetas semejantes vendían, el jazz no podía quedarse fuera y así a algún genio se le ocurrió el concepto de “fusión”, en el que cabía un poco de todo,
Como en los años del bebop, surgirán de nuevo las polémicas y muchos consideraban a Miles Davis y a su jazz-rock o fusión fuera del jazz o todo lo más como un género menor.

Los años setenta verían desaparecer a algunas de las grandes figuras del jazz de todos los tiempos como Armstrong o Ellington y a muchos les faltó tiempo para augurar la defunción de toda la música del jazz. Los históricos desaparecían y los jóvenes se vendían por un puñado de dólares al todopoderoso rock. La realidad, sin embargo, fue muy diferente, la música afroamericana no había muerto, no sólo el jazz, el blues o el rhythm and blues proseguían su camino, sino que no cesaban de surgir nuevas formas y nuevos músicos, como la “salsa” neoyorkina, heredera de la tradición afrocubana de los primeros músicos latinos llegados a Nueva York e impregnada de influencias del jazz y del soul, o el funk de músicos como George Clinton.

El enorme celo interpretativo de los músicos dio lugar a una espectacular evolución de los sonidos, no sólo se habían añadido nuevos instrumentos sino que también las técnicas progresaron con gran rapidez, cabe citar a Jaco Pastorius que transformó el bajo eléctrico, o Joe Zawinul el uso de los teclados.

Los años setenta no significaron, ni mucho menos, el declive del jazz y de la música afroamericana en general, sino una nueva etapa de transición.


Vuelta a los orígenes y nuevas perspectivas. Los años ochenta significaron en cierta manera un proceso de clarificación, Miles Davis regresó a los escenarios tras una larga ausencia rodeado de músicos jóvenes. El jazz recibía apoyo institucional: incluso en España el gobierno subvencionaba giras y conciertos, en Francia se condecoraba a los músicos y en Estados Unidos, antes de tener un presidente saxofonista, Ronald Reagan ya invitaba a Miles Davis a la Casa Blanca.

El jazz seguía siendo minoritario pero tenía un público consolidado. Comenzaba a despuntar una nueva generación de músicos que seguía caminos diferentes, los unos tras la pista de la siempre anhelada vanguardia y los otros por el camino del regreso a los orígenes. Entre los primeros los Weather Report con Omar Hakim, el infatigable John McLaughlin o el siempre ingenioso Lester Bowie. Entre los que se decantaron por los orígenes el protagonista es Wynton Marsalis, técnicamente irreprochable, su estética despertó los más diversos comentarios.

Los años noventa han confirmado esas numerosas corrientes dispersas. El jazz no tan solo no ha muerto sino que quizá está más presente que nunca en la actualidad musical. El auge del rap, la recuperación del bebop, el "revival" del soul, los éxitos comerciales del funk y sus derivados, la aparición de nuevas bandas del más puro estilo Nueva Orleans, la actualidad del blues o incluso el éxito en las discotecas del "acid jazz" son síntomas de la buena salud de esta música cuando ya ronda el siglo de existencia bajo el nombre de "jazz".

musica

6. Cuadro cronológico del Jazz.

RAGTIME -- 1900 -- *Scott Joplin. E.NUEVA ORLEANS DIXIELAND -- 1910 -- *Jerry R. Morton *Budy Bolden *Original Dixieland Band. ESTILO CHICAGO -- 1920 -- *King Oliver *Louis Armstrong *Duke Ellintong *Count Basie *Coleman Hawkins *Bix Beiderbecke. SWING -- 1930 -- *Benny Goodman *Glenn Miller *Billie Holliday *Ella Fitzgerald. BE-BOP -- 1940 -- *Charlie Parker *Dizzy Gillespie *Thelonius Monk *Sara Vaughan. COOL -- 1950 -- *Chet Baker *Modern Jazz Quartet. FRE JAZZ -- 1960 -- *Ornette Coleman *Cecil Taylor *Charles Mingus. FUSION -- 1970 -- *Miles Davis. JAZZ CONTEMPO-RÁNEO -- 1980 -- *Wynton Marsalis *Lester Bowie *Omar Hakim.


info

Antecedentes

Medio siglo después de la fundación de la ciudad de Nueva Orleans en 1764, Francia la cedió a España, para después en 1801 recuperarla hasta 1803, momento en que pasó a ser parte de Estados Unidos como parte de la compra de la Luisiana. Por esto, los franceses y españoles, junto a alemanes, ialianos, ingleses, irlandeses y escoceses contribuyeron ampliamente a la escena cultural de la ciudad. Los habitantes de raza negra eran también diversos, siendo muchos de ellos fundamentalmente de la zona occidental de África o caribeños. Esta mezcla de culturas es en parte lo que hizo que apareciesen en la zona varios tipos de música; el jazz, la música cajun, el zydeco o el blues.

The Old Plantation, cuadro de 1790 en que se muestra a esclavos afroamericanos bailando al son de un banjo y diferentes instrumentos de percusión.A pesar de que en muchas áreas del Sur de Estados Unidos, el batir de tambores estaba específicamente prohibido por la ley y en zonas como Georgia se prohibió el uso de cualquier instrumento ruidoso por parte de los esclavos, los festivales con música de tambores y danzas africanas se organizaban con frecuencia a comienzos del siglo XIX tanto en Nueva Orleans, en la conocida como Plaza del Congo, como en Memphis, Kansas, Dallas o San Luis,usando instrumentos de percusión y de cuerda similares a los utilizados en la música africana indígena. Los esclavos solían tener el domingo libre y organizaban fiestas en la Plaza del Congo, que se prolongaron aproximadamente hasta 1885, coincidiendo con el surgimiento de las primeras bandas de jazz.Las canciones y danzas interpretadas eran en gran medida funcionales, ya fuese para el trabajo con canciones o gritos de campo, o utilizado para rituales. No obstante, la característica principal es su gran contenido de ritmo.La tradición africana hacía uso de melodías simples y de música de llamada y respuesta, pero unido al concepto europeo de la armonía.Los ritmos reflejaban patrones africanos y estas escalas pentatónicas llevaron a las notas del blues utilizadas posteriormente para sentar las bases del blues y el jazz.

Los estamentos eclesiásticos también intentaron controlar la música de los esclavos, cosa que en muchos casos les llevó a intentar que los de raza negra cantasen salmos e himnos para "convertirles" a estilos musicales más europeos. En muchos casos, el efecto fue contrario. Alan Lomax, erudito de la música afroamericana comentó: "Los negros habían africanizado los salmos a tal nivel que muchos observadores describieron los himnos de los negros como misteriosa música africana. En vez de actuar de forma individual, fusionaban las distintas voces. De aquí salían increíbles armonías, en las que cada cantante estaba haciendo variaciones de la misma melodía. El resultado es música tan potenta y original como el jazz, pero profundamente melancólica, ya que la cantaba gente muy presionada".

discos

instrumentos

Blues

El blues, al contrario que las antiguas canciones de trabajo o gritos de campo llenos de ritmo y disciplina, representa el desahogo, que permetía al intérprete mostrar su dolor, opresión, deseos, etc.El etnomusicólogo Gerhard Kubik puede que haya sido el primero en afirmar que ciertos elementos del blues tienen sus raíces en la música islámica de la parte central y occidental de África.

Los instrumentos de cuerda (los preferidos por los esclavos procedentes de las regiones musulmanas de África), estaban generalmente permitidos ya que los dueños de los esclavos consideraban que dichos instrumentos se asemejaban a otros instrumentos europeos, como el violín. Debido a ello, aquellos esclavos que eran capaces de tocar un banjo, u otro instrumento de cuerda, podían hacerlo con mayor libertad. Este tipo de música solitaria de esclavo muestra elementos de un estilo árabe-islámico basado en la huella que el Islam ha impreso durante siglos en África Occidental

Gehard Kubik.

Debido a que el blues se utilizaba para quejarse de las injusticias, a pesar de que sus formas iniciales se remontan al siglo XIX, su uso está poco documentado hasta los años 1920 y después. A pesar de la idea de que blues es sinónimo de canciones tristes, más bien se refiere a un formato de doce compases que depende de armonías tónicas y notas dominantes y subdominantes, además de la utilización de la nota de blues.Este formato era extraño para los músicos de tradición europea, sobretodo por la longitus del mismo. Pero los músicos de blues con sus raíces en las canciones de trabajo y otras músicas de llamada y respuesta comenzaron a popularizar estos patrones asimétricos.Los primeros músicos reconocidos de blues son Robert Johnson, Blind Lemon Jefferson, Charlie Patton, Son House o Leadbelly, entre otros.Robert Johnson sigue siendo el más conocido de los cantantes de delta blues del Misisipi, a pesar de que no llegó a vender muchos discos hasta su muerte en 1938.

imagenes

parte 1

Ragtime (1890-1900)

El ragtime se origina en las comunidades musicales afroamericanas a finales del siglo XIX, con la interpretación de las marchas popularizadas por las bandas blancas y música clásica europea adaptadas a los ritmos sincopados de la música africana. Los primeros ragtime impresos surgen a mediados del siglo XIX, pero existen pocos documentos históricos de la fase temprana del ragtime.

La tradición establece que el primer ragtime impreso fue Mississippi Rag de William Krell en 1897 y el primer compositor negro en publicar un ragtime fue Tom Turpin con Harlem Rag en ambos casos presentando un estilo consistente, evidencia de que el ragtime ya había evolucionado durante cierto tiempo hasta adquirir una forma particular.

Ese mismo año,Scott Joplin inicia la composición del Maple Leaf Rag que publicaría dos años después y que se convirtió en el ragtime más famoso de la época, cimentando al mismo tiempo los cánones de lo que se denomina ahora como ragtime clásico. En breve tiempo el ragtime adquirió una enorme popularidad, aunque por emanar de las clases bajas encontró oposición de los críticos serios. La popularidad del ragtime propició que empresarios musicales aprovecharan el término para promocionar piezas que, a pesar de llevar el término «rag» en el título, difícilmente podrían considerarse piezas de ragtime, el cual para entonces ya había adquirido una estructura y características definidas.

Aunque existen ragtimes compuestos para diferentes instrumentos (banjo, guitarra, bandas de metales), el ragtime es esencialmente una forma musical pianística y su ascendencia se encuentra ligada al aumento de la difusión de pianos en los Estados Unidos hacia fines del siglo XIX y de los avances tecnológicos en las pianolas que para 1919 constituían la mitad de la producción pianística de ese país.

jazzistas

Nueva Orleans (1890-1910)

Aunque ya existían algunas bandas que tocaban algo parecido a un jazz rudimentario, en el periodo que va desde el final de la Guerra de Secesión hasta el fin del siglo XIX, como las de los cornetistas Sam Thomas, Louis Ned, James L. Harris o Robert Baker o la banda que usualmente tocaba en el Kelly's Stables de Nueva Orleans,suele considerarse a Buddy Bolden como la primera gran figura y el iniciador del primer estilo definido de jazz.

Convencionalmente, se denomina "estilo Nueva Orleans" a esta forma inicial del jazz. Aún no se ha desprendido de las influencias del minstrel y contiene todas las características propias del lo hot. Las improvisaciones, en el sentido que hoy las conocemos, no existían; de hecho, los solistas elaboraban largas variaciones melódicas sobre el tema principal (usualmente integrado por dos canciones diferentes), en tempos muy lentos o medios, nunca rápidos. Las bandas eran ambulantes y solían preferir siempre interpretar espirituales, ragtimes, marchas y cantos de origen afrocubano.

Es una escuela de bandas célebres, como la de Johnny Schenk (1893), la de John Robechaux (1895), la del cornetista Freddie Keppard (1900- 1909), y otras de renombre histórico como la Onward Brass Band, la Eagle Band o la Tuxedo Brass Band del trompeta Papa Celestin, ésta anterior al cambio de siglo. También estaban las bandas del cornetista Papa Mutt Carey, que se reputa como el introductor de la sordina de desatascador (plunger) y su típico efecto de wah-wah, y que tenía a Sidney Bechet en el clarinete; la banda de Lorenzo Tio, o la Original Creole Orchestra, etc.

Historia del jazz

Dixieland (1910-1920)

A poco de comenzar el siglo XX, los blancos y criollos pobres del Delta del Misisipi comienzan a interesarse por el Hot y su influencia produce algunas variaciones en la forma de tocar de las bandas de Nueva Orleans: se desarrollan más las improvisaciones, se agilizan los tempos y se buscan estructuras rítmicas menos "africanas". El nuevo estilo era menos expresivo, pero con mayores recursos técnicos, con melodías más pulidas y armonías "limpias".Además, se introducen el piano y el saxofón, y se desarrollan técnicas instrumentales nuevas, como el estilo tailgate de los trombonistas.

Sus principales figuras fueron, en una primera época, el corneta Papa Jack Laine, que se reputa como el "padre del dixieland" el trompetista Nick La Rocca y sus Original Jass los Louisiana Five de Anton Lada y del trombonista Edward "Kid" Ory, o los New Orleans Rhythm Kings. En la década de los 40, el Dixieland disfrutó de un poderoso revival, obteniendo éxito mundial grupos como los Dukes of Dixieland, de los hermanos Frank y Fred Assunto, y aún hoy en día existen bandas con nombres tan rancios como " Tuxedo Jass Band" u "Onward Jazz Band".

famosos de la historia

El jazz de Chicago, New York y Kansas City (1920-1930)

Jazz.Parte 1.

Swing (jazz) (1930-1940)

Elementos innovadoresEl Swing es un estilo de jazz eminentemente orquestal, influido por la música de origen europeo y que se caracterizó por aportar al jazz una serie de innovaciones conceptuales importantes:

Incrementa el número de miembros de las bandas de hot, mediante la duplicación de instrumentos.
Establece una fijación rítmica derivada de la pérdida del concepto de rítmica global, propio del hot, y, por tanto, de la polirritmia. En el Swing, la batería es el único instrumento con una función totalmente rítmica, lo que le confiere una relevancia especial en cuanto motor de toda la banda.
Valoriza los temas melódicos, tanto por la predominancia de pasajes straight, como por la irrupción de los arreglistas. Se sustituye el concepto polifónico horizontal por una armonización vertical.
Establece una estructura invariable de las piezas, fijándose rígidamente el lugar y duración de las improvisaciones y regulándose mecánicamente la relación entre las partes.
Utiliza, como recurso de tensión, el riff, frase corta repetida varias veces, con crescendo final. Por el contrario, elementos típicos del hot, como los breaks y stop times, se convierten en inusuales.
Consolida la utilización de los registros altos de los instrumentos, con preferencia sobre los bajos e, incluso, los medios, lo que condiciona el resultado sonoro del conjunto, separándolo tímbricamente de la opacidad típica del hot.
Elementos tradicionalesEl Swing conserva, sin embargo, aspectos importantes de la tradición hot, especialmente en la forma de abordar el instrumento y la manera de improvisar, así como el carácter continuo del ritmo.

En la temática, se revaloriza el blues y se adaptan melodías populares del music hall, produciéndose además una evidente mejoría técnica de los instrumentistas.

Grupos reducidosEl Swing de los grupos reducidos, marginal durante la década 1935-45, desarrolla muy rápidamente aspectos evolutivos que definirán el nacimiento del Bebop, y mantiene una menor rigidez estructural que el de las Big bands. El Swing de éstas, mucho más condicionado por los aspectos económicos y comerciales, acentúa la rigurosidad y frena sus posibilidades de desarrollo, excesivamente pendiente de las modas y sus patrones estéticos, hasta llegar al colapso artístico y comercial en los últimos años de la década de los 40.

Historia

OrígenesEl Swing aparece, como estilo, en el momento en que se plantea la crisis económica de 1929. El Mainstream (Estilo Nueva York), necesitado de una subsistencia cada vez más costosa, se comercializa, recibiendo influencias muy fuertes de tradición europea y del music hall.

La crítica blanca comienza a valorar los aspectos más asimilables del jazz, buscando producir una imagen conforme a la normalidad musical occidental. Lo que estaba en juego en este proceso de dominación económica del jazz por los intereses comerciales blancos (además, y quizás por ello, de los beneficios que producía), era la garantía de perpetuación de los mismos mediante toda clase de presiones sobre el desarrollo de la música: Lanzamiento de modas, de músicos con carisma, de estilos, de bailes... Se trata, en definitiva, de una cada vez más profunda colonización, pareja a la popularización del jazz (que comienza a trascender fronteras) y que llevó a su aceptación por la burguesía blanca estadounidense, en sus versiones más comerciales, vendidas por la prensa incluso con la concesión de títulos tan ficticios como el de Rey del jazz, otorgado a Benny Goodman.(Ortiz Orderigo,1952)

Primeras bandasLas primeras bandas que se reconocen como Swing, a comienzos de la década de los 30, provienen de Nueva York y aún apenas han entrado en el proceso citado: Fletcher Henderson, el pianista cuya orquesta fue pionera en el abandono del lenguaje hot y escuela de grandes instrumentistas; la banda del batería Chick Webb, en la que estuvieron, entre otros, los saxofonistas Johnny Hodges y Benny Carter, o la cantante Ella Fitzgerald y, sobre todo, la orquesta de Duke Ellington, asidua al Cotton Club y especialista en blues, que marcó el punto de referencia para casi todas las bandas negras de las décadas siguientes.

Evolución

El Swing de Nueva YorkEl Swing tiene, también, su Escuela N.Y.. En realidad, se trata de una evolución de las concepciones hot, en las que se introducen los aspectos antes citados como definitorios del nuevo jazz. En esta línea se encuadran las bandas que se citan en el párrafo anterior, además de nombres hoy poco recordados, pero imprescindibles cuando se habla del Swing pionero, como los Cotton Pickers de William McKinney, taller permanente de innovaciones rítmicas, melódicas y armónicas, y trampolín de músicos que serían famosos (Coleman Hawkins, Rex Stewart, etc.). McKinney estableció las normas básicas de arreglos para las dos secciones melódicas de la big band: la de saxos y la de metales (trompetas y trombones).

Además, también deben recordarse las bandas del pianista Sam Wooding, y la del saxofonista Jimmy Lunceford, especialmente entre 1934 y 1939.

Las Big Bands blancasEl proceso de comercialización comienza a dominar la escena de la Costa Este, a final de la década de 1930. Las orquestas, compuestas ya por un número de instrumentistas que raramente bajaba de 15, se caracterizan por dos puntos de referencia: El Arreglista y el Solista líder.

El primero llega a ser un auténtico profesional que trabaja para diferentes bandas y que mantiene un ojo puesto en las taquillas de sus obras en Broadway. Se llega, en consecuencia, a una estandarización en la que todas las orquestas suenan parecido, y los líderes buscan buenos lectores de partituras, por encima de buenos improvisadores.

Algunas de las bandas de esta escuela fueron francamente buenas, como la de Benny Goodman entre 1938 y 1941, o la del saxofonista Woody Herman entre 1945 y 1949, quien supo adaptar las innovaciones pre-bop que se habían producido en los pequeños combos, abriendo el camino del West Coast jazz o Cool. Además, esta última banda fue la lanzadera de un número increíble de grandes solistas: Stan Getz, Zoot Sims, Al Cohn, Jimmy Giuffre...

Otras bandas son interesantes, como orquestas de referencia en la época, como es el caso de las orquestas de Artie Shaw, Stan Kenton o la Casa Loma Band de Glenn Gray. Finalmente, hubo bandas que consiguieron una gran popularidad, aunque aportaron poco al desarrollo del jazz: Tommy Dorsey, Bob Crosby, Paul Weston, Buddy Morrow y, como culmen del Swing comercial, Glenn Miller.

La escuela de KansasFuera de Nueva York, el hot mainstream había sufrido procesos de cambio algo diferentes. La llamada Escuela de Kansas, había mantenido un aliento puramente hot y elaboraba su temática bajo una directa influencia del Boogie Woogie y de los Blues al estilo de Texas.

Esta peculiar forma de ver el Swing dio a luz, entre 1930 y 1940, a una serie de Big Bands de alto interés, comenzando por las de Benny Moten y Jesse Stone, y culminando con la de Count Basie, legendaria por su potente y lineal swing, y por la entonación abierta, sonora y empastada de sus instrumentos de viento. Por ella pasaron algunos de los mejores instrumentistas de la década y, además, dio apoyo a un buen número de cantantes (Sarah Vaughan, John Hendricks, Jimmy Rushing, etc.).

Su influencia sobre el área de Nueva York dio lugar a bandas interesantes, como las de Lionel Hampton o la de Jay McShann, donde comenzó su andadura Charlie Parker.

El Swing de los pequeños combosParalelamente al desarrollo del Swing por las Big Bands, se produce una persistente actividad de pequeños combos, principalmente tríos o cuartetos liderados por pianistas, que mantienen una postura musicalmente heterodoxa, a pesar de que asuman los postulados esenciales del Swing. Esta escuela de swingers rebeldes va preparando de forma paulatina la evolución del jazz hacia formas susceptibles de superar el colapso de las orquestas a finales de los años '40.

Estos swingers se caracterizan por un fraseo cálido y un concepto de improvisación complejo, apoyado en un pulso rítmico muy lineal. Entre ellos podemos incluir a pianistas como Erroll Garner o Teddy Wilson, en los primeros años, y figuras de proyección intemporal, como los también pianistas Art Tatum, Oscar Peterson o Nat King Cole. Junto a ellos, cantantes como Billie Holiday, saxofonistas como Lester Young o Ben Webster, guitarristas como Herb Ellis o Charlie Christian, trompetas como Roy Eldridge o Clark Terry, etc.

Entre ellos había más diferencias que semejanzas, pero todos tenían como denominador común, la búsqueda de soluciones al estancamiento del jazz en la década 1935-1945, que trascendían el marco comercial en que se movían, y ello a pesar de que sus principales momentos se consolidaron en una serie de jam sessions organizadas por emisoras comerciales de radio, o en las aparatosas JATPs (Jazz at the Philharmonic) del productor Norman Granz, que fijaron los moldes en que habrían de moverse las jams organizadas de las siguientes tres décadas.

El Swing EuropeoPor primera vez en la historia, el jazz trasciende fronteras y se produce una fuerte expansión hacia sociedades exteriores. Así, la crisis de 1929 expulsa a un buen número de jazzmen hacia la meca europea, receptiva y vigorosa, y comienzan a crearse formas de Swing autóctonas.

La escuela principal, como era de esperar, se desarrolla en París, con un dominio casi abusivo del Hot Club de Francia. Se trata de un swing elaborado con un lenguaje absolutamente hot, cuyo principal representante es el grupo-estrella del Hot Club: El cuarteto del guitarrista gitano francés (aunque nacido en Bélgica), Django Reinhardt, creador de un estilo personal e inconfundible que aún hoy en día tiene influencia en buen número de instrumentistas modernos, y de su violinista, Stephane Grapelli.

musica

Bebop (1940-1950)

Tras la era del Swing, el primer fenómeno musical de cierta importancia que había sido liderado por los negros norteamericanos, el jazz era conocido y apreciado en todo el mundo, reconocido incluso por compositores clásicos de la talla de Stravinsky. Sin embargo, el término swing gozaba de mala reputación entre los músicos: se consideraba que eran sólo los profesionales de poco talento, se dedicaban a este tipo de música comercial, de modo que los músicos más serios -como Duke Ellington- se estaban alejando del estilo. El declive de las big bands de swing dio lugar a un nuevo tipo de música radicalmente diferente, cuyo único rasgo en común eran una instrumentación similar y el interés por la improvisación.

Los músicos bebop ponían el acento en el papel del solista, cuyo papel ya no era el de enterteiner de épocas pasadas, sino un artista creador sólo al servicio sólo de su propia música. La síncopa característica del wing, destinada a favorecer el aproximaciones a la melodía; la sección rítmica se simplificaba, relegándola únicamente al contrabajo -que crecía en importancia- y a la batería,que dejaba a un lado su antiguo papel de mero metrónomo-, incrementando con ello la libertad de bajistas y bateristas; se introdujeron disonancias, polirritmos, nuevas paletas tonales y fraseos más irregulares e abandonó la melodía en favor de la improvisación, y el formato de big band por el de combo, formado por muy pocos músicos y se adoptó, incluso un look característico en el que no podía faltar sombrero, gafas de sol y perilla.


Dizzy Gillespie.El nacimiento del estilo tuvo lugar en 1941 cuando Dizzy Gillespie, Milt Hinton, Charlie Parker, Thelonius Monk y Kenny Clarke se reunieron en el Minton's Playhouse de Nueva York para una serie de conciertos informales. Dizzy Gillespie fue uno de los líderes del movimiento, con un estilo trompetístico que resumía perfectamente las características de la nueva música y una serie de temas que entraron a formar parte enseguida del repertorio básico de los músicos bop, como A Night In Tunisia o Salt Peanuts. Charlie Parker fue el otro gran padre del bebop introduciendo un nuevo lenguaje de improvisación, extendiendo el aspecto melódico y el rango rítmico del jazz hasta ese momento, y con un estilo emocional y sorprendente que quedó inmortalizado en clásicos como Yardbird Suite, Ornithology, Donna Lee, Billie's Bounce o Anthropology, entre otros muchos.

Otros músicos de importancia dentro del estilo son los saxofonistas Dexter Gordon -quien adaptó el estilo de Parker con el alto al saxo tenor, Sonny Stitt, el trompetista Fats Navarro, los trombonistas J. J. Johnson -quien adaptó el lenguaje bop al trombón-, Bennie Green o Kai Winding; los pianistas Bud Powell, Thelonius Monk, Lennie Tristano, Oscar Peterson, Ahmad Jamal, George Shearing, Erroll Garner, Herbie Nichols, Dave Brubeck o Tommy Flanagan; los bajistas Oscar Pettiford o Paul Chambers; los bateristas Kenny Clarke o Max Roach o la cantante Sarah Vaughan.Por último, de entre las big bands del género cabe destacar las de Charlie Barnett, Woody Herman, Lionel Hampton, Stan Kenton o Boyd Raebum.

infodiscos

instrumentos

Cool Jazz y Hard Bop (1950-1960)

imagenes

Cool Jazz

El nacimiento formal del movimiento Cool tuvo lugar en 1948 con la publicación del álbum The Birth of the Cool de Miles Davis, todo un manifiesto autodefinitorio y una de las grabaciones más influyentes de la historia. El cool jazz se derivaba directamente del bebop, pero era una música más cerebral que tenía como principal objetivo el establecimiento de una atmósfera calma y meditativa.El cool jazz resultó particularmente popular entre músicos blancos como Lennie Tristano, en parte por su alejamiento de las raíces africanas del jazz, pero también tuvo sus importantes implicaciones para los músicos negros, que vieron como habían pasado de ser simples entertainers a adoptar un papel más activo y serio en l búsqueda de su identidad musical.

Miles Davis, quien había comenzado su carrera con Charlie Parker, dio inicio al movimiento con The Birth of the Cool (1948), el primero de una serie de álbumes -Walkin (1954), Miles (1955), Cookin',Relaxing, Working o Steaming, todos de (1956)- que sentaban las bases del estilo. The Modern Jazz Quartet -originalmente la sección rítmica de Dizzy Gillespie, integrada por Milt Jackson, John Lewis, Percy Heath y Kenny Clarke- publicó Modern Jazz Quartet with Milt Jackson (1953), Modern Jazz Quartet Volume 2 (1953), y Django (1956), donde presentaban sus elegantes composiciones, en el límite entre lo barroco y lo jazzístico. Gunter Schuller fue el iniciador oficial del Third Stream, una corriente que establecía un puente entre la música clásica y el jazz, que tiene como ejemplo paradigmático su Jazz Abstractions de (1959), y que cuenta también entre sus principales representantes a Bob Graettinger. Stan Getz, que procedía de las orquestas de Stan Kenton, Benny Goodman y Woody Herman, y que terminaría popularizando la bossa nova, fue otro de los líderes del movimiento cool con sus obras Early Autumn (1948) y Quartets (1950), mientras que Lee Konitz es considerado por algunos críticos como la quintaesencia del músico cool. Gil Evans produjo Gil Evans and Ten (1957), Out of the Cool (1960), o Into The Hot (1961), Bill Evans -junto a Scott LaFaro y Paul Motian- introdujo un nuevo sonido en el trío de jazz influenciado por la música clásica europea, y George Russell sobresalió como intérprete de temas modales. Otras figuras destacables fueron el vibrafonista Teddy Charles, el pianista Ran Blake o la imaginativa cantante Betty Carter.

parte 1

West Coast JazzArtículo principal: West Coast jazz

Gerry Mulligan.Mientras tanto, en la Costa Oeste se desarrollaba una lectura diferente de la nueva música, más en línea con la concepción clasicista del Modern Jazz Quartet y menos influenciada por los músicos neoyorquinos de bebop. Gerry Mulligan, el principal representante de esta corriente, editó Mulligan Plays Mulligan (1951), Gerry Mulligan Quartet (1952), y Mulligan Quartet (1952); Paul Desmond, el compositor de Take Five, trabajó al lado de Dave Brubeck Art Pepper grabó Discoveries (1954), Art Pepper Quartet (1956), Meets the Rhythm Section (1957) y Omega Alpha (1957); Jimmy Giuffre nos dejó Jimmy Giuffre 3 (1956) o Western Suite (1958) Chet Baker publicó Grey December (1953), Chet Baker & Strings (1954) o Chet Baker Sextet (1954) Chico Hamilton grabó Spectacular (1955), Quintet In Hi Fi (1956) o Mr Jo Jones on Quintet (1956); Jim Hall, por último, destacó por un sonido limpio y tranquilo -justo la antítesis de Charlie Christian-, que anticipaba la llegada de un tipo de jazz más suave y relajado.


jazzistas

Historia del jazz

Hard Bop

Como reacción ante el intelectualismo del Bebop, los músicos del Hard Bop reivindicaron el retorno del jazz a sus orígenes, con especial acento en la energía y la espontaneidad. El elemento rítmico quedaba reforzado, y los solos, derivados del lenguaje de los músicos bebop, adquirieron más fuerza y vitalidad. Fueron estos los rasgos fundamentales del Hard Bop, una derivación del Bebop que tuvo especial incidencia entre los músicos de la Costa Este.

famosos de la historia

Jazz.Parte 1.

Bueno,eso fue todo,espero les guste,pero es solo la primera parte,esten atentos.

musica

info

13 comentarios - Jazz.Parte 1.

@luksmas +1
Muy buen! post!! exelente el jazz reco
@alvi_caca +4
buen post padre!
lo unico, estaria bueno q pongas algo de musica tambien,
para bajar o algun temita caracteristico de cada estilo como para escuchar..
muy bueno felicitaciones!
@patox80
Gracias por la info
@mallorquina2
Suscribo la opinión
@ina_boca
Banjo. Era el instrumento más importante de la música popular norteamericana.


Eso no es en el country? Falto la guitarra y el bajo..
@fja64
Excelente,maravilloso post.Súper recomendado.
@smows
Me parece bárbaro que alguien intente difundir el jazz, pero creo que tratando de explicarlo es una tarea imposible: El jazz se resiste a las explicaciones y no es una cuestión de gustos: Se siente o no se siente. Armstrong sostenía que "si tienes que preguntar qué es el jazz, nunca lo vas a saber".
Y en cuanto a la parte histórica, deberíamos investigar más y ser más precisos. A modo de ejemplo les aclararé que el jazz no es un producto de la fusión de los esclavos traídos de Africa con los norteamericanos, sino de los criollos de habla francesa provenientes de la Haití rebelada y libertada a la Nueva Orleans. De ahí los nombres franceses de los primeros ejecutates y de las ciudades donde se originó esta mezcla. ¿O ustedes conocen a algún yanqui de nombre "Ferdinand"? Y lo digo por Ferdinand La Mente, llamado "Jelly Roll" Mortón.
El origen del jazz no es una cuestión de música sino de linguística: no hubiera nacido nunca sin la inmigración de los criollos de habla francesa a la Louisiana de habla inglesa.
Suerte y, por favor, continúa con esta difusión.
@elconversador +1
Otro detalle aparte del de mi antecesor: El swing surge de la innovación que hace Louis Armstrong cuando en 1928 reunió a los mejores músicos y especialistas del instrumento que ejecutaban en ese entonces, y a partir de esa mezcla de músicos innova el jazz tradicional de Neva Orelans de donde Armstrong es oriundo y así surge el swing cuya fuerza se le acuña a Benny Goodman quien seencargó de difundir esta nueva forma de ejecutar el jazz moderno propiciado por el genio y dictador del jazz Louis Armstrong.