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La historia detrás de esa canción Pt. 2

La historia detrás de esa canción Pt. 2

musica

pop

canciones

Cada canción tiene su historia,cada banda o cantante tuve alguna influencia para componerla, tu canción favorita puede tener algún secreto o curiosidad así que te invito a que descubras
"La historia detrás de una canción"


rock

ONE / U2



One es una de las canciones más famosas de la banda de Rock irlandesa U2. Es el tercer titulo del álbum Achtung Baby, sacado el año 1992. Ademas aparece en varias recopilaciones de grandes exitos de la banda.

No existe una explicación sobre el contenido de la letra. Pero existen varias versiones que intentan descifrar la letra. Por ejemplo, algunos autores dicen que Bono habla sobre un chico a punto de morir de VIH y su padre; otros dicen que es una relación entre dos personas que deberían estar unidas.

Tiempo mas tarde Bono daría una pista sobre lo que quiere comunicar la canción: "habla del dolor de un chico homosexual ante la incomprensión por parte de su padre". Bono no entiende, según manifestó en una entrevista a un suplemento de EL MUNDO, que sigan poniendo esta canción en bodas y semejantes, cuando en realidad no tiene nada que ver con un amor de una pareja, lo cual explica la vestimenta del grupo en el vídeo que tiene como escenario principal Berlin, y en el que se ve a un señor mayor en un extremo del sofá, y al otro extremo un miembro de la banda con ropa de mujer.

En el año 1993 se realizó una versión especial de One en donde el grupo R.E.M., Larry Mullen y Adam Clayton de U2, la tocaron en vivo; ese grupo se ha denominado Automatic Baby y se presenta como una rareza a escuchar.

Otro dato sobre esta canción: inspiró el nombre de la fundación ONE Campaign, que combate contra la pobreza de África.


historia

THE MAN WHO SOLD THE WORLD / DAVID BOWIE





"The Man Who Sold the World" es una canción escrita e interpretada por el músico británico David Bowie. La canción está incluida en el álbum del mismo nombre, lanzado en 1970.
En años posteriores, la canción aparece como cara b en los singles estadounidenses para las canciones "Space Oddity" en 1972 y "Life on Mars?" en el año 1973. Tambien aparece en varios discos recopilatorios de la carrera de ese gran músico glam.

Una versión regrabada producida por Brian Eno (quien fue pionero en el genero de "música ambient" aparece como cara b para el single de la canción de 1995 "Strangers When We Meet".

La cancion tuvo su "revival" cuando la banda grunge Nirvana la toco en 1993, durante su presentación en MTV Unplugged, en una versiòn acústica respetando la original.
Esta pieza fue lanzada como un single promocional para el álbum de esa excelente banda y recibió considerable aceptación en las radios y en la juventud que quizás no conocía mucho la genialidad de Bowie.

La versión de Nirvana:




curiosidades

IT´S MY LIFE / BON JOVI



"It's My Life" es el primer sencillo del álbum Crush de la banda estadounidense Bon Jovi.
It's My Life fue lanzado el 23 de mayo del año 2000, siendo el primer sencillo lanzado por Bon Jovi después de cinco años de inactividad musical enfocada en otros proyectos como la actuación. Este sencillo fue escrito por Jon Bon Jovi, Richie Sambora, Jay Orpin y Max Martin.

It's My Life se convirtió en el sencillo más exitoso, tomando la posición #1 en muchos países y convirtiéndose en un símbolo de longevidad de la banda, ya que ellos prevalecieron a través de los diversos cambios que sufrió la escena del rock con éxito admirable.

Es acreditado de revivir sus carreras después de terminar una pausa de cinco años, tiempo en el cual persiguieron carreras como solistas. También es acreditado de introducir a la banda veterana a un público más nuevo y joven adecuándose al paso del tiempo donde el rock se estaba perdiendo en los charts mundiales.

Esta canción ganó diversos premios, como Ganó: "Video del año" en los premios VH1 My Music Awards. Fue escogida como una de las mejores canciones del año por el "ASCAP Pop Music Awards".


La historia detrás de esa canción Pt. 2

LOSING MY RELIGION / R.E.M



"Losing My Religion" es el título de una canción de la banda estadounidense R.E.M. y está incluida en su álbum Out of Time de 1991.

El título de la canción nace de una expresión muy común en el sur de los Estados Unidos, losing my religion, que significa "perder el control" o "salirse de sus casillas".
Aunque no alcanzó el #1 en las listas de popularidad de Estados Unidos, es considerada la canción más famosa de R.E.M. y es la que les dio reconocimiento mundial. En el Reino Unido alcanzó el lugar 19 y en Estados Unidos el º, aún manteniéndose como su sencillo más exitoso hasta la fecha.

El video fue dirigido por Tarsem Singh (quien dirigió la película The Cell con Jennifer Lopez de protagonista), e incluía varias imágenes de diferentes religiones, más notablemente una imagen de San Sebastian, hecho que fue muy criticado, pero al final, el video fue todo un éxito e incluso ganó el codiciado premio de Video del Año en los MTV Video Music Awards de 1991 .

También pueden encontrarse representaciones del arte soviético en la forma de posters y los fuertes contrastes entre los claros y oscuros están fuertemente influidos por las pinturas de Caravaggio.

El concepto del video está basado en un cuento del escritor colombiano Gabriel Garcia Marquez llamado "Un señor muy viejo con unas alas enormes" en la cual un ángel cae del cielo y la gente hace dinero al exhibirlo enjaulado.


musica

WELCOME TO PARADISE / GREEN DAY



Welcome to paradise es una cancion del álbum Dookie de la banda estadounidense de punk rock Green Day de 1994. Fue lanzada originalmente en el álbum Kerplunk!, pero fue nuevamente incluida en este álbum en una version regrabada y mas arreglada. La canción está basada en el cantante de la banda Billie Joe Armstrong, que se mudó a una casa abandonada de Oakland, donde vivían los miembros de la banda, junto a otras personas.
La letra de Welcome to paradise significa, sarcásticamente, que su mamá lo visita y ésas son las palabras con las cuales describe el lugar donde decide ir a vivir solo.

Billie Joe Armstrong dijo sobre esta canción años mas tarde: "Trata de West Oakland, viviendo en un almacén con un montón de gente, una tribu de artistas y músicos, punkies y los que vivían alrededor, vagabundos y yonkis y sicarios y pandilleros y toda esa calaña que vivía en la zona. No es un sitio por donde deberías pasear por la noche, pero era una nave limpia donde podías jugar al baloncesto y eso."


pop

SINCE I'VE BEEN LOVING YOU / LED ZEPPELIN



"Since I've Been Loving You" es una canción de blues rock que pertenece a las gran banda Led Zeppelin y que forma parte del disco Led Zeppelin III , editado en 1970. Inicialmente se grabó en 1969 y se pretendía que fuera parte de Led Zeppelin II, pero fue reemplazada por "Whole Lotta Love".

Para esta cancion, el bajista de la banda, John Paul Jones tocó el órgano Hammond, usando los bass pedals para el bajo. Fue la única pista del tercer álbum que la banda había interpretado previamente a las sesiones de grabación, pero fue reportada como la más difícil de grabar.

El estribillo está fuertemente influenciado por la canción de Moby Grape llamado "Never" (de su álbum de 1968, Grape Jam). Cabe señalar que Moby Grape fue una de las bandas favoritas de Robert Plant. Además, la intro de la canción es idéntica a la de "New York City Blues", una canción de la banda anterior de Jimmy Page, The Yardbirds.

En el aspecto musical podemos decir que es un blues en Do menor, en un tempo moderado, y una intensidad que no deja de crecer hasta el apoteósico final (que Robert Plant repite aumentando una octava más).
Es la mejor actuación vocal de Robert Plant, ya que, en algunos momentos, canta en unos tonos increíblemente agudos. El solo de guitarra es asimismo una impresionante composición de carácter menor, rico en saturación (overdrive), que aporta mucha intensidad y sentimiento, y no carente de las enrevesaciones rítmicas que implica el sello del "maestro" Jimmy Page.

En 1994 Page y Plant grabaron una versión editada en su álbum No Quarter: Jimmy Page and Robert Plant Unledded. Plant también usó una muestra de ésta en su pista solo "White, Clean and Neat".


canciones

JEALOUS GUY / JOHN LENNON



"Jealous Guy" es una canción compuesta e interpretada por el músico británico John Lennon, publicada por primera vez en el álbum de 1971 Imagine. Es una de las canciones de John Lennon más versionadas, con al menos noventa y dos versiones distintas entre las que figuran autores como Donny Hathaway, the Black Crowes, Jeff Tweedy, Peter Criss (de KISS), Cueshe y Deftones.

El origen de la canción se sitúa en la India, durante el periodo de meditación llevado a cabo por The Beatles y liderado por Maharishi Mahesh Yogi (quien falleciò en febrero del 2008). La lectura de un relato de "hijo de la madre Naturaleza" durante el viaje inspiraría tanto a Paul McCartney como a John Lennon para escribir canciones relacionados con el tema: el tema "Mother Nature's Son", de Paul McCartney, sería seleccionado para su inclusión en el Álbum Blanco, mientras que el tema "Child of Nature", de Lennon, sería descartado. En las sesiones del álbum Let It Be, John seguiría ensayando el tema. De forma eventual, la letra de la canción fue modificada y fue rebautizada como "Jealous Guy" durante la grabación del álbum Imagine.

Aunque la letra de la composición es una definición de principios, la idea principal no es que Lennon esté pidiendo perdón a Yoko por sus celos, sino que explica el hecho diciendo: "asi soy, entiendeme". Al final, la letra sentencia: "I'm just a jealous guy - watch out/look out", que puede traducirse al español como "soy un chico celoso, ten cuidado."

Si bien la relación entre John y Yoko es conocida como uno de los romances más publicitados del siglo XX, existió un periodo a comienzos de los años setenta, poco después de la separación de The Beatles, en el que John se sintió enredado en una espiral auto destructiva. El consumo desmesurado de alcohol sería cada vez más frecuente, provocando un distanciamiento con Yoko. Durante este periodo, John reescribiría "Child of Nature" para dar lugar a "Jealous Guy".

Previamente, John había tenido problemas de celos con su primera mujer, Cynthia Powell, que continuaron al romper su matrimonio y empezar una nueva relación sentimental con Yoko. Yoko comentó: "¡(La canción) lo dice todo! Después de que empezáramos a salir juntos me hizo escribir una lista con los nombres de todos los hombres con que me había acostado. En un principio, lo hice de forma casual; luego descubrí lo serio que era para John."

"Jealous Guy" fue publicado como single, con "Going Down on Love" (tema extraído del álbum de 1974 Walls and Bridges) como cara B, en noviembre de 1985 en el Reino Unido. El single alcanzaría el puesto #65 en las listas de éxitos.


rock

BOHEMIAN RHAPSODY / QUEEN



Bohemian Rhapsody, tema emblemático de la banda de rock Queen, compuesto por su difunto vocalista y pianista Freddie Mercury. La versión original se encuentra en el disco A Night At The Opera de 1975.

A pesar de que inicialmente no fue bien acogido por la crítica, hoy se considera un tema innovador tanto por su original estructura como por ser el primero en crear y distribuirse en videoclip (realizado originalmente por la dificultad de ejecutarlo en vivo).
Se mantuvo 9 semanas como número uno en el Reino Unido, y volvió a popularizarse tras la muerte de su autor y su inclusión en la película Wayne's World en 1992.

La canción fue grabada en un periodo de tres semanas por el grupo y el productor Roy Thomas Baker. La cual comenzó en el estudio uno de los estudios Rockfield cerca de Monmouth el 24 de agosto de 1975, después de tres semanas de ensayos en Herefordshire.

Brian May, Mercury y Roger Taylor, cantaron sus partes vocales en un promedio de 11 horas al día sin parar, dando como resultado 180 mezclas.
Un dato curioso de diversa controversia es la cantidad de voces usada en la parte de opera: Brian May declaró que había 180 (y esa es la versión que más se conoce); sin embargo, Freddie Mercury había dicho 200 en la BBC en Navidades de 1977, Roger Taylor dijo 134 en un programa de radio, y el más realista y diplomático John Deacon sugirió que eran "más de 50".

Desde que “Bohemian Rhapsody” fue lanzada al público, ha habido especulaciones sobre el significado que esconde la letra de la canción. Una común pero errada interpretación, es que la canción trata de una persona con SIDA, habiendo sido escrita más de una década antes de que Freddie Mercury portara el VIH, e incluso 7 años antes de que éste fuera considerado un virus. Algunos creen que la letra trata de un suicidio o una representación de los momentos previos a una ejecución, considerando "El extranjero" de Albert Camus como una probable inspiración.
Otros creen que la letra fue escrita sólo para encajar con la música, sin tener ningún sentido.
Mercury fue muy evasivo cuando se le preguntaba por el significado de la canción, muy distinto a los demás miembros de la banda, quienes constantemente hablaban sobre la inspiración presente en sus canciones, a Mercury no le gustaba analizar su propio trabajo, y prefería que el público tuviera sus propias interpretaciones. Lo que sí se sabe es que la canción tiene una conexión muy personal con Mercury, lo cual fue afirmado por los otros miembros de la banda.

Tras el lanzamiento del single, Mercury declaró: "Es una de esas canciones que tiene ese sentimiento de fantasía”. Yo creo que la gente debería sólo escucharla, pensar en ella, y luego descifrar qué es lo que les está diciendo…”Bohemian Rhapsody” no simplemente salió de la nada. Investigué un poco, a pesar de que fuera una ópera medio humorística."

Sin embargo, cuando la banda lanzó un cassette con sus mejores éxitos en Irán, incluyeron una explicación de la letra en idioma farsi. Queen explica que “Bohemian Rhapsody” es sobre un hombre joven que ha matado accidentalmente a alguien y, como Fausto, vendió su alma al diablo. En la noche antes de su ejecución llama a dios en arábigo, “Bismillah”, y con la ayuda de ángeles recupera su alma.

La canción está compuesta por seis diferentes secciones: introducción, balada, solo de guitarra, ópera, rock y final. Este formato, repleto de cambios abruptos de estilo, tono y ritmo, fue inusual para la música rock de la época.


historia

LITHIUM / NIRVANA



Lithium es una canción de la famosa banda Nirvana. Esta cancion apareció en el exitoso álbum Nevermind y que fue lanzada como el tercer single del álbum en 1992. Era una de las canciones más comunes en el repertorio de los conciertos de la banda, y es una de sus más famosas.

El nombre de la canción es atribuido a la tendencia del metal litio por encontrarse en estabilizadores de ánimo tales como el carbonato de litio y el orotato de litio; es por eso que se dice que la letra describe un trastorno bipolar. Sin embargo, hay mucha discusión sobre el significado exacto de la canción y su interpretación como las versiones que dicen que trata sobre la tendencia de algunas personas depresivas a apoyarse en la religion.

Era memorable la performance que hacia la banda al tocarla en vivo, esta incluia lanzamiento de los instrumentos al aire, gritos melancolicos de Cobain y mucha energia sobre el escenario.


curiosidades

NOWHERE MAN / THE BEATLES

"Nowhere Man" es una canción de una de las bandas mas importantes en la musica popular, nos referimos a The Beatles. Esta canción fue incluida en su LP Rubber Soul en su version británica y lanzada para el mercado de los Estados Unidos en el álbum Yesterday and Today. También se lanzó como single en 1966. Aunque el tema esta acreditado a la dupla Lennon/McCartney, gran parte del tema fue escrita por John Lennon. McCartney solo puso unos versos, siendo John Lennon el que hizo la canción casi en su totalidad.

Fue grabada entre el 21 y 22 de octubre de 1965. Nowhere Man se considera entre las primeras canciones de Lennon cuyo tema principal no era el amor, más bien marca notablemente su orientación filosófica que, supuestamente, estaba influenciada por un periodo de depresion por el que pasaba Lennon en esa epoca.

La juventud de los sesentas tomó esta canción desde la perspectiva de que "Nowhere man" simbolizaba una critica al conformismo de esa generación sobre las temáticas sociales.
Pero Lennon no la escribió con esa idea. La canción surge en un momento donde a la banda se le estaba exigiendo crear nuevo material para hacer un nuevo disco que fuera lanzado para la navidad de 1965, entonces mientras pensaba que escribir, Lennon se tumbó y pensó que el era un "hombre de ningún lugar", "sentado en ningún lugar" y "no sabe a donde va". Basado en ese pensamiento que se le vino a la cabeza creó la música y la compuso.


La historia detrás de esa canción Pt. 2

LIKE A VIRGIN / MADONNA



Like a virgin es el primer single del álbum del mismo nombre, de la artista estadounidense pop Madonna. Publicado en 1984, el single llegó al puesto número 1 de las listas estadounidenses y al tercer puesto en Inglaterra.

Like a Virgin fue escrita por Billy Steinberg y Tom Kelly (quienes también escribieron la famosa "True Colours" de Cyndi Lauper, que pronto abordaremos) y fue producida (como el resto del álbum) por Nile Rodgers.

La cancion trata de una niña que cuenta cómo se siente luego de haber terminado una mala relación y comenzar una nueva que la hace sentir como si todo fuera por primera vez, como una virgen. Una letra llena de dobles sentidos, muy sexual y original, para ser un tema que nadie antes se había atrevido a tocar en esos tiempos. Esta cancion, aunque nunca fue pensando en ella, puede relacionarse con la Madonna de aquella época: provocadora y sexual

Es una de las canciones preferidas por Madonna, tanto que casi la ha interpretado en casi todas sus giras, reinventándola para cada ocasión. Sin razones claras quedó excluida de sus giras mundiales Drowned World Tour y The Re-Invention Tour. En las ultimas presentaciones la toca en version mas electronica, adapatnadola a los nuevos tiempos.


musica

HURRICANE / BOB DYLAN



Hurricane es una canción compuesta por Bob Dylan. La letra habla sobre el boxeador negro Rubin Carter, acusado injustamente de un triple homicidio. Aparece en el álbum Desire en enero de 1976, dando a conocer públicamente el caso del boxeador Rubin "Hurricane" Carter que el musico habia leido en la autobiografia del propio Carter. Es una de las pocas canciones de protesta que escribio Dylan en los setentas. Ocupó el lugar 31 del Billboard.

La historia cuenta que Carter y otro hombre llamado John Artis habían sido acusados de un triple asesinato ocurrido en el Lafayette Grill, Paterson, Nueva Jersey en 1966. Tras un proceso con una amplia cobertura periodística, y con acusaciones de haber sido un asesinato con tintes racistas, ambos fueron condenados a cuatro cadenas perpetuas. Pero en los años posteriores comenzaron a surgir numerosas controversias sobre el caso, relativas a la falta de evidencias y a lo cuestionable de la veracidad de las declaraciones de algunos de los testigos. En su autobiografía, Carter mantenía su inocencia, y su historia llevó a Dylan a visitarle en la prisión de Rahway State en Nueva Jersey.
Luego de esto Dylan desarrolló la canción con un marcado estilo cinematográfico a causa de la oscura tematica judicial.
La canción recaudó suficientes fondos y publicidad necesaria para ayudar a Carter en nuevas acciones legales para optar a la libertad. A pesar de obtener el derecho a un nuevo proceso, Carter y Artis fueron encontrados otra vez culpables y condenados a dos cadenas perpetuas consecutivas el 9 de febrero de 1976. Finalmente Carter recibió en 1985 la libertad condicional y todos los cargos pendientes sobre él fueron retirados en 1988.

Pero tambien hubo varios inconvenientes a la hora de grabarla pues Dylan fue obligado a regrabar la canción modificando la letra, después de que los abogados de Columbia Records le informaran que las referencias al "robo de los cueros" por parte de Alfred Bello y Arthur Dexter podían derivar en un juicio. Ni Bello ni Dexter fueron nunca acusados de tales cargos. Por ello se decidió regrabar la canción. Contó para ello con los músicos que iban a acompañarle en su siguiente gira, entre ellos Don Meehanal (teclado) y Ronee Blakley acompañándole en las armonías vocales. La duración de la canción no fue recortada, pero se modificaron algunas partes de la letra que podían resultar ofensivas. La parte de violin que se escucha es interpretada por Scarlet Rivera.

Un dato curioso para terminar: Desde el 25 de enero de 1976 que Dylan no la toca en vivo.


pop

THE NUMBER OF THE BEAST / IRON MAIDEN



The Number of the Beast es la quinta canción del álbum de igual nombre y el séptimo single de la gran banda Iron Maiden. Fue escrita por el bajista Steve Harris en 1982.

Etsa canción esta inspirada en una pesadilla que tuvo Steve después de ver la película Damien: Omen II (la Profecia 2), segundo capítulo de la trilogía creada por Richard Donner. Esta canción es uno de los más grandes éxitos de Iron Maiden y casi siempre es tocada en los conciertos. Al principio de la canción hay una introducción que es interpretada por Barry Clayton, narra un fragmento del libro del Apocalipsis (Revelations).

La letra de la canción trata de un hombre que sueña que está en el infierno, con gente haciendo rituales satánicos y sacrificios. Al principio, el cree que debe de reportar los acontecimientos a la ley, pero eventualmente, comienza a caer en trance y decide que va a regresar con ellos. La cita biblica de los primeros 10 segundos de la cancion la grabó Vincent Price.

canciones

YELLOW LEDBETTER / PEARL JAM



"Yellow Ledbetter" es una canción del grupo de rock Pearl Jam. A pesar de que la canción nunca fue lanzada como parte de alguno de sus álbumes de estudio, es hasta la fecha una de sus canciones más populares y una de las que mayormente tocan en concierto, por lo general para cerrar los conciertos y dejar a los fans vueltos locos.

"Yellow Ledbetter" fue una de las primeras canciones que escribiría Pearl Jam como grupo, sin embargo no fue incluída en Ten, álbum debut del grupo (un gran disco!).
Fue seleccionada para aparecer como Lado B del sencillo Jeremy y tambien fue la única canción elegida por Pearl Jam que aparecería tanto en su compilación de lados B y rarezas "Lost Dogs" como en su colección de grandes éxitos llamada "Rearviewmirror: Greatest Hits 1991-2003". Además una versión en vivo aprecería en el sencillo Dissident.

La canción fue escrita por Eddie Vedder, Jeff Ament y Mike McCready. La guitarra de McCready en "Yellow Ledbetter" recuerda en mucho a las canciones "Little Wing" y "May This Be Love" del gran Jimi Hendrix.

El nombre de la canción surgió del nombre de un viejo amigo de Chicago de Eddie Vedder, llamado Tim Ledbetter. Sin embargo la letra resulta muchas veces impredecible tanto en vivo como en versiones de estudio, ya que Vedder acostumbra improvisar y cambiar la letra en el momento de interpretarla. Existen versiones oficiales de la letra, así como un número enorme de letras no oficiales que son recojidas en varios sitios de internet.

Mucha gente se ha cuestionado si "Yellow Ledbetter" tiene algun significado o si existe algún tema central que lo identifique. Una de las ideas más comunes es que habla acerca de alguien recibiendo una carta donde encuentra que un hermano suyo ha muerto del otro lado del mar en plena guerra , citando la letra que Vedder canta en la versión de la canción interpretada en el DVD Live at the Garden "I don't know whether my brother will be coming home in a box or a bag".

Yellow Ledbetter puede considerarse por estos motivos una canción única, ya que a pesar de ser una de las canciones más importantes de uno de los grupos fundamentales de la decada de los noventas, hasta la fecha no tiene una letra o un significado fijo en la canción.

Como un dato miscelaneo sobre la canciòn; un extracto de la canción fue usado en el episodio final de la serie de televisión Friends, lo cual fue la primera vez que Pearl Jam autorizò el uso de una de sus canciones para un programa de televisión.


rock

MY GENERATION / THE WHO



My Generation es considerada una de las mejores canciones del grupo de rock británico, The Who, y fue lanzada como sencillo el 5 de noviembre de 1965 y se encuentra en el álbum homónimo.

La canción fue un éxito de ventas en Estados Unidos y rápidamente se hizo una de sus canciones más reconocidas. Ha entrado en el panteón de rock and roll como una de las canciones más famosas y citadas de su idioma; fue clasificada por la Revista Rolling Stone en el puesto 11 de las mejores canciones de todos los tiempos, según su lista de las 100 mejores canciones de la Historia.

Pete Townshend, guitarrista de la banda, presuntamente escribió la canción en un tren y se dice que se han inspirado en la canción "Young man blues" de Mose Allison para la parte musical.
La letra es un llamado a ver como ha cambiado la juventud, que quiere que sea escuchada y que se deje de censurar la voz de un futuro, en esos momentos, que buscaba un cambio por medio de la gente joven. Tal como dijo Townshend a la revista Rolling stone en 1985 "My Generation trata la idea de buscar un espacio en la sociedad".

Esta canción marcaba el cambio musical experimentado en Inglaterra, donde aparecían bandas que dejaban de lado el Yeah Yeah que hace años atrás hacia tiritar a la juventud y ahora buscaban que las guitarras y las baterias sean una forma de expresar emociones poéticas y experimentos musicales que serian mas tarde esenciales en la mutación del rock.


historia

LIGHT MY FIRE / THE DOORS



"Light My Fire" es una canción de la banda norteamericana The Doors, de su álbum de debut, grabado en septiembre de 1966, y lanzado en enero de 1967. Alcanzó el número uno en la lista Billboard de Singles pop en 1967, y luego fue re-lanzado en 1968, alcanzado el número 87. La canción fue escrita por Robby Krieger, aunque usualmente los créditos son dados a "The Doors".
La canción representa una pareja "llegando alto" (getting high), un término callejero para la sensación eufórica de la gente cuando se droga.

"Light My Fire" es un buen ejemplo para el rock psicodélico, con un principio de jazz fusión, con largos y, aparentemente, improvisados solos (por esto la canción fue acortada de siete a tres minutos para su versión de la radio), y ciertas influencias del Este. Su progresión armónica y ritmo pegajoso (particularmente la introducción del Hammond de Ray Manzarek) lo hicieron que vendiera rápidamente en los mercados pop.

Se destaca particularmente una aparición de The Doors en The Ed Sullivan Show. Según los rumores, se les pidió que cambiaran ciertas partes de la letra, específicamente la línea "nena, no podríamos haber llegado más alto" a "nena, no podríamos haberlo hecho mejor" "girl, we couldn't get much higher" a "girl, we couldn't get much better", para hacerlo más adecuado para una audiencia "de costa a costa". La banda prometió hacerlo, pero según Jim Morrison, olvidó cambiar la letra en el último momento, y cantó la versión original. Él atribuye este hecho a que estaba muy nervioso.
Sin importar los aplausos del público, Ed Sulivan estaba tan molesto que se negó a estrechar la mano de Morrison cuando bajó del escenario, y la banda quedó vetada de aparecer de nuevo en el show. Morrison comentó, "Hey, simplemente hicimos el show de Sullivan".

Esta canción estuvo número 35 en la lista de Rolling Stone de las 500 mejores canciones de todos los tiempos.


curiosidades

BACK IN BLACK / AC/DC



"Back in Black" es un clasico del hard-rock de la banda australiana AC/DC. Fue escrita por Malcolm Young junto a Angus Young y pertenece al disco del año 1980 llamado Back in Black.

La canción destaca por el famoso riff de guitarra interpretado por Angus Young de manera magistral.

En Estados Unidos la canción llegó al puesto #37 del Billboard Hot 100 chart en 1981 y estuvo en el puesto #51 en los Billboard's Top Tracks chart donde entró en marzo del año 1981.

Esta canción estuvo en el puesto #4 en la lista de las 40 mas grandes canciones del metal hecha por la cadena televisiva VH1 y este año ocupó el segundo lugar entre las mejores canciones del rock en una lista hecha nuevamente por el canal VH1.
Ademas las revista Rolling Stone la dejó en el sitial #187 de su lista de las 500 Greatest Songs of All Time.

Muchos artistas han usado este tema sin pedirle permiso a la banda y sus derechos de autor.
Por ejemplo en 1984, los Beastie Boys tocaron partes del tema sin permiso de la banda para su canción "Rock Hard". Pero en 1999, cuando deseaban incluirla en un CD de compilación de sus grandes éxitos decidieron recién pedirle permiso a la banda australiana, pero AC / DC se negó. Ante esto, Mike D, integrante de los Beastie Boys, dijo acerca de la decisión del guitarrista Malcolm Young: " No hay nada contra ellos, pero simplemente no apoyan nuestras decisiones.'"

Lo mismo ocurrió con la banda de indie rock llamada Art Brut que casualmente comienzan su canción "Formed a Band" con la intro de "Back in Black" en sus actuaciones en vivo.
El rapero Eminem lanzó una versión de su éxito mundial, "My Name Is", con "Back in black" de bassline.


La historia detrás de esa canción Pt. 2

I WAS MADE FOR LOVIN' YOU / KISS



"I Was Made for Lovin' You" es una famosa canción de la banda de hard rock Kiss, tuvo su aparición en el disco Dynasty lanzado en 1979. Esta canción fue el primer single lanzado para pormocionar ese album y fue lanzado en mayo de 1979. Fue escrita por Desmond Child, Paul Stanley y Vini Poncia.

La banda ganó un disco de oro por la venta de más de 1 millón de copias en Estados Unidos del single.
La canción también se convirtió en un hit al llegar al número 1 en Australia en 1979. También lo fue en toda Europa occidental donde el tema lideró todos los rankings de las radios.

La canción fue uno de los pocos singles del grupo en tener éxito en el Reino Unido en la década de 1970 aunque solo llegó al lugar 51 con una versión distinta que duraba casi ocho minutos.

La canción se basa en la musica disco que fue popular en los Estados Unidos en la década de los setentas.
El vocalista y guitarrista de la banda Paul Stanley, quien co-escribió la canción con Desmond Child y Vini Poncia, ha declarado que "I was Made for lovin' you" fue hecha para demostrar lo fácil que es hacer una canción de onda disco.

A lo largo de los años desde su lanzamiento, la canción se ha convertido en un elemento basico en las actuaciones en vivo de Kiss, a pesar de sonar diferente de la versión de estudio.
Cuando Eric Carr se unió como nuevo baterista a la banda en 1980, la canción se empezó a tocar en un ritmo significativamente más rápido atribuido al estilo rápido de tocar por parte de Carr quitandole ese sonido a música disco.
Existe una versión muy interesante donde la banda toca este tema acompañado por la Orquesta Sinfónica de Melbourne.


musica

EVERY BREATH YOU TAKE / THE POLICE



"Every Breath You Take" es una canción de la banda The Police que fue escrita por su vocalista Sting. Este hit aparece en 1983 en el album Synchronicity.

El single fue todo un éxito de ventas en 1983, llegando a la cima de los Billboard Music Charts (de América del Norte) donde permaneció durante ocho semanas mientras que en el Reino Unido estuvo durante cuatro semanas en la cima de los charts. Así mismo, encabezó la lista de los Billboard Mainstream Rock Tracks durante casi nueve semanas. Ademas, su compositor Sting ganó los premios a Mejor Canción del Año en los Grammys, aparte del premio a mejor grupo Pop por parte de The Police.

La canción ocupa el puesto # 84 en la lista de la revista Rolling Stone de las 500 mejores canciones de todos los tiempos.

La historia cuenta que esta pieza musical fue escrita durante el termino del matrimonio de Sting con Frances Tomelty. En la amargura de ese suceso, Sting se refirió en una entrevista diciendo:
"Me desperté en medio de la noche, con estas palabras en mi cabeza, así que me senté al piano y la escribí en media hora. La música en sí es genérica, un conjunto de ritmos, pero las palabras son muy interesantes. Suena como una canción de amor reconfortante".

En el libro del Back to Mono box-set, se puede leer que "Every Breath You Take" está influenciada por la canción de Gene Pitney titulada "Every Breath I Take".
Ambas letras son muy similares a las primeras palabras de un cuento de ciencia ficción de Judith Merrill titulado "Who ever You Are".
La parte del coro fue imitando esa canción de Leo Sayer llamada "More Than I Can Say" que fue grabada un par de años antes.
Así podemos percatarnos que Sting admite esos "préstamos" de ideas y no puede confundirse con un plagio ya que todos los créditos están señalados en los discos de manera legal.

La versión demo de la canción estaba hecha simplemente en un sintetizador. Durante la grabación, el guitarrista Andy Summers, hizo una composición de guitarra inspirada por Béla Bartók (músico Hungaro fundador de la Etnomusicologia) que más tarde se convertiría en una de sus grandes características al interpretar dicho instrumento.
Sting le pidió que pusiera la guitarra al tema cuando este terminó la canción. A lo que Summers sólo tocó lo que le vino a la mente con ese estilo y al terminar todos lo aplaudieron y felicitaron por la interpretación.

Esta melodía ha sido interpretada por diversos artistas. Entre los principales artistas que han versionado esta mítica canción, destacan UB40 (para la banda sonora de 50 primeras citas), Julianna Hatfield, Millencolin, o el baterista de la banda Steve Copeland de manera solitaria.
La cantante mexicana Yuridia hizo una versión en español titulada Siempre te amaré, dentro de su álbum Habla el corazón.

Destaca de manera especial la adaptación de Puff Daddy, I'll Be Missing You, que cantó con Faith Evans y 112 para el tributo por el asesinato del rapero The Notorious B.I.G.

La melodía de la canción es usada por Maroon 5 en su tema Won't Go Home Without You.


pop

I DON'T WANT TO MISS A THING / AEROSMITH



"I Don't Want to Miss a Thing" es un sencillo de la banda estadounidense Aerosmith lanzada el 18 de agosto de 1998. La canción fue escrita por Diane Warren. Además, la canción estuvo nominada al Óscar a la mejor canción original en 1998.

La canción fue grabada para la banda sonora de la película Armagedon y debutó en el primer lugar del Billboard Hot 100, siendo el primer sencillo de la banda en alcanzar esta posición.

Ademas permaneció en el primer lugar durante cuatro semanas desde el 5 de septiembre hasta el 26 de septiembre de 1998. La canción también ocupó la primera posición en la listas de popularidad de otros países. En el Reino Unido, alcanzó el puesto 4 en noviembre de 1998, convirtiéndose en la canción más exitosa de la banda en ese país para ese entonces.

Otra de las caracteristicas de este "superhit" es el video musical, dirigido por Francis Lawrence, el cual fue filmado en la Minneapolis Armory (Armería de Minneapolis) en 1998.
Muestra a la banda interpretando la canción entrelazados con varias escenas de Armageddon. Liv Tyler, quien es hija de Steven Tyler (el vocalista de la banda) e interpretó a Grace Stamper en el filme, realiza un cameo en el video.

El vídeo inicia con imágenes de la luna y varios meteoritos y posteriormente realiza un acercamiento a la Tierra para mostrar a Steven Tyler cantando. El vídeo alterna entre escenas de la banda tocando y un centro de la misión en el que los monitores muestran a la agrupación. Mientras el video progresa, se observa a la banda tocando en frente del transbordador espacial ficticio Freedom. Una orquesta toca junto a Aerosmith. El humo rodea a la agrupación y la orquesta mientras el transbordador despega. El vídeo termina cuando Grace, llorando, toca uno de los monitores del centro de la misión.


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2 comentarios - La historia detrás de esa canción Pt. 2

ScreamPunk +1
Que temazo Welcome To Paradise