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Los 14 biofilms más polémicos de todos los tiempos




Los 14 biofilms más polémicos de todos los tiempos


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Probablemente hace falta decir que el propósito de cualquier película biográfica es, entre otras cosas, resaltar cierta controversia. Sin embargo, a veces las películas generan controversia más allá de su materia, ya sea debido a la elección de la persona, la forma en que la película fue producida, o la historia escrita.No menos importante entre los temas polémicos es la dedicación de la película a los acontecimientos históricos reales, o falta de ella, ya sea intencional o no.
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1. último rey de Escocia (2006)
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Esta película está basada en el libro del mismo nombre, escrito por Giles Foden. La película cuenta la historia ficticia de Nicholas Garrigan, interpretado por James McAvoy, un joven médico escocés que viaja a Uganda y se convierte en el médico personal de presidente Idi Amin (Dada), interpretado por Forest Whitaker. La historia tiene lugar durante la brutal dictadura de Amin, que gobernó Uganda desde 1971 a 1979. Entramos en la historia al igual que Amin ha derrocado al presidente en ejercicio Milton Obote en un golpe de Estado.
El guión fue adaptado por Peter Morgan, también conocido por Frost / Nixon (2008) (Un relato dramático de las entrevistas de televisión post-Watergate entre British talk-show David Frost y el ex presidente Richard Nixon) y Rush (2013) (La despiadada 1970 rivalidad entre la Fórmula Uno rivales James Hunt y Niki Lauda).
En esas dos películas, Morgan tomó liberal licencia dramática con el guión (por ejemplo, exagerando la rivalidad Hunt-Lauda en Rush), la creación de numerosas inexactitudes - una crítica constante de muchos biopics, especialmente aquellos que cosechan mucho la atención.
Permanecer en gran parte fiel a la novela, Morgan decidió no embellecer último rey de Escocia con muchos detalles históricos más allá del golpe inicial que llevó a Amin al poder, así como la expulsión de cualquier persona de origen asiático (en gran parte de la India). El final de la película muestra las estadísticas comúnmente mostradas de la brutalidad de Amin, entre ellos su masacre de 300.000 ugandeses durante sus ocho años de locura.
Pero, el propósito de la película no era presentar un documental de la dictadura de Amin - hay una serie de documentales que sirven a ese propósito. En cambio, la película fue un escaparate para la capacidad de actuar de McAvoy y, sobre todo, Whitaker, quien ganó un Oscar por su poderosa interpretación de descenso del dictador en la paranoia.
Por supuesto, se pueden hacer comparaciones con el 1981 biopic, Amin: Auge y caída, dirigida por Sharad Patel y mirando el actor keniano Joseph Olita como Amin. La película ganó cinco premios, incluyendo mejor actor por Joseph Olita, en el Festival Internacional de Cine de Las Vegas (Olita cree que fue desairado por una nominación al Oscar, y se ha cobrado ya que su actuación fue muy superior a la de Whitaker).
La película de Patel no es una adaptación de una historia de ficción que tiene lugar durante los acontecimientos históricos, pero documenta los acontecimientos históricos a sí mismos, que termina con la invasión de Tanzania en 1978 que, con la ayuda de los rebeldes ugandeses, llevó al derrocamiento de Amin en 1979 y su huida el pais. De hecho, la película de Patel incluye lo que muchos creen que es la derivación de Foden para el Dr. Garrigan, que era Bob Astles, ex blanco soldado británico que se convirtió en uno de los asesores más cercanos de Amin.
Pero lo que hace último rey de Escocia importante y controvertido, es las preguntas que planteaba. La película fue filmada en gran parte en Uganda en 2006, lo que significaba que el pueblo de Uganda se enfrentaron con su historia - las personas que estaban vivos durante el reinado de Amin y la generación más joven, que sólo "sabe" él de lo que han leído.
¿Cómo reaccionan los ugandeses a la interpretación de su historia? ¿Cómo afecta la vista de Idi Amin difiere de la de Occidente? El fenómeno no es completamente diferente a lo que ha ocurrido en Rusia, como hablar de la regeneración del culto a Stalin crece más fuerte.
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2. Enfoque automático (2002)
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Enfoque automático echa un vistazo a la muerte y la vida extraña de Bob Crane, una de las más grandes estrellas de la televisión de 1960. Crane jugó el sabelotodo coronel Robert Hogan en la década de 1960 la televisión de comedia, héroes de Hogan.
Durante el rodaje de la serie Héroes de Hogan, la grúa comenzó una amistad con John Carpenter, un aficionado a la tecnología de grabación de vídeo y de lixiviación social. Crane desarrolló lo que, en esa época, era considerado un estilo de vida sexual extraño, durante el matrimonio. Él y Carpenter filmaría sus encuentros sexuales con una larga corriente de las mujeres a lo largo de varios años. En 1978 Bob Crane fue golpeado hasta la muerte con un trípode en Arizona, mientras que protagonizar una obra teatro de la cena.
Carpintero fue el principal sospechoso. Sería 14 años antes de carpintero sería llevado a juicio, sólo para ser absuelto - no, muchos dirían, porque Carpintero era inocente, pero debido a la manera negligente en el que el crimen fue investigado y procesado (ver el documental, Murder in Scottsdale: La muerte de Bob Crane (2003)). Los hombres muertos no cuentan cuentos. John Carpenter murió el 4 de septiembre de 1998, cuatro años después de que fue absuelto.
La película está basada en el libro, el asesinato de Bob Crane: ¿Quién mató a la estrella de Los héroes de Hogan? escrito por Robert Graysmith, un verdadero autor del crimen que es mejor conocido por sus trabajos sobre el caso del asesino del zodiaco.
El director de la película, Paul Schrader, tenía familiaridad con estas historias, después de haber escrito el guión de Taxi Driver y escrita y dirigida American Gigolo. La película también está bien echado, con Greg Kinnear brillantemente retrata feliz ignorancia de la grúa de su perversión, a menudo refiriéndose a sí mismo como "normal", y Willem Defoe jugando sexualmente ambigua John Carpenter.
Pero la película no es sólo una exposición en una de las más grandes estrellas de la televisión, o, en general, una mirada al interior de la industria del entretenimiento. La película pone de relieve las normas cambiantes de forma espectacular a la que los aficionados tienen sus estrellas, en particular, sus costumbres sexuales.
Las carreras y la popularidad de Paris Hilton y Kim Kardashian no fueron disminuidos por la revelación de sus videos de sexo. Incluso Rob Lowe fue capaz de recuperarse y reanudar su carrera. Pero décadas antes, porno casero jugó un papel crucial en la caída de una de las grandes estrellas de la televisión.Algunos podrían decir que la desgracia de Bob Crane era que su vanidad sexual se adelantó a su tiempo.
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3. Uno de los nuestros (1990)
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Esta película era en realidad la segunda película de Martin Scorsese "mafia", siendo el primero el fracaso de taquilla, Mean Streets (1973). Más tarde pasar a Casino directo (1995), Gangs of New York (2002) y The Departed (2006), aunque los dos últimos no implican la mafia italiana. Scorsese en realidad no tenía ninguna intención de hacer una película de la mafia, pero se convirtió en intrigado en el libro en que se basa la película, Wiseguy: La vida en una familia de la mafia (1986), escrito por Nicholas Pileggi. El libro de Pileggi, Casino: Love and Honor en Las Vegas sería la inspiración para Casino.
En Goodfellas, Scorsese redefinió la película de la mafia, ya que había llegado a ser conocido. La película en sí es un relato de la vida de mafioso de nivel medio de Henry Hill, desde sus años de formación como un niño a su plena participación en la familia Lucchese mafia.
Mientras que las películas clásicas de la mafia como El padrino eran cuentas ficticias de ámbito superior de los bajos fondos, Goodfellas ofreció un relato verdadero de la vida de la mafia, sino de los más bajos del escalafón de la mafia - que retratan lo que Scorsese descrito como el "día a día" operaciones de las actividades de la mafia ; Demostramos a usted la gente que corría la venta de protección, hold-ups, grandes robos, etc., y luego pagó tributo a los miembros "hechos" de la mafia, que son principalmente castizo sicilianos y que forman una élite que gente como Henry Colina podían hacer negocios con, pero de la que nunca pudo ser una parte completa. Henry era sólo la mitad italiana, su padre era irlandés.
Mientras apodado como "basada en una historia real" (que por lo general se traduce en la ficción histórica), Colina describió la película como el 90% de precisión a los acontecimientos reales. De hecho, el libro de Pileggi lee casi como un documental.
Co-escrito el guión junto a Pileggi, Scorsese teje la emoción y el drama en tono más neutral del libro. Algunos licencia es de esperar, por ejemplo, con el personaje de Joe Pesci, Tommy de Vito. El verdadero "Tommy" fue Thomas DeSimone "Two Gun Tommy". Mientras que sin duda poseen el mismo temperamento vitriólica retratado por Pesci, DeSimone paró un imponente 6'2 ", en contraposición a la napoleónica 5'4" de estatura Pesci.
Henry Colina se encendería más adelante para escribir un libro, Gangsters y Goodfellas. No realmente hasta 1997 la película Donnie Brasco vemos el mismo tipo de tratamiento microscópico, "rutina diaria" de la mafia y que también quedó muy precisa a hechos reales, ganando un premio de la Academia al Mejor Guión Adaptado, basada como estaba en el libro Donnie Brasco: Mi vida Sombras en la mafia por el ex agente del FBI Joseph Dominick Pistone, a / k / a Donnie Brasco. Sin embargo, la combinación del genio de Scorsese como director, el conocimiento de Peliggi y el triunvirato actuación emblemática de De Niro, Pesci y Liotta hacer Goodfellas un acto difícil de seguir.
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4. Quills (2000)
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Dirigida por Philip Kaufman (cuyo mayor éxito fue el ganador del Oscar, The Right Stuff), Quills es completamente ficticia re-imaginación de los últimos años de la vida de Donatien Alphonse François, más comúnmente conocido como el Marqués de Sade. La película es polémica no sólo por su temática y su protagonista, sino por la misma falta de cualquier intento de algo parecido a la exactitud histórica.
Los pasos en falso de hecho son el menor de los problemas, aunque sí abundan. De Sade nunca fue encarcelado por sus escritos, pero por lo que se consideraba sus muchas perversiones sexuales e indiscreciones. De hecho, fue la madre-en-ley de De Sade quien pagó para que lo encarceló por sus escándalos sexuales con varias prostitutas.
De Sade hizo pasar los últimos años de su vida en un asilo de Charenton, pero no fue aquí donde produjo su obra más polémica. La película comienza justo después de la Revolución Francesa y durante la época del Terror. Sin embargo, su obra más polémica, 120 días de Sodoma fue escrito mientras que pasar tiempo en la Bastilla, mucho antes de la revolución, al igual que la novela Justine, que la película muestra como si hubiera sido escrito mientras que De Sade estaba en el asilo.
De Sade hizo contrabando algunos escritos fuera del asilo, pero no es así, que la película representa, por la camarera (interpretado por Kate Winslet), pero, por un compañero de De Sade durante muchos años. Y de contrabando no fueron escritos polémicos, sino historias relativamente convencionales y obras de teatro que levantaron sin cejas.
Tampoco De Sade morir la muerte horrible retratado en la película, pero relativamente pacífica a la edad de setenta y cuatro. Quizás igualmente, si no más inflado, fueron las representaciones de la Abadía del asilo, Coulmier (interpretado por Joaquin Phoenix) y el buen doctor Royer-Colard (interpretado por Michael Caine).
Coulmier hizo amar a sus pacientes y se utiliza un toque tipo para aliviar dolencias de sus pacientes. Pero, Coulmier no era la imponente figura retratada por Phoenix, pero, en cambio, era un tiempo muy corto, persona hogareña. Tampoco terminan perdiendo su cordura durante el tratamiento de De Sade por el Dr. Royer-Colard, convirtiéndose en una sala del asilo. En ese sentido, el Dr. Royer-Colard no era el sádico (sin doble sentido) tirano retratado en la película.
Al final, el "De Sade" de Quills no es el de Sade de la historia. Objetivo aparente de Kaufman era mostrar los males de la censura y la naturaleza opresiva de la religión, especialmente durante el apogeo de la Revolución Francesa. De hecho, casi se ve la de Sade de Quills como un mártir, cuya muerte silenciada una voz cuyo mensaje aparecido vulgar en la superficie, pero representaba una verdadera libertad que debería haber sido expresada por los jacobinos.
Mientras que tales objetivos son nobles, eran particularmente a Kaufman, en absoluto a De Sade. La obsesión de De Sade era empujar el social, político, espiritual y, sí, sexuales, los límites de los tiempos para determinar qué límites puede haber habido después de la destrucción del Antiguo Régimen. Si no hay límites, no hay un sentido a la existencia humana? Si la respuesta es no, entonces uno se estremece al pensar en los excesos inevitables del relativismo cultural y el nihilismo - fenómenos de empuje en la sociedad francesa después de 1789.
Tales consideraciones son más relevantes para los tiempos modernos, una lección proporcionado más notoriamente por el propio De Sade. Sin embargo, no hace caso de forma remota Quills intento de respetar la inteligencia de los espectadores.
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5. El hombre elefante (1980)
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Dirigida por el siempre enigmático David Lynch, The Elephant Man cuenta la historia de Joseph Merrick (mal nombrados "Juan" en la película), un hombre gravemente deformada que vivió alrededor del cambio de siglo, y fue objeto de burlas y general de terror para aquellos que sólo lo veía como un fenómeno de circo. Sin embargo, para aquellos que se tomaron el tiempo para llegar a conocerlo, y vio más allá de sus rarezas físicas, él era un hombre de gentil compasión, y era tan capaz de encajar con la sociedad como cualquier otro ser humano, pero sólo si la sociedad le daría una oportunidad.
La película fue adaptada de Frederick de Tréveris de El Hombre Elefante y Otras Reminiscencias (1923) y de Ashley Montagu El Hombre Elefante: Un estudio en la Dignidad Humana (1971). Tréveris era el médico que finalmente se hizo cargo de Merrick después de "rescate" de él desde un freak show circense. Eso Merrick fue mis-nombre "Juan" no es culpa de Lynch o los productores, pero del Dr. Tréveris, que, por alguna razón, se refirió constantemente a Merrick como "Juan" en sus memorias, en lugar de "José".
La película se estrenó en entre dos películas de Lynch icónicas, Eraserhead (1977) y Blue Velvet (1986). Cuando se habla de la carrera de Lynch, parece que El hombre elefante ha sido un poco olvidado. De hecho, cuando se compara con las películas más fieles a su estilo de dirección, como Eraserhead, Blue Velvet, o incluso Mulholland Drive (2001), El hombre elefante parece un drama bastante sencillo.
Lynch tomó un nuevo enfoque para el cine, que ha incluido el surrealismo, las imágenes de pesadilla, y una atención sin igual a diseño resultante en misteriosas, bandas sonoras otherworldy sonar. David Foster Wallace amplió el significado en el enfoque cinematográfico de Lynch para referirse a un tipo particular de la ironía ("ironía de lo banal" donde el macabro y el mundano se combinan de tal manera como para revelar de la antigua contención perpetua dentro de este último.
En El hombre elefante, mientras que en relación hechos reales sobre la desgracia de Merrick, Lynch es capaz de contribuir a su marca del surrealismo en torno a la madre de Merrick y su muerte. El principio de la película ofrece imágenes opacas de la madre de Merrick siendo pisoteados por los elefantes. Se ha dicho que las escenas de elefantes se refieren a una superstición muy antigua. Alguna vez se pensó que las madres de niños deformes estaban asustados, durante el embarazo, por el animal que el niño deforme más se parecía.
Y por lo que las audiencias que pagaron para ver Merrick durante los freak shows se les dijo que su madre no sólo se asustó por un elefante, pero "abatido". Por supuesto, Lynch, con su sentido del humor, logró dar a entender sutilmente, sin decirlo abiertamente, que la madre de Merrick fue realmente violada por un elefante.
Aunque en general los hechos exactos, hay algunas discrepancias que son significativos. La película retrata Merrick como una víctima indefensa, abusada por su supervisor sádica, Norman Bytes. En realidad, Merrick eligió retratar a sí mismo en el circo, tuvo una asociación financiera de igualdad con Norman, fue bien tratado, y se ganó un sueldo considerable, mientras que en el circo. Algunos podrían decir que Merrick de hacer su desgracia física en una oportunidad empresarial de él una persona aún más notable que hace.
A pesar de ser nominada a ocho premios de la Academia, incluyendo Mejor Película y Mejor Actor, la película no pudo recoger a un solo Oscar. Competir con los gustos de Raging Bull (dirigida por Martin Scorsese) y ganador de Mejor Película Gente corriente (dirigida por Robert Redford), Elephant Man estaba tan cerca como David Lynch llegaría a tal reconocimiento Oscar.

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6. Frida (2002)
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Después de haber obtenido su licenciatura en el folclore y la mitología, debe ser ninguna sorpresa que Julie Taymor dirigiría Tito (1999), La tempestad (2010) y El sueño de una noche de verano (2014). Sin embargo, su mayor éxito cinematográfico llegó con Frida en 2002 (a pesar de que ha tenido casi el mismo éxito en el teatro). Frida recibió seis nominaciones a los Oscar, y dos premios Oscar, para el maquillaje y para el puntaje de la música por su marido Elliot Goldenthal.
Frida retransmite la vida profesional y privada del pintor mexicano surrealista y el icono feminista, Frida Kahlo. Salma Hayek hace un trabajo admirable como Frida inconstante y los incomparables estrellas Alfred Molina como su brillante, todavía inquieto, marido, Diego Rivera. La película fue adaptada por Clancy Sigal, Diane Lake, Gregory Nava y Anna Thomas del libro Frida: una biografía de Frida Kahlo por Hayden Herrera (ella misma un historiador del arte y que ha comisariado varias exposiciones de arte).
Curiosamente, Salma Hayek se le dio el papel de Frida sólo después de Laura San Giacomo, Madonna y Jennifer López fueron seleccionados, y luego cayó, debido a lo que se percibía como su aparente falta de "mexicanidad". Pero, entonces, dada la importancia histórica de Kahlo, que era importante contar con su papel retratado con la mayor precisión posible. Diego Rivera, por supuesto, fue el famoso muralista y describe a sí mismo comunista mexicano, quien fiesta con los ricos, mientras que marcha con los trabajadores en las calles de la Ciudad de México.
Pero Kahlo no fue sencilla esposa mexicana que ocasionalmente pintado. Expresó su orgullo y la sexualidad mexicana con una ferocidad que no se convertiría aceptada durante décadas. En cuanto a su pintura, que era genial y brutalmente honesto. A lo largo de la película, una escena comienza como un cuadro, a continuación, se disuelve lentamente en una escena de acción en vivo con los actores.
En la película, Taymor evita el tema mártir / víctima típica menudo típico de biopics sobre artistas, y en su lugar se centra en el desarrollo de la fuerte personalidad de Kahlo, su papel como pintor y el amor Kahlo compartió con Rivera (y otros). Taymor también capta tanto el glamoroso entorno, profundamente cosmopolita Kahlo y Rivera habitadas, y la importancia México tuvo en la década de 1930 para la izquierda internacional.
Documentado así es la relación tempestuosa Kahlo tuvo con Rivera, lo que con infidelidades compulsivos de Rivera (incluyendo un romance con la propia hermana de Kahlo); erráticos, la política extremista de la pareja; y, finalmente, propias aventuras amorosas de Frida con hombres y mujeres - incluyendo León Trotsky y Josephine Baker.
La fuerza de la película sobrevive al papel claramente inauténtico interpretado por Geoffrey Rush como Trotsky. Kahlo es una mujer muy por delante de su tiempo, y el hecho de que ella era una artista mexicana femenina casada con un famoso artista mujeriego hace su historia aún más convincente, y la película es importante para ver.
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7. Bronson (2008)
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Si no hay otra razón para ver esta más británica de las películas, hay que verlo por la representación de Tom Hardy del loco a menudo referido como criminal más notoriamente peligrosa de Gran Bretaña. Aunque a menudo conocido por sus papeles de acción (Star Trek: Némesis; Caída del Halcón Negro), Hardy es un actor versátil, habiendo desempeñado diversos cargos (Child 44, The Drop).
Sabiendo que Hardy pasó su adolescencia y los veinte años luchando contra la delincuencia, el alcoholismo y la adicción a las drogas, uno tiene la impresión aterradora Hardy es más "en casa" en Bronson.
Bronson es un relato novelado de la vida del criminal de carrera, Michael Gordon Peterson, nacido con ese nombre en 1952, pero más tarde cambió su nombre varias veces. En 1974, Peterson decidió que quería hacer un nombre por sí mismo y por lo tanto, con una escopeta de cañones recortados, intentó robar a una oficina de correos.
Rápidamente aprehendido y originalmente sentenciado a siete años de cárcel, Peterson pasaría los próximos treinta y cuatro años tras las rejas, treinta de los cuales se gastaron en régimen de aislamiento. Durante ese tiempo, Michael Petersen, el muchacho, se desvaneció y "Charles Bronson", su superestrella alter ego, tomó el centro del escenario.
Narrado misteriosamente en todo momento por Bronson / Hardy con humor, la película menudo desdibuja la línea entre la comedia y el horror. La película es una historia del hombre contra la sociedad, pero Nicolas Winding Refn, el director danés más famoso por su trilogía Pusher de películas sobre la postura machista en violento submundo multiétnica de Copenhague y él mismo algo de un rebelde, se asegura de señalar que infancia difícil de Peterson fue en gran medida auto-infligida, es decir, no el producto de un hogar roto, las drogas o el alcohol.
De hecho, la película comienza con la infancia de Bronson (golpear a los matones de clase, agredir a un profesor en un aula), continúa a través de sus interminables encuentros sangrientos con el personal penitenciario, todo provocado por él mismo, un período de sedación profunda en una institución mental (que recuerda a La naranja mecánica), una temporada en general como un boxeador sin guantes y una demostración final, desafiante de la obstinación en el estudio de arte prisión. Poner el tema del cine en relieve marcado es muchos todavía y fuera del centro de tiros de la película, típicos de la cinematografía europea.
Por supuesto, uno podría decir que algunas personas simplemente nacen mal. "La sociedad", por así decirlo, tenía poco que ver con la reincidencia de Bronson. Siempre fue mucho más feliz en un mundo claustrofóbico de barras de la prisión, puertas que se estrellan, jaulas y camisas de fuerza que disfruta de la supuesta falta de restricciones en la vida civilizada normal.
Al final, Bronson no es una historia en el sentido tradicional en absoluto. Es una meditación sobre el arte de la rabia - una acción de pintar haciéndose pasar por una película de acción.
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8. El Fin del Tour (2015)
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En una entrevista de 1996 con Michael Silverblatt, David Foster Wallace declaró su obra magna, La broma infinita, se estructuró como un Sierpinski Junta. Un Sierpinski Junta, dicho sea de paso, se construye mediante la adopción de un triángulo, la eliminación de una pieza en forma de triángulo de en medio, y luego hacer lo mismo con los triángulos restantes, potencialmente infinito.
Decir la escritura de David Foster Wallace es "difícil" que es realmente decir que no se ajusta al paradigma literario común de linealidad. Uno sólo necesita referirse a la escritura de Thomas Pynchon y Don DeLillo como ejemplos adicionales.
El Fin del Tour narra los cinco días que el columnista Rolling Stone David Lipsky acompañado y entrevistó Wallace durante su gira de promoción de La broma infinita. Dirigida y escrita por James Ponsoldt, este relato se basa en las memorias de mayor venta de Lipsky, Aunque por supuesto que terminan convirtiéndose en usted mismo.
Curiosamente, muchos de los ensayos conocidos de Wallace fueron escritos originalmente como comisiones de diversas publicaciones periódicas (véase, por ejemplo, la colección de ensayos de Wallace en A Supuestamente Diversión cosa que voy a Nunca hacer de nuevo, que, por cierto, ofrece una excelente introducción a la obra de Wallace , en términos de cómo se escribe, y qué le gusta). En realidad la película no es la primera película sobre Wallace, con John Krasinski haber dirigido en 2009 una adaptación de Entrevistas breves con hombres repulsivos, una colección de historias cortas por el mismo nombre escrita por Wallace en 1999.
La tarea de la monumental tarea de retratar la Wallace inmortal es Jason Segel, una elección tal vez contradictorio, pero que valió la pena con creces. Igualmente sabio fue el casting de Jesse Eisenberg como entrevistador de Wallace, David Lipsky. Ambos trabajaron poderosamente en la preparación de sus respectivas funciones, y se notaba. Por supuesto, el mayor aprecio por la película viene de haber leído tope de Wallace intelectual de una novela, La broma infinita, así como otras de sus obras.
El film también capta hábilmente la intimidad curiosidad artificial que puede surgir en el proceso de entrevistar, al fin, el tema de un perfil de la revista, y los momentos de la traición que puede resultar, como cuando Lipsky se aprovecha de "cautiverio" de Wallace en un vuelo a preguntarle acerca breve estancia de Wallace en una institución mental, comprensiblemente, no es un tema de bienvenida a Wallace, y la fuente de un intercambio irritable entre los dos.
A pesar de la respuesta crítica muy positiva a la película, la finca de Wallace ha repudiado él, su esposa lamentando que Wallace nunca habría aprobado de la película. Cualquiera que haya visto sus entrevistas probablemente atribuir cualquier posible reacción de Wallace al humilde, naturaleza modesta de Wallace - a veces casi apareciendo desesperada en busca de la aprobación de los que son, pero los mosquitos en presencia de un gigante como intelectual.
No es de extrañar que el New York Times se ha referido a Wallace como uno de los talentos preeminentes de su generación. Es una tragedia amarga que su muerte nos ha dejado sofocante por sus observaciones brillantes, ingeniosas, y maravillosamente serpenteantes.
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9. Las hermanas de la Magdalena (2002)
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Esta película, en relación con un tema que asalta el propio sentido de la justicia, cuenta la historia de tres mujeres jóvenes que, en circunstancias trágicas ven arrojados lejos a un Asilo de las Magdalenas para las mujeres jóvenes en 1964.
Para entender el significado de esta historia es comprender la influencia de la Iglesia Católica en Irlanda, incluso durante este tiempo. Mientras disminuido un poco en las últimas décadas, la Iglesia Católica ha tenido una poderosa influencia sobre la sociedad irlandesa largo de la historia.
Este manto de esta influencia sólo se puso en relieve más marcado durante el período de tiempo conocido como "los problemas", el nombre común para el conflicto étnico-nacionalista en Irlanda del Norte que se extendió en varias ocasiones en zonas de la República de Irlanda, Inglaterra y Europa continental.
Estas instituciones medievales y crueles eran conocidos en Irlanda como las Lavanderías de la Magdalena, en referencia al trabajo de las víctimas encarcelados estaban haciendo, y así el nombre de María Magdalena, que se creía erróneamente que ser una prostituta. Varios de estos lugares existieron en Australia, Inglaterra, Irlanda e incluso en América del Norte. Fueron creados para albergar a aquellas mujeres que habían "caído de la gracia", es decir, los que la Iglesia extremadamente conservadora y laicos católicos consideran escandaloso.
Custodiado por monjas, las mujeres fueron objeto de trabajo no remunerado forzado en beneficio de la Iglesia Católica. A pesar de que no iniciaron las instalaciones, la mayoría de las operaciones se llevaron a cabo por las Hermanas de la Caridad, las Hermanas de la Misericordia, Hermanas del Buen Pastor y las Hermanas de Nuestra Señora de la Caridad, con el pleno apoyo de la Iglesia.
Encerrados sin identidad, ni visitas, ni los derechos humanos, las mujeres eran tratadas como criminales sin ningún tipo de prueba, y sin juicios. Tuvieron que fregar pisos de prisión, cocinar para las monjas, cuidar de los prisioneros de envejecimiento y otras tareas que nadie quería hacer. Todos ellos perdieron a sus hijos a las familias adoptivas elegidos por las monjas. Se estima que 30.000 mujeres fueron detenidas en estos asilos en Irlanda solo. El último no se cerró hasta 1998.
La película fue escrita, dirigida por Peter Mullan, un activista social comprometido, y un actor mejor conocido por sus papeles de acción en Trainspotting, la serie de películas de Harry Potter, mi nombre es Joe y Braveheart. Él se inspiró para crear la película después de haber visto Sex Steve Humphries en un clima frío, un documental que denuncia la Magdalena Asilos.
Los roles están bien fundido, con Geraldine McEwan hábilmente retratar la crueldad "enfermera Ratched" de la cabeza de la monja, la hermana Bridget.
La Iglesia Católica increíblemente todavía niega que estos abusos se llevaron a cabo y se ha negado a pedir disculpas por lo que nunca se dice que pasó, incluso después de que el primer ministro de Irlanda, Enda Kenny, emitió una disculpa estado completo a las víctimas en el 2013.
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10. Leche (2008)
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Esta película biográfica sobre el movimiento activista asesinado derechos de los homosexuales Harvey Milk no es sólo la historia de un líder político, sino un hecho político en sí mismo, la introducción de los aficionados al cine de corriente a un héroe martirizado y defendiendo implícitamente sus ideales.
Conocido en San Francisco como el Alcalde de la calle Castro, Leche quitó un impresionante acto de equilibrio a mediados de los años 70: a pesar de que trabajó incansablemente por los derechos de los homosexuales, también monta una base de poder improbable de los homosexuales, hippies, personas mayores, los miembros del sindicato, y propietarios de pequeñas empresas que lo catapultaron a cargos de elección popular a bordo de la ciudad de los supervisores.
Harvey Milk fue un 40-algo gay republicano cuando se mudó a San Francisco en los años 70. Abrió una tienda de cámara en la calle Castro. Él determinó rápidamente para traer lo que entonces era un barrio en dificultades a la vida; ". gay Meca" para que sea un director Gus Van Sant nos muestra que la transformación en trazos rápidos - los dueños de negocios que viajan del odio al lucro, sindicatos ganan ayuda gay para ganar contratos - con el acoso policial y asesino gay-golpear como telón de fondo.
Tal vez la lucha política que define la carrera de Leche fue su exitosa batalla contra la Proposición 6, una medida estatal que habría prohibido los gays de la enseñanza en las escuelas públicas de California. Leche vio esto no como una cuestión económica sino cultural, una razón para los gays a salir del armario y le dicen a todos los que están.
Es imposible ver anti-Prop de la película. 6 demostraciones, para leer señales diciendo cosas como "derechos de los homosexuales ahora" y "Salvemos nuestros derechos humanos", sin pensar en la batalla sobre la Proposición 8 y la prohibición del matrimonio gay que asolaba en California en el momento. Esta demostración gráfica que las luchas están lejos de terminar da "Milk" un borde más duro que su tono de otro modo autocomplaciente podría manejar.
"Leche" tiene una deuda grande (que se reconoce en los créditos finales) al 1,984 documental ganador del Oscar "The Times of Harvey Milk." Se va tan lejos como la apertura de la misma manera, con una escena de la leche de grabar su pegada testamento final, que se jugará "sólo en el caso de mi muerte por asesinato".

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11. Una mente maravillosa (2001)
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Trágicamente, el tema de esta película, John Forbes Nash, Jr., y su esposa, Alicia, fueron asesinados en mayo de este año, los pasajeros en un taxi de Nueva Jersey cuyo conductor perdió el control. Nash fue de 86; Alicia era 82.
La película es una adaptación de la biografía "no autorizada" del mismo nombre, escrita por Sylvia Nassar. El fundador de la teoría de juegos, un estratega RAND Guerra Fría y ganador de un Premio Nobel de 1994 en la economía de la película representa el desplome de Nash en la esquizofrenia paranoide que comienza a los 30 años y su recuperación espontánea a principios de 1990 después de décadas de tormento.
La película se aparta sustancialmente de los acontecimientos reales en la vida de Nash (comparar con el documental de PBS mucho más preciso Una Locura Brillante). Cabe destacar que al margen de la película fue el hecho de que Nash compartimentado su vida personal secreto, ocultando sus asuntos homosexuales con colegas de una amante, una enfermera que él un hijo fuera del matrimonio dio a luz, mientras que él también cortejó Alicia Larde, un estudiante de física del MIT quien se casó en 1957.
Su hijo, John, nacido en 1959, se convirtió en un matemático y sufre de esquizofrenia episódica. Alicia Nash se divorció en 1963, pero comenzó a vivir juntos de nuevo con la familia alrededor de 1970. El hijo Nash tuvo con Alicia ("Johnny" también sufre de esquizofrenia paranoide.
Mientras que el director Ron Howard afirmó que ninguna representación literal de la vida de Nash fue pensado, algunos han lamentado que las omisiones dejaron los espectadores con una impresión glorificada de Nash. De hecho, tampoco se observó en la película fue el hecho de que Nash dejó su enfermera amante al enterarse de que estaba embarazada. La imagen de Nash que se desprende de la película es, uno concede, romántica: pero eso es Hollywood.
Lo que cualquier película puede hacer - brillante - es transmitir la pesadilla de la esquizofrenia paranoide. En Una mente maravillosa, Howard seduce con éxito la audiencia en el mundo paranoide de Nash. No podemos dejar el cine con mucha competencia en la teoría de juegos (la película fracasa miserablemente en la transmisión de las ideas científicas (Comparar con Pi)), pero sí echar un vistazo a lo que se siente al estar loco - y no saberlo.
Sin embargo, como en brillo y Rain Man, la imagen de la discapacidad mental proyectada por Howard está peligrosamente simplifica: sobre todo la afirmación de la película que la esquizofrenia en toda regla como Nash puede ser superada por la mera fuerza de la mente. Su remisión tardía de la vida, en los años 1990 parece ser más bien el carácter de un milagro inexplicable.
Seducción éxito de Howard, la escritura de Akiva Goldsman y el casting de Russell Crowe, Jennifer Connelly y Ed Harris, entre otros, hace que la película bastante entretenida. La Academia pensó así, ya que la película consiguió cuatro premios Oscar, incluyendo Mejor Película, Mejor Director, Mejor Guión Adaptado y Mejor Actriz de Reparto (Connelly).
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La Lista de Schindler 12. (1993)
polemica
Esta película es digno de ver por su gran ambición, incluso con el conocimiento de que se trataba de un relato novelado "basada" en una historia real. En la combinación de los talentos como director de Steven Spielberg, la capacidad de actuación prístina de titanes Ralph Fiennes y Ben Kingsley (y, sí, incluso Liam Neeson) y agregue la puntuación inquietante de John Williams y impresionante fotografía en blanco y negro de Janusz Kaminski y el guión majestuosa de Steven Zaillian , el resultado es con toda seguridad va a ser nada menos que épica.
La película es una adaptación de la novela ganadora del premio Booker-(ficción histórica), el Arca de Schindler (lanzado en los EE.UU. como La lista de Schindler), publicado en 1982 por el novelista australiano Thomas Keneally. La película (y el libro) cuenta la historia de Oskar Schindler, un miembro del Partido Nazi, que se convierte en un héroe improbable por el ahorro de 1.200 Judios de campos de concentración en todo Polonia y Alemania.
La película es muy importante en la memoria del Holocausto, y es considerado como uno de los más grandes en la historia del cine, y se proyectó en el mundo entero. Como es común en Hollywood, sin embargo, la licencia creativa está siempre presente.
Hubo varios aspectos clave de la película que estaban novelada. Oskar Schindler no escribió una lista de la gente a ahorrar, él no rompió a llorar porque pensó que podría haber salvado a más personas, y es poco probable que experimentó un momento definitivo, como ver a una chica en una capa roja, que llevó a su decisión de salvar la vida de sus trabajadores judíos.
Lo que hace que la historia de Oskar Schindler tan fascinante es que no era un santo. Él engañó a su esposa, que bebía en exceso y espió para Abwehr, el brazo de contrainteligencia de la Wehrmacht (ejército alemán), en Checoslovaquia.
Pero la personalidad y las características de los seres humanos no pueden ser empalmados. A veces los defectos de carácter, como la arrogancia, también conducen a grandes logros a través de una disposición a algo que la mayoría la gente intente nunca lo haría. Actividades de espionaje de Schindler en nombre de Alemania, mientras que lamentar a los enemigos de Alemania, más tarde lo pusieron en condiciones de salvar muchas vidas.
Después de que Alemania invadió Polonia en 1939, Schindler estableció una fábrica de utensilios de hierro esmaltado en Cracovia que utiliza una combinación de trabajadores judíos enterrados por los alemanes y los trabajadores polacos libres. Su interés inicial, por supuesto, era hacer dinero. Pero a medida que pasaba el tiempo, creció a preocuparse por sus trabajadores judíos, particularmente aquellos con los que entró en contacto a diario. Además, ayudan a Judios se convirtió en una manera de luchar contra lo que él ve como las políticas desastrosas y brutales que emanan de Adolf Hitler y las SS.
Schindler no creó "La lista de Schindler". En 1944, con Alemania amenazada militarmente, exterminio Judios aumentó en muchos lugares, pero una estrategia para mover las fábricas consideradas vitales para el esfuerzo de guerra también surgió. Oskar Schindler convenció a las autoridades alemanas su fábrica era vital y que necesitaba trabajadores capacitados.
Pero Schindler no autor o dictar la lista de los que se encendería el transporte, como se ha representado de manera espectacular en la película. En cambio, Marcel Goldberg, "empleado" judía asignado al nuevo comandante Plaszow Arnold Buscher, jugó el papel más importante en la elaboración de la lista de transporte.
Todo esto dicho, mientras que siempre habrá aquellos que cuestionan los motivos de los demás, los que han examinado los esfuerzos de Schindler encuentran lo heroico. La medida de la definición del compromiso de Schindler a hacer todo lo posible para salvar a sus trabajadores judíos llegó en el otoño de 1944, cuando Schindler decidió arriesgarlo todo para trasladar su fábrica de armamentos a Brunnlitz.
Schindler fácilmente podría haber cerrado sus operaciones de Cracovia y se retiró hacia el oeste con las utilidades que ya había hecho. En su lugar, optó por arriesgar su vida y su dinero para salvar el mayor número de Judios que pudo.
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13. Raging Bull (1980)
polemico
Tal vez lo más la faceta más interesante de esta película es que se produjo en absoluto. El director Martin Scorsese no tenía ningún interés en la película, no hay interés en el tema, ni siquiera conocimiento de boxeo. Sólo ante la insistencia de su buen amigo y actor principal, Robert DeNiro, hizo la película, incluso llegó a existir, y mucho menos transformarse en el clásico se hizo.
La película describe la vida y la carrera de Jake LaMotta, un boxeador de peso medio americano italiano cuyo autodestructivo y rabia obsesiva, celos sexuales, y el apetito animal destruido su relación con su esposa y su familia. La película también está protagonizada por Joe Pesci, que más tarde la estrella en otras películas con DeNiro (incluyendo Goodfellas, revisados ​​aquí).
La película es una adaptación de Raging Bull: My Story, una autobiografía La Motta había improvisado con la ayuda del escritor Joseph Carter y amigo de la infancia de Peter salvaje. No era mucho de un libro, incluso para los estándares primitivos de biografías deportivas, alrededor de 1970. Pero salvaje fue también un conocido de De Niro de y le había enviado una copia, y el actor de alguna manera percibe subtextos-tal vez incluso una especie de sublimidad áspera -en eso.
Pero no fue sólo la apatía de Scorsese hacia los deportes que contribuyeron a su falta de atención inicial a este proyecto. Scorsese estaba experimentando una crisis profesional de conciencia, todavía aturdido por la panorámica severo de los críticos de su Nueva York, Nueva York, un extraño híbrido de una película, en parte un homenaje lujosa a la gran escala de los musicales de MGM de la década de 1940 y 50, en parte, una historia de amor de improvisación seguimiento de la relación entre un líder combativo saxofonista / banda (De Niro) y su cantante (Liza Minnelli).
Después de tocar fondo (incluyendo una enfermedad y la adicción a la cocaína que amenaza la vida), Scorsese decidió poner su fe en su amigo de la infancia (los dos habían hecho anteriormente también Mean Streets y Taxi Driver).
Aparte del hecho de que las secuencias de boxeo de Raging Bull siguen siendo el más potente jamás disparó, las demandas de la película para ser leídos, en parte, como una especie de brillo crítica sobre el género de boxeo. Toca, por ejemplo, en la relación de La Motta con la mafia-el conflicto central es habitual en las películas de lucha, pero sólo ligeramente.
Es más ligera toca la brutalidad de este deporte, pero no discute, ni siquiera implícitamente, que debe ser prohibido o limpiado. Tiene sus implicaciones religiosas, hay momentos en que La Motta puede ser visto como un mártir (unos gotas de su sangre en un anillo de cuerda), pero pueden ser fácilmente perderse en la furia y frenesí. En verdad, Raging Bull sigue siendo sui generis. El proceso de escritura de largo y la concentración de su dirección centran nuestra atención en el comportamiento negligente irreflexiva de una manera que pocas películas lo hacen.
Su conductismo despojada, su negativa a explicar o justificar las acciones de nadie, se mantenga cercana al único en la historia de la película americana. Si la película tiene ninguna raíz que se encuentran en el neorrealismo italiano, que, ahora que lo pienso, era toda la rabia, y no menos, con el joven Marty Scorsese-en el mismo momento el verdadero La Motta afirmó su reclamación en nuestra atención.
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14. W. (2008)
films polemicos
Al hacer esta película, el director Oliver Stone decidió mantener más cerca de los acontecimientos reales que sus más películas "revisionistas" JFK y Nixon. Sin embargo, la película está lejos de ser un registro cronológico del ex presidente, en cambio organizar episodios para observar el desarrollo de su personalidad, no su carrera. Incluso varias escenas fascinantes sobre el período previo a la guerra de Irak no son tanto crítica de sus decisiones acerca de cómo cluelessly, y sin embargo, con tal vehemencia, que se pegó con ellos en las buenas y en las malas.
Herido por la desaprobación de su padre y su preferencia por su hermano Jeb, la película sostiene, George W. Bush subió y subió hasta que finalmente fue lo suficientemente potente como para manchar el legado de su familia.
El foco está siempre en Bush (Josh Brolin): Su personalidad, su adicción, sus inseguridades, su fe inquebrantable en una misión de Dios, su anhelo de demostrar su valía, su incapacidad para hacer frente a los que le aconsejó. No en vano, en esta película, la mayoría de las decisiones cruciales de su presidencia se forma y se coloca en sus manos por el estratega maquiavélico Dick Cheney (Richard Dreyfuss) y el maestro de la política de Karl Rove (Toby Jones). Donald Rumsfeld (Scott Glenn) está bien retratado en lealmente remolcar la línea del partido.
Pero lo que hizo los motiva? Y ¿qué pasa con Colin Powell (Jeffrey Wright) y Condoleezza Rice (Thandie Newton, que tenía apenas ninguna líneas e incluso los que estaban mal hecho)? Uno no va a encontrar en esta película. La película ve adentro de Bush desde el exterior. En su presencia, tienden a diferir, para usar el tacto como un escudo de su ego y actitud defensiva. Pero las opiniones de voz suave, absolutamente seguros de Cheney se toman generalmente como verdad.
Y Bush acepta Rove como el hombre que le enseñara qué decir y cómo decirlo. Él los necesita y no cruza ellos. Sin embargo, en la película son estos "iniciados" que son retratados como los chicos malos que verdaderamente, la película sugiere, el trabajo con motivos engañosos con fines deshonrosos que realmente no creen.
La película no está exenta de defectos. Deja fuera 9/11. Esto muestra tal sesgo evidente que es difícil para la película para recuperarse de ella. Imagina un cineasta hacer una película sobre la decisión del FDR para entrar en la Segunda Guerra Mundial - y omitiendo 07 de diciembre 1941.
Además, la película no puede decidir si se supone que burlarse de privilegio de la Ivy League o Texas idealismo abajo-hogar. Toma fotos a tanto privilegio fraternidad-boy y el populismo Sur. Pero al tratar de alquitrán Bush con estos dos cepillos diferentes, los realizadores sólo consiguen haciéndolo parecer como si se enriqueció con y trascendió ambos.
Uno podría sentir lástima por George W. al final de esta película, si no fuera por su legado de una guerra fraudulenta y una economía colapsada. La película retrata a él como incompetente para ser presidente, y formada por los titiriteros Cheney y Rove a sus propios fines. Si hay una gracia salvadora, puede ser que Bush nunca se dará cuenta plenamente de lo mal que lo hizo.

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4 comentarios - Los 14 biofilms más polémicos de todos los tiempos

iglesiast27
no podes poner LECHE, jajajajajajaaj
srsirius
Copiar y pegar del traductor sin leer? lo de Leche me hizo reir!