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Grandes Guitarristas (alternativos)

este post esta dedicadoo a esos guitarristas que no son tan famosos como Jimi Hendrix, Steve Vai, Satriani, etc.... pero que son muy buenos y creo hay que darles algun espacio, ya sea por su diversidad de estilo, por marcar una tendencia o simplemente porque son muy buenos guitarristas.


Frank Zappa

Frank Zappa presenta varias facetas. Para empezar, está la de Compositor (Zappa siempre se definió como tal). Sus influencias son fácilmente reconocibles: el doo-wop y rythm & blues que mamó en su adolescencia (de la mano de Howlin Wolf, Johnny Guitar Watson, Don & Dewey, Lightning Slim, Slim Harpo, Muddy Waters y Sonny Boy Williamson, entre muchos otros) y la música contemporánea (John Cage, Anton Webern, Igor Stravinsky y, fundamentalmente, Edgar Varèse).
La influencia Varèse fue determinante. La similitud entre el trabajo orquestal de ambos es evidente (el uso de los instrumentos de percusión por sobre el resto de los de la orquesta y la experimentación con métricas complejas).
Zappa también se caracterizó por el uso intensivo de instrumentos no convencionales para un grupo de rock, como la marimba o el violín.
Sus composiciones abarcan todos los estilos modernos: clásico, rock, jazz, reggae, blues. Nunca tuvo inconvenientes en mezclarlos: si sonaba bien, estaba bien. Aunque generalmente se lo considera un músico de "rock" esa mezcla de estilos lo convirtió en un compositor imposible de encasillar. De seguro es el único músico capaz de incluir temas estúpidos de dos minutos con complejas composiciones orquestales en un mismo disco... y que nadie se queje por eso!
La faceta de compositor se complementa con la de Autor de letras. En los primeros años (The Mothers of Invention) la temática estaba centrada sobre la crítica social y la escena imperante en la costa oeste de los años 60: los hippies, los freaks, el flower power, la gente de plástico y la corrupción gubernamental.
Poco a poco, fue incorporando músicos que sabían leer pentagramas. Con ellos empezó a dedicarse más a la parte instrumental y menos al contenido de las palabras. En los 80s retomó la temática política en sus letras.
Otra faceta es la de Guitarrista Nunca fue un eximio instrumentista, en el sentido académico de la palabra. Sin embargo, lo que se destacaba era su originalidad en la construcción de los solos. El sonido Zappa es claramente distinguible: tanto por el timbre como por la sucesión de notas. Alternaba solos frenéticos con otros basados en melodías reposadas, aunque siempre punzantes. En los primeros años, Zappa era el único guitarrista de sus bandas. Pero a mediados de los 70s fue incorporando músicos (como Denny Walley, Ray White, Adrian Belew, Ike Willis, Warren Cucurullo, Steve Vai y Mike Keneally) que se encargaban de la rítmica o las melodías escritas. Frank se colgaba la guitarra solamente para improvisar los solos.
Otro tanto ocurre como Cantante. En los primeros discos, la voz principal era Ray Collins. Con la politización del contenido de las letras, Collins huyó, quedando Zappa al frente de la voz. Pero su registro era limitado. En general contrataba músicos que también pudieran cantar. Por eso, en sus discos es frecuente escuchar canciones cantadas por otros (además de complejas armonías vocales).
Dicho sea de paso, el incidente de 1971 le bajó el tono de voz (comparando grabaciones anteriores y posteriores al accidente se nota, incluso cuando habla, que su voz era más aguda).
También está la faceta de Productor y Empleador. Zappa exigía a sus músicos dedicación plena. Escribía partes complicadísimas basándose en la capacidad o habilidad de cada uno. Los hacía ensayar antes, durante y después de cada gira, seis horas por día como mínimo. Por otra parte, produjo prácticamente todos sus discos. El juicio que le ganó a la Warner Brothers le permitió tener absoluto dominio de sus obras (a excepción de 200 Motels); así, reeditó sus álbumes en CD sin presiones ni condicionamientos. Fundó varios sellos propios (los primeros en sociedad con Cohen) como Bizarre, Straight, DiscReet, Zappa Records y Barking Pumpin. También produjo disco para otros intérpretes (como Captain Beefheart, L. Shankar, Grand Funk, Jeff Simmons y Jean Luc Ponty, entre otros) aunque con resultados desparejos.
Por último, vale la pena mencionar las características de sus conciertos: shows de aproximadamente dos horas, todos los temas "enganchados" y repertorio distinto TODAS las noches. Cada show comenzaba con un tema instrumental-solo de guitarra, tras lo cual presentaba a los miembros del grupo (ceremonia que se repetía al final del show y del bis).
La obra de Zappa esta englobada en dos conceptos: el PROYECTO/OBJETO (PROJECT/OBJECT) y la CONTINUIDAD CONCEPTUAL (CONCEPTUAL CONTINUITY). Al primero lo define como "la incorporación de cualquier medio visual, el conocimiento de los que participan en él, las deficiencias perceptibles, Dios (como energía), y La Gran Nota (como cimiento básico de la construcción universal), entre otras cosas". El segundo concepto es inherente a la coherencia y elementos comunes de todas sus composiciones, letras, tapas, reportajes, películas, etc. (El encontrar y/o reconocer una ''continuidad conceptual'' es un orgullo personal de cualquier fan de Zappa que se precie de tal). Los que quieran profundizar en este tema deben consultar la página de Román.
Pero a no asustarse; lejos de tener pretensiones "intelectuales", Zappa siempre definió a la música como una "forma de entretenimiento". Nunca desechó ningún estilo ni despreció a otros intérpretes. Su criterio siempre fue: ''si existe esa música es porque a alguien le gusta escucharla''. (Esto no quiere decir que no se haya mofado de las actitudes o poses impuestas por las modas y las compañías discográficas).

Fuente: http://www.geocities.com/vienna/strasse/3374/abcdisco/zintro.html


link: http://www.videos-star.com/watch.php?video=jP2oZNYBiCU

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link: http://www.videos-star.com/watch.php?video=MKCXS9WKzuo


link: http://www.videos-star.com/watch.php?video=rAPVxHNPN6s&feature=related



Fred Frith (HENRY COW)

Fred FRITH se ha destacado en las últimas tres décadas como compositor, improvisador y multi-instrumentalista en un área no definida donde confluyen el rock y la nueva música. Co-fundador y figura principal de la agrupación de Rock en Oposición HENRY COW (1968-78) viaja a Nueva York a finales de la década del setenta donde hace relación con otros compositores de la época como John ZORN, Ikue MORI, Tom CORA, Zeena PARKINS y Bob OSTERTAG ampliando su paleta de sonidos e influencias. Ya para los ochenta FRITH comienza a dirigir su trabajo hacia el esquema teatral y es a principio de este periodo de transición que el fabuloso primer LP de FRITH como solista, "Gravity" hace su aparición.

"Decir que Fred Frith toca es como decir que la literatura son libros o que el chocolate Milo es un chocolate en polvo. Él no toca. Él construye, destruye, fornica, veja cuidadosa y amorosamente a su guitarra y luego se arrepiente de su crimen, enamora, coquetea, pide perdón y vuelve a violar, pero viola como nadie viola y como todos deberían violar: con un amor convaleciente, consciente y orgulloso de su anatomía tumefacta y gigantesca; enfermo por no poder reventar y ya.
A primera vista, Fred Frith está solo en el escenario, en medio de un campamento de amplificadores, pedales, micrófonos y cables. Tiene una guitarra y una mesita con cosas –desde una cuerda y un arco que se vuelven otra extremidad de la guitarra, hasta unas latas con piedras que reverberan a través del instrumento como el eco de un precipicio enorme– que, para el oído indecente, no hacen música, a lo mucho hacen ruido, sonidos si bien les va. Mientras el concierto avanza, Fred Frith desaparece y quedan en escena la guitarra y esos objetos: ellos en representación de un nacimiento, de una vida y de una muerte; él como divinidad, como viento que les presta organicidad, les regala un destino frágil y les enseña a tomar decisiones por sí mismos."

Fuente: http://www.jornada.unam.mx/2007/06/10/sem-fred.html



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link: http://www.videos-star.com/watch.php?video=mNqa9sEPDhA&feature=related




Steve Howe (Yes, Asia)

La música ha sido una constante en la vida de Steve Howe desde corta edad. En sus días juveniles militó con Syndicats, In Crowd, Bodast y el sicodélico Tomorrow. En 1970, Howe se integró a Yes y proveyó el combustible que lanzaría a la banda a la aclamación mundial. La salida de The Yes Album en 1971, anunció el dúo de compositores Howe-Anderson, un equipo que sería responsable del mejor material de la banda por casi una década, incluido el clásico Roundabout.
Yes y Steve Howe se quedarían para siempre en los corazones y mentes de los fanáticos del grupo alrededor del mundo, así como la guitarra y estilo único de Howe marcaron el clásico sonido del grupo.
En los 70 se dedicó Howe a Yes. No obstante, lanzó dos álbumes solos: Beginnings (1975) y The Steve Howe Album (1979). En este último hizo la producción y grabó un álbum rebosante con temas como "Cacto Boogie," "Diario de un Hombre que Desapareció". El álbum se aventura en territorio solista por "The Clap" y también mostró las inclinaciones clásicas de Howe con el "Concierto En D (Movimiento Segundo)" de Vivaldi y la composición original "Tensión de la Superficie".
Tan significante como las realizaciones de Steve en los 70, continuó redefiniendo su música en los 80. Con su salida de Yes, vino la apertura de otra era. Como un miembro fundador de Asia, el primer supergrupo de los ochenta, Steve una vez de nuevo llegó a la cima de las listas de ventas con una serie de éxitos que incluyen "Calor del Momento" y "Sólo el Tiempo Dirá". NUEVA REUNION
De Asia, Howe saltó a otro supergrupo: GTR. La banda tuvo corta duración, pero no estaba fuera de onda. "Cuando el Corazón Gobierna la Mente", un hit grande en radios del rock, pero más importante, el álbum tuvo en "Bocetos en el Sol" un pedazo del solo soñador eléctrico que trazó un territorio nuevo por Steve.
Se retrasaron los planes de un álbum nuevo en solitario cuando Steve se reunió de nuevo con sus anteriores compañeros de Yes en 1989, para formar "Anderson-Bruford-Wakeman-Howe". Juntos realizaron giras triunfantes por América, Europa y Japón y sacaron un autotitulado álbum de estudio y un álbum en vivo. La reunión llevó a una expansión más amplia con los otros miembros de Yes y rindió frutos en el álbum Unión Album en 1991. El álbum y una gira mundial fueron un éxito y el solo acústico de Howe en "Mascarada" ayudó a la nominación de un Grammy para la banda.
Su carrera solitaria continuó en los 80 y 90. En colaboración con el tecladista suizo Paul Sutin, exploró su interés en la música New Age. El dúo sacó "Seraphim", una bella colección melódica de pistas instrumentales. La colaboración continuó con "Voyagers in a Blue Universe" (Viajeros en un universo azul); 1991 vio la salida de "Turbulencia".
El título del álbum refleja algunos de los discernimientos que Steve ha recogido en el camino a su propio autoconocimiento. "Estando informado de Turbulencia y por eso puede apreciar la belleza de esa turbulencia", es una lección importante que Steve ha aprendido.
Con El Gran Esquema de las Cosas, Steve Howe de nuevo desplegó su gama amplia de emotivos solos y floreos de guitarras. Del épico "Luck of the Draw" al New Age de "Road to One's Self", El Gran Esquema de Cosas fue un desafió para su destreza. GIRA ACLAMADA
En 1993 halló otro desafío cuando hizo una gira en solitario. Los conciertos "Not Necessarily Acoustic" (No necesariamente acústico), parecían reestructuraciones bellas de material suyo clásico y sus temas en Yes. El "No Necesariamente acústico" de 1994, el primer álbum solitario en vivo de Steve, capturó el éxito de la gira. Una colección de sus "más grandes hits" rearreglado para solos de guitarra y suficiente material nuevo. "No Necesariamente Acústico" deleitó por todas partes y Steve continuó afianzando su imagen de showman en su gira de 1994 "Pulling Strings".
Steve se reunió de nuevo con la clásica formación de Yes, que incluye a Jon Anderson, Chris Squire, Rick Wakeman y Allan White. La banda grabó un álbum en vivo y un video en San Luis Obispo, California, entre los días 5 y 7 de marzo de 1996. El álbum tiene material clásico y aproximadamente 30 minutos de material nuevo. Steve allí se entrega totalmente a Yes, pero se niega a dejar su floreciente carrera solitaria. Varios álbumes nuevos están en sus planes, incluso uno que promete ser una estelar pareja con Annie Haslam, ex-vocalista del grupo inglés Renaissance.
Steve Howe está avanzando siempre, redefiniendo el papel de la guitarra en la música moderna. Su estilo único y devoción al instrumento crean una riqueza infinita en la música rock.

Fuente: http://www.guitarraonline.com.ar/howe.htm


link: http://www.videos-star.com/watch.php?video=lj-k2PNFl2w



link: http://www.videos-star.com/watch.php?video=ZiA1XBXAE6U




Steve Hackett (genesis)

Stephen Richard Hackett (nacido en Pimlico, Gran Bretaña, 12 de febrero de 1950, multifacetico y ambicioso guitarrista (así fue como lo calificaron su ex compañeros de Genesis). De hecho es bien conocido en en mundo del rock como el creador de la técnica Tapping en guitarra eléctrica. Esto es porque Hackett conocía y dominaba las técnicas más avanzadas de guitarra clásica.
Comenzó a tocar en bandas como Canterbury Glass, Steel Pier y Sarabande; pero su primera incursión en el mundo de la grabación fue cuando ingresó en la banda Quiet World en 1970, la cual editó un álbum en ese mismo año titulado The Road.
Ese mismo año, ingreso en Genesis a través de anuncios clasificados, dando por consiguiente la clásica y mejor formación del grupo. Con Hackett grabarían 8 álbumes.
En 1978, buscando más libertad dado que la banda le restringía, el guitarrista abandona la banda para iniciar su carrera como solista, aunque ya tres años antes había editado «Voyage of the acolyte», su primer disco como solista y en el que le acompañaban sus colegas Phil Collins y Mike Rutherford.
A partir de entonces incluye trabajos que pasan por múltiples vertientes que incluyen una etapa inicial de rock progresivo y experimental, para posteriormente incursionar en temas más pop y world music; posteriormente incluye discos que muestran su vena clásica y también el blues. En los últimos años, comenta que está tratando de alternar discos de influencia clásica con discos de rock.
Seria el Highly strung (1981) el disco que mayor éxito le reportó, gracias al single «Cell 151». También por esos años inició colaboraciones con ex miembros de King Crimson y logró reurnirse para un concierto benéfico de WOMAD gracias a Peter Gabriel con su viejo grupo.
En 1986, junto a Steve Howe, guitarrista de Yes (otra legendaria banda del rock progresivo), emprendió un proyecto denominado GTR, el cual arroja un único trabajo con el mismo nombre (hay una serie de demos del segundo disco que circula en Internet). Cabe decir que este proyecto no continuó debido a que ambos músicos tuvieron motivos espontáneos y no comerciales.
Una importante participación con otra destacada figura del rock progresivo, David Palmer (ex teclista de Jethro Tull), trae a Hackett por Sudamérica, entre ellas Venezuela, en 1994. Motivado al recién salido Guitar Noir.
A pesar del gran reconocimiento del cual Steve Hackett ha gozado a lo largo de su carrera como solista, sus fans siempre han recordado con especial afecto su etapa con Genesis. Steve Hackett como miembro fundador del sonido de Genesis es uno de los que más cariño guarda hacia esa música de sus compañeros de grupo y por esto, en 1996, se dedica a trabajar en un proyecto para recrear versiones de su antiguo grupo, titulado Genesis Revisited, incluyendo algunos temas propios que siente que representan el mismo espíritu.
En la actualidad sigue editando discos en forma regular, viajando por el mundo en gira y participando en proyectos de músicos importantes del ámbito, como Neal Morse de Spock’s Beard y con documentales y colaboraciones con músicos de distintas corrientes.
Sus influencias guitarristicas se mencionan a Eric Clapton, Jeff Beck, George Harrison, y Joahn S. Bach, mientras que fue admirado por Alex Lifeson Rush, Yngwie Mamlsteen, Francis Dunnery, Roine Stolt, Mike Holmes.
Incluso Brian May guitarrista de Queen menciono en varias ocasiones que fue influenciado por la guitarra de hackett en la canciones de The Musical Box y Return Of The Giant Hogweed del album Nursery Crime.
Brian May grabó y coescribió dos temas para un álbum de Steve grabado en 1986 y editado en el 2000.
Los temas en cuestión son «slot machine» y «Cassandra».
El disco es «Feedback 86» donde también participan Ian Mosely y Pete Trewavas de Marillion, Bonnie Tyler y Chris Thompson de Manfred Mann’s Earth Band

Fuente: http://www.lastfm.es/music/Steve+Hackett/+wiki


link: http://www.videos-star.com/watch.php?video=Fm9pricDqSc&feature=related


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Allan Holdsworth (Soft Machine, Gong, UK)

Este gran guitarrista inglés, vinculado en sus inicios a la esfera de los músicos británicos más osados (Gong, Soft Machine, Bill Brufford, etc.) es uno de los tipos mas originales del panorama de la expresión guitarrera moderna. Con el paso de los años acabo construyendo toda una manera de concebir su lenguaje y expresión personales. Desde la instrumentación de sus temas hasta las inversiones de acorde, pasando por el uso de la guitarra MIDI, el fraseo o la atmósfera, todo eso conforma un bloque personalísimo que le hace inmediatamente reconocible. Catalogado en ocasiones como un guitarrista de fusión, su estilo viene a ser una combinación de virtuosismo sobre armonías muy singulares y estructuras rítmicas vigorosas. Mediados los ochenta, una parte importante de la crítica le señalo como un visionario que se anticipado al siglo XXI. Esa idea puede ser o no compartida, pero el trabajo de Holdsworth merece todo el respeto de la comunidad guitarrera por todo cuanto ha aportado a una linea que solo el ha desarrollado. Avatachron y Metal Fatigue son dos de sus álbunes mas significativos.

Fuente: http://www.guitarraonline.com.ar/holdsworth.htm


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link: http://www.videos-star.com/watch.php?video=EQUntzKpLj4&feature=related


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Al Di Meola (Return to Forever)

Su status como heroe de la guitarra es indiscutible. Un maestro de las cuerdas reconocido y nombrado en innumerables revistas sobre guitarra en las pasadas tres décadas. Di Meola ingresó a la escena musical por primera vez en 1974 con “Return to Forever”, la banda fusión por excelencia de los 70’s. Se estableció como solista y lider de la banda basado en el propio derecho ganado en una serie de prodigiosos albums y giras durante los 70’s y el comienzo de los 80’s. Su visión como compositor floreció a través de los 80’s. Este periodo incluye un par de grabaciones y exitosos tours con John McLauglin y Paco de Lucia en el insuperable grupo de guitarra acústica conocido como “El Trío”. Al ha permanecido como una fuerza creadora en los 90’s, explorando la música de otras culturas manteniendose fiel al mismo tiempo a sus raices como guitarrista, centrándo su atención en los últimos años en la música latinoaméricana dedicando un LP al tango en la obra “Di Meola plays Piazzolla”.
Nacido en New Jersey, el 22 de julio de 1954, Al Di Meola creció con la música del grupo “The Ventures, Los Beatles y Elvis Presley”. La batería fue su primer instrumento, pero a la edad de ocho años se cambió a la guitarra. En sus primeros años como adolescente, ya era un guitarrista completo aunque un poco limitado por el estilo de los guitarristas locales. “Si en los 60’s no tocabas como Eric Clapton, Jimmy Hendrix o Jimmy Page, no eras aceptado en ninguna banda” recuerda Al de sus años en la escuela secundaria en Bergenfield, New Jersey. “Así que nunca fui realmente aceptado por un grupo de amigos en Bergenfield por que no sabían que hacer con mi estilo. Incluso a pesar de que quise aprender la musica de los Beatles y de The Ventures cuando comenzé a tomar lecciones con mi profesor de aquella época Bob Aslanian, quien además me hizo aprender jazz y bossa nova y un poco de música clásica”.
En 1971, Di Meola ingresó a la Berklee School of Music en Boston, donde también estudió entre otros Steve Vai. En su segundo semestre ya tocaba en un cuarteto de fusión liderado por el tecladista Barry Miles. A comienzos de 1974 recibió una invitación de Chick Corea para participar en unos ensayos. Después de un fin de semana de ensayos con la banda “Return to Forever”, Di Meola hizo su debut con el grupo en el Carneggie Hall de Nueva York. La noche siguiente tocaron para una multitud de 40.000 personas en Atlanta...desde ahí su estrella ascendió rápidamente.
Luego de tres exitosos albumes de fusion con “Return to Forever” (Chick Corea en los teclados, Stanley Clarke en el bajo, Lenny White en percusión y Al Di Meola en la guitarra) donde ganaron un Grammy por No Mystery y Romantic Warrior, la banda se separó en 1976. Lo que se tradujo en el inicio de la carrera de Al como solista.
Debutó a fines de 1976 con Land of the midnight sun, produciendo hasta hoy 19 albumes y vendiendo más de 6 millones de copias en todo el mundo.
Actualmente Al Di Meola, toca con una guitarra electroacústica signature model especial que le hizo la fábrica Ovation, avaluada en $1.390 dolares. Y utiliza cuerdas D’addario.

Fuente: http://www.guitarraonline.com.ar/aldimeola.htm


link: http://www.videos-star.com/watch.php?video=HEZrB_FDw4c


link: http://www.videos-star.com/watch.php?video=ClbE6YEO6e0&feature=related




Richard Pinhas (Heldon)

Richard PINHAS, estudiante de filosofía y músico francés nacido en 1951, es uno de los compositores electrónicos, fundadores del sonido ambiental en la década de los setenta, más ignorado de la historia de la música contemporánea. A pesar de esta injusta táctica del destino el señor PINHAS (y su infame proyecto HELDON) ha sabido encontrar su bien merecido lugar en la historia de la música electrónica moderna con trabajos sonoros tan impresionantes, relevantes y vitales para el desarrollo de este género como "Electronic Guerrilla" (1970), "Allez Teia" (1972) , "Un revees sans consequence" (1980) y "Agneta Nilsson" (1976).

Fuente: http://www.manticornio.com/rock-progresivo/P/PINHAS-Richard/pinhas.html


link: http://www.videos-star.com/watch.php?video=JdUN_AfkKRk




Robert Fripp (King Crimson)

Robert Fripp (n. 16 de mayo de 1946), es uno de los guitarristas que más ha influenciado al sonido del rock progresivo, sinfónico y todas sus demás variantes desde finales de los años ‘60. Nació en Bear Cross, sur de Inglaterra. Aprendió a tocar la guitarra a los 11 años de edad. Luego de participar en varias bandas desde los 14 años, se convierte a fines de la década de los años 1960 en uno de los fundadores del movimiento progresivo junto a King Crimson. Es también famoso por su singular técnica conocida como frippertronics.
Actualmente es considerado uno de los guitarristas más influyentes de la historia de la música.
La carrera profesional de Robert Fripp comienza en 1967 cuando se integró a una banda con el bajista Peter Giles y el baterista Michael Giles. El trío grabó solamente dos sencillos aparecidos en un álbum titulado simplemente The Cheerful Insanity of Giles, Giles and Fripp.
Tras de la disolución de la banda, Fripp junto con el baterista Michael Giles, decidieron formar King Crimson en 1968, con Greg Lake, Peter Sinfield e Ian McDonald. Su primer álbum, In the Court of the Crimson King realizado en 1969, es considerado una de las piezas claves de la historia del rock. Desde entonces King Crimson se ha disuelto y vuelto a formar en varias ocasiones con distintos integrantes, en todas las cuales Fripp ha sido el único miembro consistente de todos sus discos y todas sus encarnaciones.
Durante el primer lustro de la década de los 70’s, tras la disolución aparentemente definitiva de King Crimson, Fripp se alejó un poco de la industria musical por el interés que despertaron en él los textos de George Ivanovich Gurdjieff, estudios que incluso influyeron después en su trabajo con la guitarra Craft. En 1976 volvió al trabajo musical colaborando en el primer disco solista de Peter Gabriel, Fripp incluso salió de gira con Gabriel como uno de sus músicos de apoyo, pero con el nombre de Dusty Rhodes.
En 1977 Fripp recibió una llamada de Brian Eno, quien se encontraba trabajando con David Bowie en su álbum Heroes. Fripp tocó la guitarra en el álbum y desde ese momento inició una serie de colaboraciones con reconocidos músicos. De nuevo con Peter Gabriel en su segundo álbum y con Daryl Hall (integrante del dúo Daryl Hall & John Oates)en su álbum Sacred Songs. Durante ese período Fripp comenzó a trabajar en su propio material, con las contribuciones de Eno, Gabriel y Hall, así como de Peter Hammill, Jerry Marotta, Phil Collins, Tony Levin y Terre Roche. Material que culminó en 1979 con su primer álbum solista, Exposure, seguido de la gira Frippertronics en ese mismo año. Mientras vivía en Nueva York participó en discos y en conciertos de Blondie y de Talking Heads. Su colaboración con Buster Jones, Paul Duskin y David Byrne dio como resultado el álbum Good Save the Queen/Under Heavy Manners. En 1980 formó una «banda de new wave instrumental bailable» llamada League of Gentlemen (Liga de Caballeros), con Sara Lee, Barry Andrews y Johnny Toobad.
En 1981 King Crimson volvió a formarse con Fripp, Bill Bruford, Adrian Belew y Tony Levin. El grupo había sido conceptualizado con el nombre de Discipline, pero durante las grabaciones Fripp comentó a sus compañeros que el nombre King Crimson era más apropiado, así que el disco se llamó Discipline, bajo el nombre de King Crimson. Para Fripp, King Crimson ha sido siempre una manera de hacer cosas, así que no es un grupo de músicos en particular, el grupo sólo deja que su música capture esa metodología. Después de tres álbumes King Crimson se disolvió otra vez en 1984. Durante ese período, Fripp trabajo en dos discos con su amigo Andy Summers de The Police, I Advance Masked en el que Fripp y Summers tocaron todos los instrumentos, y Bewitched que estuvo más dominado por Summers, además de que tuvo la participación de varios músicos más.
En 1984, la American Society for Continuous Education (ASCE) (Claymont Court, West Virginia) le ofreció a Fripp un puesto como profesor. Él había estado envuelto con la ASCE desde 1978, y había considerado seriamente durante bastante tiempo la perspectiva de enseñar guitarra. Su clase, Guitar Craft, tuvo inicio en 1985, teniendo entre sus resultados, un grupo llamado The League of Crafty Guitarists, que ha elaborado ya varios discos.
Las colaboraciones de Fripp con David Sylvian presenta algunos de los más exuberantes ejemplos de su estilo. Fripp contribuyó al track de 20 minutos de Sylvian ‘Steel Cathedrals’, de su Alchemy - An Index Of Possibilities álbum en el 1985. Luego, Fripp también participó del mismo modo con Gone To Earth, al año siguiente. En 1991, pues, Fripp le ofreció a Sylvian convertirse en el vocalista de la reconformada King Crimson, pero Sylvian rechazó la oferta. Más adelante, se unieron al grupo Trey Gunn en stick y Jerry Marotta en batería, mas durante una gira de promoción Pat Mastelotto reemplazó a Jerry como baterista.
En 1994 Fripp formó de nuevo King Crimson con la alineación de 1981, adhiriendo además a Trey Gunn y a Pat Mastelotto en una configuración conocida como «doble trío». Esta encarnación del grupo llevó a cabo el EP VROOOM en 1994 y el álbum THRAK en 1995. Tras la partida de Bruford y Levin, los miembros restantes realizaron los dos últimos discos de King Crimson hasta el momento, The ConstruKtion of Light y The Power to Believe. La alineación cambió nuevamente tras la partida de Trey Gunn y el regreso de Tony Levin.
Durante el 2004, Fripp dio una gira con Joe Satriani y Steve Vai como el Trío de Guitarra G3.
El 21 de octubre de 2005, Robert Fripp trabajó en los estudios de Microsoft grabando nuevos sonidos y atmósferas para Windows Vista.

Fuente: http://www.lastfm.es/music/Robert+Fripp/+wiki


link: http://www.videos-star.com/watch.php?video=uWurBZ8-tRk


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Mike Oldfield

Mike Oldfield nació en Reading, Inglaterra, el 5 de mayo de 1953, a los siete años le pide a su padre que le compre una guitarra, a los diez años comienza a componer pequeñas piezas acústicas en guitarra, para luego interesarse en las composiciones eléctricas de The Shadows.
En 1967 forma Sallyangie junto a su hermana Sally, dúo que interpretaba canciones folk y al año siguiente graban el LP “Children of the Sun”, luego se separan.
Mike se suma al grupo Kevin Ayers & the Whole World, grabando junto a ellos los discos “Shooting at the moon” y “Whatevershebringswesing”; recordando que Kevin Ayers había sido fundador del grupo Soft Machine. Después de estos dos discos, Oldfield, abandona la banda, para comenzar a gestar lentamente “Tubular Bells”. Finalizada la grabación de este trabajo, ninguna compañía se decide a editarlo, hasta que el naciente sello Virgen decide arriesgarse ante un disco que iba a ser novedoso.
Cuando se edita “Tubular Bells”(1973), el éxito fue inmediato y la crítica lo elogia enormemente, pronto llega al primer puesto de los charts ingleses; era una música original, elaborada, que contenía elementos de rock y folk.
En Estados Unidos el éxito no fue inmediato, necesitó de los cuatro minutos utilizados por William Friedkin en el film “El Exorcista”.
Al año siguiente comienza a grabar su segundo disco “Hergest Ridge”, a igual que el primero es una sola pieza totalmente instrumental, pero se diferencia en los contrastes de climas violentos y calmos. Para este disco contará con la participación de una orquesta dirigida por David Bedford.
La Royal Philarmonic Orchestra ,dirigida por David Bedford, interpretará en vivo “Tubular Bells” y “Hergest Ridge”, pero la ejecución de la guitarra estaba a cargo de Steve Hillage (Gong). En 1975, Bedford edita “The Orchestral Tubular Bells” con Mike Oldfield en guitarra. En este mismo año Oldfield comienza a trabajar en su tercer disco “Ommadawn”, este disco sería una verdadera obra maestra y surge cuando todos suponían que era imposible superar los dos anteriores, su gran creatividad lo llevan a combinar ritmos africanos y música celta; en él participan entre otros, el gaitero Paddy Moloney del grupo celta The Chieftains, Pierre Moerlen, el grupo de viento Hereford City Band, sus hermanos Terry y Sally. Esta obra confirmó el brillante y original talento de Mike Oldfield.
Pero a pesar del éxito de sus tres primeros discos, vendrían casi tres años de silencio, solamente editaría algunos simples, por tal razón el sello Virgen decide editar Boxed, una caja de cuatro discos que contenía los tres primeros, algunos simples, temas inéditos y colaboraciones con otros músicos.
Habría que esperar hasta 1978 para que diera a luz su cuarto trabajo “Incantations”, la música continuaba siendo elaborada y con influencia del folk ingles, a pesar que la escena del rock comenzaba a ser dominada por el punk, llega al puesto número veinte en el chart británico.
Muchos consideraban que la música de Oldfield era producto de la tecnología de los estudios de grabación y por lo tanto era imposible de ser reproducida en vivo; para demostrar lo contrario, Mike, emprende una gira europea con varios músicos, una orquesta y un coro de cincuenta personas. En esta gira interpreta “Tubular Bells” e “Incantations” , quedando registrada en el disco “Exposed”(1979).
Hasta aquí la estructura de sus primeros trabajos, era solo un tema desarrollado durante todo el disco; en su trabajo “Platinum” (1979), cambia esta estructura, dado que aparecen un tema largo de Philip Glass y cuatro temas de duración convencional.
En 1980 graba un muy buen disco titulado “QE2”, aquí todos los temas serán de duración convencional, Mike Oldfield interpreta varios instrumentos y es acompañado en voz por Maggie Reilly y entre loa músicos se encuentran Phil Collins en batería y Tim Cross en teclados, entre los temas se encuentra Taurus, que forma en los sucesivos discos una trilogía con Taurus II y Taurus III.
Siguiendo la misma línea musical que “QE2”, se edita en 1982 “Five Miles Out”, otro muy buen disco, pero el aire pop que contenía algunos de sus temas, hacían que no fueran aceptados fácilmente por los admiradores de sus tres discos. En este disco es acompañado por el músico celta Paddy Moloney, Carl Palmer en percusión, la voz de Maggie Reilly y otros. La presentación de este disco es a través de una extensa gira y pisa por primera vez tierra americana.
En 1983 edita “Crisis”, incluye un extenso tema instrumental y piezas cortas de estilo pop pero elaborado, entre los colaboradores más importantes, se encuentra Jon Anderson del grupo Yes.
En 1984 Oldfield se dedica a grabar la banda de sonido de “The Killing Fields”, basada en música étnica de Cambodia y también graba “Discovery”, contiene un solo tema instrumental y el resto son muy buenas canciones en donde se destacan la bella voz de Maggie Reilly y la excelente ejecución de la guitarra por parte de Mike.
El año siguiente el sello Virgen decide editar un álbum doble compilatorio “Complete Mike Oldfield”, como interesante contiene los simples no editados en LP y además un lado con versiones en vivo, demostrando la solidez de la banda durante los conciertos.
En 1987 edita “Islands”, este es un trabajo desparejo que contiene algunos temas buenos y otros de regular nivel. El siguiente disco “Earth Moving” es de baja calidad artística y mucho hacía suponer que tal vez se había agotado la capacidad creativa de Oldfield. Pero se tomó un año para sorprender a todos, edita “Amarok”, un disco como los de su primera época, con 60 minutos de música instrumental en donde se fusionan el folk celta, la música africana y el flamenco.
El próximo trabajo se titularía “Heaven’s Open”, es una obra regular, que no aporta nada nuevo y que tiene como original la primera voz de Mike en todos los temas. Con este disco termina la larga relación con el sello Virgen.
El nuevo sello será Warner y el primer trabajo para este sello es “Tubular Bells II”(1992), obra realizada para festejar los 20 años de “Tubular Bells”, la segunda parte por momento retorna a la melodía de la primera parte, pero alcanza un alto nivel como compositor e interprete, convirtiéndolo en uno de los trabajos más importante de su carrera.
En 1994 sorprende nuevamente con “The Songs of Distant Earth”, es un trabajo basado en una obra de Arthur Clarke. Logra una música especial basada en instrumental electrónico pero combinada con melodías primitivas como son los cantos de la Polinesia, el resultado es un disco bellísimo, en donde se mezclan las culturas para avanzar hacia el futuro sin perder la frescura de la música étnica.
El último trabajo hasta la fecha es “Voyager”(1996), este disco está totalmente influenciado por la música celta, es totalmente instrumental y está acompañado por notables músicos celtas y la London Symphony Orchestra. Es una de las mejores obras de Mike Oldfield, en donde se recupera su mejor nivel compositivo y de intérprete.
La última noticia de Mike Oldfield es que se acaba de editar el CD “The Essential Mike Oldfield”, un compilatorio que celebra sus 25 años de trayectoria musical y además se espera para este año la edición de “Tubular Bells III”.
Mike Oldfield ha logrado una trayectoria brillante, innovadora, original, explorando las distintas posibilidades del universo sonoro y sustentándose en el enorme talento compositivo y la formidable capacidad interpretativa de una multiplicidad de instrumentos.


link: http://www.videos-star.com/watch.php?video=SmBwRvE9MK8





igual faltan varios guitarristas por poner en esta lista y por conocer, espero que alguno haya conocido algun guitarrista nuevo con este aporte, voy a tratar de poner otros guitarristas en un futuro cercano.

Cualquier guitarrista poco conocido que conoscan y piensan que deveria ser conocido, ponganlo en los comentarios, para compartir información o para ponerlo en este lista.

9 comentarios - Grandes Guitarristas (alternativos)

@johansen +1
faaaa cuanto q ni conocemos

ni tenemos en cuenta..

muy buen post vieja!!
@Maruja27 -2
Y Brian May????????????????????







@Duke07 +1
pensar que te iba a dejar +10 por el post de solos de bateria que lo acomodaste bien...pero como me eliminaste los comentarios de este post que te decia que faltaban muchos guitarristas no te dejo nada...loco...no a la censura...
@2imasssxD +1
no son conocidos?
como mierda podes decir eso
@genesiano +1
bream dijo:
2imasssxD dijo:no son conocidos?
como mierda podes decir eso


no son muy conocidos, yo no los veo en la lista de los mejores guitarristas, quizas las bandas son conocidas, pero como guitarristas individuales no son conocidos... quizas Frank Zappa, si es conocido, pero como guitarrista, no!!!, Fred Frith, Phinas, Holdsworth, quien los conoce, si en taringa casi no estan sus discos... además el post es sobre guitarristas alternativos, guitarristas que no siguen una corriente alterna, quizas alguno despues se poperizaron, pero igual no son reconocidos como se debería, por ejemplo Van Halen, no tiene mucho brillo, sus temas son super corales y le puso una tecnica a la Guitarra Electrica que pertenecia a la guitarra acustica hace más de cien años, y que antes había sido tocada por Holdsworth y Hackett, sin poner prostitutas en sus video clips.

La razón de la que le puse ese nombre al post, era presisamente para que no comentaran locos que les guste Vai, Metalica, Van Halen, y que realmente busquen guitarristas que si han explorado en la musica y no en la rapidez o en el probecho de la palanca, sino musicos alejados del glamur de ser rockeros.



Coincido totalmente, además basta de decir que faltan guitarristas, no se puede hacer un post y conformar a los millones de usuarios de Taringa.

Te recomiendo algunos que tal vez no conozcas o tal vez si:
Anthony Phillips (Genesis)
Daryl Stuermer (Genesis)
Peter Banks (Yes)
Adrian Belew (King Crimson)
Andy Latimer (Camel)
Jan Akkerman (Focus)