10 Obras de Arte con Secretos Ocultos Increíbles

¿Has sentido la sensación de mirar alguna obra de arte y saber que hay algo más que te dice a simple vista de lo que miras? Pero que son esos misterios que envuelven a las pinturas que por la moral de la sociedad los autores quizás tenían que ocultar el mensaje y entregarlo de una forma subliminal para que no hubiese revuelo. Muchos han investigado y este es el resultado.





Pintado por Piero di Cosimo en 1495, Un Sátiro En Duelo Sobre Una Ninfa supuestamente representa una escena de la Metamorfosis de Ovidio. En esa historia, Procris es asesinado accidentalmente en el bosque por un error de su marido, el cazador Céfalo que trataba de matar a una bestia salvaje y arrojó una lanza a través de ella. Es una elección típica de la escena para un artista del Renacimiento, con un solo problema. Un examen detallado demuestra que no hay manera de que la Procris de Cosimo pudiera haber sido asesinada por accidente. Según el profesor británico Michael Baum, todas las señales apuntan hacia la escena que representa un brutal asesinato.
Procris tiene laceraciones profundas alrededor de sus manos en consonancia con alguien que trata de defenderse de una agresión con arma blanca. Su mano izquierda también se dobla hacia atrás en una posición conocida como “la punta del camarero,” normalmente encontrado en las víctimas de asesinato que han tenido su médula cervical cortada en los puntos de C3 y C4. Por último, hay una herida en el cuello que corresponde a la posición de C3 / C4. En lugar de ser una escena de romance, la pintura de Cosimo muestra las secuelas de una agresión con arma blanca frenética. Esto probablemente no fue intencional. El profesor Baum sospecha Cosimo pidió a la morgue local que le prestará un cadáver para la pintura y obtuvo fue una víctima de asesinato.



Hombre, controlador del universo de Diego Rivera, es una de las mayores obras de arte-literalmente y figurativamente- mexicanas. Originalmente encargado por el Centro Rockefeller, pero reconstruida en la Ciudad de México después de que Nelson Rockefeller estuvo en desacuerdo con su descripción de Lenin y lo habierá destruido, es una de las obras emblemáticas del siglo 20. Es también un acto monumental de venganza. El mural afirma que el padre de Nelson Rockefeller tenía sífilis.
Uno de los elementos clave es la recreación de la pintura mural de los últimos descubrimientos científicos. Las galaxias, soles que estallan y primeros planos de bacterias pululan en su cruz central, flotando sobre las cabezas de los hombres y las mujeres. Después de que Nelson Rockefeller derribó su versión original, Rivera volvió y pintó a su padre, JD Rockefeller Jr., en una de esas bacterias en los primeros planos. Las bacterias que eligió simplemente pasaron a ser la sífilis. Eso no fue todo lo que hizo. A pesar de JD Rockefeller Jr. se hubiera abstenido a lo largo de toda la vida, Rivera le empató con un martini y una mujer que puede ser una prostituta. Para el efecto agregado, él puso a Lenin en un lugar destacado.



Una de las grandes figuras del movimiento prerrafaelita John Everett Millais es probablemente mejor conocido hoy por su Ophelia. Al menos, eso fue hasta 2012, cuando los investigadores descubrieron algo inesperado al acecho en su primera pintura de Isabel. Con un montón de personajes del Decamerón de Boccaccio sentados alrededor de una mesa en una fiesta, también incluye lo que parece sin lugar a dudas ser la sombra de una erección. El personaje en primer plano a la izquierda de la pintura tiene una pierna en alto y esta usando un cascanueces.
Si se mira de cerca, se puede ver la sombra proyectada por el cascanueces sólo pasa a alinearse perfectamente con su entrepierna, que lo hace lucir un poco muy demasiado entusiasta sobre el plato. Y lejos de ser una prueba más de que nuestras mentes son irremediablemente sucias, era casi seguro intencional. El Decameron es uno de los libros más eróticas que se han escrito y la pintura está llena de referencias a la sexualidad. La pierna extendida del personaje está destinado a ser fálico y una pila de sal derramada a través de la sombra del pene, probablemente simboliza semen. Es tan sucio como usted puede conseguir ser sin dibujar porno directamente.



Una de las pinturas más famosas de la Galería de los Uffizi de Florencia (que ya es decir algo), de Botticelli La Primavera es también uno de los más misteriosos. Con un grupo de mujeres en un prado bajado del cielo, los expertos aún discuten sobre su significado alegórico. Pero hay una teoría que se destaca de todos los demás, en cuanto a la evidencia y la extrañeza, algunos afirman que se trata de la horticultura.
El razonamiento proviene de la atención alucinante al detalle que Botticelli pone en las plantas en su prado imaginario. Según estimaciones oficiales, hay por lo menos 500 plantas identificables individualmente en la exhibición, que comprende cerca de 200 especies diferentes. Algunos han sugerido que representan todas las plantas que crecían alrededor del siglo 15 Florencia que floreció entre marzo y mayo, mientras que otros han afirmado que incluyen plantas de la fantasía que Botticelli pudo haber hecho especialmente para la pintura. Con toda esta atención a las flores, algunos aficionados apenas registran las figuras humanas de pie encima. Incluso se ha dicho que la pintura representa “no tanto la alta cultura como la horticultura.”



Pintado por Johannes Vermeer en la década de 1660, La lección de música es considerado uno de los grandes retratos de la vida holandesa del siglo 17. Con una chica joven a la que se le esta enseñando a tocar un tipo de clavecín llamado virginal por su guapo profesor particular, es una representación foto-realista de un día típico de la clase alta en el mundo de Vermeer. Al menos, esa es la explicación estándar. Otro punto de vista es que es todo tiene que ver con el sexo y la lujuria escondida. Según esta teoría, la pintura está llena de pequeñas pistas a la tensión sexual cruda entre la niña y su tutor.
Como era de esperar, la virgen se ha asociado con la virginidad, mientras que el espejo por encima de ella revela que la chica está buscando realmente al hombre mientras ella toca, distraída por su “presencia masculina.” Detrás de ellos, la jarra de vino pretende sugerir que un efecto afrodisíaco se está llevando a cabo, mientras que el instrumento en el suelo funciona como un enorme símbolo fálico. En el ángulo vemos que la pintura incluso podría sugerir que el espectador es un voyeur. Algunos críticos de arte sostienen la presencia de la música en Vermeer siempre simboliza la sexualidad, por lo que su obra es profundamente perversa.



Pintado en 1888, la Terraza del café en la noche es una de las obras más importantes de Van Gogh. Es también uno de sus más queridos, con un clásico de Van Gogh en una escena ordinaria. Sin embargo, otra escuela de pensamiento sostiene que hay algo mucho más profundo en el juego. De acuerdo con una teoría reciente, Terraza del café en la noche es realmente acerca de la Última Cena. Desde muy temprana edad, Van Gogh era extremadamente religioso. Su padre era un pastor protestante y los críticos de arte influyentes han argumentado que sus pinturas están impregnados de la imaginería cristiana. En el caso de la terraza del café en la noche, se dice que las imágenes se presentan en la forma de Jesús sentandose a comer con sus discípulos.
Si te fijas bien en los comensales, se puede ver que hay 12 de ellos, sentados en torno a una figura central con el pelo largo. Es revelador, incluso hay un número de cruces escondidos en la imagen, incluyendo uno justo encima de la figura de Cristo. Hay evidencia contemporánea para respaldar esta afirmación. Cuando Van Gogh escribió a su hermano acerca de la pintura, él reclamó que el mundo tenía una “tremenda necesidad” de la religión. Él también estaba profundamente enamorado de Rembrandt y expresó el deseo de revivir su estilo de simbolismo cristiano sutil. Terraza del café en la noche podría ser la prueba de que en última instancia tuvo éxito.




Una pintura que muestra a Venus y a Cupido tener relaciones mientras un tipo calvo los mira y un hombre grita en el fondo siempre iba a ser inquietante. Incluso para los estándares de su tema, sin embargo, La Alegoría de Agnolo Bronzino con Venus y Cupido es oscuro. A pesar de ser descrito como una imagen erótica “de singular belleza,” hay una gran cantidad de evidencia de que en realidad es una advertencia acerca de la sífilis. El enfoque de esta teoría es la figura gritando en la parte inferior izquierda del cuadro. Aunque clásicamente se ha dicho que es para simbolizar los celos o la desesperación, un examen detallado muestra que está realmente muy enfermo.
Sus dedos están hinchados exactamente como era de esperar en un paciente la sífilis, una uña no está presente y el pelo tiene signos de alopecia sifilítica. Sus encías sin dientes sugieren incluso el envenenamiento por mercurio, el mercurio es la cosa más cercana que la Italia del Renacimiento tuvo a un tratamiento de enfermedades de transmisión sexual. Se vuelve más oscuro. El niño tirándole flores a Venus y Cupido parece haber traspasado el pie en una espina de rosa sin darse cuenta. Esta falta de sensibilidad se traduciría directamente de la mielopatía sifilítica. En otras palabras, la pintura parece mostrar a los amantes rodeadas de sufrimiento inducido por la sífilis; una visión de lo que hay en el almacén para ellos si se dejan llevar por la pasión.



Pintado por la legendaria artista mexicana Frida Kahlo en 1929, El Autobus es famoso por que muestra una sección transversal de la sociedad mexicana conviviendo al lado del otro. Una ama de casa, trabajadores de cuello azul, madre de americanos nativos y un rico empresario gringo están esperando un autobús, junto a una chica que es, probablemente, la intención de ser la propia Frida. Si ese es el caso, entonces la pintura tiene un subtexto mucho más oscuro.
Todos ellos están a punto de estar en un terrible accidente. En 1925, Kahlo estaba en un autobús que se estrelló de cabeza con un tranvía. El accidente fue tan terrible que Kahlo fue empalada con una barandilla de metal, dejándola en agonía por el resto de su vida. Sus obras después de esto hacen referencia con frecuencia el accidente, dando a entender que era un milagro que ella sobreviviera al accidente. Y El Autobus no es una excepción. Se ha sugerido que el trabajador de cuello azul está destinado a ser el hombre que salvó la vida de Kahlo tirando de la barandilla de su cuerpo roto, es decir, la pintura se encuentra justo antes de abordar el autobús. Lejos de estar en su camino a casa, los personajes se dirigen directamente para un encuentro violento con el destino.



La Edad de Oro de la pintura holandesa sólo es superada por el Renacimiento italiano. Al igual que otras épocas, tenía sus propios caprichos de estilo, como los artistas incluyendo otras pinturas en el fondo de sus cuadros. Estos “cuadros dentro de cuadros” fueron no sólo de Vermeer y sus amigos mostrando sus capacidades. Contenían un código simbólico especial que te dice exactamente cómo leer cada imagen. Tome Las Zapatillas de Samuel van Hoogstraten. A primera vista, la pintura muestra a una sala vacía con dos zapatillas tumbadas en ella, con una copia del Padre Amonestando Su Hija de Caspar Netscher colgando en el fondo. Casi parece aburrido.
Pero los espectadores holandeses contemporáneos hubieran sabido que la pintura de Netscher se lleva a cabo dentro de un burdel. En combinación con las dos zapatillas de ser un par en donde una pertenece a un hombre y la otra a una mujer, la inferencia clara hubiera sido que la sala estaba vacía porque los ocupantes estaban ocupados con sexo. En otras veces, el código era más sutil. El hombre que escribe una letra y La mujer que lee una letra (en la foto) por Gabriel Metsu muestran a un hombre escribiendo una carta a su amante y su lectura de la misma. En el segundo cuadro, una pintura de un barco en un mar tormentoso es visible en el fondo, que simboliza la naturaleza turbulenta de su relación a larga distancia. En la carta de amor de Vermeer, una pintura de un barco bajo las nubes ominosas muestra que las malas noticias pueden estar acercándose. Ve a buscar y encontrarás cientos de ejemplos de estas “pinturas en cuadros” de holandeses, cada uno sutilmente alterando el significado de la imagen más grande.



Un pintor de mediados del siglo 20 conocido por representar al noroeste de Inglaterra, LS Lowry fue famoso por pintar escenas urbanas con grandes multitudes de hombres de palitos. A pesar de que era popular, el mundo del arte desestimó sus pinturas tan triviales por un largo tiempo. No podían haber estado más equivocados. Al igual que un sádico Dónde está Wally, las pinturas de Lowry se llenan de destellos ocultos del sufrimiento humano. En su pintura de 1926 un accidente (en la foto), una multitud de personas se reúnen cerca de un lago, mirando algo escondido en medio de ellos. Mientras que la pintura no es flagrante de ello, la escena se inspiró en un suicidio local y el grupo que está destinado a estar mirando a un cadáver en el agua. Su trabajo de 1935 La fiebre Van muestra un grupo de peatones sorprendidos frente a una camioneta recogiendo a un paciente.
En ese momento, la difteria y la escarlatina fueron generalizadas en Manchester y con frecuencia eran fatales. El mensaje implícito es que el paciente, que no se ve en la pintura de Lowry, es casi seguro muerto. Otras obras de Lowry incluyen a las personas entrando en peleas a puñetazos, siendo desalojados, o simplemente mirando desde sus ventanas en forma aislada y abrumadora. En cada caso, la tragedia es nunca más que un incidente de fondo, casi escondido en la pintura. Todos los otros hombres de palo sólo siguen viviendo su vida cotidiana, inconscientes o indiferentes al sufrimiento en medio de ellos. El mensaje es que estamos completamente solos y nuestro dolor no significa nada. Es probablemente el mensaje oculto más terrorífico de todos.