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Joya... Goya!!!





Francisco Goya, quien se considera ser “El Padre del Arte Moderno”, empiezó su carrera como artista inmediatemente después del periódo “Baroque”. Al expresar francamente sus pensamientos y creéncias, como fué su costumbre, llegó ser el pionero de las tendencias nuevas que llegaron a su culminación en el siglo 19. Dos factores importantes, que dieron la impresion de ser contradictorias pero que no fueron, dominaron su arte. Juntos, representaron la reacción contra concepciones previas del arte y el deseo de encontrar una forma nueva de expresión. Para entender el alcance del arte de Goya, y para apreciar los princípios que gobernaron su desarollo y su tremenda versatilidad, es imprecindible entender que su labor cubrió un periódo de mas de 60 años, porque continuó dibujando y pintado hasta la edad de 82.
La importancia de este factor es evidente cuando se compara su actitud hacia la vida en su juventud, cuando aceptó felízmente el mundo tal como era, durante sus años como adulto, cuando empiezó a criticarlo, y en su vejéz cuando llegó ser amargo y desilusionado con la gente y la sociedad. Además, el mundo cambió totalmente durante su vida. La sociedad, en la cual había alcanzado un éxito enorme, desapareció durante la guerra Nápoleonica. Mucho antes del fin del siglo 18, Goya ya había vuelto hacía sus ideales nuevas y las había expresado en su arte gráfica y sus nuevas pinturas.


Riña en el Mesón del Gallo - 1777

Como artista, Goya fue por temperamento lejos de las obras clásicas. Solo en algunas de sus obras llegó cerca de un estilo clásico pero, en la gran mayoría de su trabajo, el estilo “Romántico” triunfó.


Paseo Andalucía (detalle) - 1777

Nacido en Zaragoza, España, obtuvó empleo cuando era joven con el artista mediocre José Luzan, del cual aprendió dibujar y, como era de costumbre, hizó copias de las pinturas de varios maestros.


La Cometa - 1778

A la edad de 17, se fué a Madrid. Su estilo fue influenciado por dos artistas que trabajaron ahi. El último de los grandes artistas Venecianos — Tiépolo — y el artista neo-clásico, algo frío y eficiente, — Antonio Rafael Mengs. En el año 1763, competió en la Academia Real de San Fernando pero, en ese año y tambien en el año 1766, fracasó. En 1770, se fué a Roma y sobrevivió de sus obras de arte.


La Nevada - 1786

Los primeros biógrafos atribuyen a Goya todo tipo de aventuras durante estos y los siguientes años. Se dice que huyó de Zaragoza a Madríd y que se fué a Italia como toreador.
También, sabía pintar al fresco y, al volver de Italia a fines del año 1771, fué encargado a él la obra de preparar varios dibujos para un mural de la cúpula del Templo de la Virgen del Pilar en Zaragoza. En julio del 1772, le solicitaron producir una pintura basado en la tema “La Veneracion de Dios”. Otras obras suyas se encuentran en el Palacio de Sobradiel en Zaragoza y en el Monasterio Aula Dei, que tambien contiene otras pinturas grandes. Creados y construidos magnificamente, encontramos nuevas caracteristicas en sus obras que señalen la direccion de su desarollo gradual. Estas obras se completaron en los años 1773 y 1774 y fueron probablemente las últimas pintadas mientras estuvó en Zaragoza.


“Historias de la Virgen y de Cristo: La Visitación”
Detalle, 1774

Goya se casó con Josefa Bayeu, la hermana de los artistas Francisco y Ramon Bayeu. Cuando estuvó en Madrid, empezó a vender borradores de sus deseños para tapicerías. Desde 1974 hasta 1792, trabajó para las fábricas e hizo dibujos para varias tapicerías. Fue en este periódo que ganó fama para sus representaciones de la vida folklórica y paisajes. Empiezó con escenas de cacería y de pesca.


El Parasol - 1777

Inicialmente, su construcción fue ruda y torpe pero en breve tiempo las ejecutó con maestría. No fue un artista de paisajes y los fondos de sus obras mostraron el poco interés que tenía en la pintura de paisajes. Después de haberse establecido en Madrid, empezó a pintar retratos. El más viejo de sus retratos que se conoce data del año 1774. Continuó a hacer las tapicerías y en el año 1778 hizó nada menos que 14, a pesar de una enfermedad grave. En una declaracíon hecha muchos años después, Goya dijó que Velasquez, Rembrandt y la naturaleza habían sido sus maestros.


Cazador Junto a una Fuente - 1786

En el año 1780, fue eligido un miembro de la Académia de San Fernando y presentó “La Crucifixión". En esta pintura, Goya siguió las reglas académicas, probando que era un maestro del estilo convencional.



En 1785, cuando fue hecho Director Diputado del Departamento de Pinturas, empezó a recibir pedidos de la aristocrácia. El primer pedido fue por “El Festival Folklorico del dia de San Isodoro”.
El 25 de Abril de 1785, después de la muerte de Carlos III y la coronación de Carlos IV, fue nombrado Artista Oficial de la Corte. Además de estas comisiones reales, se encargó de otro trabajo. Los dos años siguientes no fueron muy productivos. En 1790, pintó su autorretrato. Esta pintura confirma lo que escribió su hijo: “El pinta en una sola sesión la cual, a veces, dura hasta diez horas pero jamas por la tarde; y para aumentar la impresión de un retrato, añade toques finales durante la noche bajo luz artificial.” Esto explica varias tendencias características de su arte.


Autorretrato - 1790

En 1792, se enfermó y se encontró totalmente sordo. Estos eventos causaron un cambio radical. La alegría desapareció lentemente de sus pinturas; los colores se tornaron más obscuros y su modo de pintar más libre y expresivo. Continuó su trabajo como el artista de la Corte pero buscó inspiración en otras partes — “para hacer observaciones que las obras comisionadas no permiten y para expresar la fantasía e invención sin limite”.Pintó para sí mismo. No tenía mucho respeto hacia los reales quienes intentaron complacerle y posar para el. Expusó las debilidades de ellos en sus pinturas, demostrando sus personajes verdaderos. Un ejemplo es el retrato del Rey Fernando VII de España, especialmente en sus expresiones faciales.



Sus retratos de este periódo muestran todavía un entendimiento de la fascinación de las mujeres y de los niños, no igualado por ningun otro artista con la posible excepción de Renoir. Dos retratos de mujeres completodos en esa época muestran claramente esta calidad — Doña Antonia Zarate, orgullosa, recta, coqueta y algo triste; la Condesa de Chinchón, la más tierna de todos sus retratos de mujeres, en lo cual el rostro infantil y la anchura fragil de los hombros se contrasten con el traje expansivo y hermosamente pintado.


Doña Antonia Zárate


La Condesa de Chinchón

Estos retratos son como un último adiós a las alegrías de la vida, porque poco después Goya se retiró y se aisló en su “Quinta del Sordo” en Madrid. Mientras tanto, las guerras Napoleónicas vinieron y se fueron. Los horrores terribles que sufrió la gente Española llenó a Goya con tanta amargura que convirtió el poder total de su arte en un ataque contra la conducta insana de los seres humanos. Disgustado por el sistema político que consideró reaccionario y brutal, en su arte intentó describir los horrores de la guerra y retratar potentamente la falta de sentido del sufrimiento humano.


Tristes premoniciones de lo que ha de acontecer


Aquí Tampoco


Contra el Bien General


Entre los años 1810 y 1814 produjó su serie famosa de pinturas - “Los Desastres de la Guerra” y sus dos obras maestras “El 2 de Mayo 1808” y “El 3 de Mayo 1808”. Estas pinturas demuestran un uso de colores extremadamente poderoso y expresivo. Goya concentró exclusivamente en la producción de un afecto horroroso, excluyendo todo que no era pertinente. Simbolizan un avance revolucionario en la concepción total del alcance y propósito de pintar. Por primera vez, la guerra fue descrito como fútil y sin gloria y por primera vez no habian héroes solo asesinos y muertos.


Los fusilamientos del tres de mayo de 1808 - 1814


La Carga de los Mamelucos (2 de mayo de 1808) - 1814

Durante la ultima parte de su vida, antes de irse a Francia donde murió, Goya cubrió las paredes de su “Quinta del Sordo” con sus famosas “pinturas negras”, las últimas y las más misteriosas y extremas de su genio extraño y atormentado. Parece que algunas de sus visiones penetran más a fondo las partes oscuras de la mente de lo que nosotros podemos penetrar. Una de ellas “Saturno Devorando a uno de sus Hijos” es uno de las pinturas más horrendas que jamas se ha pintado.


Saturno Devorando a su Hijo

Su vida llegó a un punto culminante. Aislamiento y desesperación crearon las condiciones cuando produjó sus obras de arte más profundas. Personificó de muchas maneras el espíritu de España, donde pareció que el poder y la belleza de la muerte existió en el aire.
El estableció el modelo para el arte del siglo 19, el siglo de romanticismo salvaje y realismo liberal. Su técnica muy original y libre, que llegó a su pináculo con las “pinturas negras” fue adoptado por Manet, el primero de las Impresionistas, y por sus seguidores.


El Encantamiento

Aquelarre

Vuelo de Brujas

La selección de sujetos por parte de Goya no fue restringuido por las tradiciones. Al contrario, el derecho del artista de pintar sus visiones más profundas, aunque resultó dirigido por ellos a una pesadilla horrorosa, fue reclamado por Goya por primera vez y sus posibilidades aún no han sido agotadas.


La Maja Desnuda


La Maja Vestida


El Coloso - 1808-12


La Vendimia - 1786


La Duquesa de Alba Asustando a la Beata - 1795


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