¡SALUDOS, LINCES DEL DESIERTO!
Hoy salgo de mi pajacueva para hablarles un poco sobre mi pintor favorito, en la que espero sea la primera de muchas entregas sobre el maravilloso mundo del arte.
HOY:
GUSTAV KLIMT
ALGO SOBRE SU VIDA, OBRA, INFLUENCIAS Y ESTILO.
SU VIDA
EMPECEMOS DESDE EL PRINCIPIO:
El 14 de julio de 1862, en Baumgarten, cerca de Viena, la familia de grabadores de oro formada por Anna Finster y Ernst Klimt esperaba la llegada del segundo de sus siete hijos, Gustav, quien llegaría a ser un de los más importantes pintores modernos. Quizá influienciados por sus padres, el pequeño Gustav y sus dos hermanos varones demostraron tempranamente habilidades artísticas. En la atmosfera de relativa pobreza donde vivían, fue el talento lo que le permitió salir adelante.
Gustav ingresó a los 14 años a la Escuela de Artes y Oficios de Viena para comenzar su formación como pintor y decorador junto a su hermano Ernst y su amigo Franz Matsch. El trío de estudiantes trabajaría a la par haciendose llamar "compañía de artistas", y hacia 1883 ya recibían encargos y colaboraban como asistentes de los profesores en la decoración de importantes museos, iglesias y teatros.
AÑOS DE APRENDIZAJE Y CAMBIOS:
Los siguientes años fueron de mucha dedicación; Gustav se apropiaba de las técnicas que aprendía pero las desarrollaba con su propio estilo, y pronto se destacó por su originalidad. en 1890, con sólo 28 años, recibió la Orden de Oro al Mérito de manos del emperador Francisco José I de Austria por su labor en el auditorio del Burgtheater de Viena. Ese mismo año tuvo lugar un encuentro decisivo en su vida: conoció a la bella y exotica Emilie Flöge, hermana de Helene, esposa de su hermano Ernst, a quien le llevaba más de veinte años.
retrato de Emilie Flöge
Emilie, una mujer emprendedora y atenta a las modas de la época, esperó durante mucho tiempo que Klimt le propusiera casamiento, pero aunque Gustav la amaba, siempre prefirió conservar su libertad para estar al mismo tiempo con otras mujeres, como las modelos que lo visitaban ensu taller o las damas de alta sociedad a las que retrataba. Aunque el la colmaba de regalos y le escribía cartas y postales, lo cierto es que con Emilie nunca convivieron; Klimt siempre vivió con su madre y sus hermanas.
Fueron años de creciente reconocimiento artístico, pero también de duros golpes: en 1892 su padre y su hermano Ernst murieron con pocos meses de diferencia. Si bien gracias a los encargos, contaba con dinero suficiente para soportar la carga económica de la familia, las desdichas hicieron que a partir de ese momento su expresividad tomara un rumbo muy personal.
En 1894, Gustav y Franz Marsch, que ya demostraban dificultades para encarar proyectos juntos, firmaron el contrato más importante de sus vidas: en él se comprometían a pintar los frescos decorativos del Aula Magna de la Universidad de Viena. Su ejecución llevó más de diez años de intensa labor, y los frescos, que provocaron muchas controversias en el ambiente artístico vienés, fueron destrozados por las tropas nazis en mayo de 1945.
Siempre activo en los círculos artísticos de su tiempo, fundó en 1897 junto a otros pintores y arquitectos vieneses uno de los grupos más importantes de la vanguardia de los primeros años del siglo XX: La secesión vienesa.
Aunque no era muy amante de los viajes, en 1903 Klimt decidió conocer Italia y visita las ciudades de Florencia, Venecia y Ravena. Se interesó en particular por los mosaicos bizantinos, cuya influencia dio inicio a la "fase dorada" de su pintura. A su regreso a Austria Klimt abandonó el grupo de la Secesión.
Gustav era un hombre rutinario que vivía con su madre y sus hermanas, y que gustaba de ir todas las mañanas al mismo café, donde le daban un trato distinguido. Allí lo visitaban sus amigos. Una vez llegaba a su estudio, se encerraba a trabajar y ya nada podía interrumpirlo. Entre 1899 y 1903 nacieron sus dos hijos legítimos, Gustav y Otto, fruto de sus amorios con Mizzi Zimmermann, con quien nunca oficializó su relación.
En la década de 1910, la maravillosa obra de Gustav comenzaba a tener repercusión por toda Europa y obtenía menciones especiales en la Bienal de Venecia y en Roma. Pero una vez más las desgracias familiares lo golpearon profundamente. cuando en 1915 murió su madre Gustav se sintió muy perturbado y poco a poco los colores de sus telas comenzaroa oscurecerse. tres años más tarde, el 11 de enero de 1918, sufrió una apoplejía que lo paralizó n la mitad de su cuerpo.
Como consecuencia de una neumonía, que complicó su salud mientras se encontraba en el Hospital General de Viena, murió el 6 de febrero, y en el lecho de su muerte reclamó la presencia de su querida Emilie Flöge. Su familia se negó a que sus restos fueran depositados en el panteón de honor erigido por el ayuntamiento de Viena y finalmente fue enterrado en el cementerio de Hietzing.
SU CAMINO A LO LARGO DE SU CARRERA:
Klimt fijó su residencia y su estudio en Viena, pero realizó gran cantidad de viajes cortos para trabajar en los encargos que le hacían. Conoció muchas de las grandes ciudades europeas y admiró el arte de cada una. Se sintió muy atraido por Italia y su arte bizantino. Al haber gozado de gran prestigio durante toda su vida, asistió a exposiciones de su obra y del grupo de la secesión que se realizaban por todo el continente.
ALGO SOBRE SU OBRA
Reaccionar contra las convenciones como sello:
La actividad artística de uno de los creadores más originales de la historia del arte se desarrolló en su esplendor entre 1898 y 1908. La obra de Klimt, un ejemplo de experimentación pictórica y a la vez un modelo de transformación simbólica del mundo, está estrechamente imbricada con lo que fue su vida:
El que quiera saber algo sobre mí como artista deberá observar detenidamente mis cuadros e intentar reconocer en ellos qué soy y qué quiero.
En la Escuela de Artes y Oficios de Viena aprendió diversas técnicas, del mosaico al bajo la tutela de afamados profesores. Con su hermano Ernst y Franz Matsch, se embarcaron hacia 1880 en el primer encargo: la pintura de las telas para el techo del palacio Sturany. Siguieron muchos otros, entre ellos la decoracion del Burgtheater de Viena, que le valdría a Klimt el primer reconocimiento oficial.
Su estilo en esa época tenía reminiscencias barrocas y se encontraba muy influenciado por la obra de Hans Makart. Durante su formación, Gustav perfeccionó al máximo su habilidad técnica: sus alegorías no tardaron en ser muy apreciadas e incluso sus retratos ya expresaban una exactitud fotográfica en los rostros muy adelantada a su tiempo.
El rechazo académico:
Hacia 1894 Klimy ya gozaba de gran prestigio. Junto a Franz Matsch recibieron un importante encargo del ministerio de educación: debían pintar el techo del Aula Magna de la Universidad de Viena con las alegorías de las facultades para glorificar las ciencias racionales -Filosofía, Medicina, Jurisprudencia-, demostrando su influencia benéfica para la sociedad. Pero Gustav rechazó de plano esta visión racional del mundo.
Más de ochenta miembros de la facultad se pronunciaron en contra de los bocetos presentados por Klimt para las obras, lo que provocó un intenso debate artístico con repercusiones en la prensa y el senado. Rechazaban, entre otras cuestiones, que hubiera incluido en Medicina representaciones naturalistas de desnudos femeninos, e insinuado en Jurisprudencia que el destino del hombre está dominado por la fuerza de losinstintos. Luego de años de críticas, Klimt devolvió el anticipo recibido; finalmente las obras fueron adquiridas por coleccionistas particulares.
Basta de censura. No buscaré otra ayuda que la mía propia. Quiero olvidar todas esas molestas tonterías que dificultan mi trabajo y volver a la libertad. Rechazo cualquier ayuda estatal, renuncio a todo.
Tambien se dice que exclamó:
¡Fundaré mi propía universidad y le pintaré frescos con juegos de azar y mujersuelas!
Los años de la Secesión:
En simultaneo al escándalo provocado por sus obras de las facultades, Gustav Klimt orientó su actividad artística a la fundación del gupo de la secesión, con el objeto de "hacer que la vida artística vienesa tenga una relación vital con la evolución del arte extranjero, y para proponer exposiciones de puro caracter artístico, libres de las exigencias del mercado". El nombre, inspiración romana (secessio plebis), deriva de la secesión de Munich, fundada en 1892 por Franz Von Stuck. El grupo que veía en el arte un medio de transformación de la sociedad, buscó reaccionar contra las convenciones (el academicismo y el conservadurismo) y abrirse al espíritu de su tiempo, identificado con el simbolismo.
Gustav se erigió como director, y con el resto de sus integrantes fundaron la revista Ver Sacrum. Organizaron numerosas exposiciones en un edificio propio construido por el arquitecto modernista Joseph María Olbrich. Desde la primera muestra colectiva, realizada en 1897, estos artistas estimularon el compromiso con el arte contemporaneo e instauraron una política de compra de obras para fundar la primera colección pública de arte moderno de Viena.
Gracias a Klimt comenzó a forjarse un estilo común en la pintura de su tiempo, caracterizado por un lenguaje figurativo bidimensional -Los volúmenes se aplanan y los contornos asumen un rol preponderante-, con lineas orgánicas en consonancia con formas geométricas, y sobre todo con ina impronta decorativa muy fuerte. Esta tendencia influenciada por el Art Nouveau sería decisiva en los trabajos posteriores de Gustav, como el Friso de Beethoveen, que se presentó en la exposición más famosa de la secesión en 1902.
Al año siguiente tuvo lugar la primera retrospeciva dedicada exclusivamente a la obra de Klimt en el edificio de la secesión. Gustav viajó por Italia y quedó profundamente impresionado por los mozaicos bizantinos que decoran importantes basílicas como San Marco y San Vital, loque dio comienzo a la llamada "fase dorada" de su pintura, Cuyas obras más importantes son las magistrales El Beso y Retrato de Adele Bloch-Bauer.
retrato de Adele Bloch-Bauer
En 1905 se produjo un quiebre entre los artistas de la secesión: Gustav abandonó el grupo para fundar, junto con algunos pintores próximos a él, el llamado "Grupo de Klimt". Una de las obras maestras de esta época es el friso del palacio de Stoclet de Bruselas, compuesto por "El árbol de la vida", "La expectación" y "La satisfacción", entre otras. En ellas lo ornamental tiene un rol preponderante a partir de la inclusión de motivos geométricos abstractos que rodean a las figuras humanas representadas, a tal punto que prácticamente no se diferencian el fondo y las figuras.
LAS TRES EDADES DE LA MUJER (1905)
Klimt parece decirnos que nadie escapa a la muerte ni a la decadencia, aunque podamos idealizar la vida. Las figuras sumidas en el ensueño presentan decoraciones características de su estilo como los círculos y los triángulos en colores ocres y azules. El fondo obscuro de la tela remarca el color de la carne.
10 CLAVES PARA APRECIAR "EL BESO":
EL ARTISTA Y SU TIEMPO
RUPTURA Y VANGUARDIAS:
La atmósfera que se respiraba en Viena hacia fines del siglo XIX estaba impregnada de nuevos aires: parecía que una época quedaba atras para dar lugar a otra que aún no terminaba de tomar forma. Con más de dos millones de habitantes, la capital de Austria era una de las ciudades con más actividad en Europa, y en ella sus habitantes se familiarizaban con los cambios que traía el tranvía, la luz electrica y el teléfono.
El imperio de los Habsburgo estaba en su ocaso, y su decadencia se acompañaba de un esplendor inusitado en ell pensamiento, las artes y las ciencias. En viena, Freud estaba dando nacimiento al psicoanálisis, Mahler componía sus sinfonías, y Schónberg creaba la música dodecafónica, mientras Wittgenstein daba sus primeros pasos en las investigaciones filosóficas. Y es también la ciudad en la que Gustav Klimt se daba a conocer como artista, reflejando de forma muy particular el espírito de su tiempo en las obras y decoraciones.
Un problema clave para los intelectuales y artistas vieneses de aquella época fue encontrar una nueva forma de expresar las pasiones, los sentimientos; un lenguaje experimental que mostrara aquello que la razón había silenciado. Sus artistas encontraron en la música, la pintura y la arquitectura ese lenguaje, en el que el mito tuvo un rol fundamental porque vinculaba la realidad con un más allá que comprometía al hombre con su naturaleza.
Insatisfecho con los fines y los procedimientos del arte que gustaba al público, Klimt, al igual que otros pintores que daban batalla desde Francia o Alemania, comenzaba a tener conciencia de los estilos y a investigar y comprender los nuevos movimientos: toda la experiencia artística de su época parecía estar marcada por la conciencia de vivir en un terreno agrietado. A través del grupo de la Secesión, que lejos de ser homogéneo estaba integrado por multiplicidad de estilos artísticos, esta generación de artistas reclamó nuevos espacios para el arte que pusieran fin al aislamiento cultural vienés y permitieran proyectar sus creaciones al resto de Europa.
el amor, la muerte, la sexualidad, el erotismo, la tristeza, el desenfreno y la inocencia son los protagonistas de la obra de Klimt. A través de su fuerza creativa, consiguió mejor que nadie darle un rostro a las obsesiones de su tiempo.
LAS INFLUENCIAS.
LA TÉCNICA:
Formado en la escuela de artes y oficios de Viena, Klimt conoce y aprende tempranamente distintas técnicas. Su pintura adquiere un estilo original e inconfundible con el paso del tiempo.
Klimt es un pintor muy hábil y con mucho oficio que se desempeña a la perfección tanto en los frescos como en la pintura al óleo. Impresiona la manera fotográfica con la que pinta los rostros: trabaja con un hiperrealismo adelantado a su tiempo.
Su estilo gráfico se manifiesta provocativamente en las decoraciones excesivas y voluptuosas de sus obras; también en los intensos contrastes de los rostros y los fondos.
LA MIRADA DE LA HISTORIA
El legado de Klimt según algunos historiadores
LA MUJER Y EL EROTISMO
Si existe un artista eclipsado por la figura femenina, ése es Klimt. La belleza y la sensualidad de la mujer son los motivos centrales de su obra
Se dice que para Gustav Klimt el mundo tenía forma de mujer. Es que en sus obras la figura femenina se instala como motivo dominante, como fijación desde sus primeras composiciones. No es de extrañar entonces que en las alegorías, los retratos y los dibujos sea la mujer la portadora del mensaje artístico. Al parecer, Gustav amaba al cuerpo de la mujer, o mejor, la sensualidad de sus rasgos y el poder que transmitían sus deseos
El erotismo como leitmotiv estaba a la orddel día en la época en la que Klimt desarrolla su concepción del arte, aunque a menudo chocaba con elrechazo de la sociedad conservadora. Pero el suyo era un erotismo siempre refinado y elegante, que no caía en la bulgaridad sino que descubría la sensualidad natural y la voluptuosidad de los cuerpos. Gustav se revela como un observador atento de la estructura física de la mujer, del contorno de sus formas, del movimiento de su carne y de las fibras de su ser, y de allí el enigmático atractivo de sus composiciones que se enaltece por las combinaciones cromáticas y la soriginales ornamentaciones.
Con sus figuras femeninas además de criticar un modelo social y una forma de vida burguesa, Klimtdevela a la fatal, aquella que condensa dos temáticas tan ajenas y dispares para la mentalidad vienesa de 1900: muerte y sexualidad. Así, pues, lo erótico en las mujeres de Klimt está también teñido de muerte. Antes de que la historia le atribuyera al expresionismo o al surrealismo el haber expuesto abiertamente la sexualidad en el campo del arte, yaa Klimt la había convertido en uno de los temas centrales de su obra.
LA ESPERANZA
Dos son las obras que retratan perfiles de mujeres embarazadas, y ambas llevan el sugestivo título de La Esperanza. A diferencia del primero, donde la mujer está desnuda y emanacierta perversidad, en el segundo desaparecen los elementos asociados a la noche y la muerte para dar un bello cuadro que evoca más bien a la vida que florece en su vientre.
JUDIT
La fuerza alegórica de algunas representaciones femeninas como Judit (que muchas veces fue asociada a Salomé) tiene su origen en el cambio de rol social de la mujer en la sociedad cienesa de comienzos de siglo XX. Klimt entiende que la revelación de los instintos sexuales debe ser acompañada de un hechizo estético, y representa la tensión erótica entre lo que se ve y lo que se oculta en el cuerpo femenino que se insinúa por debajo de las ropas.
DANAE
En su particular interpretación del mito griego en el cual Zeus, transformado en lluvia, ama a la joven Danae, Klimt opta por acentuar el erotismo en las formas contoneadas de la mujer, pero, al mismo tiempo, crea distanciamientos a través de los ornamentos. En este cuadro Klimt lleva al extremo la reducción de la mujer a su sexualidad, a la belleza carnal.
RETRATOS
Klimt llega a convertirse en el retratista favorito de las mujeres de su época. Estas obras sugieren precisamente que los elementos decorativos, siendo parte importante de la armonía del conjunto, son en sí mismos autónomos, pequeñas composiciones abstractas capaces de condensar más de los que muestran, como en el retrato de Adele Bloch-Bauer y de Emilie Flöge, dos de los más famosos.
BOCETOS Y DIBUJOS
Los casi tres mil dibujos que se conservaron en su estudio al momento de su muerte, muestran una intimidad tan estrecha entre el artista y sus modelos sin ropa que hace que el espectador se sienta indiscreto al observarlos. Klimt convirtió lo sexual en un motivo pictórico, cosa que hasta el momento ningún otro pintor había logrado con éxito. En sus dibujos suprime las referencias espaciales y temporales para aislar a las figuras femeninas acentuando la "despersonalización" de la mujer.
EL FRISO DE BEETHOVEN
Una pieza clave de la obra del artista, que refleja el estado de la cultura de su tiempo.
En 1902 tuvo lugar en Viena una de las principales exposiciones del grupo secesionista dedicada a Ludwig Van Beethoven e inspirada en la escultura realizada por Max Klinger en su honor. Para este evento, Klimt pintó sobre las paredes del edificio el imponente Friso de Beethoven, Una obra monumental de veinticuatro metros dividida en tres partes ("El ansia de la felicidad", "Las fuerzas del mal" y "El himno a la alegría"
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El tema central del friso aludía al último movimiento de la Novena Sinfonía y hacía referencia a la liberación de la humanidad a través del arte y del amor como una metafora de la reafirmación del hombre dentro de la sociedad. Con esta obra, en la que las "Fuerzas enemigas", representadas por medio de figuras montruosas y mujeres amenazadoras, parecían contraponerse al apasionamiento heroico, la idea de Gustav no era narrar una historia continua sino componer algunas escenas estáticas.
En los paneles convivían con una armonia muy particular algunas dominantes de la pintura griega y egipcia, los grabados japoneses de Hokusai, la cultura africana y el eco de artistas como Beardsley. Klimt es, en efecto, un pintor de alegorías inquietantes, de ambivalencias y desplazamientos perceptivos: en esta composición se contraponen a nivel simbólico el bien y el mal, y a la vez se funden como nunca antes las artes plásticas, la música y la poesía de un artista inigualable.
EL BESO EN EL ARTE
El instante mágico del beso entre dos amantes es motivo de muy variadas representaciones a lo largo de la historia del arte.
La pasión se revela en cada artista a partir de una estética propia.
¿Qué es un beso y cómo puede ser representado? A lo largo de la historia del arte moderno, distintos artistas expresan en sus obras lo que entienden por su esencia. El beso, en efecto, parece ir mucho más allá del roce de los labios entre dos amates para simbolizar algo más dramático y profundo. Las fuerzas ocultas de los sentimientos humanos se han hecho presentes en distintas representaciones de esta escena, como, por ejemplo la de Auguste Rodin y Edvard Munch, además de la de Gustav Klimt, artistas en su tiempo supieron plasmar la celebración o la angustia del amor.
El beso -Rodin
En la versión escultórica de Rodin, que data de 1886, dos jóvenes desnudos enlazan sus cuerpos para besarse con comodidad, en lo que parece la apoteosis del amor entre el hombre y la mujer. La escena, inspirada en personajes de La Divina Comedia, irradia sensualidad y a la vez una gran ternura; al tener grandes dimensiones y al haber sido trabajada en mármol, puede recorrerse con la vista todos sus detalles sin adoptar un punto de vista único. Rodin consigue plasmar con naturalidad el instante de máxima pasión en esos cuerpos que se funden en espiral, trasladando ese movimiento a todo el espacio que rodea y generando un dinamismo inusitado.
Los amantes. Edvard Munch.
La visión adoptada por Munch es radicalmente opuesta: la suya es una impresión negativa y angustiosa de la pasión y el erotismo del beso, en consonancia con la mirada expresionista del arte en la que la tragedia, la soledad y la muerte eran temas fundamentales. en su representación, que también recibe el nombre de Los amantes y fue realizada en 1897, el hombre y la mujer visten de negro y tienen los rostros desdibujados, como si la entrega amorosa significara la renuncia a la identidad. La atmósfera es pesada y opresiva en el cuadro, ya que la pareja se encuentra en una habitación oscura en la que solo se perciben los colores del mundo exterior a través de una ventana cerrada. El abrazo entre los amantes en vez de expresar amor, parece comunicar un estado de profunda desesperación.
Desde la pintura galante de Fragonard hasta la versión pop de Lichtenstein, pasando por la imagen onírica de Chagall, entre tantas otras, la escena del beso fue motivo de numerosos artistas. Todo parece indicar que esta muestra de amor tiene un simbolismo único y sin duda atractivo entre hombres y mujeres de todos los tiempos.
OTROS BESOS EN EL ARTE:
Fragonard- el beso robado (1780)
Canova - Psique reanimada por el beso del amor (1787- 1793)
Gericault - El beso (1822)
Hayez - El beso (1859)
Toulouse Lautrec - Beso (1892)
Chagall - El beso (1915)
Lichtenstein - beso (1962)
EL ARTE DE KLIMT EN LA CULTURA DE MASAS.
Klimt en la moda:
Distintas prendas de indumentaria y accesorios son confeccionadas en el mundo inspirándose en las composiciones de Gustav Klimt. Muchas son piezas únicas y exclusivas ideadas para ocasiones especiales.
Klimt en el tarot:
Sus obras más representativas se encuentran adaptadas a los arcanos de este mazo de cartas del tarot.
Klimt en los tatuajes:
Los motivos decorativos presentes en su obra son tan llamativos que hasta fueron compilados en un libro para ser reproducidos por un genero muy peculiar de artistas: los tatuadores.
Klimt en los relojes:
Algunas de sus repoducciones más famosas fueron utilizadas para el diseño de estos coloridos relojes femeninos.
Klimt en el cine:
Durante 2006 se rodó una película inspirada en su vida. En ella el artista es interpretado por el actor norteamericano John Malkovich.
¡ESO ES TODO, TARINGUEROS!
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