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LAS PELICULAS MAS CONTROVERSIALES DE LA HISTORIA


Son blasfemas. Son peligrosas. Son intolerables.
Hablamos de esas películas que afilan las tijeras de la censura, que ponen de los nervios a las personas de orden, motivan boicots y manifestaciones (y, a veces, atentados) y que son, en definitiva, polémicas, controversiales.



La naranja mecánica (1971)



En 1962, el polímata Anthony Burguess publicó su obra más reconocida: A Clockwork Orange (La naranja mecánica). Casi una década después, el director norteamericano Stanley Kubrick haría de esta historia una de las más polémicas y decisivas del cine del siglo XX. La naranja mecánica es una novela considerada parte de las obras cuya trama sucede en medio de una sociedad ficticia indeseable, en oposición a la utopía, heredera de títulos como 1984, de George Orwell, y Un mundo feliz, de Aldous Huxley.
Después de que el guionista Terry Southern hiciera llegar a Kubrick la novela de Burguess, el director cautivo la leyó tan deprisa que decidió llevar a la pantalla al controvertido Alex DeLarge, un psicópata obsesionado con la ultraviolencia y la música de Beethoven, y líder de Los Drugos, una pandilla que comete atroces crímenes que incluyen asaltos, golpizas, sexo y muerte. Cuando las circunstancias llevan a Alex a prisión, éste decide someterse a un tratamiento para reivindicar su naturaleza violenta: la técnica de Ludovico, cuyo fundamento se halla en el condicionamiento clásico de Pavlov.
La película se estrenó por primera vez en Estados Unidos en 1971; después de una reedición de Kubrick que incluyó un recorte de 30 segundos, la película volvió a exhibirse en 1973. Un año antes se estrenó en Gran Bretaña, pero su contenido “altamente violento” significó un impacto negativo entre el público quienes consideraron a la película una incitación al crimen, pues algunos delincuentes cometieron actos fuera de la ley en una reinterpretación de las escenas de la cinta mientras entonaban “Singing in the rain” o vestían atuendos como Los Drugos. Con una gran presión mediática, Stanley Kubrick pidió a Warner Bros detener la distribución de la película en el país, además por supuestas amenazas de muerte en su contra. Kubrick señaló que sólo se reestrenaría la película tras su fallecimiento, el que ocurrió en 1999. El nuevo milenio recibiría a La naranja mecánica en video y DVD en su relanzamiento en Inglaterra.

El exorcista (1973)



Considerada la mejor película de terror de todos los tiempos, El exorcista representó una vuelta de tuerca en la eterna lucha entre el bien y el mal al tener como protagonista y representación de este último a una niña.
La película se estrenó en 1973 y es la adaptación de la novela homónima de William Peter Blatty, publicada un año antes. William Friedkin fue el director de la versión cinematográfica que cuenta los pormenores de la posesión diabólica que sufre Regan MacNeil, una niña de 12 años quien se ve envuelta entre bruscos cambios de personalidad, comportamientos inexplicables y erróneos diagnósticos médicos hasta considerar la posibilidad de una posesión demoniaca que la hacen el objeto de los esfuerzos del padre Karras, Merrin y su madre, Chris MacNeil.



Basada en un hecho real, el argumento de El exorcista revolucionó al género en la época, y su estreno determinó un antes y un después al cimentar una historia sobre temas de esta índole. La película fue bien recibida por el público y la crítica, y obtuvo una decena de nominaciones a los Oscar y otras a los Globos de Oro. La trascendencia de la película la hizo un clásico en el cine y una referencia cultural obligada en el género de terror.



Aunque con varias secuelas y un reestreno mas bien soso, El exorcista (1973) se recuerda por la simpleza de su producción pero la solidez en su argumento, además por los extraños sucesos que ocurrieron durante el rodaje: el incendio de uno de los sets, accidentes, fallecimiento de familiares o cercanos a los miembros de la producción y una serie de acontecimientos que forjaron mitos sobre esta película, una de las más aterradoras en la historia del cine.

Holocausto caníbal (1980)



Una producción italiana de 1980 considerada en el género de ficción de explotación; bajo la dirección de Ruggero Deodato, con guión original de Gianfranco Clerici, Holocausto caníbal es la historia de un grupo de jóvenes quienes hacen un viaje documental a la selva amazónica (Infierno Verde); después de los días de viaje, no se sabe nada de ellos, por lo que el antropólogo Harold Monroe viaja al lugar para investigar el paradero del grupo.
Cuando llega al Amazonas, junto a dos guías, se encuentran con la tribu de los Yacumo, a partir de ese suceso la historia continúa entre el asesinato de los exploradores por parte de los miembros de la tribu y una serie de videos que desvelan escenas de sexo, tortura, asesinato y violencia que llevan al límite lo que los ojos ven.
La película fue prohibida para su exhibición en países como Italia, Australia y el Reino Unido por su alto contenido de imágenes gore.

La Pasión de Cristo (2004)



Esta no fue la primera vez que una película representó el calvario de Jesús de Nazaret a manos de los soldados romanos durante sus últimas horas de vida, pero sí la primera que llevó con crudeza y criticada extrema violencia el peregrinaje de Jesús después de la Última Cena, desde el momento en que ora en el Huerto de los Olivos y mientras es tentado por Satanás y traicionado por Judas Iscariote.
Dirigida por Mel Gibson, La Pasión de Cristo tuvo como protagonista a Jim Caviezel (Jesucisto) en una historia escrita por Benedict Fitzgerald y el propio director, quienes llevaron a la pantalla grande en 2004 este episodio de acuerdo con el Nuevo Testamento y los Evangelios de los apóstoles Mateo, Marcos, Lucas y Juan.



Es bien sabido que Mel Gibson invirtió más de 40 millones de dólares de su bolsillo para financiar la película, la que se grabó en tres idiomas distintos: arameo, latín y hebreo. Aunque existen diferencias entre el argumento y los evangelios, la cinta fue bien acogida como un acercamiento de la vida de Jesús hacia los no creyentes, y un recurso para la evangelización para con ello extender la religión cristiana a través del cine.
Nominada a tres premios de la Academia en las categorías de mejor maquillaje, mejor banda sonora y mejor fotografía, La Pasión de Cristo fue principalmente criticada por considerarla antisemita y por el uso de extrema violencia. Frente a esto, Mel Gibson siempre señaló que su interés estuvo en exaltar el amor y la entrega de Jesús a pesar del abuso, el dolor y el sufrimiento, y si para esto tenía que violentar su imagen, era necesario. Dijo, quería que resultara extrema y chocante para dimensionar los dolores físicos y el desgaste emocional de Jesús el hombre, y comprender con ello el mensaje de fe, esperanza, amor y perdón.
 
La vida de Brian (1979)



Considerada un clásico de los Monty Python, La vida de Brian no es una comedia sobre los días  de Jesucristo, es mas bien una divertida historia alterna sucedida en un marco referencial similar al del profeta. Brian nace en Belén, en la misma fecha que Jesús, y en aparente igualdad de circunstancias. Hijo ilegítimo de un soldado romano y una feminista judía, su vida adulta y el contexto que lo rodea lo llevan a ser confundido varias veces con el Mesías en una suerte de sucesos ocurridos en la Galilea de aquellos días.
La cinta fue dirigida por Terry Jones con un guión original de los Monty Phyton, y financiada por el beatle George Harrison; a menudo es considerada la mejor película cómica de todos los tiempos debido a la originalidad del argumento, la aparición de temas clásicos del grupo como “Always Look On The Bright Side Of Life”, el uso de gags memorables y la sátira hilarante con la que hace una crítica a la intolerancia y problemas suscitados con el nacimiento del cristianismo.



Pese a tomar sólo como referencia el tiempo histórico de Jesús, algunos grupos cristianos se manifestaron en contra de la película por considerarla una ofensa a la figura del nazareno. Por su parte, el presidente de EMI Films, productora que pretendía llevar el proyecto, calificó a la historia de obscena y sacrílega. Otras repercusiones fue la prohibición de su exhibición en Noruega, Irlanda y parte del Reino Unido. La polémica generada también significó una serie de boicots en Estados Unidos, pese a que la idea de representar a Jesucristo nunca fue el argumento de la película, sino hacer comedia de la reinterpretación de los evangelios con un personaje contemporáneo a Jesús.

Calígula (1979, 1984)



La decadencia romana en su máxima expresión. La versión original de 1979, dirigida por Tinto Brass, cuenta el ir y venir del emperador romano Calígula (quien de por si no está muy bien parado en la Historia), la que incluía algunas escenas sexuales con las que representaba pasajes de la vida del tirano gobernante. Pero fue la versión de 1984, de Bob Guccione, la que causaría gran polémica por la exhibición sin censura de escenas de sexo, incesto, relaciones homosexuales, sadomasoquistas y zoofilia que harían de la cinta un hito del cine erótico. 



La versión de Guccione fue prohibida para su exhibición, hasta que en 2007 la Junta Británica para la clasificación de películas reconoció su valor histórico y permitió su comercialización íntegra como película para adultos.

Lolita (1962)



“Las elementales reglas literarias para las historias de amor exigen un final con muerte o separación de los amantes, no pudiendo darse jamás que éstos consigan reunirse para siempre. Es también esencial que la relación deba escandalizar a la sociedad o a sus familiares. Los amantes deben ser condenados al ostracismo. Sería muy difícil construir una historia moderna que pudiera adherirse, con visos de realidad, a estas normas. En este aspecto creo que sería correcto afirmar que “Lolita” es una de las pocas historias modernas de amor”. – Stanley Kubrick
El maduro profesor y traductor Humbert Humbert se muda a Ramsdale, New Hampshire, y llega a vivir a una habitación alquilada de la casa propiedad de la viuda Charlotte Haze, quien tiene una hermosa hija de 14 años, Lolita. Pronto, el hombre se siente perdidamente enamorado de la joven e irresistible muchacha, por lo que decide contraer nupcias con la madre para poder estar cerca de quien ya se ha vuelto su objeto de deseo, la núbil Lolita.
Aunque algunos elogian el trabajo de Kubrick para llevar a la pantalla el clásico literario del ruso Vladimir Nabokov, otros cuestionan lo poco descriptiva que fue la trama y la omisión de detalles en la relación amorosa- pedófila entre los protagonistas. Tiempo después, Kubrick diría que, de poder hacer de nuevo la película, enfatizaría en el erotismo y en los aspectos que dieran cuenta de la intimidad entre la pareja. Sin embargo, debe reconocerse el trabajo del director de llevar a cabo un polémico argumento al que convirtió en una bella y revolucionaria historia de amor, más sugerente que sexual, con un toque refinado para el erotismo y en una mezcla de misterio y sensualidad extraída de los momentos más inesperados.



El autor de la novela fue, también, guionista en la adaptación cinematográfica. En su versión original el guión comprendía nueve horas de película, pese a esto, Kubrick alabó el trabajo de Nabokov.
Protagonizada por James Mason y Sue Lyon, la Lolita de la versión literaria tenía 12 años. Cuando Kubrick estaba en la búsqueda de su protagonista, vio a Sue en bikini en el programa The Loretta Young Show, supo entonces que la joven, quien ya había cumplido los 15 años, sería Lolita en el cine. Por las restricciones de la industria y de la época, en la versión cinematográfica Lolita comienza su idilio con Humbert a los 14 años de edad.



Psicosis
(1960)



La modesta secretaria Marion Crane quiere casarse con su amante Sam, pero su condición económica les impide vivir su idilio desahogadamente. La joven toma la decisión de robar 40 mil dólares de la empresa en la que trabaja. Tras guardar el motín en una maleta huye de la ciudad en su Ford negro y conduce sin detenerse con rumbo a California. Cuando cae la noche y en medio de una lluvia, la chica decide descansar en un motel de carretera dirigido por Norman Bates. Pero no sólo el motel guarda un aspecto tétrico, la casa junto a éste es el misterioso refugio de Bates y su madre.
Después de compartir la cena con Bates y de sostener una charla con el extraño hombre, Marion decide ir a su habitación a pensar qué hacer con su futuro, toma una ducha, pero el destino ya ha decidido por ella.
Psicosis es la adaptación cinematográfica de la obra homónima escrita por Robert Bloch en 1959, un clásico del cine de terror y suspenso considerada la obra cumbre del director Alfred Hitchcock. Psycho, como también se le conoce, es elogiada por la crítica como una de las mejores películas del género y una de las pocas cuyas diferentes escenas han sido reproducidas, pariodiadas y utilizadas como referente para trabajos posteriores.



El argumento aunado a la grandiosa imaginación del director llevó por una historia, indiscutiblemente de terror, pero que roza con temas de amor, intriga, actos delictivos, suspenso, introspección y doble personalidad. El motel, el hombre regente, el robo de Marion, el amante y las historias entretejidas alrededor de estos fueron recurso para hacer una versión cinematográfica icónica.



Se dijo, Alfred Hichcock pidió a los cines que no permitieran la entrada a aquellos espectadores que llegasen tarde a su película, pues no quería que se corriera la voz sobre el final.

El último tango en París (1972)



Paul y Jeanne tienen una serie de encuentros fortuitos que pasan desapercibidos por ambos hasta que finalmente el destino los fuerza a reconocerse mutuamente en un departamento, el que ambos visitan con la intención de alquilarlo. Se sienten atraídos, y tras unos momentos hacen el amor en el departamento vacío. Deciden seguir viéndose en el lugar para continuar la aventura. Ella está comprometida y él ejerce sobre ella una violencia que va de lo verbal a lo físico sin que Jeanne oponga resistencia. 

El imperio de los sentidos (1976)



Dos amantes se entregan al disfrute de los placeres sexuales, para ellos no existen limitaciones más allá de su imaginación, y ésta es muy amplia. Ella, una joven exprostituta; él, el esposo de la dueña del hotel Lupanar donde mantienen su relación clandestina. La protagonista Eiko Matsuda estrangula a su amante en plena cópula y después le corta el pene.
Repleto de sexo y de sangre, el filme de Nagisha Oshima rompió los difusos límites entre arte y pornografía narrando un caso real. Para evitar la estricta censura japonesa, el cineasta tuvo que registrar su película en Francia, lo que no le libró de prohibiciones diversas: en Gran Bretaña, no pudo estrenarse hasta 2011, mientras que en España fue clasificada X a principios de los 80.

Saló o los 120 días de Sodoma (1975)



Basada en el libro Los 120 días de Sodoma, del Marqués de Sade. Saló, como se le conoce, es una película de 1975 del poeta y director italiano Pier Paolo Pasolini, quien llevó a la pantalla grande un relato de la perversión sádica sexual.
Adaptada entre 1944 y 1945, en la República de Saló, al norte de Italia, la historia está dividida en cuatro momentos: Anteinfierno, Círculo de las manías, Círculo de la mierda y Círculo de la sangre, los escenarios de un ritual para que las hijas de cuatro hombres poderosos contraigan nupcias.
La película relata lo que sucede en el ritual, en el que participan 18 jóvenes secuestrados, prostitutas, los cuatro hombres y sus hijas en un ambiente de sadismo sexual. La película, según el propio Pasolini, es una conceptualización del fascismo, por lo que el argumento se construyó a base de simbolismos y metáforas con el régimen.

La última tentación de Cristo (1988) 



Dirigida por Martin Scorsese, La última tentación de Cristo está basada en el libro de Nikos Kazantzakis, un autor griego quien propuso a un Jesús con una vida mundana, y no como el Mesías que reconoce la iglesia católica.
Scorsese lleva a la pantalla grande, de la mano con Paul Schrader (co-escritor), la historia de Jesús si éste no hubiera muerto en la cruz como sacrificio para salvar a la humanidad, y llevara una vida como hombre, padre y esposo, con miedos, confusiones y conflictos propios de la imperfección humana. Entre otros momentos, la supuesta relación de Jesús con María Magdalena que se aborda en la trama fue motivo de gran controversia entre los grupos cristianos conservadores.
A pesar del esfuerzo del director por evidenciar la parte más humana de Jesús como una posibilidad de estar en sintonía con los hombres, la película fue considerada una blasfemia, un acto de corrupción hacia la imagen de Jesús y “ofensiva para los valores cristianos”. Durante su estreno, en agosto de 1988, se levantaron protestas de los fanáticos quienes pedían a los espectadores no mirar la película; por su parte, en Francia los disturbios comprendieron el incendio de un cine a causa de bombas molotov; y en Chile la película fue vetada por el Consejo de Calificación Cinematográfica, el Poder Judicial y estrenada 15 años después.

Scarface (1983)

Tony Montana y Manny Ray son dos exiliados cubanos quienes llegan a suelo americano durante el éxodo de Mariel en la década de 1980. Cansados de la pobreza y las malas condiciones de su país, quieren hacer vida y fortuna en Estados Unidos. Pronto son reclutados por el narcotraficante Frank López y comienzan su historial criminal. Tony, calculador y sanguinario, hace alarde de la violencia con el fin de acceder a lo más alto del poder en la organización. 



Scarface
, con Al Pacino como el antihéroe y víctima de las circunstancias y los propios grupos de poder, representa a las minorías (desde su condición de inmigrante) que se ven frenadas por quienes ostentan el poder económico, y Steven Bauer en los roles principales, es un remake de la cinta homónima dirigida por Howard Hawks en 1932. Bajo la dirección de Brian De Palma, la versión de 1983 fue escrita por Oliver Stone en Francia mientras estaba en tratamiento por su adicción a la cocaína. 
Por su alto contenido violento con argumento en verdaderos crímenes comunicados por la policía de Miami y la DEA a Stone, la película fue calificada en tres ocasiones como “X” (+18), hasta que en una reunión entre el director, el productor Martin Bregman y un grupo de expertos frente a los miembros de la junta, se demostró que Scarface era un crudo pero fiel retrato del bajo mundo de las drogas y por lo tanto merecía que un público mayor la viera; se calificó como “R”. 



Bajos Instintos
(1992) 



Un violento asesinato de connotaciones sexuales sirve como preámbulo para que Nick, el policía quien investiga el crimen, se adentre en un universo de seducción cuando sus investigaciones lo llevan a Catherine, escritora de una novela en la que narra un crimen similar al cometido. Ante esto, inmediatamente se vuelve sospechosa y todo se torna complicado en un ambiente de celos, sexo y violencia.

Masacre en Texas (1974)



Considerada como una de las mejores películas de terror de la historia por su aportación al género, The Texas Chain Saw Massacre fue una cinta independiente producida, escrita y dirigida por Tobe Hooper, filmada en su totalidad en Texas y con un reparto de actores oriundos del lugar sin mayor experiencia que en papeles pequeños.
La película cuenta la historia de dos hermanos y su grupo de amigos quienes viajan a Texas movidos por la intriga de la profanación de la tumba de un familiar. Cuando comprueban que la tumba está intacta deciden emprender el camino hacia una antigua casa propiedad de los hermanos, donde les espera una serie de sucesos desafortunados que terminan con la muerte de cada uno de los amigos a manos de una familia cuyo uno de los miembros es el temido asesino de la motosierra: Leatherface. 
La película está basada en los crímenes perpetuados por el asesino serial Ed Gein durante los años 50, quien con la piel de sus víctimas elaboraba máscaras y muebles.



A pesar del bajo presupuesto con el que fue filmada, las escenas de violencia y los efectos especiales hicieron de esta película un clásico de terror por la inclusión de un asesino con motosierra.

Perros de reserva (1992)

Seis criminales con nombres de colores son contratados para asaltar una tienda de diamantes. Ninguno se conoce entre sí y su identidad está protegida por un color distinto. Cuando pretenden dar el golpe, la policía los sorprende y sucede un tiroteo en el que caen algunos policías y un par de los delincuentes. Entre el grupo, sospechan que hay un infiltrado quien los delató. 



Esta película significó el estreno de Tarantino como director de un trabajo independiente y que daría muestra de su peculiar estilo en posteriores filmes: el uso explícito de la violencia y referencias multiculturales en sus personajes.

Terminator (1984)

Protagonizada por Arnold Schwarzeneger, Terminator es una película de ciencia ficción de 1984 considerada el primer trabajo significativo de James Cameron y el que le ayudaría a proyectar su carrera.
Terminator es un cyborg que volvió del futuro de 2029 al año en cuestión para perpetrar la muerte de Sarah Connor, madre de John Connor (quien en el futuro es el líder de la resistencia humana que lucha contra el imperio de las máquinas), quien a su vez está protegida por un soldado también proveniente del futuro.



Esta película resultó un éxito en taquilla y para las carreras del director y el propio Schwarzeneger; fue tal su trascendencia que tuvo tres secuelas: Terminator 2: el juicio final (1991), Terminator 3: la rebelión de las máquinas (2003) y Terminator Salvation (2009). Forma parte del Registro Nacional de Cine por ser una película significativa en la cultura y la historia.
James Cameron diría que fueron dos episodios de la serie de televisión de ciencia ficción The Outer Limits los que lo motivaron para realizar la película, esto una vez que se había determinado que el argumento de Terminator tenía fuertes coincidencias con los guiones que el escritor Harlan Ellison había hecho para la serie Dimensión desconocida. A raíz de esto comenzaría una disputa entre el director y el escritor que terminaría con el reconocimiento de Cameron a los aportes de Ellison y la aparición del nombre del escritor en los créditos de la película y futuras versiones.



Natural Born Killers (1994)

Dos víctimas de infancias trastornadas por la violencia se enamoran profundamente y se vuelven asesinos seriales, iniciando una ola de homicidios en formas cada vez más psicóticas, mismos que son glorificados por los medios masivos. 



Natural Born Killers
, dirigida por Oliver Stone y protagonizada por Woody Harrelson y Juliette Lewis, pretende hacer hincapié en la forma sensacionalista en que los crímenes son descritos por la prensa y la manera en que ésta y otros medios ensalzan a los asesinos. Fue criticada por su excesiva violencia gráfica y de contenidos.
La película fue inspirada en la historia de Charles Starkweather y Caril Ann Fugate, pareja que asesinó a 11 personas entre Nebraska y Wyoming a finales de la década de 1950.



Chucky: el muñeco diabólico (1991)



“Ocho años después del día en que creyó haber destruido al muñeco asesino, Andy Barclay cumple los dieciséis y entra a una academia militar. Mientras, el codicioso presidente de la empresa de juguetes Play Pals decide resucitar la popular línea de muñecos Good Guys. Cuando la cadena de montaje recrea el primer muñeco a partir de una masa de plástico derretido, el espíritu de Chucky regresa con renovadas intenciones de alcanzar su objetivo y vengarse de Andy”.

Ciudadano Kane (1941)



Primera película de Orson Wells, escrita, dirigida y protagonizada por él mismo. Charles Foster Kane es un magante multimillonario, dueño de una gran cadena de periódicos que, estando en agonía, pronuncia una misteriosa palabra antes de morir: Rosebud. La conmoción es mundial y varios periodistas se dan a la tarea de desentrañar el misterio a partir de entrevistas a amigos y familiares.

Fóllame (2000)

Dos mujeres con vidas dirigidas por el sexo y la violencia cruzan sus destinos después de que una asesinó a su hermano y la otra ve morir frente a sus ojos a uno de sus amigos.
Cuando ambas se encuentran en la estación del tren comparten su resentimiento después de que una de ellas fue brutalmente violada y la otra perdió sin remedio a su único amigo. Juntas comienzan un viaje en el que cazan hombres a quienes, después de sostener con ellos relaciones sexuales, los asesinan como una venganza por los actos cometidos en su contra.



Baise-moi es el título original de esta producción francesa del año 2000. Dirigida en colaboración entre Despentes y Trinh Thi, es una adaptación cinematográfica de la novela homónima de Virginie Despentes (1999).



Desde lo explícito del título, Fóllame o Viólame, la película causó controversia por el uso categórico de la violencia desprendida del sexo, tópico que se desgasta y del que, para algunos, se abusó con claras escenas como la del plano del pene erecto durante una violación. Esta línea temática originó que la película fuera censurada en varios países, entre ellos Irlanda, y prohibida su exhibición en algunas otras ciudades por considerarla pornográfica. En Francia desató la polémica entre grupos religiosos y de extrema derecha que pedían la clasificación X, aunque finalmente obtuvo +18. La crítica, por su parte, se vio dividida entre quienes consideraban a esta película “porno” y los que la identificaban “no erótica”.

Nosferatu (1922)



Película del expresionismo alemán, adaptación libre de la novela Dracula, de Bram Stoker. La trama de la película cuenta las desventuras que pasa Hutter cuando viaja a Transilvania a visitar al conde Orlock con el fin de venderle a éste una propiedad que colinda con su propio hogar. Una vez en el castillo del conde, Hutter comienza a notar el extraño comportamiento de éste y descubre unas marcas en su cuello.

Anticristo (2009)

Escrita y dirigida por el siempre controversial Lars Von Trier, la película cuenta la historia de una pareja que, después de la muerte de su hijo, decide mudarse a una cabaña en medio del bosque donde pasaron los últimos momentos con él.



Aunque la trama es simple, y hasta poco narrativa, se vuelve compleja de una manera en la que comienza un juego de violencia, sexualidad y género. Con conceptos como culpa, mujeres, sexo y dolor, la película esconde gran parte de la filosofía nietzscheana que se desdobla entre lo apolíneo y lo dionisiaco; la violencia, la debilidad y las dicotomías del humano.

El crimen de Cuenca (1979)



En 1910, en un pueblo de la provincia de Cuenca, el pastor José María Grimaldos “El Cepa” desapareció misteriosamente. Su familia denunció el hecho y pronto las investigaciones apuntaron a dos de los compañeros del desaparecido: León Sánchez Gascón y Gregorio Valero Contreras, señalados también por la madre de “El Cepa” por supuestamente molestar a éste. Se dijo, el móvil del caso fue el robo del importe de la venta de unas ovejas.
Tres años después, y tras la reapertura del caso, un nuevo juez ordenó la detención de los dos hombres; durante ésta se registró un abuso de poder de parte de la Guardia Civil hacia los sospechosos, que incluyó brutales interrogatorios, palizas, correctivos como uñas arrancadas o comida en mal estado. La tortura terminó con el reconocimiento de ambos hombres como los autores del crimen, y se les condena a 18 años de prisión, a pesar de nunca haberse hallado el cuerpo de la víctima.



15 años después de lo sucedido, “El Cepa” está por contraer matrimonio y necesita su fe de bautismo. Salen a la luz las inconsistencias en el caso y la inocencia de los hombres quienes pasaron más de una década en la cárcel.
En 1979, la directora Pilar Miró llevó al cine esta historia de tortura y abuso de poder, basada en el guión homónimo de Salvador Maldonado, quien trasladó los hechos a una novela publicada ese mismo año.
La película causó gran controversia por manifestarse en contra de los actos cometidos por la Guardia Civil contra dos hombres, cualquiera que haya sido su condición, además por el detalle con el que expone las torturas de las que fueron objeto. Estas evidencias en la película la sometieron a disposición militar y la misma Pilar Miró se vio envuelta en un proceso del mismo tipo.



A El crimen de Cuenca se le reconoce como la única película española prohibida durante la democracia; se estrenó finalmente en agosto de 1981.

Viridiana (1961)

La novicia Viridiana hace una visita de ocasión a su tío Don Jaime, quien ha pagado sus estudios. Cuando Don Jaime mira a la joven queda cautivo por la belleza y el parecido de ésta con su esposa fallecida, por lo que intenta sostener relaciones sexuales con la chica. Tras engañarla diciéndole que ha abusado de ella, Viridiana deja la mansión y el tío decide terminar con su vida. Atormentada por el suicidio de Don Jaime, Viridiana abandona los hábitos y regresa a la casa para practicar la obra cristiana. Todo cambia cuando a la mansión llega el hijo de Don Jaime, Jorge.



Desde el rodaje de la película, el director Luis Buñuel se vio en medio de la controversia por decidir realizarla en su totalidad en España, una acción que los exiliados españoles criticaron duramente con argumento de que el cineasta había claudicado ante el poder del régimen.



Esta primera oposición se secundó con el rechazo a la cinta por parte del Vaticano, calificándola como blasfema y contraria a la misión de la iglesia, ordenando su absoluta prohibición en España; y la censura franquista que insistió para que Buñuel cambiara el final de la película en el que Viridiana llamaba a la puerta de su primo, él abría y ella entraba cerrando la puerta detrás.

Irreversible (2002) 

Dirigida por el argentino Gaspar Noé y protagonizada por Mónica Bellucci, Vincent Cassel y Albert Dupontel, Irreversible está contada en trece escenas en reverso en las que Marcus y Pierre van en búsqueda de “El Tenia”, quien abusó sexualmente de Alexa, actual novia de Marcus y exnovia de Pierre. 



En una secuencia inversa, la cinta va en una frenética búsqueda del atacante de Alexa con escenas que cuentan cómo sucedieron los actos. Un asesinato y la violación de la chica hacen de esta película una de las más incómodas por lo explícito de las imágenes. 

El acorazado Potemkin (1925)

Esta película de tipo propagandística está basada en un hecho real ocurrido en 1905, cuando los tripulantes del acorazado Potemkin se revelan ante el trato injusto del que son objeto por parte de los oficiales al mando, lo que se traduce como el antecedente del movimiento revolucionario de Odesa y, más tarde, de toda Rusia.



A Serbian Film (2010)

La ópera prima de Srdjan Spasojevic cuenta la historia de Milos, un actor porno retirado quien vive a lado de su esposa e hijo. Las carencias económicas en la familia lo orillan a aceptar una propuesta para protagonizar una película pornográfica. A partir de este suceso, escenas de necrofilia, incesto y violación ensucian el recuerdo de Milos sobre lo que realmente sucedió.



Pederastia y muerte revelan la situación económica, política y social que se vive en Serbia, y es, según declaraciones de los escritores de la cinta, una parodia de las películas comerciales y políticamente correctas producidas en el país.

Crash (1996)

Escrita y dirigida por David Cronenberg, a Crash se le considera un thriller psicológico aderezado con accidentes de auto. La cinta está basada en la novela homónima (1973) de J.G. Ballard y cuenta la historia del matrimonio entre James y Catherine, su relación poco convencional de infidelidades compartidas y sus consecuentes relaciones sexuales con otros personajes, con quienes encuentran un fetiche por los accidentes automovilísticos.



Relaciones homosexuales, parafilias y excitación sexual a partir de recrear escenas de accidentes, simular heridos y experimentar el momento de un choque construyen el argumento de esta película nominada a la Palma de Oro del Festival de Cine de Cannes.

Zoolander (2001)



Derek Zoolander ha sido el modelo masculino más cotizado en los últimos años. Cuando pierde el título desbancado por un hombre llamado Hansel, un famoso diseñador le ofrece una nueva misión: matar al Primer Ministro de Malasia.



La película, además de congregar a diversas celebridades, describe a Malasia como un estado corrupto que proporciona mano de obra infantil a las grandes firmas de moda occidentales. Por la dura crítica hacia este país, la película está prohibida para su exhibición en Malasia.