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Los 20 mejores directores de cine de la historia










Que tal amigos de Taringa, en este post les traigo una lista sobre cuales son, o cuales
fueron, los mejores directores de cine de todos los tiempos. Al igual que recomendaciones
de sus respectivas mejores películas.
Espero que lo disfruten.

-Lista de 20 a 1-



20. Stanley Kubrick (1928-1999)




El director, guionista y productor Stanley Kubrick nació el 26 de julio de 1928 en Nueva York (Estados Unidos), hijo de Gertrude Perveler y del médico Jacques L. Kubrick. Mal estudiante en su niñez, sus padres intentaron incentivarlo mandándolo a California para residir en Pasadena junto a su tío materno, Martin Perverler, personaje importante en su posterior carrera cinematográfica ya que le ayudó a financiar sus primeros proyectos fílmicos.

Kubrick debutó como director cinematográfico con una serie de documentales rodados a comienzos de los años 50, los cortos “Day of The Fight” (1951), “Flying Padre” (1951) y “The Seafarers” (1953). Unos años antes, en 1947, se había casado con Toba Metz, dialoguista de la que se divorció en 1952.




-Películas-


El Resplandor (1980)



La naranja mecánica (1971)



2001: Una odisea del espacio (1968)



La chaqueta metálica (1987)







19. David Lynch (1946- )



Su infancia transcurrió en distintas ciudades por que su padre trabajaba para el servicio forestal y debía trasladarse continuamente por parques nacionales y reservas forestales.

Artista múltiple, su búsqueda de imágenes bizarras que conecten con lo más profundo del subconsciente lo ha llevado a desarrollar proyectos en distintas áreas del arte, como la pintura, la fotografía, el comic, el diseño, la composición musical, la actuación, la escritura y la dirección cinematográfica. En el año 1964 inició estudios de Arte en Boston y un año más tarde se trasladó a Europa. Tuvo un gran interés inicial por la pintura, aunque pronto escuchó la llamada del cine.

David Lynch logró popularidad gracias a la serie de televisión "Twin Peaks". Fue galardonado con la Palma de Oro de Cannes por Corazón Salvaje en 1990. Fue presidente del jurado del festival en 2002.


-Películas-


El hombre elefante (1980)



Corazón salvaje (1990)



The Straight Story (Una historia verdadera) (1999)







18. Víctor Erice (1940- )



Director de cine español. Licenciado en Ciencias Políticas por la Universidad de Madrid, ingresó en el Instituto de Investigaciones y Experiencias Cinematográficas, donde en 1963 se diplomó en dirección con un cortometraje.

En 1969 debutó como realizador con un fallido filme de tres episodios (los otros dos dirigidos por Claudio Guerín y José Luis Egea), producido por Elías Querejeta, quien financió así mismo sus dos siguientes películas.

Separadas por un período de diez años, la primera, El espíritu de la colmena (1973), alcanzó una gran repercusión, convirtiéndolo en uno de los directores más sugerentes de la nueva cinematografía española y en uno de los más importantes de toda su historia. La segunda, El sur (1983), basada en un relato de Adelaida García Morales, superó todas las expectativas y se erigió en una nueva obra maestra.

Tras otro prolongado período de inactividad, a partir de lo que sería un episodio de una serie de televisión, en 1992 rodó El sol del membrillo, un largometraje experimental sobre el pintor Antonio López, que fue premiado en el Festival de Cannes.




-Películas-

El espíritu de la colmena (1973)



El sur (1983)



Ten Minutes Older: The Trumpet (2002)







17. Charles Chaplin (1889-1977)



El cómico más popular del cine y uno de los artistas más geniales e importantes de toda la historia del séptimo arte, creador de un personaje mítico, Charlot, en el que confluyen agridulces sentimientos derivados de una mirada social crítica y poética.

Charles Spencer Chaplin nació el 16 de abril de 1889 en Lambeth, Londres (Inglaterra). Sus padres se dedicaban al music-hall pero tristemente para el pequeño Charlie tuvieron un trágico destino: su padre Charles murió debido al ingente consumo de bebidas alcohólicas y su madre Hannah tuvo que ser internada en un sanatorio psiquiátrico.

Charlie debutó con cinco años en las actuaciones de sus progenitores y estuvo durante largo tiempo girando por Gran Bretaña con su espectáculo.



En 1914 debutó en el cine. Durante sus primeros años en Hollywood, Chaplin intervino en muchos cortos en los que manifestaba la influencia de uno de sus ídolos y principal referente humorístico, Max Linder.


-Películas-

Charlot, vagabundo (1915)



Charlot, prestamista (1916)



Vida de perro (1918)



El gran dictador (1940)







16. Kenji Mizoguchi (1898-1956)



Al principio de su carrera, es un director rápido, dirige a veces adaptaciones de Eugene O'Neill, León Tolstói o versiones de películas expresionistas alemanas. De ese modo rueda más de 70 películas entre los años 20 y los 30, la mayor parte de los cuales se perdió tras la Segunda Guerra Mundial. Su filmografía de este período está marcada por su compromiso contra el totalitarismo al que se encamina el Japón y su interés por la problemática de las prostitutas, siempre presentes en sus películas. Funda la productora Daiichi Eida para poder mantener su independencia, pero la productora quebrará casi enseguida.

Según el propio Mizoguchi, su primera película seria fue Las hermanas de Gion en 1936, con la que alcanzará un importante éxito de público.

Se orienta a partir de ese momento hacia un neorrealismo que le sirve para analizar la transición del Japón desde el feudalismo hacia la época moderna. Consigue el Premio del Ministerio de Cultura con La historia del último crisantemo, en donde analiza el papel infravalorado de las mujeres en la sociedad japonesa. Desarrolla su famosa teoría "una escena/un plano". Le ayuda su muy competente ayudante Hiroshi Mizutani que le anima a utilizar cámaras con gran angular.

Durante la guerra dirigirá películas de propaganda para la productora más importante de Japón, Shochiku. Se puede destacar La canción de la victoria, la más famosa Los leales 47 Ronins y La espada Bijomaru que le librará de ir a la cárcel.




-Películas-

Las amapolas (1935)



Cuentos de la luna pálida de agosto (1953)



La calle de la vergüenza (1956)







15. Serguéi Mijáilovich Eizenshtéin (1898-1948)



Eisenstein fue un pionero del uso del montaje en el cine. Para Eisenstein, la edición no era un simple método utilizado para enlazar escenas, sino un medio capaz de manipular las emociones de su audiencia. Después de una larga investigación en el tema, Eisenstein desarrolló su propia teoría del «montaje». Sus publicaciones al respecto serían luego de gran influencia para varios directores de Hollywood.

Eisenstein, con frecuencia, no utilizaba actores profesionales para sus películas. Sus narrativas evitaban el individualismo y, en cambio, iban dirigidas a cuestiones más amplias de la sociedad, especialmente a conflictos de clases. Sus actores eran por lo usual personas sin entrenamiento en el campo dramático, tomadas de ámbitos sociales adecuados para cada papel.

Sus ensayos literarios cinematográficos y sus dotes como orador, teniendo en cuenta que hablaba además alemán, inglés y francés, hizo que ejerciera una gran influencia sobre la teoría cinematográfica en la época.




-Películas-

Octubre (1928)



¡Que viva México! (1932)



Iván el Terrible. Parte I (1944)







14. Orson Welles (1915-1985)



Director, productor, guionista y actor de cine estadounidense. Hijo de un hombre de negocios y de una pianista, Welles fue un niño prodigio que a los dieciséis años comenzó su carrera teatral en el Gate Theatre de Dublín y cinco después (1936) debutó como actor y director en Nueva York. Durante su etapa teatral alcanzó notoriedad gracias a diversos montajes shakespearianos, como el de Macbeth, obra íntegramente representada por actores negros, o Julio César, todos ellos producidos por la Mercury Theatre, compañía fundada por el propio Welles y su socio John Houseman en 1937.

Su versión radiofónica del original literario de H. G. Wells La guerra de los mundos (1938) fue hasta tal punto realista que sembró el pánico entre miles de oyentes, convencidos de que realmente se estaba produciendo una invasión de extraterrestres. Avalado por este éxito, firmó con la productora RKO un contrato que le otorgaba total libertad creativa, circunstancia que aprovechó hasta el límite en su primer filme, Ciudadano Kane (1941).




-Películas-

Ciudadano Kane (1941)



El cuarto mandamiento (1942)



Macbeth (1948)



David y Goliat (1960)







13. Béla Tarr (1955- )



En sus comienzos, el cine de Béla Tarr, un especialista en construir atmósferas oníricas de extensa duración, se inscribía en el género conocido como ficción documental. Este género incluía el uso de actores no profesionales, diálogos improvisados y el uso de la cámara en mano para retratar una realidad descarnada, claustrofóbica, en un contexto sociohistórico caracterizado por el denominado socialismo real.

La preocupación inicial de Béla Tarr por los pro- blemas de las vinculaciones humanas en espacios reducidos, que ya aparecía en su primer largometraje de ficción documental Nido de familia, 1977, se ha ampliado, en la actualidad, hasta adquirir un carácter más general sobre la ontología del poder y la decadencia de las relaciones comunitarias a escala global, tal cuál se evidencia en su último largometraje conocido hasta la fecha, El hombre de Londres, 2007, pero que ya establecía sus pilares fundamentales en 1987 con La condena.



Heredero de los grandes maestros de la cinematografía mundial, con nombres que van desde Antonioni, Bresson, Mizoguchi y Ozu, hasta Angelopoulos pasando por Tarkovskii y Jancsó, Béla Tarr se erige en la actualidad, junto a unos pocos cineastas más, como un artista superlativo dentro de un panorama global donde prevalece la frivolidad y la pobreza creativa. Vale la pena entonces conocerlo y comenzar a analizar su obra como corresponde.


-Películas-

Sátántangó (1994)



Armonías de Werckmeister (2000)



El caballo de Turín (2011)







12. Terrence Malick (1943- )



Director, guionista y productor estadounidense, Terrence Malick nació en Ottawa, estado de Illinois, pero creció en Oklahoma y Texas. Acudió al colegio en Waco y en Austin ingresó en el instituto, pasando algunos veranos trabajando en una granja.

Después de concluir su educación secundaria, Marrick estudió Filosofía en Harvard y preparó una tesis sobre Heidegger en el Magdalene College de Oxford que finalmente no terminaría.

Antes de dedicarse a la industria cinematográfica ejerció como traductor, periodista, llegando a escribir como freelance para la revista “Life”, y profesor de filosofía en la MIT (Instituto de Tecnología de Massachusetts).


-Películas-

Malas tierras (1973)



Días del cielo (1978)



La delgada línea roja (1998)







11. John Ford (1894-1973)



irector de cine estadounidense. Miembro de una familia de emigrantes irlandeses, era el menor de trece hermanos. Su hermano Francis Ford, actor y director, fue quien le introdujo en el mundillo del cine, en el que recorrió todo el escalafón antes de trabajar como ayudante de David W. Griffith y Allan Dwan.

En 1917 sustituyó a su hermano en la dirección de un western de corta duración. Ésta fue la primera de las ciento cincuenta películas que habría de dirigir, más de setenta de las cuales pertenecen al período del cine mudo. Sus trabajos más importantes de esta etapa fueron para la Universal: Straight Shooting, Marked Men o Caminos de desesperación.

A mediados de los años veinte inició su colaboración en exclusiva con el productor William Fox, resultado de la cual fueron títulos como El caballo de hierro (1924), que lo consagró como uno de los grandes directores estadounidenses, Tres hombres malos o El legado trágico, la primera de sus películas dedicadas a temas irlandeses, que obtuvo un gran éxito.




-Películas-

La diligencia (1939)



El hombre tranquilo (1952)



El hombre que mató a Liberty Valance (1962)








10. Fritz Lang (1890- 1976)



Nació el 5 de diciembre de 1890 en Viena (Austria), en el seno de una familia perteneciente a la vieja burguesía. Hijo del católico Anton Lang, arquitecto, y de la judía Paula Schlesinger.

Cursó estudios de Arquitectura por orden de su padre, pero se sintió atraído por la pintura. Tras una fuga que, según él, le llevó hasta el Extremo Oriente, regresó a Europa. En 1909 tuvo los primeros contactos con el cine en la ciudad de Brujas. Pasado algún tiempo se instaló en París, de donde tuvo que marchar a causa de la guerra (1914). Herido en el frente italiano, acabó la guerra en un hospital vienés escribiendo sus primeros guiones para Joe May y Otto Rippert.

Con la película "Halbblut", rodada en cinco días, hizo su debut como director en 1919, y tuvo su primer éxito en 1921 con la cinta marcada por el expresionismo "Der muede Tod" ("Las tres luces", con Lil Dagover.


-Películas-

Las tres luces (1921)



Metrópolis (1927)



La mujer del cuadro (1944)



Los sobornados (1953)







9. Friedrich Wilhelm Murnau (1888-1931)



El gran público le conoce sobre todo por un único título, Nosferatu (1922), libre adaptación de la novela de Bram Stoker Drácula. La filmografía de Friedrich Murnau cuenta, sin embargo, con otras obras tanto o más estimables: El último (1924), Tartufo o el hipócrita (1926), Fausto (1926), Amanecer (1927) y Tabú (1931), estas dos últimas rodadas en Estados Unidos. Iniciado en los secretos de la puesta en escena al lado de Max Reinhardt, la concepción cinematográfica de Murnau se vio influida desde sus primeros trabajos como director (Der Knabe in blau, 1919) por la pintura alemana del siglo XIX, cuyos paisajes y atmósferas supo trasladar a sus imágenes. Por este motivo, más que en la corriente expresionista cabe situar a Murnau como un continuador de la estética romántica. Así, sus películas, tanto las de tema fantástico como aquellas más realistas, se caracterizan por la belleza y el refinamiento de la puesta en escena, por una gran sensibilidad expresiva y por su especial sentimiento de lo trágico. Falleció en un accidente de automóvil.




-Películas-

Nosferatu (1922)



El último (1924)



Amanecer (1927)







8. Max Ophüls (1902-1957)



Tras abandonar la carrera de periodismo, Ophuls comenzó su trayectoria en el mundo del espectáculo en los años 20 como actor y director teatral.
En la siguiente décadas se inició en el cine como asistente del director Anatole Litvak (“Anastasia”). Su primera película como director fue el corto cómico “Dann Schon Lieber Lebertran” (1931), continuado por el musical “Die Verkaufte Braut” (1932) y el melodrama “Amoríos” (1932).

Con el ascenso de los nazis al poder en Alemania, Ophuls, que era de origen judío, se marchó a París, residiendo en la capital francesa desde 1933 y rodando varias películas en distintos países europeos. “La Mujer De Todos” (1934), con Isa Miranda, es el título más famoso de este período en el que también estrenó films como “Yoshiwara” (1937) o “Suprema Decisión” (1939).

Cuando el ejército alemán ocupó la ciudad de París, Max emigró a Suiza antes de trasladarse a los Estados Unidos, país en el que permaneció durante largos años sin encontrar trabajo hasta la mediación de Preston Sturges, admirador de su película “Amoríos”.

Su carrera a partir de aquí, no valorada en su justa medida en su época, le convirtió como uno de los directores más exquisitos de la historia del cine gracias a su excelencia en la ambientación, sus elegantes movimientos de cámara, el gusto por el detalle y unas fascinantes historias con, generalmente, protagonismo central femenino.




-Películas-


Carta de una desconocida (1948)



El placer (1952)



Lola Montes (1955)







7. Alfred Hitchcock (1899-1980)



Figura indiscutible del cine de misterio y de intriga, la capacidad del cineasta Alfred Hitchcock para aplicar recursos narrativos innovadores al servicio del suspense tuvo una importancia fundamental para el desarrollo del lenguaje cinematográfico moderno. Con un dominio excepcional de las técnicas cinematográficas, produjo películas que mantienen al espectador en un constante estado de tensión hasta el final de la proyección y que lo llevan a vivir apasionadamente lo relatado en la pantalla.

La figura de su padre intervino de una forma muy especial en la formación del carácter y la personalidad del muchacho. Cuando tenía cuatro o cinco años, su padre lo mandó a la comisaría de policía con una carta. El comisario la leyó y lo encerró en una celda durante algunos minutos diciéndole: "Esto es lo que se hace con los niños malos." Nunca comprendió la razón de esta broma siniestra, porque su padre lo llamó su "ovejita sin mancha", y vivió una infancia disciplinada, aunque algo excéntrica y solitaria, escudriñando siempre desde su rincón, con los ojos muy abiertos, todo lo que pasaba a su alrededor

Hitchcock, que desde los dieciséis años leía con avidez revistas de cine, no se perdía las películas de Chaplin, Buster Keaton, Douglas Fairbanks y Mary Pickford. Pudo admirar, cuando las películas mudas constituían una auténtica revelación de las ilimitadas posibilidades del cine, El nacimiento de una nación (1915) e Intolerancia (1916), apabullante éxito y estrepitoso fracaso, respectivamente, del gran Griffith. Años después le impresionó vivamente un film de Fritz Lang, Der müde Tod (Las tres luces, 1921), historia fantástica que desarrolla el tema romántico de la lucha entre el amor y la muerte mediante tres episodios que suceden en China, Bagdad y Venecia, y que decidió también la vocación cinematográfica del español Luis Buñuel. Al mismo tiempo mantenía su afición por la lectura. «Es muy probable que fuera por la impresión que me causaron las historias de Poe por lo que me dediqué a rodar películas de suspense. No quiero parecer inmodesto, pero no puedo evitar comparar lo que he intentado poner en mis filmes con lo que Poe puso en sus narraciones», diría años más tarde.




-Películas-

Crimen perfecto (1954)



El hombre que sabía demasiado (1956)



Psicosis (1960)







6. Akira Kurosawa (1910-1998)



En 1950 obtuvo el León de Oro de la Mostra de Venecia y el Oscar a la mejor película extranjera con su filme Rashomon, una refinada versión de un relato tradicional japonés que le situó en el mapa cinematográfico internacional. En 1954 repitió máximo galardón en el certamen veneciano con Los siete samurais, filme objeto de un célebre remake con el título de Los siete magníficos. En 1965, Barbarroja sufrió un rechazo de crítica y público que se repitió en su siguiente obra, Dodes Ka-den, circunstancia que le empujó a un intento de suicidio en 1971.

Agotado su crédito en su país natal, en 1975 logró que las autoridades soviéticas financiaran la película Dersu Uzala, rotundo triunfo que le permitió obtener su segundo Oscar y financiar Ran (1985), una espectacular adaptación de El rey Lear, de William Shakespeare, en el marco del Japón medieval que se convirtió en uno de sus títulos más conocidos.


-Películas-


Rashomon (1950)



Vivir (Ikiru) (1952)



Sanjuro (1962)



Kagemusha: la sombra del guerrero (1980)







5. Luis Buñuel (1900-1983)



Entre los primeros recuerdos de Luis Buñuel está la escena, verdaderamente feudal, de grupos de pordioseros que acudían a la puerta de su hogar a mendigar un panecillo y una moneda de diez céntimos. Los que lo conocieron en su infancia cuentan de él numerosas travesuras, como una escapada con otros muchachos que duró más de veinticuatro horas y cuyo itinerario pasaba por los nichos del cementerio y concluía en una sórdida y oscura cueva. Allá estallaron los lamentos y las lágrimas, de modo que para tranquilizar a sus compañeros Luis se ofreció en sacrificio para ser comido. Felizmente ello no fue necesario y pudo regresar sin mayores contratiempos a su casa, donde no obstante seguiría practicando juegos peregrinos, tales como decir solemnes misas ante la arrobada concurrencia de pequeños feligreses.

Contagiado del ambiente familiar, Luis Buñuel confesó haber sido de niño muy religioso y creyente, pero hacia los catorce o quince años cayeron en sus manos libros de Spencer, Kropotkin, Nietzsche y Darwin, especialmente El origen de las especies, y comenzó a perder la fe. Con el tiempo, el hombre que declaró "soy ateo, gracias a Dios" llegaría a ser el emblema viviente de un arte blasfemo e iconoclasta, se acercaría al ideario anarquista, ingresaría en el grupo parisino de jóvenes revolucionarios que abanderaban la estética del surrealismo y trabajaría al servicio de la República montando documentales durante la guerra civil española.



Por último se decidió por la carrera de Filosofía y Letras, que pudo terminar en 1923, el mismo año en que falleció su padre, y dos años después se trasladó a París. En 1926 le impresionó vivamente una película de Fritz Lang, Der müde Tod (Las tres luces), y decidió dedicarse al cine, para lo cual se ofreció como ayudante de Jean Epstein, con quien colaboró en el rodaje de Les aventures de Robert Macaire, Mauprant y La Chute de la Maison Usher, aunque en este último filme no llegó al final.


-Películas-


Los olvidados (1950)



Él (1952)



Tristana (1970)







4. Ingmar Bergman (1918-2007)



El cine de Bergman recoge la influencia formal del expresionismo y de la tradición sueca, en especial la de Victor Sjöström, y destaca por su gran sentido plástico, casi pictórico, y el aprovechamiento de las posibilidades del blanco y negro. Sus filmes giran en torno de una serie de constantes temáticas, en especial la muerte y el amor, marcadas por las preocupaciones existencialistas y religiosas del autor, y abordadas con un tono metafísico y una densidad de diálogos motivada por sus inicios en el teatro.

En el amplio conjunto de su obra ha escrito, producido y dirigido películas que abarcan desde la comedia ligera al drama psicológico o filosófico más profundo. En sus comedias, el contenido sexual está en mayor o menor medida presente, si bien tratado con extremo lirismo. Película emblemática dentro de su filmografía por su gran repercusión entre el público y la crítica, El séptimo sello (1956) constituye una lúgubre alegoría que indaga en la relación del hombre con Dios y la muerte, para la cual empleó recursos narrativos basados en la iconografía cristiana, aunque incorporando audacias personales de gran eficacia. Su virtuosismo técnico se hace evidente en Fresas salvajes (1957), recreación de su propia infancia para la que utilizó una estructura de narraciones superpuestas.

La posición de Bergman como director se consolidó plenamente a lo largo de la década de 1960. La obra más representativa de esta etapa es quizá Persona (1966), donde destacan las simetrías compositivas, los primerísimos planos y el empleo evocador del sonido y la música. Bergman continúa explorando en esta película el alma humana, su incapacidad para la comunicación, para sentir y recibir amor. Los setenta son ya años de pleno reconocimiento internacional para el director, en que los éxitos y los premios se suceden: Cannes, Hollywood, Venecia, Berlín... Su dedicación al cine no le impidió, sin embargo, continuar trabajando para el teatro y la televisión.




-Películas-


Persona (1966)



Los comulgantes (Nattvardsgästerna) (1963)



Fresas salvajes (Smultronstället) (1957)







3. Yasujirō Ozu (1903-1963)



Durante la Segunda Guerra Mundial, estuvo destinado en China. Cuando terminó la contienda se encontraba en Singapur, donde fue hecho prisionero. En 1947 volvió a la actividad con su guionista Kogo Noda; otros colaboradores regulares fueron el cámara Yuharu Atsuta y los actores Chishu Ryu y Setsuko Hara.

Como director era reconcentrado y perfeccionista. Era visto como uno de los directores "más japoneses" y, como tal, su trabajo era raramente mostrado en el extranjero antes de la década de los sesenta. No empleó el sonido hasta 1935 ("¿para qué buscar el ruido cuando reina el silencio?", decía, según recuerda A. Santos. Su plano característico era el tomado desde solamente unos 90 centímetros sobre el suelo, esto es, el punto de vista de un adulto sentado sobre un tatami. También fue un firme defensor de la cámara estática y las composiciones meticulosas donde ningún actor dominase la escena.

Rodó un total de 53 películas, 26 de ellas en sus primeros cinco años como director. Y todas menos tres con los estudios Sochiku. Murió de cáncer en su sexagésimo cumpleaños, cuando se encontraba en el punto culminante de su fama. Fue enterrado en el cementerio de Engaku-ji, templo de la comunidad donde pasó sus últimos años, Kita Kamakura.


-Películas-


El hijo único (1936)



Había un padre (1942)



Cuentos de Tokio (1953)



Buenos días (1959)








2. Carl Theodor Dreyer (1889-1968)



Carl Theodor Dreyer, 1889-1968, director de cine, fue un personaje único en la cinematografía danesa. Contrario a las concesiones y perfeccionista en extremo, fue considerado como uno de los principales creadores del arte cinematográfico. Debutó como director de largometrajes para Nordisk Films Kompagni, en 1919, con la dramática saga familiar El Presidente (Præsidenten), a la que siguió Páginas del libro de Satán (Blade af Satans Bog, 1921). Esta película resultó demasiado sombría para Nordisk Film, por lo que Dreyer tuvo que realizar sus siguientes cinco películas con la ayuda de otras productoras, suecas, alemanas y danesas.

El amo de la casa (Du skal ære din Hustru), de 1925, le supuso ser contratado por una productora francesa, con la que rodó su célebre La pasión de Juana de Arco (La passion de Jeanne d´Arc, 1928), una de las obras más completas del cine mudo. Esta película contribuyó a la consolidación internacional de Dreyer, pero su productora tuvo problemas económicos, con lo que, sólo gracias a un mecenas, Dreyer pudo realizar su siguiente película, Vampiro (Vampyr, 1932). En 1934, Dreyer regresó a Dinamarca, donde lo esperaba un período marcado por las dificultades y los proyectos fallidos. Finalmente, en 1943, logró realizar su siguiente largometraje, Dies Irae (Vredens Dag), una historia de amor trágico que transcurre durante el período de la caza de brujas del siglo XVII. Durante los años que siguieron a la Segunda Guerra Mundial, Dreyer contribuyó a la producción danesa oficial de cortometrajes con una serie de películas, entre ellas, Llegaron al ferry (De naaede Færgen, 1948), aunque volvería a pasar mucho tiempo antes de realizar su siguiente largometraje, La palabra (Ordet, 1955), adaptación magistral de una obra de teatro de Kaj Munk que consolidó aún más, si cabe, su reputación internacional. Su última película, Gertrud (1964), que fue muy discutida tras su estreno, ha sido considerada posteriormente como una de las obras maestras del cine moderno.


-Películas-

Juana de Arco (1928)



Vampiro (1932)



La palabra (1955)







1. Andréi Tarkovski (1932-1986)





Andréi Tarkovski estudió en la Escuela Soviética de Cine (VGIK), donde tuvo como tutor al cineasta de origen judío Mijail Romm. Obtuvo tempranamente el reconocimiento internacional y el León de Oro del Festival de Venecia con su primer largometraje, La infancia de Iván (1962), película que se ajustaba a la línea oficial soviética. Éste no fue el caso de su siguiente filme, Andrei Rublev (1966), un retrato realista de un monje del siglo XV que mereció un premio en el Festival de Cannes y fue prohibido en Rusia hasta 1971.

Su película Solaris (1972), que ganó el Premio del Jurado en Cannes, suscitó de nuevo el rechazo oficial, que la consideró demasiado arcana para la comprensión del "espectador medio". Libremente basada en la novela homónima (1961) del escritor polaco Stanislaw Lem, Solaris es una densa historia de ciencia ficción que tiene en realidad mucho más de parábola moral que de aventura cósmica.

Andréi Tarkovski llegó a ser ampliamente conocido en el extranjero como el realizador soviético menos ortodoxo, pero sus películas apenas si alcanzaban una distribución mínima en su país. El director ruso, que se había exiliado en 1984, hizo su última película con dinero francés y sueco; ganó el Gran Premio Especial del Jurado en Cannes, el Premio Internacional de la Crítica y el Premio Ecuménico, y falleció poco después de recibir estos galardones. Otras películas suyas son Katok i spripka (1960), El espejo (1975) y Nostalgia (1983).




-Películas-

Solaris (1972)



Stalker (1979)



Nostalgia (1983)



Sacrificio (1986)









Y con eso he acabado; Espero y les haya gustado, y les recomiendo investigar
más sobre las películas de estos directores, valen la pena verlas.

Gracias por pasar, si les gustó pasen por mis otros post. c:


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