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150 Mejores Películas Parte 15

Versión personal de lo que considero las 150 Mejores Películas de todos los tiempos independientemente de las nominaciones, premios y taquilla que hayan obtenido.

Incluso algunas veces considero la saga completa.

Los comentarios son Copy-Past de Wikipedia, Filmaffinity, Scalisto y Youtube.

Algunos links tienen la película completa.

1. El Ciudadano Kane (Citizen Kane –Estados Unidos- Orson Welles-1941)

Un importante magnate estadounidense, Charles Foster Kane, dueño de una importante cadena de periódicos, de una red de emisoras, de dos sindicatos y de una inimaginable colección de obras de arte, muere en Xanadú, su fabuloso castillo de estilo oriental. La última palabra que pronuncia antes de expirar, “Rosebud”, cuyo significado es un enigma, despierta una enorme curiosidad tanto en la prensa como entre la población. Así las cosas, un grupo de periodistas emprende una investigación para desentrañar el misterio. (FILMAFFINITY)

Está considerada como una de las obras maestras de la historia del cine, siendo particularmente alabada por su innovación en la música, la fotografía y la estructura narrativa. Fue estrenada por RKO Pictures.

La historia examina la vida y el legado de Charles Foster Kane, un personaje interpretado por Welles y basado en el magnate de la prensa William Randolph Hearst, así como en el propio Orson Welles. Durante su estreno, Hearst prohibió mencionar la película en sus periódicos. La carrera de Kane en la industria editorial nace del idealismo y del servicio social, pero evoluciona gradualmente en una implacable búsqueda de poder. Narrada principalmente a través de flashbacks, la historia se cuenta a través de la investigación de un periodista que quiere conocer el significado de la última palabra que dijo el magnate antes de morir: Rosebud.

Tras el éxito de Welles en el teatro con la compañía Mercury Theatre y su controvertida emisión radiofónica de La guerra de los mundos en 1938, Hollywood acudió a él. Firmó un contrato con RKO Pictures en 1939. Le dieron libertad para desarrollar su propia historia y usar su propio reparto y equipo de rodaje, algo poco frecuente para un director novel. Después de dos intentos frustrados de concretar un proyecto, desarrolló el guion de Citizen Kane con Herman Mankiewicz.

Un éxito entre la crítica, Citizen Kane fracasó en recuperar su coste en la taquilla. La película cayó en el olvido poco después, pero su reputación mejoró, primero, con la crítica francesa y, sobre todo, después de su reestreno estadounidense en 1956. Hay un cierto consenso entre la crítica de que Citizen Kane es la mejor película que se ha rodado, lo que ha llevado a Roger Ebert a decir: «Está decidido: Citizen Kane es, oficialmente, la mejor película de la historia». Encabezó la lista AFI's 100 Years... 100 Movies, elaborada en 1998, y su actualización del año 2007 con motivo del décimo aniversario. También lideró todas las votaciones de la revista Sight & Sound de las diez mejores películas durante casi medio siglo. (Wikipedia)

Reparto

Orson Welles, Joseph Cotten, Everett Sloane, George Coulouris, Dorothy Comingore, Ray Collins, Agnes Moorehead, Paul Stewart, Ruth Warrick, Erskine Sanford, William Alland, Alan Ladd



2. El Acorazado Potemkim (Bronenosets Potyomkin –URSS- Sergei M. Eisenstein-1925)

Basada en hechos reales ocurridos en 1905, narra como la tripulación del acorazado Príncipe Potemkin de Táurida se cansan del tratamiento vejatorio e injusto de los oficiales. El detonante de la situación es la carne podrida que éstos quieren que los marineros se coman. Con este motín comienza el reguero revolucionario por Odesa y toda Rusia. (FILMAFFINITY)

El filme es de dominio público en algunas partes del mundo y se la considera como una de las mejores películas de la historia del cine.

En 1925 se le encargó al director Eisenstein el llevar a cabo esta obra para conmemorar el vigésimo aniversario de la revolución social de 1905 por la Revolución bolchevique.

El acorazado Potemkin significa un nuevo aporte a la narración cinematográfica en términos de lenguaje visual. Tras la genialidad de Griffith en el trabajo de escala de planos, Eisenstein observa otra función que puede realizar la cámara al inclinarla, lo que da como resultado un énfasis o una sensación distinta en lo que se relata.

Por otro lado, se trata de una película que refleja el espíritu de la época en que es realizada, y en la que todo elemento es utilizado como propaganda para la legitimación ideológica del régimen comunista, exaltando al hombre común, sobre todo al oprimido que decide romper sus cadenas.

Una de las escenas más famosas en la historia del cine pertenece a esta película. Se trata de la escena de la escalera de Odesa, cuando los soldados disparan contra el pueblo inocente y los cosacos cargan a sablazos para acabar con el apoyo a los rebeldes. En ese momento, una madre es alcanzada por una bala mientras corre con un coche de bebé, que rodará escaleras abajo al morir la madre. Otra mujer lleva en brazos a su hijo muerto por los disparos y se enfrenta a los soldados.

El acorazado Potemkin es una película basada en hechos reales, acaecidos en el puerto de Odesa (Imperio ruso) durante la semana del 26 de junio de 1905. Los marineros del acorazado Potemkin, hartos de malos tratos y de verse obligados a comer alimentos en mal estado, deciden sublevarse. Con muchas imágenes expresivas en forma de álbum fotográfico, El acorazado Potemkin representa la magnificación de la figura de las masas y las causas colectivas.

Estrenada en 1925, la primera década después de la Revolución rusa, constituye un rescate de la importancia del Potemkin en el proceso de la revolución fallida de 1905, antecedente de la rebelión de octubre de 1917.

Este film está compuesto de cinco episodios:

Hombres y gusanos (Люди и черви)
Drama en el Golfo Tendra (Драма на Тендре)
El muerto clama (Мёртвый взывает)
La escalera de Odesa (Одесская лестница)
Encuentro con la escuadra (Встреча с эскадрой).

El propio Eisenstein lo explica en el texto sobre la «Unidad orgánica y patetismo (pathos) en El acorazado Potemkin», incluido en el libro de Georges Sadoul sobre este film: La película está trabajada como un todo orgánico en el que cada uno de sus elementos funciona en pos de una composición que mantiene en su núcleo lo particular en función del todo. Cada una de las partes en que se puede dividir la cinta, es funcional en un nivel superior de lectura, es decir, en la generalidad. Por otra parte el patetismo (pathos), mientras que la sucesión y cambio constante en las cualidades de la acción generan en el espectador una emoción que lo lleva a realizar mediante un proceso psicológico, una reflexión intelectual de acuerdo al tema propuesto.

Después de su estreno en la Unión Soviética, la película fue exhibida en los Estados Unidos. Se exhibió en Alemania una versión con ediciones en las escenas extremadamente violentas. Una introducción de León Trotsky fue omitida en las versiones soviéticas, por el enfrentamiento de éste con Stalin. La película fue prohibida en Alemania (durante el régimen nazi), Gran Bretaña, España (aunque se levantó la prohibición durante la Segunda República), Francia y otros países por su contenido revolucionario. También fue prohibida en territorio soviético durante un corto período, cuando el Comintern (por razones diplomáticas) dejó de apoyar deserciones en los barcos de países capitalistas.

En 2004 se terminó la restauración de la película, que está ya disponible en DVD. Muchas escenas violentas excluidas y la introducción de Trotsky fueron restauradas, y las traducciones desde el ruso no tienen la retórica revolucionaria del idioma original.

Reparto

Aleksandr Antonov, Vladimir Barsky, Grigori Aleksandrov, Mikhail Gomorov, Ivan Bobrov, Aleksandr Levshin, Konstantin Feldman



https://youtu.be/u13TMl9pnZA

3. El Padrino (The Godfather –Estados Unidos-Francis Ford Coppola-Varios)

El padrino es el nombre que reciben películas dirigidas por Francis Ford Coppola, y escritas por él mismo junto con el novelista Mario Puzo. La trilogía consta de tres películas, llamadas: El padrino, El padrino II y El padrino III.

The Godfather

América, años 40. Don Vito Corleone (Marlon Brando) es el respetado y temido jefe de una de las cinco familias de la mafia de Nueva York. Tiene cuatro hijos: Connie (Talia Shire), el impulsivo Sonny (James Caan), el pusilánime Fredo (John Cazale) y Michael (Al Pacino), que no quiere saber nada de los negocios de su padre. Cuando Corleone, en contra de los consejos de 'Il consigliere' Tom Hagen (Robert Duvall), se niega a participar en el negocio de las drogas, el jefe de otra banda ordena su asesinato. Empieza entonces una violenta y cruenta guerra entre las familias mafiosas. (FILMAFFINITY)

Reparto

Marlon Brando, Al Pacino, James Caan, Robert Duvall, Diane Keaton, John Cazale, Talia Shire, Richard Castellano, Sterling Hayden, Gianni Russo, Rudy Bond, John Marley, Richard Conte, Al Lettieri, Abe Vigoda, Franco Citti, Lenny Montana, Al Martino, Joe Spinell, Simonetta Stefanelli, Morgana King, Alex Rocco, John Martino, Salvatore Corsitto

Escenas eliminadas

• Cuando Vito le concede el favor a Bonasera silba a Sonny para saber si le pone atención.
• Una escena muestra a Hagen llevando a Kay para su casa poco antes de ir a California, posteriormente Vito lleva a Sonny, Fredo y Michael a visitar a Genco Abbandando, consigliere de la Familia quien está agonizante en el hospital.
• Otra escena intermedia a la anterior muestra a Vito tildando las condecoraciones militares de Michael de "botoncitos navideños".
• Poco antes de presentarse con Woltz, Hagen observa a éste presentando a una pequeña niña llamada Janie con un pequeño pony que le regala el director. Posteriormente cuando Hagen se dispone a ir al aeropuerto observa a Janie llorando escaleras arriba consolada por su madre, al parecer Woltz estaba involucrado en caso de pedofilia.
• Una escena siguiente después a la del caballo decapitado, se observa como Connie comienza a tener discusiones con Carlo y Vito le pide a Sonny no interferir y se sorprende al saber de la pedofilia de Woltz.
• Una escena muestra a Michael en una cama de hotel con Kay llamando a la residencia Corleone anunciando que llegara tarde a las navidades por un supuesto embotellamiento en la vía por Nuevo Hampshire y Kay finge ser la operadora. Dicha escena ocurre poco antes de que los dos volviesen a Nueva York y ocurriese el atentado contra Vito.
• Una secuencia mostraba a Luca Brasi caminando por un pasillo de hotel poco antes de reunirse con los Tattaglia.
• Sonny recibe una llamada de un detective de policía advirtiéndole del atentado que sufrió su padre, trata de llamar a Tom pero Theresa le dice que no ha llegado aún a casa.
• Después de que Sonny se enterase que Virgil Sollozzo tiene a Tom, va a advertirle a su madre del atentado y del secuestro de Tom y pide a Tessio 50 hombres para cuidarla.
• Después de que Michael llamase a Sonny y se entera de la situación, Michael conversa con Kay antes de llevársela al hotel.
• Michael llega a la casa en su auto.
• Michael posteriormente se encuentra con Clemenza y acompañan unos minutos a Theresa y posteriormente llegan a la oficina encontrándose con Sonny, éste sospecha que Clemenza pudo haber traicionado a Vito, en ese momento entra Tom y Sonny le ruega a Michael no involucrarse.
• Poco antes de que Clemenza saliese junto con Paulie y Rocco Lampone, éstos últimos hablan acerca del auto de Clemenza y éste posteriormente le da con disimulo el arma para asesinar a Paulie.
• Clemenza pide una parada argumentando llamar a Sonny, Clemenza se dirige a almorzar y comprar el cannoli que le encargó su esposa.
• En Silicia, mientras Michael está exiliado, al poco tiempo de dejar a Don Tomassino de camino a Corleone observan un desfile de comunistas en las colinas.
• En el pueblo Michael y sus guardaespaldas caminan poco antes de preguntar '"¿A dónde han ido los hombres?".
• Michael al llegar a la casa natal de su padre pregunta a una señora por los parientes de la familia Andolini, la señora responde que han abandonado el país.
• Fabrizzio, guardaespaldas de Michael, le pregunta a éste sobre Nueva York y si es hijo de un don de la mafia, la escena ocurre minutos antes de ver a Apollonia.
• Connie atiende una primera llamada de la supuesta amante de Carlo; cuando confronta a su esposo, quien se está duchando, éste le pide preparar la cena.
• Bonasera se viste atendiendo la llamada de Tom, luego del asesinato de Sonny, y observando a Vito le pide que hacer.
• Poco después de que explotase el auto matando a Apollonia, un herido Michael se entera completamente de la muerte de su esposa por Don Tomassino y le ruega la cabeza de Fabrizzio.
• Cuando Michael regresa, su padre lo lleva a caminar en la huerta y Michael acepta su nuevo rol como jefe de la Familia, y más para vengar a Sonny y Apollonia.
• Después de que Tom fuese relevado de su cargo de consigliere hay una conversación extendida que involucra a Rocco y a Al Neri.
• Michael venga a su esposa disparando a Fabrizzio (escena perdida aunque existen fotos).
• Kay reza en un altar de la Familia.



The Godfather II

Continuación de la historia de los Corleone por medio de dos historias paralelas: la elección de Michael como jefe de los negocios familiares y los orígenes del patriarca, Don Vito Corleone, primero en su Sicilia natal y posteriormente en Estados Unidos, donde, empezando desde abajo, llegó a ser un poderosísimo jefe de la mafia de Nueva York. (FILMAFFINITY)

Reparto

Al Pacino, Robert De Niro, Diane Keaton, Robert Duvall, John Cazale, Lee Strasberg, Talia Shire, Gastone Moschin, Michael V. Gazzo, Marianna Hill, Bruno Kirby, Danny Aiello, Harry Dean Stanton, Troy Donahue, Roger Corman, Morgana King, Joe Spinell, Richard Bright, James Caan, Dominic Chianese, Francesca de Sapio, G. D. Spradlin, Frank Siver, Tito Alba, Oreste Baldini



The Godfather III

Michael Corleone, heredero del imperio de don Vito Corleone, intenta rehabilitarse socialmente y legitimar todas las posesiones de la familia negociando con el Vaticano. Después de luchar toda su vida se encuentra cansado y centra todas sus esperanzas en encontrar un sucesor que se haga cargo de los negocios. Vincent, el hijo ilegítimo de su hermano Sonny, parece ser el elegido. (FILMAFFINITY)

Reparto

Al Pacino, Diane Keaton, Talia Shire, Andy García, Eli Wallach, Joe Mantegna, George Hamilton, Bridget Fonda, Sofia Coppola, Raf Vallone, Franc D'Ambrosio, Donal Donnelly, Richard Bright, Al Martino, Helmut Berger, Don Novello, John Savage, Franco Citti, Mario Donatone, Vittorio Duse, Enzo Robutti, Michelle Russo, Robert Cicchini, Rogerio Miranda, Carlos Miranda, Vito Antuofermo

• Se consideró en primer lugar a Winona Ryder para interpretar el papel de Mary Corleone, pero debido al cansancio físico que sufría la actriz en ese entonces, se la remplazó por Sofía Coppola. Sylvester Stallone y John Travolta fueron brevemente considerados para el papel de Joey Zasa (Mantegna).
• Luego de las críticas adversas por su actuación, Sofía Coppola decidió dedicarse exclusivamente a la dirección.
• El personaje de Al Neri, guardaespaldas de Michael Corleone, aparece en todas las películas de la saga. Como distinción especial, es el único personaje secundario que sobrevivió a la trilogía entera, interpretado por el mismo actor: Richard Brigh



El padrino. Parte IV sería la cuarta película de la saga de El padrino de no haber sido por la muerte de su autor Mario Puzo. La película iba a ser dirigida por el anterior director de las tres películas (Francis Ford Coppola) y producida por Paramount Pictures, también productora de las tres anteriores películas. Tendría un guion parecido al de El padrino II, siendo una historia yuxtapuesta, contando dos historias, la del auge de los Corleone al poder y, al mismo tiempo, con otra de la actual historia de la familia, continuando así donde acabó la tercera parte.

Proceso de El padrino. Parte IV
A pesar de que el director de las anteriores películas no quería realizar una cuarta entrega de la saga, el guionista y autor de la novela Mario Puzo, escribió un pequeño argumento y los primeros bocetos del guion de lo que iba a ser la película. Habría dos historias, una contaría cómo la familia Corleone llegaría a su ascenso al poder, contando con Sonny Corleone como protagonista, mostrando cómo se transformó en un asesino. Y la segunda historia sería la continuación de El padrino III, con Vincent Mancini, el hijo de Sonny Corleone como protagonista, y mostraría cómo le va como nuevo don de la familia. En esta segunda historia se mostraría también el peligroso negocio con la droga en el que entra Vincent, y cómo al final de la película la familia Corleone acaba completamente destruida.

Mario Puzo empezó a escribir el guion de esta película en 1999; pero nunca llegó a terminarlo, a causa de que empezó a tener problemas médicos y meses más tarde fallecería en su casa, sin poder haber acabado la historia que tanto le hubiese gustado escribir.

Reparto idealizado

Se pensó que DiCaprio podría interpretar al joven Sonny Corleone en la cuarta parte.
Para reparto de la película se nombraron grandes caras de Hollywood como Leonardo DiCaprio, que interpretaría al joven Sonny Corleone de la primera historia y también contaría con Andy García, que volvería a interpretar a Vincent Mancini, que ya interpretó en El padrino III. El reparto también contaría con actores que también aparecieron en anteriores películas, como Talia Shire. También contaría con un cameo de Al Pacino, que interpretaría a Michael Corleone en una escena que sería momentos antes de su muerte.

Final de El padrino IV
La película iba a empezar a rodarse por los exteriores de Sicilia y Nueva York en 1999. Iba a ser dirigida por Coppola y escrita de nuevo por él y Puzo. Cuando la película ya iba a comenzar su proceso de rodaje, empezaron a surgir problemas con la salud del escritor, que tenía graves problemas de corazón desde hacía ya meses. Entonces la escritura del guion se suspendió hasta que Puzo se encontrara en un mejor estado; pero falleció el 2 de julio de 1999 en su casa debido a sus problemas de corazón y el guion de la película quedó en el aire.

Sí había una parte del guion escrita del que muchos actores como Robert De Niro o Al Pacino tienen copias cedidas por Puzo; pero de la historia moderna no se escribió nada, y por lo tanto, se canceló el proyecto de una cuarta parte, debido a que Coppola no tenía ganas de seguir con la producción.

Rumores de una cuarta parte
Muchas productoras han querido continuar con el proyecto de El padrino IV, pero Paramount Pictures no ha accedido, ya que ellos continúan teniendo sus derechos de autor (junto con la familia de Puzo).

Sí es posible que pudiera haber una cuarta entrega, pero de momento Coppola no ha afirmado su realización, ni piensa realizar una cuarta parte.

Parece ser que Paramount Pictures quiere retomar el proyecto con un nuevo guion que nada tendría que ver con el iniciado en 1999 por Mario Puzo. (Wikipedia)

4. Ran (Ran- Japón-Akira Kurosawa-1985)

En el Japón medieval, el poderoso señor Hidetora decide abdicar y repartir sus dominios entre sus tres hijos. El menor considera que la idea es absurda y sólo servirá para causar problemas. Su padre, enfurecido, lo deshereda. Muy pronto descubrirá su error: la ambición hará que sus hijos mayores se enfrenten por el poder en una cruenta guerra. Se inspira en el drama de Shakespeare "El rey Lear". (FILMAFFINITY)

Ran (japonés: 乱, que significa caos, miseria) es una película japonesa de 1985 escrita y dirigida por Akira Kurosawa.

Es un Jidaigeki (un drama japonés) que muestra la caída de Hidetora Ichimonji (Tatsuya Nakadai), un señor de la guerra de la Era Sengoku que decide abdicar en favor de sus tres hijos. Tras llevar a cabo esta decisión, su reino se desintegra debido a las luchas de poder entre su prole, que tratan de asesinar a sus rivales. Hidetora enloquece tras ver como masacran a su séquito en la escena central de la película. A medida que el reino se desmorona y los señores de la guerra rivales entran en guerra, el clan de los Ichimonji se hunde en la culminación de la venganza y la traición, en la que se ajustan viejas cuentas. La historia está basada en leyendas del daimyō Mori Motonari así como en la tragedia shakespeariana El rey Lear.

Ran fue la última gran película épica de Kurosawa. La película fue aclamada por sus poderosas imágenes y el uso del color.

Según Stephen Prince, Ran es "una crónica del ansia implacable de poder, la traición al padre por parte de sus hijos, y las omnipresentes guerras y asesinatos, que destruyen a todos los personajes protagonistas.

Es un relato acerca de la caída del antaño poderoso clan Ichimonji después de que su patriarca Hidetora tome la decisión de dar el control de su reino a sus tres hijos: Tarō, Jirō y Saburō. Tarō, el mayor, recibe el prestigioso Primer Castillo y se convierte en el líder del clan Ichimonji, mientras que a Jirō y a Saburō se les concede los castillos Segundo y Tercero, respectivamente. Jirō y Saburo tienen que apoyar a Tarō, y Hidetora les ilustra esta orden mediante la imagen de un haz de flechas. Hidetora seguirá siendo el líder oficial y mantendrá el título de Gran Señor. Saburō critica la lógica de su padre. Hidetora consiguió su poder mediante la traición, le dice, y sin embargo espera que sus hijos le sean leales. Hidetora confunde este comentario con una amenaza y, cuando su sirviente Tango sale a defender a Saburō, les destierra a ambos.

Lo de las flechas está basado en una parábola de Mori Motonari: les da una flecha a cada hijo y les pide que la rompan. Tras hacerlo, les da tres flechas a cada uno y les pregunta si pueden quebrarlas. Cuando se demuestra que ninguno de los tres pueden, Motonari les dice que tres flechas pueden quebrarse fácilmente por separado, pero no juntas. Sin embargo, en Ran, Saburō las rompe con la ayuda de su rodilla y dice que es una fábula estúpida.

Reparto

Tatsuya Nakadai, Akira Terau, Jinpachi Nezu, Pîtâ, Mieko Harada, Masayuki Yui, Daisuke Ryû, Yoshiko Miyazaki, Hisashi Igawa, Kazuo Katô, Norio Matsui



5. 8 1/2 (8 1/2-Italia-Federico Fellini-1963)

Después de obtener un éxito rotundo, un director de cine atraviesa una crisis de creatividad e intenta inútilmente hacer una nueva película. En esta situación, empieza a pasar revista a los hechos más importantes de su vida y a recordar a todas las mujeres a las que ha amado. (FILMAFFINITY)

El famoso director y guionista Guido Anselmi está atravesando una profunda crisis creativa e intenta relajarse después de su última película. No puede conseguir la tranquilidad necesaria para encontrar ideas nuevas para su siguiente película y todo el mundo parece ansioso de saber en qué punto se encuentra el trabajo que está preparando. Está solo, quiere estar solo, y busca una respuesta en las visiones que invaden su mente, las mágicas y enigmáticas palabras: «Asa-Nisi-Masa», recuerdos de una vida, sueños fantásticos y oscuras imágenes de un futuro nebuloso. La llegada de Claudia, actriz y musa de su vida, y de su amante Carla trae nuevas inquietudes en vez de la serenidad y el consuelo que él esperaba.

No puede huir eternamente, y se ve obligado a participar en un grandioso refrigerio organizado por los productores de su película. Cae presa del pánico: no sabe qué contestar a las preguntas y busca instintivamente refugio debajo de la mesa, símbolo del último acto de su ocaso humano y artístico. Sin embargo, cuando todo parecía perdido, las visiones que hasta entonces lo habían atormentado adquieren una resplandeciente claridad: ésta es la llave de vuelta de la película. Todos juntos, los fantasmas de su conciencia reconstruyen un mosaico hecho de verdad y belleza, a través del cual renace el placer mismo de la vida y de todo lo que ella contiene. Con una marcha circense, la película finalmente puede comenzar.

Es una película en parte autobiográfica, sobre los problemas en los rodajes. Para liberarse de la presión, Anselmi se refugia en fantasías oníricas, y allí encuentra la inspiración para su nueva película y para enfrentarse con el mundo. Empieza a recordar los principales acontecimientos de su vida, y a las mujeres de las que ha estado enamorado y que ha perdido. Alrededor del personaje central, Guido, se van entretejiendo historias varias que se concentran en el balneario, en el que aparecen entrelazadas varias historias con los habituales personajes fellinianos.

El tema principal de la película es la crisis creativa de un artista, el problema de confrontarse con las expectativas de todos (productores, periodistas, amigos), y también la crisis existencial de un hombre, que se aferra a los recuerdos y a los sueños para soportar el peso de la vida. Fellini encuentra en el final una solución original e inesperada al problema de la crisis existencial. Este final es el fruto de la genialidad creativa de Fellini.

8 ½ es una película bastante autobiográfica. Este hecho ha sido reconocido y negado, según el humor de que estuviera, por el propio Fellini. La película suponía el número ocho y medio en su filmografía, porque ya había rodado anteriormente siete películas, "y media", considerando sus colaboraciones en las de creación colectiva con otros renombrados directores: L'amore in città (1953), en la que el episodio dirigido por Fellini se titula Agencia matrimonial (Agenzia matrimoniale), y Boccaccio 70 (1962), en la que Fellini aporta el episodio titulado Las tentaciones del doctor Antonio.

Las películas Stardust Memories de Woody Allen y All That Jazz de Bob Fosse están inspiradas en Otto e mezzo.

La cantante estadounidense Deborah Harry, fanática de Fellini, iba a titular su disco Debravation (1993) como esta película, pero fue rechazado por la discográfica. Al año siguiente lanzó de modo independiente 8 ½: Debravation Producer's (Director's) Cut, con las canciones que había preparado para el disco original, incluyendo 8 ½ Rhumba como apertura del mismo.

La presentadora y actriz argentina Susana Giménez utiliza el tema principal de la película como cortina de su programa homónimo de TV, desde que éste apareció hace más de 20 años.

Desde que se estrenó en 2009, City Tour, programa de 13C (Chile), tiene como banda sonora, una de sus músicas: Carlotta's Galop

La película I'm not there de Todd Haynes le rinde homenaje en varias de las escenas de la historia protagonizada por Cate Blanchett.

El videoclip del grupo estadounidense R.E.M "Everybody hurts" también le rinde homenaje a la escena principal de este film.

Hay rumores y teorías de que la escena de baile de la película Pulp Fiction de 1994, es un claro homenaje a la escena de baile de esta película.

El comienzo de la película Un día de furia es sospechosamente similar al inicio de 8½, aunque no hay pruebas de que sea efectivamente un tributo (como en el caso de I'm not there) o un plagio.

El cantante Enrique Bunbury en su álbum titulado "Freak Show", en su canción primera la titula justamente Otto e mezzo. (Wikipedia)

Reparto

Marcello Mastroianni, Claudia Cardinale, Anouk Aimée, Sandra Milo, Rossella Falk, Barbara Steele, Mario Pisu, Guido Alberti, Madeleine LeBeau, Caterina Boratto, Annibale Ninchi, Giuditta Rissone, Eddra Gale, Tito Masini, Nadine Sanders, Georgia Simmons, Hazel Rogers, Riccardo Guglielmi, Giulio Paradisi, Maria Antonietta Beluzzi, Polidor, Maria Wertmuller, Rossella Como, Nino Rota



https://youtu.be/z0JFekqHRAQ

6. La Dulce Vida (La Dolce Vita-Italia-Federico Fellini -1960)

Marcello Rubini es un desencantado periodista romano, en busca de celebridades, que se mueve con insatisfacción por las fiestas nocturnas que celebra la burguesía de la época. Merodea por distintos lugares de Roma, siempre rodeado de todo tipo de personajes, especialmente de la élite de la sociedad italiana. En una de sus salidas se entera de que Sylvia, una célebre diva del mundo del cine, llega a Roma, cree que ésta es una gran oportunidad para conseguir una gran noticia, y, en consecuencia, la perseguirá por las noches por diferentes lugares de la ciudad. (FILMAFFINITY)

Se considera como el filme que marca la separación entre los anteriores trabajos neorrealistas de Fellini y su posterior periodo simbolista.

La película fue prohibida en varios países al momento de su estreno luego de que el periódico del Vaticano, L'Osservatore Romano, catalogara su contenido como obsceno, prohibición que se mantendría por varios años; por ejemplo, no se estrenó en España hasta 1980.

Carente de una estructura tradicional en su trama, el film muestra una serie de noches y mañanas a lo largo de la Via Veneto de Roma, vistos desde el punto de vista de su personaje principal, un escritor de crónicas sociales llamado Marcelo Rubini; basados en la interpretación más común de la historia, la película puede ser dividida en un prólogo, siete episodios principales divididos por un intermedio y un epílogo.

En la fiesta de los nobles celebrada en un castillo de las afueras de Roma y a la que asiste Marcello, algunos de los sirvientes y de los camareros, así como algunos de los invitados, son interpretados por gente del mundo de la aristocracia.

La escena en el club romano, donde Marcello hace sus primeros avances con Sylvia, cuenta con una aparición de Adriano Celentano, quien más tarde se convertiría en un cantante y actor muy famoso en Italia.

El personaje de Paparazzo (interpretado por Walter Santesso), que es un fotógrafo de noticias que trabaja con Marcello, daría origen a la palabra que se usa actualmente en varios idiomas (normalmente en su plural: paparazzi) para designar al fotógrafo de prensa entrometido.

Reparto

Marcello Mastroianni, Anita Ekberg, Anouk Aimée, Yvonne Furneaux, Alain Cuny, Nadia Gray, Annibale Ninchi, Margali Noel, Lex Barker, Jacques Sernas, Adriano Celentano



7. Fresas Silvestres (Smultronstället – Suecia- Ingmar Bergman-1957)

El profesor Borg, un eminente físico, debe ir a Estocolmo para recibir un homenaje de su universidad. Sobrecogido, tras un sueño en el que contempla su propio cadáver, decide emprender el viaje en coche con su nuera, que acaba de abandonar su casa, tras una discusión con su marido, que se niega a tener hijos. Durante el viaje se detiene en la casa donde pasaba las vacaciones cuando era niño, un lugar donde crecen las fresas salvajes y donde vivió su primer amor. (FILMAFFINITY)

El reparto incluye a Victor Sjöström, en la que sería su última aparición en el cine, como el personaje principal; y varios de los actores recurrentes en las películas de Bergman como Bibi Andersson, Ingrid Thulin, Gunnar Björnstrand y Max von Sydow. El cineasta escribió el guion poco después del estreno de El séptimo sello mientras se encontraba hospitalizado en Estocolmo.

En España fue traducida como Fresas salvajes, sin embargo; Smultronstället no hace referencia únicamente a la fresa salvaje o silvestre —que sería la traducción literal del título— sino también al lugar y la fecha, la primavera, en los que crece.

La historia relata el viaje del anciano profesor Isak Borg desde Estocolmo a Lund en compañía de su nuera y tres jóvenes, y durante el cual reflexiona sobre la vida, la muerte y la existencia humana. Está considerada como una de las cintas más emocionales y optimistas del director sueco.

Ingmar Bergman tuvo la idea para la película cuando se detuvo en su ciudad natal, Upsala, durante un viaje de Estocolmo a Dalarna. Al llegar a casa de su abuela se imaginó si podría abrir la puerta y encontrar en el interior todo como estaba durante su infancia. El propio director comentaría más tarde:

Se me ocurrió: ¿Podrías hacer una película sobre esto, que camines de manera real y que al abrir una puerta vuelvas a tu infancia y que al abrir otra vuelvas a la realidad y luego girar en una esquina de la calle y llegar a otro periodo de tu existencia? Esa era en realidad la idea tras Smultronstället.

Sin embargo, en su autobiografía Images: My Life in Film el cineasta comentó lo siguiente sobre su declaración anterior: «Eso es una mentira. La verdad es que yo siempre estoy viviendo en mi infancia».

Reparto

Victor Sjöström, Bibi Andersson, Ingrid Thulin, Gunnar Björnstrand, Folke Sundquist, Björn Bjelvenstam, Naima Wifstrand, Jullan Kindahl, Max von Sydow, Åke Fridell



https://youtu.be/4HivG6fBC8M

8. La Aventura (L'avventura – Italia- Michelangelo Antonioni -1960)

Anna, una rica joven romana, su novio y Claudia, su mejor amiga, se embarcan en un crucero veraniego entre las escarpadas islas sicilianas... (FILMAFFINITY)

Dos mujeres jóvenes, Anna (Lea Massari), de familia adinerada, y Claudia (Monica Vitti), deciden realizar un viaje en yate por el Mediterráneo. Recogen a Sandro (Gabriele Ferzetti), pareja de Anna, y emprenden el viaje. Llegan a una isla volcánica semiabandonada, donde Anna y Sandro comienzan a tener diferencias fútiles. Ella se siente aburrida e infeliz con la actitud de Sandro. Deciden tomar una siesta entre las rocas y, cuando despiertan, Anna ha desaparecido.

Enfadados por la actitud de Anna, Claudia y Sandro comienzan a buscarla; al no encontrarla, se preocupan. Deciden llamar al padre de Anna para contarle lo sucedido, éste llega a la isla, acompañado de una lancha policial y un helicóptero. La búsqueda de Anna sigue por días, sin resultados. Al quedar solos en la isla, comienza a surgir una atracción entre Claudia y Sandro. Regresan a tierra firme y continúan la búsqueda, pero Anna parece haber desaparecido para siempre. Claudia se debate entre un sentimiento de felicidad por lo que cree un sentimiento de amor entre ella y Sandro, y un sentimiento de culpabilidad por la desaparición de su amiga.

Lo que parecía una intriga policiaca con trazas de ser un crimen, un suicidio, un accidente o una desaparición planeada se va transformando en una historia de amor llena de conflictos emocionales, donde aparecen la soledad, la incomunicación, el tedio y el aburrimiento. Sandro, sin embargo, le ofrece matrimonio a Claudia, pero ella todavía se siente desorientada por la desaparición.

Él decide invitarla a un lujoso hotel, donde se encontrará con su socio. Ya en la noche, a la hora de dormir, Claudia se acuesta, pero Sandro dice que no tiene sueño, sale de la habitación rumbo al salón del hotel donde están los huéspedes en una fiesta. Sandro circula entre ellos sin mayor entusiasmo. Claudia no logra conciliar el sueño ante la espera de Sandro a la habitación. Al amanecer, ella sale en busca de él por los salones ya vacíos; al no encontrarlo, vuelve a sentir la angustia que le provocó la desaparición de Anna. La frenética búsqueda termina cuando encuentra a Sandro en compañía de una mujer. Al verlos, huye y se detiene a llorar en una terraza. Sandro la alcanza y, sin decir nada, se sienta a llorar junto a ella, desesperanzado, débil y vacío. (Wikipedia)

“La Aventura” es una película imprescindible, tanto por lo que cuenta como, sobre todo, por la forma de contarlo presentando una película provocadora que vista aun hoy en día nos parece completamente moderna. El peregrinaje de Sandro y Claudia (la espléndida Mónica Vitti, su esposa en la vida real) convertidos en una pareja inestable que busca cosas distintas y que se mantiene unida por el pretexto de buscar a una joven que desaparece misteriosamente al comienzo de la trama y que no vuelve a aparecer en el filme (en un recurso similar al que haría Hitchcock ese mismo año en la célebre “Psicosis”, pero mucho más radical, pues Antonioni ni se molesta en explicar esta desaparición) es la crónica de un fracaso inevitable y doloroso, la lucha de dos seres desvalidos por aferrarse a algo mientras se convencen de que su historia es algo ilusorio y pasajero. El plano final del filme, con Claudia acariciando la nuca del infiel Sandro en el banco de una desolada plaza, poco después del amanecer, sigue siendo hoy en día de una belleza patética y perturbadora, y al mismo tiempo conmovedora. El inusitado uso que Antonioni hace del rústico y desértico paraje por donde pasean como almas en pena el grupo de amigos para reflejar el enorme distanciamiento, no solo físico, entre unos y otros, es de una sensación desoladora, inquietante. (https://scalisto.blogspot.mx/search?q=Antonioni)

Reparto

Gabriele Ferzetti, Monica Vitti, Lea Massari, Dominique Blanchar, Renzo Ricci, James Addam



9. La Regla del Juego (La règle du jeu –Francia- Jean Renoir -1939)

1939, París y Sologne. Un aviador, enamorado de una mujer de mundo, no respeta la regla del juego que consiste en salvar las apariencias en una sociedad dividida fundamentalmente en dos clases: los señores y los criados. (FILMAFFINITY)

Su estreno fue un completo fracaso de taquilla (poco después estalló la guerra) y se suprimieron diálogos y escenas del metraje para adaptarla a los gustos de la sociedad francesa. Finalmente fue prohibida por los gobiernos francés y alemán. Costó más de cinco millones de francos, el doble de lo presupuestado. Tras la guerra se extravió el negativo y sólo a partir de 1960 se ha podido reconstruir.

La película se rodó poco antes de la Segunda Guerra Mundial, y Renoir se basó muy libremente en la obra de teatro de Alfred de Musset Los caprichos de Mariana (Les caprices de Marianne, 1833). De hecho, tras una mala elección de los actores tuvo que reescribir gran parte del guion sobre la marcha y al final poco quedó del texto de Musset.

Como en la película Gosford Park o en la famosa serie de televisión británica Arriba y abajo, aunque casi 40 años antes, Renoir plantea una división de los dos mundos en el castillo donde se desarrolla la mayor parte de la acción: arriba los nobles mantienen el decoro y las apariencias, y se dedican a engañar a sus parejas. Abajo la servidumbre se deja llevar por la pasión, acabando en una situación sin salida.

La historia se desarrolla principalmente en un castillo a finales de los años 1930. Varias personas de la alta burguesía y sus sirvientes se reúnen un fin de semana por diversos motivos. Intrigas galantes, un asesinato, ... Todo se desarrolla siguiendo las más bajas pasiones, pero sin perder la más estricta cortesía, es decir, respetando «la regla del juego». (Wikipedia)

Última realización de la primera etapa francesa de Renoir. Escribe el guión Jean Renoir en colaboración con Carl Koch. Se inspira en "Les caprices de Marianne" (1883), de Alfred Musset, y en "El juego del amor y del azar" (1730), de Pierre de Mariveaux. Se rueda en Aubigny-sur-Nère (Cher, Francia). Producida por Claude Renoir y Jean Renoir para "Les Nouvelles Editions Françaises" (NEF), se proyecta en público por primera vez en sesión reservada a la prensa el 7-VII-1939 (Francia).

La acción dramática tiene lugar en el aeropuerto de Le Bourget, Paris y en la finca rústica de La Celinière (Sologne), a lo largo de unos pocos días, en noviembre de 1938. Octave (Renoir), amigo del marqués Robert de La Chesnoye (Dalio) y de su esposa Christine (Gregor), les ruega que inviten a la cacería que van a celebrar en su finca al aviador André Jurieux (Tautain), enamorado de Christine.

Entre los invitados se cuentan Geneviève de Marras (Parèly), amante de Robert, Octave, un general, la sobrina Jackie y otros amigos y vecinos. Entre los servidores están el guardabosques Schumacher (Modot), su mujer Lisette (Dubost), el nuevo criado Marceau (Carette) y otros.

El film suma comedia y drama. Combina sátira, vodevil y tragedia. Bajo la apariencia de una inocente farsa campestre, elabora una aguda crítica de la alta burguesía parisina en vísperas de la IIGM. Muestra, sin palabras, cómo la clase dominante está formada por personas inútiles, frívolas, vanidosas, incompetentes, hipócritas, superficiales y lujuriosas.

Así mismo muestra cómo las personas modestas las imitan, asumen sus principios y reproducen sus pautas de conducta. El film se apoya en dos ideas centrales. Observa que todo el mundo miente: los prospectos de las medicinas, los gobernantes, la radio, el cine, los diarios... Las relaciones amorosas son intrascendentes, fútiles, triviales e inocuas. Constituyen, además, un grato motivo de diversión, entretenimiento y distracción. Los juegos del amor se pueden practicar fuera de la pareja, sin riesgos, en una sociedad sofisticada y moderna, si se cumple la regla de oro de salvar las apariencias.

Con sutileza e ironía denuncia la condena de la sinceridad, el egoísmo de los privilegiados, la violencia con la que defienden sus prerrogativas, el antisemitismo, la xenofobia, el conservadurismo, etc.

El guión se presenta bien elaborado y muy trabajado. Incorpora, con acierto, ambigüedades, insinuaciones, sutilezas y elegancia. Los diálogos son fluidos y eficaces. Los caracteres están desarrollados con maestría. Todos los personajes presentan algún desgarro: el marqués es judío, su esposa es extranjera, Octavio es un inútil, Geneviève es colérica, el aviador está mal considerado por ser sincero, Lisette es coqueta y casquivana, el guardabosque carece de habilidades personales, etc. El relato traspira amor al campo, a la naturaleza y al teatro. Consigue un gratificante tono de ligereza.

En su conjunto la obra es compleja, completa, rica en recursos expresivos, emocionantes y conmovedores. La música combina fragmentos clásicos (Mozart, Saint-Saëns, Chopin, Monsigny...) y de aires populares. Destacan las composiciones "Danza macabra", "Coros de caza" y "Minuto vals".

La fotografía, en B/N, se caracteriza por planos largos, un diligente trabajo de cámara y una extraordinaria profundidad de campo (anterior a la de "Ciudadano Kane", 1941), que permite a Renoir presentar en un único plano varias escenas simultáneas relacionadas. Demuestra afición a la teatralidad (disfraces, muñecos y pájaros mecánicos, colección de instrumentos musicales...). Juega hábilmente con la luz y las sombras. (https://scalisto.blogspot.mx/search?q=Renoir)

Reparto

Marcel Dalio, Nora Gregor, Jean Renoir, Roland Toutain, Mila Parély, Paulette Dubost, Julien Carette, Gaston Modot, Pierre Magnier, Eddie Debray



https://youtu.be/fSe8P4hvrLw

10. Los 400 Golpes (Les 400 coups –Francia- François Truffaut -1959)

Con sólo catorce años, Antoine Doinel se ve obligado no sólo a ser testigo de los problemas conyugales de sus padres, sino también a soportar las exigencias de un severo profesor. Un día, asustado porque no ha cumplido un castigo impuesto por el maestro, decide hacer novillos con su amigo René. Inesperadamente, ve a su madre en compañía de otro hombre; la culpa y el miedo lo arrastran a una serie de mentiras que poco a poco van calando en su ánimo. Deseando dejar atrás todos sus problemas, sueña con conocer el mar y traza con René un plan para escaparse. (FILMAFFINITY)

Es considerada una de las la primeras obras de la denominada Nouvelle vague. Protagonizada por Jean-Pierre Léaud, como figura central.

El título se refiere a una expresión francesa cuya traducción podría ser "hacer las mil y una", refiriéndose a todas las trasgresiones del personaje en la película, aunque también juega con el significado estricto de la expresión, es decir, con la enorme cantidad de golpes que la vida propina al protagonista. La película es en gran parte autobiográfica, y presenta la primera aparición del personaje de Antoine Doinel, álter ego del propio Truffaut y que interpretará a lo largo de 20 años el mismo actor, Jean-Pierre Léaud.

Antoine Doinel es un adolescente parisino no especialmente querido por su familia. Su madre, que lo tuvo de soltera, tiene una conducta severa con él, su padrastro por su parte hace lo posible por tolerarlo.

La falta de atención de su familia hace de Doinel un alumno díscolo en el colegio, pero sus travesuras y la mala suerte que tiene al descubrir a su madre con un amante, hacen que se vaya encaminado progresivamente hacia el delito, lo cual dará pie para que su madre junto a su padrastro puedan buscar deshacerse del muchacho con mayor ímpetu, mientras él sufre todos los golpes que le da la vida a su tan corta edad.

Desde el inicio de la historia, se percibe el sufrimiento de Antoine al convivir en una familia donde su propia madre inventa excusas para desplazar su amargura, mientras su padre adopta un carácter más estricto pero a la vez comprensivo, aunque sin embargo descuidado, ya que aparece como un personaje secundario. Además, la influencia convencional de ideas sociales ceñidas al cumplimiento de un tipo de orden en el aspecto social, educativo, y religioso; forman en el protagonista una percepción distorsionada y distópica de la realidad, sin embargo real para él.

Ante esto, emprende su propio camino en la búsqueda de una posible renuncia al pasado funesto y la consecución de la libertad. Prueba las malas artes del robo y es castigado por sus actos delictivos, en resumen, es tratado como un adulto siendo un púber. En el simbolismo de toda la carga ideológica que recibe el protagonista en su vida, siempre se le ve corriendo en casi todas las escena básicas, cuando llega al mar tras de escapar del reformatorio, al llegar allí voltea y mira la cámara como si confrontara una nueva realidad dejando atrás los vestigios absurdos de un pasado ceñido a errores sociales.

Según Jean-Pierre Mocky, el travelling al final de la película que muestra corriendo a Antoine Doinel, está inspirado en Rashōmon de Akira Kurosawa, que había visto con François Truffaut y Claude Chabrol en el cine y que les había marcado fuertemente

El título del film está tomado de la expresión popular francesa "faire les 400 coups" que significa "hacer todas las tonterías posibles".

Reparto

Jean-Pierre Léaud, Claire Maurier, Albert Rémy, Guy Decomble, Georges Flamant, Patrick Auffay

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