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NUMERO 4842


Cecil Taylor - It Is in the Brewing Luminous (1981)




A It Is in the Brewing Luminous Part 1 34:58
B It Is in the Brewing Luminous Part 2 34:00


Pianista, y compositor, Cecil Taylor (Long Island, 1933) tenía en su sangre inoculado el mestizaje que después musicalmente explotaría. Su padre originario del sur, era cocinero y sirviente de un senador y su madre era india y los abuelos escoceses. Desde 1938 estudia música bajo la dirección de una profesora de piano, con quien aprende los conceptos de la música clásica. Mas tarde estudia percusión, con músicos de la NBC Symphony Orchestra. En 1951, se marcha a Boston, donde tiene familia y al año siguiente se inscribe en el New England Conservatory. Durante tres años estudia arreglos y armonía. Es por esta época cuando descubre el bebop. Conoce a los mejores jazzmen de Boston: Gigi Gryce, Jaki Byard, Charlie Mariano, Sam Rivers y Serge Chaloff, y en 1951 cuando, en el club Hit Hat, ve por primera vez a Charlie Parker.

Cecil Taylor, siempre citó entre los pianistas que le influenciaron a Lennie Tristano, Bud Powell, Mary Lou Williams (con quien tocara en dúo veinticinco años mas tarde en 1977 en el Carnegie Hall), Horace Silver y Thelonious Monk. A partir de 1952, empieza dar cuerpo a la idea de formar sus propios grupos pero mientras tanto, forma parte brevemente de la orquesta de Johnny Hodges y toca con el saxofonista soprano, Steve Lacy, a quien incluso da clases como complemento importante de sus fuentes de ingresos. En 1957, es contratado en el club Five Spot para acompañar al violinista-multiinstrumentista, Dick Whitemore y el club se pone de moda entre la vanguardia jazzistica. A principios de los años sesenta, además de participar en la obra "The Conection" con Archie Sheep, comienza a trabajar con el saxofonista Jimmy Lyons y el baterista Sunny Murray, que le acompañan a Europa (1962).

De regreso a Nueva York, toca por ultima vez con Albert Ayler en el Lincoln Center (1963). En 1966 firma dos álbumes en sexteto para el sello Blue Note, entre ellos, el que está considerado su obra maestra, el titulado "Conquistador". Cecil Taylor no tuvo fácil el que las compañías discográficas aceptaran su música por la evidente falta de comercialidad del freejazz, y eso le obliga, a principios de los años 70, a crear su propia compañía, la Unit Core. Se dedica a la enseñanza y colabora con bailarines y coreógrafos, entre otros con Mijail Baryshnikov (1979); realiza conciertos con el baterista Max Roach (1979); un "All Star International" (1984) compuesto por Enrico Rava, Frank Wright, John Tchicai, Andre Martínez, etc. Y con el Art Ensemble Of Chicago (1985). Energía, percusión, movimiento o danza: tres constantes que se esfuerza en dominar, con el fin de lograr perfección en el momento de la improvisación. Particularmente cuando toca en solitario, emplea un modo de desarrollo, de expansion, por acumulación y efectos de aceleración, subrayando así la idea de una "danza'' sobre el teclado.

Cecil Taylor, esta unánimemente considerado, como uno de los fundadores y máximos exponentes del freejazz; su pianismo es al mismo tiempo un derroche de virtuosismo, una demostración de fuerza con el piano y hacia el público, y de una intensidad extrema.


Un Tema del Disco





NUMERO 4841


Morton Feldman - Crippled Symmetry (Wiesner; Hinterhäuser; Schulkowsky) (1994)




1.1 Crippled Symmetry (1983) 39:00
2.1 Crippled Symmetry (Continued) 55:15


Morton Feldman nació en la ciudad de Nueva York, el 12 de Enero de 1926. Estudió piano con Madame Maurina-Press (alumna de Ferruccio Busoni) y más tarde, composición con Wallingford Riegger y Stefan Wolpe, al que dedicó posteriormente una de sus más destacadas obras. A pesar del aprecio que sentía hacia sus profesores, discrepaba acerca de sus teorías sobre el arte musical, y solía discutir con ellos durante largas horas. Fue un compositor muy de su tiempo, que sin embargo cultivó un estilo personal y diferente con respecto a la mayoría de los compositores de su entorno.

En 1950, y durante la audición de una sinfonía de Anton Webern a cargo de la filarmónica de Nueva York, conoció a John Cage, una de sus máximas influencias a lo largo de su vida. Los dos llegaron a ser buenos amigos, y a raíz de este encuentro,

Morton Feldman comenzó a escribir piezas que se alejaban de las formas musicales clásicas y modernas (como las técnicas seriales, tan en boga por aquellos años). Experimentó con sistemas alternativos de notación musical, como sus “piezas gráficas indeterminadas”, donde sólo especificaba los timbres y el registro, dejando el ritmo y las notas a elección del intérprete. En esta época, también trató de aplicar elementos de la teoría de probabilidades a sus composiciones, inspirándose principalmente en obras como Music of Changes, del citado John Cage. A mediados de los años 50, y por necesidades de precisión en su música, vuelve a la notación tradicional.

Siempre a través de Cage, Feldman conoce a algunas de las más importantes personalidades de la escena artística neoyorkina, en la que por aquellos años destacaban Jackson Pollock, Philip Guston, Frank O’Hara y Samuel Beckett. Especialmente, se sintió fascinado por el primero y sus colegas; sus pinturas, enmarcadas dentro del expresionismo abstracto, se convirtieron en una nueva gran inspiración para él. A partir de ese momento, intentará extrapolar las pinturas de estos artistas a sus composiciones, tal y como queda reflejado en su siguiente comentario:

Me interesa la dimensión global de Rothko, que anula el concepto de las relaciones entre proporciones. No es la forma lo que permite a la pintura de emerger; el descubrimiento de Rothko ha sido el de definir una dimensión global que sostiene los elementos en equilibrio... Soy el único que compone de esta manera, como Rothko: en el fondo se trata solamente de mantener esta tensión, o este estado, a la vez helado y en vibración.

Durante la década de los 70, y casi siempre con esta idea en mente, escribió un buen número de piezas, entre las que destacan Rothko Chapel (1971), pieza escrita para ser interpretada en la capilla diseñada por Rothko, Frank O’Hara (1973), y la ópera Neither (1977), que dedicó a Samuel Beckett.

En su última etapa, Feldman comenzó a producir sus propios trabajos. Quizás sea su periodo más denso y oscuro, donde su música alcanza cotas místicas de irrealidad, con largas composiciones que frecuentemente superaban la hora y media de duración, llegando incluso a las cinco horas en String Quartet II (1983). Es esta una de las obras más memorables del compositor, a pesar de que su primera interpretación completa no pudo escucharse hasta 15 años después. For Philip Guston (1984) y Violin and String Quartet (1985), de 4 y 2 horas respectivamente, fueron otras de sus obras destacadas de esta época. En todas estas piezas, Feldman llevó hasta el extremo las influencias de sus cólegas expresionistas abstractos, interpolando temporalmente las grandes superficies de Pollock y Rothko a sus composiciones, lo que explica su larga duración. Ausencia de climax, disonancia, serenidad y notas prolongadas hasta el infinito son algunos de los atributos comunes que caracterizan a estas piezas, las más recordadas del compositor.

Morton Feldman muere en 1987 en Buffalo (Nueva York) poco tiempo después de su matrimonio con la compositora Barbara Monk.


Un tema del Disco






NUMERO 4840


John Coltrane - The Mastery of John Coltrane, Vol. 1: Feelin' Good (1978)




A1 Feelin' Good 6:20
A2 My Favoriite Things 14:44
B1 Living Space 10:20
B2 Untitled 90320 10:44
C1 Untitled 90314 14:40
C2 Dusk-Dawn 10:45
D1 Nature Boy 6:52
D2 Joy 12:10


John Coltrane (Hamlet, ciudad en el condado de Richmond, en Carolina del Norte: 23 de septiembre de 1926 - Nueva York: 17 de julio de 1967), apodado Trane, fue un saxofonista (tenor y soprano) y compositor estadounidense de jazz. Aunque también muy controvertido, se trata de uno de los músicos más relevantes e influyentes de la historia del jazz, a la altura de otros artistas como Louis Armstrong, Duke Ellington, Charlie Parker y Miles Davis. Casado, en segundas nupcias, con la pianista de jazz Alice Coltrane (1937-2007).
John Coltrane
Datos generales
Nacimiento 23 de septiembre de 1926
Origen Richmond, Carolina del Norte
Muerte 17 de julio de 1967
Ocupación Saxofonista
Información artística
Otros nombres Trane
Género(s) Jazz
Instrumento(s) Saxofón
Período de actividad 1952–1967

Su trayectoria musical, marcada por una constante creatividad y siempre dentro de la vanguardia, abarca los principales estilos del jazz posteriores al bop: hard bop, free jazz y jazz modal. La discografía de Coltrane es considerable: grabó alrededor de cincuenta discos como líder en doce años, y apareció en más de una docena de discos guiado por otros músicos.

La obra de Coltrane está conscientemente vinculada al contexto sociohistórico en que fue creada (en concreto, a la lucha por los derechos civiles de los negros) y, en muchas ocasiones, busca una suerte de trascendencia a través de determinadas implicaciones religiosas, como se puede advertir en la que es considerada por la crítica su obra maestra, A Love Supreme.

Una de las aportaciones más reseñables de Coltrane es la que se refiere a la extensión de los solos de jazz, al eliminar cualquier límite temporal a los mismos y dejar su extensión al arbitrio de las necesidades del intérprete (de ahí que muchos temas de Coltrane sobrepasen, por ejemplo, los treinta minutos).


Un tema del disco




NUMERO 4839


Deströyer 666 - Cold Steel for an Iron Age (2002)




1. Black City-Black Fire
2. Clenched fist
3. Cold steel...
4. Sons of Perdition
5. Raped
6. The Calling
7. Savage Pitch
8. Witch hunter
9. Shadow


Una amalgama feroz, tan blacker como thrashera, asoma la cabeza, y por lo que parece, viene con hambre, mala uva, y más cojones que muchas bandas, con grandes nombres, tanto en el feudo Black, como en el Thrash. Ellos son Deströyer 666, nacieron en Australia y vienen dispuestos a todo, armados con artillería pesada, rugir demoníaco y mucho sentimiento ochentero, de aquel que profesa amor incondicional a las leyes marcadas por dioses como Motörhead, Venom, Destruction, Slayer o Morbid Angel, o lo que es lo mismo, los embajadores más duros y oscuros del reino del mástil gruñón.

K.K Warslut, guitarra, vocalista y fundador del combo vecino de "Cocodrilo Dundee", siempre habia sentido un amor incondicional por los mundos violentos del Thrash Metal de Exodus o Slayer, y el mensaje nihilista de las hordas noruegas, sobretodo de bandas como Emperor, Immortal o los primeros Satyricon, le proporcionaron un plus de agresión, que quiso estampar en un mismo sonido. Así nacieron Deströyer 666, como portadores, tanto de la nueva llama del viejo Thrash, como de embajadores, y no de buena voluntad, de los gélidos montes de Oslo. Discos como "Unchain the Wolves" o el mastodóntico "Phoenix Rising" ya demostraron la valía de los australianos, y ahora, con su tercer embiste, de nombre "Cold Steel...for an iron age", nos ibamos a enterar. Larga vida a la fusión de estilos, y más, si ambos, son de naturaleza "japuta".

Una portada molona, que se queda grabada por lo icónica y llamativa que resulta (sobretodo por la pegada que te da el sumar el color rojo y el negro) juega a ser un escudo heráldico, parido entre un soldado a punto de destrozar algún objetivo con un bazooka, y dos lobos (animales que siempre irán pegados a la mitología de la banda) a modo de vigías.
"Black City-Black Fire", la primera salvajada del trabajo, despega muy Blacker, muy cruda y riffera, en una onda muy Mayhem de los primeros tiempos, pero con un bagaje mucho más portentoso, y poderoso, en las guitarras, y desde luego, en la voz de Warslut, quien ruge como un poseso total. Con el paso de unos segundos, la olla se calienta, y el devenir Thrash empieza a darse sus buenos caprichos, a base de una fiera orgía decibélica. Temazo total, muy Bewitched, que no reniega de ningún momento tremebundo, en la historia del Metal, para hacerse más grande y peligroso.

"Clenched Fist" (pura testosterona Black 'n Thrash), "Cold Steel..." (que tarda en acelerar, pero cuando lo hace, no obtiene rivales), "Sons of Perdition" (que suena a mixtura esencial entre los reinos de Immortal y los de Slayer), "Raped" (composición creada con tanto pulso como frenesí) y "The Calling" (uno de los puntales del trabajo de 2002), nos aplastan totalmente, y nos dejan hechos fosfatina. Está claro que los australianos flipan con el "Reign in Blood", con el "Battles in The North" y con el "Mad Butcher", clarísimo. Y más claro queda, que son alumnos aventajados. Aventajadísimos. En nada, los pillan.

"Savage Pitch", destroza cerebros y los sirve en platos llenos de mugre. Una cerdada encantadora, llena de polvo añejo, velocidad oscurantista y perversa, y más espíritu arcaíco. Deströyer 666 no vienen a cambiar las cosas, simplemente vienen a mejorar el futuro, gracias al aporte de los dioses del pasado.

"Witch Hunter" y "Shadow", ambas, se encargan de cerrar el sacrílego trabajo, y por la puerta grande. Más baterías sin piedad, más locura rítmico-veloz y más putrefacción sónica de alto octanaje. Un auténtico discazo violento, daníno y voraz, que certifica lo glorioso del caminar de éstos salvajes, destinados (se quiera ver o no) a ser amos del cotarro.



Un tema del Disco










Numero 4838


Queensrÿche - Empire (1990)




1 Best I Can 5:34
2 The Thin Line 5:42
3 Jet City Woman 5:21
4 Della Brown 7:04
5 Another Rainy Night (Without You) 4:29
6 Empire 5:24
7 Resistance 4:50
8 Silent Lucidity 5:47
9 Hand on Heart 5:33
10 One and Only 5:54
11 Anybody Listening? 7:59




Queensrÿche comienza a nacer a principios de los 80`s llamandose de varias maneras y con distintos vocalistas hasta el año 1983 donde lanza su EP con su actual vocalista Tate y su actual nombre. Sin embargo su fama no seria mundial sino hasta el año 1988 con el lanzamiento del gran disco conceptual Operation:Mindcrime que los dejaron casi a la altura de Iron Maiden y Metallica, sin duda la epoca de oro de queensrÿche.

Luego del éxito de ese disco aparecio en 1990 otra buenisima obra: Empire que no defraudo para nada con temas como Silent Lucidity, Anybody listening?... Queensrÿche es un heavy metal con variados elementos progresivos, algunos hasta novedosos para la época. Sus letras tienen un sentido de protesta en casi todo el disco interpretados por la caracteristica voz de Tate, un conjunto de cambios de ritmos y elaborados arreglos que demuestran que son algo mas que un Judas Priest progresivo.

Lo que paso con la banda en los años posteriores es otra historia, sus cambios en la formacion, sus intentos por revivir esos años de gloria y la mala suerte socavaron lo que parecia un prometedor futuro.

Sin duda, si te gusta el metal progresivo tienes que tener Operation:Mindcrime y este disco.


Un Tema del Disco






NUMERO 4837



Foo Fighters - The Colour and the Shape (1997)




* 01 "Doll" – 1:23
* 02 "Monkey Wrench" – 3:51
* 03 "Hey, Johnny Park!" – 4:08
* 04 "My Poor Brain" – 3:33
* 05 "Wind Up" – 2:32
* 06 "Up in Arms" – 2:15
* 07 "My Hero" – 4:20
* 08 "See You" – 2:26
* 09 "Enough Space" – 2:37
* 10 "February Stars" – 4:49
* 11 "Everlong" – 4:10
* 12 "Walking After You" – 5:03
* 13 "New Way Home" – 5:40


The Colour and the Shape es el segundo álbum de los Foo Fighters. Fue lanzado al mercado el 20 de mayo de 1997 por Capitol a través del sello Roswell.

Éste fue el debut de los Foo Fighters tal cual como una banda, ya que David Grohl había grabado el primer álbum por sí mismo. Después de una tortuosa sesión de grabación en los estudios Bear Creek Studios de Woodinville, Grohl llevó al guitarrista Pat Smear y al bajista Nate Mendel a los estudios Grandmaster en Los Ángeles, tomando él mismo las labores de la batería. Después de esta sesión, el baterista William Goldsmith dejó oficialmente al grupo.

Siendo considerado uno de los mejores trabajos del grupo, con canciones populares como My Hero, Everlong y Monkey Wrench, alcanzó el lugar nº 3 en las listas del Reino Unido y el nº 10 en los Estados Unidos. Hasta el mes de junio de 2005, The Colour and the Shape se mantiene como el disco más vendido de los Foo Fighters en Estados Unidos, con 1.9 millones de copias vendidas.


Un Tema del Disco






NUMERO 4836


The Specials - More Specials (1980)





A1 Enjoy Yourself (It's Later Than You Think) 3:39
A2 Man at C&A 3:36
A3 Hey, Little Rich Girl 3:35
A4 Do Nothing 3:43
A5 Pearl's Cafe 3:07
A6 Sock It to 'Em J.B. 2:56
B1 Stereotypes / Stereotypes - Pt. 2 7:24
B2 Holiday Fortnight 2:45
B3 I Can't Stand It 4:01
B4 International Jet Set 5:37
B5 Enjoy Yourself (Reprise) 1:46




The Specials es una banda británica de ska (más precisamente del estilo que se conoce como 2 Tone) formada en 1977 en Coventry. Junto a Madness es una de las bandas más importantes que haya dado el género.

Empezaron tocando ska, punk y pop, y más tarde fusionaron todos estos estilos, creando un nuevo sonido que fue conocido como 2 Tone. Sus temas más conocidos incluyen A Message To You Rudy, Ghost Town (su máximo hit), Too Much Too Young y su debut, Gangsters.

The Specials ha influido a multitud de bandas alrededor del mundo, desde Rancid ^ o Kortatu a No Doubt, pasando por los argentinos Karamelo Santo, Los Fabulosos Cadillacs y Los Pericos. Los miembros originales de la banda fueron Jerry Dammers, Terry Hall, Roddy Radiation, John Bradbury, Sir Horace Gentleman (también conocido como Horace Panter), Lynval Golding y Neville Staples.

Naturalmente al pertenecer al estilo de la música "Ska" tenían una visión antirracista y de unificación por la libertad, haciendo canciones como por ejemplo a Nelson Mandela, quien en ese entonces se encontraba preso


Un Tema del Disco



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