epelpad

El post que buscas se encuentra eliminado, pero este también te puede interesar

"Making Music" - Ableton Live - Cap IV

"Making Music" - Ableton Live - Cap IV





ACLARACIÓN IMPORTANTE:


- No voy a traducir el libro entero (que sí tiene derechos de autor), sino los capítulos disponibles online en la página oficial (ver fuente) y por ende accesibles libremente para cualquiera.
- Esto es simplemente una traducción.






¿Qué es "Making Music: Creative Strategies
for Electronic Music Producers"?



"Making Music: Creative Strategies for Electronic Music Producers" es un libro escrito por Dennis DeSantis y publicado por Ableton en el cual se habla acerca de cómo resolver problemas musicales en un proyecto, progresar y, lo más importante, terminar lo que empezaste. Está orientado a la música electrónica, pero hay capítulos que pueden ser aplicados a otros géneros.

Este libro no te va a enseñar cuestiones técnicas como por ejemplo la utilización de un compresor, síntesis, mezcla, etc. Pero sí te va a ayudar a saber como encarar proyectos y ese tipo de cuestiones que suelen ser frustrantes.

Está dividido en tres partes: Inicio, progreso y finalización. Si quieren más información acerca del libro pueden leerlo haciendo click aquí.
Se me ocurrió traducirlo es un libro que me ayudó mucho y no encontré traducciones como a mí me gustarían en Internet. La idea es traducirlos todos si es que le sirve a alguien. Empecemos..








Capítulo IV - Presets como puntos de partida






Problema:

Algo que suele pasar, es que podés hacer música rápido utilizando presets, loops, samples, etc, pero no te sentís cómodo haciéndolo, y tampoco estás muy seguro si estás haciendo "trampa" o no, por decirlo de alguna manera.

En el mundo de la música electrónica siempre está presente la misma discusión acerca de si realmente podés tomar crédito por tu música, si no estás programando tus propios sonidos.

Algunos productores son, además, grandes diseñadores sonoros con muy buena habilidad para programar sintetizadores o manipular samples, y hablan con orgullo acerca de que cada vez que compran algún sintetizador, borran todos sus presets. A menudo, la filosofía detrás de este enfoque enfatiza al sonido como el parámetro principal de la música. Muchos músicos que se enfocan intensamente en el diseño del sonido, también trabajan con una paleta armónica, melódica y ritmica bastante limitada. Para ellos, el timbre (del sonido) es lo que define su música. Esto es muy común, por ejemplo, en géneros como el minimal techno y algúnos otros estilos experimentales.

En el otro extremo, hay músicos electrónicos a los que no les interesa el diseño sonoro sino que crean su música a partir de presets, samples, y loops. Para este tipo de productores, el enfoque generalmente está en la armonía, la melodía, el ritmo, y no tanto en el timbre. Esto no significa que los sonidos son elegidos arbitrariamente o que son utilizados sin cuidado, simplemente se les da más importancia a las notas que al sonido. Esto es más comun en el trance o house, y en un sentido más abstracto, también puede aplicar a géneros más convencionales como la música clásica o el rock. En estos estilos, la cantidad de instrumentos disponibles (y en consecuencia, la paleta de sonidos) son generalmente una característica del género, y entonces, la composición se centra en utilizar esos instrumentos al servicio de la melodía, la armonía, el ritmo y la forma musical.

¿Cuál de estos dos extremos es el correcto? Quizás ninguno.
Sería mejor considerar una postura intermedia, que pueda maximizar tu productividad musical a la vez que minimiza ese sentimiento de que tu música "no es tan tuya".




Solución:

En vez de enfocarte sólo en el diseño sonoro, probá utilizar presets, samples y loops como puntos de partida para cada parte del track, pero sabiendo que vas a dedicar algo de tiempo de trabajo en modificar o "afinar" esos sonidos para que se adapten a tus gustos y necesidades.


Los más puristas comienzan siempre desde un preset por defecto en sus sintetizadores, pero esto es una perdida de tiempo innecesaria. Lo que hacen es iniciar desde el mismo estado de controles, sin importar el contexto musical previsto, y luego "afinar" gradualmente el sonido para ganar distancia del preset por defecto.
En vez de esto, podrías considerar comenzar a componer utilizando algún preset que sea, por lo menos, de la misma familia que el instrumento para el cual estas escribiendo. Si estás escribiendo una linea de bajos, por ejemplo, explorá los presets de bajo del sintetizador que estés utilizando, sin culpa. Una vez que encontrás uno que esté lo más cerca posible del sonido que tenías en mente, trabajá en los otros parámetros como la melodía, ritmo, etc. Una vez que tengas esto en marcha, volvé a trabajar sobre el sonido para terminar de darle tu toque personal.

Para músicos que no tengan experiencia en el diseño sonoro, esto puede sonar un poco intimidatorio. Pero una vez que aprendés la teoría básica de la síntesis, vas a poder manejar casi cualquier sintetizador. Por ejemplo, los filtros y los controles básicos de la envolvente ADSR pueden ser encontrados en casi cualquier sampler o sintetizador, ya sea digital o analógico. Y utilizando sólo estos parámetros, tenés un gran rango de variación de un preset.


En conclusión, deberías dedicar al diseño sonoro el tiempo necesario para que puedas sentir que los sonidos son "tuyos" y trabajar cómodamente y sin culpa con ellos. Para músicos muy exigentes, es poco probable que un preset pueda llegar a ser perfecto para el contexto musical en el que están trabajando, pero puede acercarse mucho, y desde ahí, quizás necesite sólo algunos ajustes antes de encontrar algo que es exclusivamente suyo.







Hasta la próxima!

0 comentarios - "Making Music" - Ableton Live - Cap IV