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Las 22 películas del 2017

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Good Luck

Ben Russell (Francia)


De las violentas e ilegales minas de oro de Surinam a las minas de cobre a 400 metros de profundidad en Serbia, el documental es un retrato de dos comunidades mineras en polos opuestos de un mundo hostil.

Las 22 películas del 2017

El director de Let Each One Go Where He May y A Spell to Ward Off the Darkness preparó este trabajo para ser presentado como una videoinstalación de cuatro pantallas en el subsuelo del Fridericianum en el Documenta 14 de Kassel. Y lo que el realizador estadounidense estrenó en la Competencia Internacional de Locarno es una película en dos partes de 143 minutos sobre el trabajo y las historias de vida de los mineros en dos puntos muy lejanos del planeta: una cantera subterránea de cobre en Serbia (manejada por el Estado y bien montada) y otra de oro a cielo abierto en Surinam que parece bastante ilegal y precaria.

El largometraje -rodado en fílmico (16mm) y con un extraordinario trabajo visual y sonoro- comienza con una banda bosnia tocando por la calle y termina con los mineros cantando y aporreando tachos en lugar de tambores. Una forma de exorcizar las crudas condiciones laborales que Russell expone sin subrayados, agregados que puedan sonar a golpe bajo. El cineasta experimental les ofrece además a cada uno de los mineros un primer plano a cámara en blanco y negro y son ellos mismos quienes deciden cuándo es tiempo de apagarla.



link: https://www.youtube.com/watch?v=jZ-O9bWPQXE

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Get Out

Jordan Peele (Estados Unidos)


Un joven afroamericano visita a la familia de su novia blanca, un matrimonio adinerado. Para Chris (Daniel Kaluuya) y su novia Rose (Allison Williams) ha llegado el momento de conocer a los futuros suegros, por lo que ella le invita a pasar un fin de semana en el campo con sus padres, Missy (Catherine Keener) y Dean (Bradley Whitford). Al principio, Chris piensa que el comportamiento "demasiado" complaciente de los padres se debe a su nerviosismo por la relación interracial de su hija, pero a medida que pasan las horas, una serie de descubrimientos cada vez más inquietantes le llevan a descubrir una verdad inimaginable.

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En su debut como director (también es el guionista), el hasta aquí prolífico actor Jordan Peele construyó una película inteligente en su abordaje de un tema muy actual como las relaciones interraciales, entretenida en su desarrollo, sólida en su narración e impecable en sus actuaciones, de esas que no subestiman al espectador y cuyo suspenso y tensión se construyen con constancia y no a puro golpe de efecto que busca la reacción directa y efímera. El resultado ha sido notable en todos los terrenos: ¡Huye! figura primera en el premido de calificaciones del ranking 2017 de críticos confeccionado por IndieWire y es un enorme éxito comercial, ya que costó apenas 5 millones de dólares y recaudó 135 millones solo en las salas norteamericanas.

Chris (Daniel Kaluuya), un joven y exitoso fotógrafo negro, está en pareja desde hace cinco meses con Rose (Alison Williams, la Marnie de Girls). Cuando ella la invita a conocer a su familia, él duda. Pese a que no tiene demasiadas ganas de viajar a la casa familiar, ella es tan simpática y persuasiva que termina cediendo. Así, ambos viajan hasta la amplia casona, donde los recibe papá Dean (Bradley Whitford) y mamá Missy (Catherine Keener). En principio, todo es amable y políticamente correcto, pero el recién llegado no tardará en descubrir secretos y mentiras, sobre todo con dos misteriosos empleados afroamericanos como el jardinero Walter y la doméstica Georgina. La cosa se complica aún más tras la llegada del hermano de Rose, una sesión de hipnosis (Missy es una manipuladora terapeuta) y, sobre todo, tras una fiesta en el lugar con invitados bastante particulares.

Lo mejor del film (y lo que lo distingue de la avalancha de subproductos de terror que se estrenan cada jueves) es que uno no puede anticipar qué es lo que vendrá en la siguiente escena y que la mayoría de las situaciones de este thriller de subsistencia funciona a la perfección, provocando el efecto deseado (fascinar, desubicar y -claro- inquietar y asustar). Así ¡Huye! constituye una auténtica revelación en un género en el que las sorpresas no abundan. Bienvenida sea.





link: https://www.youtube.com/watch?v=DzfpyUB60YY

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Una mujer fantastica

Sebastian Lelio (Chile)


Marina (Daniela Vega) una joven camarera aspirante a cantante y Orlando (Francisco Reyes), veinte años mayor, planean un futuro juntos. Tras una noche de fiesta, Marina lo lleva a urgencias, pero él muere al llegar al hospital. Ella debe entonces enfrentar las sospechas por su muerte. Su condición de mujer transexual supone para la familia de Orlando una completa aberración. Ella tendrá que luchar para convertirse en lo que es: una mujer fuerte, pasional... fantástica.

Cine independiente

Lelio tiene especial cuidado en no transformar a su película en un relato truculento acerca de la violencia de género en el sentido más tradicional del término. Sí, Una mujer fantástica es un film sobre la violencia de género, pero con otros modos y con otro punto de vista. El realizador de Gloria puede pecar a veces de demasiado cauto a la hora de hacer crecer la tensión y la película hasta puede perder alguna fuerza dramática en la ultima parte tal vez por no atreverse a soltar más las amarras de sus contenidos personajes, pero en medio de un cine (especialmente, de un cine latinoamericano) que ha abusado del shock al espectador y de la violencia gráfica, ese “pudor” se agradece. Esa misma violencia, además, se cuela por lugares más sutiles y sinuosos, como una escena en la que Marina debe desnudarse ante la policía.

Seguramente un sector más militante de la comunidad LGBT sentirá que la película no va lo lejos que debería ir a la hora de producir choques culturales mas fuertes entre los protagonistas, de enfrentarlos a su propia hipocresía de una manera más directa, pero la elección de Lelio es otra. Lo que Marina quiere, finalmente, es ser aceptada como una mujer, como viuda, y no necesariamente convertirse en bandera de una causa por más justa que sea. Y hacia allí va la película y Marina, hacia la búsqueda de una aceptación que en los papeles parece estar muy cercana pero a la que todavía –invirtiendo los términos de un viejo slogan publicitario– le falta un largo camino por recorrer…



link: https://www.youtube.com/watch?v=NLRRf6y-7X8

19

Columbus

Kogonada ( Estados Unidos)


Un hombre se encuentra atrapado en Columbus, Indiana, donde su padre arquitecto está en coma. El hombre conoce a una joven que quiere quedarse en Columbus con su madre, una adicta que se está recuperando, en lugar de perseguir sus sueños.

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La esperada ópera prima del crítico de cine y video-ensayista Kogonada fue una de las más discutidas del último Festival de Rotterdam. Amante y eterno reivindicador del cine de Robert Bresson, Yasujiro Ozu y Hirozaku Kore-eda, el director coreano ha debutado con una suerte de homenaje a sus cineastas favoritos, especialmente al tercero de ellos. Colombus es una película tan milimétricamente controlada en el aspecto formal que asfixia el propio relato, eliminando toda posible ambigüedad. El film es, en realidad, un superlativo ejercicio de estilo diseñado para representar, durante casi dos horas de metraje, la relación entre sus personajes y el espacio arquitectónico que ocupan.

En este sentido, la trama –sobre dos personas que, para desconectar de sus problemas, visitan espacios de la ciudad norteamericana que da título al film– funciona como un pretexto para llevar a cabo un despliegue visual extasiante. En Rotterdam, la película no ha cosechado el favor unánime de la crítica, como sí ocurrió en el Festival de Sundance. Columbus dividió a la audiencia entre quienes la estiman por su valor estético y otros que la juzgan como una película vacía



link: https://www.youtube.com/watch?v=r3dcnV6Z9Zs


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The First Lap

Kim Dae-hwan (Corea Del sur)


Soo-hyun y Ji-young es una joven pareja que lleva seis años viviendo juntos en Seúl. Después de que Ji-young tenga un retraso en su periodo, Son-hyun decide afrontar la relación con su familia, algo que lleva tiempo tratando de evitar.

las mejores peliculas del 2017

En su segundo largometraje tras la premiada End of Winter, Kim Dae-hwan narra la historia de una pareja que lleva siete años junta. La relación entre Su-hyeon, profesor de arte en un instituto privado; y Ji-young, empleada contratada en una pequeña empresa, se pone a prueba cuando ella sufre un retraso importante y podría estar embarazada, y todavía más cuando deben viajar para enfrentar distintos encuentros con familiares de ambos.

La película -que le valió el premio a Mejor Dirección en la sección Cineasti del Presente del último Festival de Locarno- describe con rigor, sin concesiones, el grado de incertidumbre, desconcierto e incomodidad de los jóvenes coreanos de hoy, la crisis social que los rodea, cierta crueldad que se expresa en las diferencias generacionales y las dificultades para consolidarse en el paso a la adultez y esa nueva etapa llamada madurez. Aunque más prolija y contenida, los largos planos secuencia de los personajes comiendo, bebiendo y charlando remiten de forma inevitable al cine del maestro Hong Sang-soo.



link: https://www.youtube.com/watch?v=Pie0QshUDnM

17

La Intimidad

Andres Perugini ( Argentina)



Con un registro observacional entre lúdico y melancólico, Andrés Perugini ofrece un documental intimista sobre la perdida a través de un ritual que, como dice una de las protagonistas, todos estamos condenados a realizar. Y que no es otro que el de deshacerse de los objetos materiales que pertenecieron a un ser querido que acaba de morir.


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En La intimidad la cámara observa y reflexiona junto a quienes registra. Se detiene en detalles, siente presencias, habita un lugar familiar, espía y también acompaña.
La mirada descubre entonces lo que sucede luego de la muerte de una mujer de 96 años. La abuela Irene, habitante de Germania, un pequeño pueblo de 1500 habitantes, tranquilo, en la provincia de Buenos Aires. Su familia se reúne para desarmar la casa y decidir qué hacer con las ropas, muebles, objetos y recuerdos de toda su vida.
Andrés Perugini filmó a su abuela durante varios años y considera el registro “un material sensible, cargado de intimidad”. Cuando ella murió y sus hijos se reunieron para desarmar la casa y ponerla en venta, pensó que sería interesante filmar —en su ausencia— el proceso de deshabitar el espacio, la relación que allí se establece entre los herederos y lo material, lo que queda.
En cada objeto se puede identificar a la abuela Irene y en ella a muchas más. Empapelado en la pared, muebles antiguos y todo tipo de vajilla, que a través de los años y reuniones familiares ha sido acumulada en sus diversos diseños y funciones, y como deja claro la cantidad, nunca descartada. Ropa guardada y sin usar, papeles de todo tipo, se deja ver el cuidado por cada elemento que registra el paso de un tiempo no descartable, donde todo se puede guardar para algún nieto, algún amigo, para algún futuro.
Entonces el futuro llegó y los espacios se vacían. El realizador observa el proceso desde adentro, descubre y escucha. La intimidad se construye en un ámbito de confianza familiar y así las palabras son claras, fluyen, permiten conocer.
En una reciente entrevista Perugini cita a una frase de un escritor que le resultó inspiradora “transformar el dolor en aventura”. Entonces el documental se transforma en la aventura de descubrir y conocer, un trabajo que apunta a registrar “las huellas que dejan las personas en el tiempo y cómo el espacio puede ser testigo de esto”.
La intimidad de Irene es descubierta en el registro de Andrés que da inicio a la película, como también en el proceso de deshabitar su casa registrado años después. Las personas dan una identidad a su entorno, en sus objetos, sus plantas, el comportamiento de sus gatos vecinos están las huellas de una vida que al momento de retirar los objetos se transforma.
Así la casa vacía recibe a nuevos habitantes que hacen propio el espacio y le otorgan una nueva identidad, entonces surge la pregunta ¿Es posible borrar las huellas del pasado?El proceso de observación tranquilo y atento, la escucha paciente y clara, un registro que contempla y reflexiona aportan un material sensible que será organizado en función de encontrar algunas respuestas. Andrés Perugini realiza su primer documental como un verdadero “director de orquesta”, su experiencia como sonidista se valora en una toma directa de calidad que no pierde detalles, su cámara solitaria conquista la confianza para ser parte sin molestar, capturar sin forzar poses, encontrar los encuadres en un lugar que es parte de su historia.



link: https://vimeo.com/221172786

16

Actriz

Fabian Fattore ( Argentina)



Actriz aborda el trabajo de Analía Couceyro. Una puesta teatral que se acerca a su final y la composición de un nuevo personaje implican otros desafíos y aprendizajes. La dificultad de un texto árido, la repetición, el rigor de los ensayos. Este proceso permite ir develando emociones y pliegues ocultos.

Las 22 películas del 2017

Analía Couceyro es la protagonista casi absoluta de este film del director de Malón, con una cámara (las imágenes son en blanco y negro) que la sigue mientras prepara y actúa en distintas obras (de Ariel Farace, de Alejandro Tantanián o de ella misma), mientras se maquilla y se viste, mientras escribe o juega con unos niños tanto en el tenso micromundo de un teatro o en la relajada intimidad de su hogar.Con una puesta austera y despojada, a partir de largos planos en los pasillos del Teatro Argentino de La Plata, en el camarín de El Portón, en la habitación de un hotel, durante un viaje o en la terraza y la cocina de su casa, Fattore -que filmó a Couceyro durante un año y medio- expone el rigor casi sadomasoquista de los ensayos con textos muchas veces áridos, las contradicciones y búsquedas de una actriz, y la fascinante maquinaria teatral que la rodea.

No es la primera vez que un realizador argentino se acerca al mundillo de la actuación (hay algo del cine de Matías Piñeiro y de Entrenamiento elemental para actores, de Martín Rejtman), pero Fattore tiene vuelo propio y consigue un acercamiento atractivo -en la línea de Ne change rien, registro del portugués Pedro Costa al servicio de otra artista brillante como la francesa Jeanne Balibar- a la cotidianeidad de una actriz, autora y directora que ha dado sobradas evidencias de su versatilidad y talento.



link: https://www.youtube.com/watch?v=PXpsQik39GU

15

Niñato

Adrian Orr ( España)



David –un padre soltero y desempleado que vive con sus padres– intenta reservar unos minutos para sí mismo y su pasión por el rap. En la intimidad de la vida cotidiana, filmada con ternura, de forma inmersiva, a través de gestos y silencios, lo que emerge es la importancia de la unidad familiar. De la mañana a la noche, en una temporalidad en presente reconstruida en el montaje, el empeño de David por mantener vivo su sueño refuerza la tenacidad con la que educa de sus hijos.

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Especie de secuela y ampliación de su elogiado cortometraje Buenos días resistencia (visto en el BAFICI 2013), la ópera prima del madrileño Orr describe la cotidianeidad de David (David Ransanz) y sus tres hijos: Mia, Oro y Luna. Este pelado de 34 años no tiene un trabajo fijo, vive en casa de sus padres, es músico de rap (lo vemos cantar, componer y grabar), se ocupa como puede (como le sale) de la crianza de unos pequeños que no parecen prestarle demasiada atención (uno de ellos directamente suele taparse los oídos) y están más pendientes de la X-Box, y además tiene una novia que está a punto de irse al exterior por una beca de al menos un año. Documental ficcionado o ficción con fuerte impronta documental, Niñato habla de una sociedad gris y desangelada, que no ofrece demasiados estímulos ni oportunidades.

Orr apela a una cámara en mano y a una cercanía que por momentos remite al estilo dardenniano. El resultado, en ese y otros sentidos, es tan potente como devastador. El frío invernal que cala los huesos de sus criaturas y esa lluvia omnipresente transmiten y contagian una carga melancólica que desgarra el corazón. De todas formas, la película gambetea con astucia el golpe bajo, el patetismo y el sentimentalismo. La dinámica familiar, como todas, tiene sus irrupciones de humor (como cuando uno de los chicos demuestra sus habilidades para el hip hop), pero la sensación de desencanto todo lo invade y sintoniza con estos tiempos de crisis crónica en España.



link: https://www.youtube.com/watch?v=vYX-TzMs_UU

14

Alanis

Anahi Berneri (Argentina)



Alanis es una trabajadora sexual, madre de un niño pequeño, que deberá pelear por hacerse un lugar en la sociedad.

Cine independiente

La directora de Un año sin amor, Encarnación, Por tu culpa y Aire libre sigue indagando en temas provocativos con sensibilidad e inteligencia. En el caso de Alanis, aborda la problemática de la prostitución a partir de la historia del personaje del título, una madre soltera de 25 años oriunda de Cipolletti que trata de criar como puede a su bebé en Buenos Aires.

En el inicio del film el prostíbulo donde trabaja (y vive) Alanis es allanado y clausurado por la policía tras una denuncia de vecinos. Comienza entonces un peregrinaje por camas prestadas y trabajos precarios con conflictos con las autoridades, la burocracia estatal, clientes perversos, colegas violentas y amigas que no lo son tanto.

Si bien tiene unas cuantas situaciones inquietantes en ambientes sórdidos en los alrededores de Plaza Miserere (el tema de la prostitución ya de por sí es controvertido), lo que distingue a Alanis de tanta película simplista, maniquea y subrayada es la multiplicidad de facetas y matices (intelectuales, sexuales, laborales, raciales) que ofrece y el grado de intimidad y credibilidad que consiguen Berneri y su protagonista Sofia Gala Castiglione, que regala una interpretación consagratoria. Directora y actriz trabajan de manera frontal, pero exponiendo muchas veces los grises y las contradicciones. Y lo logran sin juzgar, sin caer en el golpe bajo y haciendo gala al mismo tiempo de un profundo humanismo.



link: https://www.youtube.com/watch?v=rFbFqNO7rlk

13

La Familia

Gustavo Rondon Cordova (Venezuela)



Andrés y su hijo Pedro, de 12 años, viven en una vecindad marginal de Caracas y apenas se ven. Mientras Andrés utiliza su tiempo con sus trabajos, Pedro camina por las calles jugando con sus amigos y aprendiendo del lugar violento que le rodea


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La película venezolana presentada en la Semana de la Crítica de Cannes es un sólido y elocuente relato de la violencia que atraviesa al país, inundándolo todo. El film es una historia familiar, un relato de la relación padre-hijo, a partir de un hecho violento que tiene sus fuertes consecuencias. Pedro, un niño, en una pelea callejera, mata por accidente a otro chico que pertenece a un barrio rival y más difícil y duro que el suyo. Temiendo una segura venganza, su padre Andrés decide irse del barrio con su hijo y llevárselo lo más lejos posible, escapando de cualquier posible amenaza.

El escape no estará exento de otras situaciones complicadas, peligrosas y violentas pero el eje allí es la relación entre un padre y un hijo que casi por la fuerza retoman una relación que tenía sus problemas y distancias. El realizador Rondón Córdova, en su primer largo, tiene muy claro que no hace falta forzar ni la brutalidad de la situación que viven (es evidente, se siente sin necesidad de ser demasiado gráficos) ni empalagarse con esa otra posible película sobre una familia que se recompone a partir de una tragedia porque no pasa solo por ahí el eje del film.

Esta familia emparchada recorre circunstancias duras y La familia es, a la vez, un retrato de esa relación y de la dificultad de conformar una sociedad que se piense a sí misma como tal. Allí manda una suerte de espíritu de tribu, donde la violencia se aplica al que aparece más debil, menos masculino o sin tantas conexiones como otros. La dupla padre e hijo puede hacer recordar a los de Ladrones de bicicletas, de Vittorio de Sica, pero la principal conexión es con el cine reciente de América Latina que trata de reflejar la violencia urbana. Y Rondón logra, con lo justo, escapar del cliché de exportación para festivales para crear algo que se siente sincero, honesto y vital.



link: https://www.youtube.com/watch?v=UNF4pHXmeXQ

12

El Seductor

Sofia Coppola (Estados Unidos)



Año 1864. Durante la guerra civil norteamericana, la tranquilidad de una escuela femenina de Virginia donde sólo viven mujeres se ve alterada con la llegada de un apuesto soldado confederado herido... Remake de "El seductor", dirigida por Don Siegel y protagonizada por Clint Eastwood.


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La trama es sencilla: un soldado de la Unión (Farrell) es encontrado malherido por una de las cuatro niñas que todavía permanecen en un seminario de una zona de Virginia tomada por la guerra civil. Junto a las alumnas (la más grande está intrepretada por Fanning) conviven en esa casona la responsable del lugar (Kidman) y la maestra (Dunst). Las seis mujeres, de muy distintas maneras y en diferentes grados, se verán obsesionadas (algunas con pasión, otras con desprecio, otras con simple curiosidad infantil) por el recién llegado, un “enemigo” al que se niegan a entregar a los soldados secesionistas.

La película -fotografiada con suma elegancia en 35 milímetros por el francés Philippe Le Sourd, que venía de colaborar entre otros con Wong Kar-wai- combina el trasfondo bélico, cierta estética de western y elementos propios de los cuentos de hadas (la niña que junta hongos en el bosque) con el intenso drama de un universo cerrado femenino que se ve invadido y viciado con esa inesperada presencia masculina.

El seductor -que invierte el punto de vista masculino del film original y lo convierte en femenino para concentrarse en los códigos que se establecen entre esas mujeres- va del erotismo y el voyeurismo al más puro gore (aunque también con un muy buen uso por momentos del fuera de campo), del melodrama de época en tiempos de Guerra Civil a la comedia negra y perversa con toques feministas. Lo más valioso es que Coppola, aun en terrenos hasta ahora inexplorados en su cine, parece desenvolverse con absoluta elegancia y convicción.



link: https://www.youtube.com/watch?v=vIM28ARv0Tw

11

Loving Vincent

Dorota Kobiela, Hugh Welchman ( Polonia)


Primer largometraje compuesto por pinturas animadas, "Loving Vincent" es un film homenaje a Van Gogh en el que cada fotograma es un cuadro pintado sobre óleo, tal y como el propio Vincent lo hubiera pintado. Sus 80 minutos de duración están compuestos por 56.800 fotogramas que han sido pintados, uno a uno, por una gran cantidad de excelentes pintores a lo largo de varios años, todos inspirándose en el estilo y arte magistral de Van Gogh.


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La estructura es simple y recuerda a El ciudadano Kane. Armand Roulin, el mayor de los hijos de la familia Roulin, amigos y modelos que el pintor retrató, hace de una suerte de detective que entrevista a muchos del círculo de cercanos que Van Gogh tuvo durante sus últimos años. Por supuesto que los hechos que Armand recolecta difieren, ya que siempre habrán tantas versiones de un mismo suceso como testigos del mismo existan. Y así como la estructura recuerda a la obra de Welles, la técnica emparenta todo con Waking life y A Scanner Darkly, ambas cintas de Richard Linklater, las cuales fueron filmadas con actores y luego “animadas” en post producción.

En Loving Vincent existe una pasión por parte de los realizadores solo comparable con la obra del pintor que retratan. Es un trabajo basado en la obsesión y el amor. Un esfuerzo hercúleo a ratos sobrecogedor y a ratos agotador. Y es que cada fotograma es, literalmente, una obra de arte; a su vez, esta práctica a ratos fatiga y distrae. Es una inmensa lucha entre forma y contenido, y una vez finalizado el visionado es difícil aclararse cuál de las dos ganó. Lo que no presenta duda es que es una experiencia única.



link: https://www.youtube.com/watch?v=CGzKnyhYDQI


10

El Sacrificio del Ciervo Sagrado

Yorgos Lanthimos (Reino Unido)


Steven es un eminente cirujano casado con Anna, una respetada oftalmóloga. Viven felices junto a sus dos hijos, Kim y Bob. Cuando Steven entabla amistad con Martin, un chico de dieciséis años huérfano de padre, a quien decide proteger, los acontecimientos dan un giro siniestro. Steven tendrá que escoger entre cometer un impactante sacrificio o arriesgarse a perderlo todo.

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“Aquel a quien los dioses quieren destruir, primero lo vuelven loco”. Bien lo sabe la tragedia griega, que se alimentó de esta sentencia, habitualmente atribuida a Eurípides, para componer decenas de castigos divinos sobre los mortales que caían en la desmesura. Como el de Agamenón, mortificado por la deidad Ártemis con el sacrificio de su hija Ifigenia por haber matado a un ciervo en un bosque sagrado y alardear de ello. O como el camino de expiación que ha armado el director griego Giorgos Lanthimos en El sacrificio de un ciervo sagrado, una perturbadora tragedia contemporánea, inspirada en la perversidad de los poetas de la Antigüedad, y dotada de su habitual toque surreal.La vehemencia de las notas musicales de viento de los primeros segundos del relato apunta hacia una obra insolente, radical, valiente y, desde luego, compleja. Como un mortal que se rebela ante los dioses con su orgullo y su vanidad, pero también con su talento, Lanthimos despliega su hipnótico y aterrador volcán de sensaciones con una puesta en escena en la que domina el gran angular, nunca caprichoso, siempre ajustado a una composición del plano cuidada hasta el último detalle, incluso en el color. Desde que sorprendiera al mundo con Canino (2009), el griego ha utilizado el surrealismo para ir marcando el estado de la sociedad y de su núcleo, la familia, con un bisturí de degradación y podredumbre, radiografiando el deseo desde una óptica deformada —de ahí el perfecto encaje de esos ojos de pez visuales, oníricos, vitriólicos—. Y en su nueva película se atreve a fundir algunas de las bases del surrealismo, con Luis Buñuel siempre en mente, con el más legendario modo de narración de su tierra: la tragedia.

El sacrificio de un ciervo sagrado no es solo un estudio sobre el sexo y sus actitudes, aunque, como es habitual en su autor, estas adquieran unas líneas oblicuas de enfermizo descontrol. Tampoco es solo una obra sobre la venganza, aunque su estructura general, y su base, un error médico con resultado de muerte, invite a calificarla de este modo. La película de Lanthimos es, sobre todo, una alegoría sobre el desapego y la mentira familiar y sus consecuencias, marcada, además de por la puesta en escena, por un tipo de interpretación distanciada que hace que cada frase se pronuncie sin el menor énfasis pero con el mayor de los corajes. Como Buñuel, que también utilizaba los animales y la comida como particular bestiario con el que epatar y descontrolar el ojo, el ánimo y las tripas del espectador, Lanthimos nos lleva hasta un cruel estado de desolación interna, acuciado además por la insoportable sensación de desamparo que provoca su dilema moral. Y son los ojos ensangrentados de un niño al que ha castigado un perverso dios adolescente los que guían una película esquinada y desoladoramente bella.



link: https://www.youtube.com/watch?v=UMkdMGFtpes

9

Call me by your name

Luca Guadaningno (Italia)


Elio Perlman (Timothée Chalamet), un joven de 17 años, pasa el cálido y soleado verano de 1983 en la casa de campo de sus padres en el norte de Italia. Se pasa el tiempo holgazaneando, escuchando música, leyendo libros y nadando hasta que un día el nuevo ayudante americano de su padre llega a la gran villa. Oliver (Armie Hammer) es encantador y, como Elio, tiene raíces judías; también es joven, seguro de sí mismo y atractivo. Al principio Elio se muestra algo frío y distante hacia el joven, pero pronto ambos empiezan a salir juntos de excursión y, conforme el verano avanza, la atracción mutua de la pareja se hace más intensa.

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Del italiano de películas como Yo soy el amor o Cegados por el sol (de Melissa P. nos olvidamos) sabíamos su afición a construir mundos abigarrados desde una puesta en escena siempre única, siempre discutible y siempre al límite de lo imposible. Digamos que su cine se resuelve siempre en la agonía de no dejar a nadie indiferente. El material primario con el que trabaja (básicamente el deseo) exige tanto cuidado como ambición. Y, en consecuencia, nunca se conforma con ofrecer nada que no sea siempre extremo. Lo imposible quizá.No en balde, sus personajes se enamoran, se desprecian y abrazan con todas las consecuencias. Que, a poco que uno lo haya intentado, siempre son muchas. Y por tanto, no se permite ni un descanso, ni un gesto repetido, ni un paso evidente. Desde otro punto de vista, se diría que todos sus pasos son en falso. Y así hasta llegar a aquí, a Call me by your name, a la historia de un joven, entre crío, adolescente y casi adulto, que pasa el verano leyendo, tocando el piano, comiendo melocotones... Y, en efecto, amando. ¿Qué se puede hacer en verano y en gerundio además de amar?Digamos que el punto de partida no puede ser más evidente. No se trata más que de contar el nacimiento de un amor entre el protagonista interpretado por Timothée Chalamet y el asistente de su padre que no es otro que un inédito, para bien, Armie Hammer. De repente, Guadagnino se desnuda del ritual barroco y suicida que preside su cine para entregar al espectador una película transparente, profundamente emotiva y, justo es reconocerlo, divertida. Perfecta quizá.Se diría que en el ejercicio del director consiste en alcanzar la máxima sencillez después de haber emborronado miles de esbozos previos. Y, en efecto, la línea es tan clara y profunda que solo se entiende después de haber borrado océanos de tinta. Con cuidado, y siempre muy consciente de los peligros que acechan a los manierismos del llamado cine gay, lo que surge es, sin duda, una obra mayor de una compleja sencillez (o al revés) difícilmente superable. Límbica incluso.


link: https://www.youtube.com/watch?v=Z9AYPxH5NTM

8

Wajib

Annemarie Jacir (Palestina)


Abu Shadi, de 60 años, vive en Nazareth, y es padre divorciado y profesor de escuela. Su hija se va a casar y Abu tiene que vivir solo hasta que su hijo, un arquitecto que vive en Roma desde hace muchos años, llegue para ayudarlo con la preparación de la boda. Como exige la tradición palestina local, tienen que entregar la invitación a cada invitado personalmente. Mientras padre e hijo, apenas unos desconocidos, pasan unos días juntos, su frágil relación se verá puesta a prueba.

Cine independiente

La directora de La sal de este mar (2008) y When I Saw You (2012) ganó cuatro premios en el último Festival de Locarno con esta historia sobre una relación padre-hijo en la Palestina actual. Shadi (Saleh Bakri) es un joven arquitecto radicado en Roma que regresa a Nazareth para ayudar en los preparativos de la boda de su hermana Amal (Maria Zriek). Junto con su papá Abu Shadi (Mohammad Bakri), un sexagenario maestro de la ciudad, viajan a bordo de un viejo Volvo repartiendo las invitaciones para la ceremonia en esta suerte de road-movie urbana.

En cada casa los reciben familiares, amigos o simples conocidos que “deben” (porque las apariencias importan) asistir a la fiesta. Las diferencias entre las miradas de ambos protagonistas (que también son padre e hijo en la vida real) constituyen el eje de este film que, a veces con mayor sagacidad y en otras apelando un poco al subrayado, expone las contradicciones generacionales, los disímiles puntos de vista de alguien que salió al mundo y otro que se ha mantenido en el lugar. En definitiva, un interesante y valioso acercamiento (no exento de buen sentido del humor) a un rincón del mundo (Palestina) del que tanto se habla, pero no mucho se conoce.



link: https://www.youtube.com/watch?v=tBXFBPwL8JI

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Cocote

Nelson Carlo de los Santos Arias (Republica Dominicana)


Alberto, un evangélico que trabaja como jardinero en una casa adinerada de Santo Domingo, interrumpe su trabajo para ir al velatorio de su padre. Allí se entera que éste en realidad ha sido asesinado, y su familia espera que él se haga cargo de su asesino. Entre rituales y crisis existenciales se inscribe un nuevo artículo en la Ley del Talión “diente por diente…”; ahora "Cocote por Cocote".

cine 2017

Signs of Life era hasta hace poco una sección medio perdida dentro de la programación del Festival de Locarno. Sin embargo, de allí surgieron varios de los mejores films de los últimos años. Desde esta edición, cambió de sala (de la lejana PalaVideo pasó a la céntrica Kursaal) y por primera vez es competitiva, con un jurado prestigioso y premios en dinero y en ayudas. La película encargada de abrir la flamante competencia fue Cocote, segundo largometraje del dominicano (formado en la FUC) Nelson Carlo de los Santos Arias tras Santa Teresa y otras historias. Y terminó ganando el premio principal de esa sección.

Coproducida con Alemania, Qatar y Argentina (uno de los productores es Lukas Valenta Rinner), Cocote demuestra no solo el talento impar -parte intuitivo, parte cerebral- para la puesta en escena del director sino también la posibilidad de acercarse a los temas del cine latinoamericano (religión, violencia, diferencias de clase) sin caer en estereotipos, subrayados ni pintorequismos.

Cocote es una película de mixturas: visuales (fílmico y digital, color y blanco y negro, múltiples texturas y formatos), formales (ascéticos planos fijos y coreográficos planos secuencia); sociales (comienza y termina en la piscina y jardines de una casona de clase alta, mientras que el corazón del relato está ambientado en un más que humilde pueblo costero del sur), étnicas (la cultura blanca y la cultura negra) y religiosas (lo católico, lo evangélico y el sincretismo). Con todos esos elementos, contradicciones y matices Nelson Carlo de los Santos Arias construye un film de espíritu tragicómico, que aborda problemáticas extremas (como el ojo por ojo, la violencia armada en manos de civiles a los que ni las fuerzas de seguridad se animan a enfrentar) sin caer en la solemnidad e incluso con sorprendentes dosis de humor negro y absurdo.

La trama principal tiene que ver con el regreso de Alberto (Vicente Santos), jardinero evangelista que trabaja para una familia acomodada de Santo Domingo, al pueblo natal, donde su padre acaba de ser degollado por un influyente y poderoso referente de la zona. Mientras las mujeres de su familia le piden (le exigen) que vengue la muerte de su progenitor se ve forzado a participar de una serie de rituales (de varias horas por día durante 9 jornadas) con rezos, llantos y cánticos al ritmo de los tambores que remiten a la cultura afroamericana.



link: https://www.youtube.com/watch?v=89DJOcscNvk

6

Visages, villages

Agnes Varda (Francia)


Colaboración entre la veterana directora Agnès Varda y el artista gráfico urbano y fotógrafo JR, un joven francés conocido por sus impactantes obras visuales que consisten en enormes intervenciones gráficas en calles y tejados de diversas ciudades de todo el mundo


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Caras y lugares, de Agnès Varda y el artista y fotógrafo que firma JR, tiene algo de todo lo anterior. La película, que llega a San Sebastián tras haber sido presentada en Cannes y con la declarada intención de homenajear a su autora, habla también de la condición de lo visible o, mejor, de cómo enseñar lo oculto.Se trata de un documental en el que sus directores son además protagonistas. Llegan a los pueblos de una Francia hundida en el silencio y allí fotografían a sus habitantes, que son trabajadores. Acto seguido, amplían los retratos y los extienden sobre las fachadas de los edificios. O sobre los trenes. O sobre los depósitos de agua. Lo que habitualmente no se ve, lo recluido en el interior de su propia cotidianidad, pasa de repente a ser lo único visible. Lo normal adquiere la virtud de lo monstruoso. Hemos llegado.Más que una simple película, lo que ofrecen Varda y JR es un milagro. Se trata de registrar las caras de asombro, pero también de nombrar lo que no tiene nombre, de dar voz a lo mudo, de explicar el sentido de todo lo que merece ser contado, sentido, quizá amado. Con humor, con gravedad, con tristeza y con una alegría difícilmente controlable, la película discurre por la retina del espectador como un acto de liberación, como la mejor manera de rendir homenaje a, otra vez, un gigante. O una giganta.


link: https://www.youtube.com/watch?v=YlQ104-3XYs

5

Zama

Lucrecia Martel (Argentina)


Narra la historia de Don Diego de Zama, un oficial español del siglo XVII asentado en Asunción que espera su transferencia a Buenos Aires. Es un hombre que espera ser reconocido por sus méritos. Pero en los años de espera pierde todo. Decide atrapar un peligroso bandido y recuperar su nombre... Basada en la novela existencial de Antonio Di Benedetto escrita en 1956.

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Este preámbulo, que poco tiene que ver con una crítica pura, sirve para comprender las condiciones en que se hizo, se posprodujo y se estrenó Zama. Hubiésemos querido que su concreción le trajera menos complicaciones a esta directora exigente y perfeccionista, pero sin caer en analogías baratas resulta pertinente trazar cierto paralelismo entre la espera de Martel y la de Don Diego de Zama, el corregidor (un asesor letrado a cargo de funciones administrativas) que aguarda que el Gobernador se digne a enviarle una carta al Rey para que éste disponga su transferencia. Es que lo que iba a ser una corta estancia en la Asunción de 1790 se transforma en una tensa, cada vez más angustiante e insoportable espera alejado de su esposa y sus hijos que lleva más de 14 meses y sin que el trámite burocrático avance.

¿Qué decir de Zama sin que suene presuntuoso o exagerado? Uno podría establecer conexiones con la obra de Terrence Malick, de Werner Herzog, de John Ford, de Claire Denis, pero el cine de Martel es único, intransferible, inimitable, incomparable. También podríamos hablar de la belleza, de la multiplicidad de elementos y matices que hay en cada plano de Zama, en el soberbio trabajo visual tanto en interiores como en exteriores de Formosa y Corrientes en colaboración con el director de fotografía portugués Rui Poças (Tabú, O Ornitólogo), en las múltiples capas (y efectos) de sonido elaboradas con Guido Berenblum, en el trabajo excepcional con el fuera de campo, con la voz en off, con la música, pero cada obra de la realizadora argentina es mucho más que la suma de sus partes. Hay algo del orden de lo metafísico, de lo sensorial (las películas de Martel hasta se “huelen”) que trasciende las fórmulas del cine narrativo y de la construcción dramática convencional.
Sensual sin mostrar demasiado (insinuar y escatimar es una de las grandes artes del cine voyeurista de Martel); promiscua en más de un sentido (una llama puede aparecer en el plano respirándole en la cara a un personaje); política en su exploración del colonialismo sin caer jamás en el maniqueísmo ni el subrayado (las diferencias de clase, el tráfico de esclavos, el poder de la Iglesia están siempre en un conveniente segundo plano); con un fascinante pero nunca intrusivo ni pintoresquista uso de las tradiciones y costumbres indígenas; con una mixtura de razas, lenguajes y acentos; con un “malvado” tan elusivo y mítico como Vicuña Porto (el brasileño Matheus Nachtergaele), Zama se consolida durante sus primeros 90 minutos como un drama existencialista sobre el (no) paso del tiempo para en la brillante media hora final convertirse en un western alucinatorio.

Daniel Giménez Cacho está impecable como ese hombre bastante patético que duda, sufre y espera, al que nadie parece respetar demasiado. Él es el corazón de una historia que contó con un elenco multinacional en el que aparecen desde la española Lola Dueñas (una Luciana Piñares de Luenga adicta al brandy) hasta los argentinos Juan Minujín, Rafael Spregelburd y Daniel Veronese. Poco importa si hay alguna concesión en ciertos acentos o términos que se utilizan o en ciertas licencias de la imponente reconstrucción de época: no estamos aquí ante una película de qualité que intenta recrear todo a la perfección. Zama es una película brillante que Martel hace 100% suya a partir de una novela ajena e “infilmable” como la Antonio Di Benedetto. Solo cabe esperar que la cinefilia de todo el mundo (está claro que no es un film masivo) la rescate y defienda como se merece para que la realizadora salteña no tenga que esperar casi otra década para volver a deleitarnos con su arte.



link: https://www.youtube.com/watch?v=XZLXAnVZT3k


4

Barbara

Mathieu Amaralric (Francia)


Un director quiere hacer un biopic sobre la cantante Barbara. El director y la actriz trabajan juntos, con cercanía.

Las 22 películas del 2017

Barbara (1930-1997) fue un ícono de la canción francesa, aunque no resultó tan famosa fuera de su país. Mathieu Amalric se desmarca por completo de los lugares comunes de la biopic y del documental de tributo para construir un film algo caótico (a la Tournée) pero absolutamente fascinante. Cine dentro del cine (Amalric es también el director de una película sobre Barbara que tiene como protagonista a una actriz llamada Brigitte que interpreta Jeanne Balibar): estamos ante una sucesión de situaciones ficcionales, de recreaciones, de shows en vivo, de grabaciones de discos, de ensayos y de amores apasionados con algo de falso making of, musical y road movie. Balibar está en todo su esplendor como actriz, cantante y pianista. Más allá de los parecidos físicos, del trabajo con la voz y de la mimetización de los gestos y movimientos de la artista real, Amalric ofrece una obra llena de matices para dar vida en pantalla a una mujer excéntrica, desbordante y en muchos sentidos extrema hasta lo irritante.


link: https://www.youtube.com/watch?v=bCGe9E0kv7U

3

on the beach at night alone

Hong sang-soo (Corea del Sur)


Tras mantener una aventura con un hombre casado, la actriz Younghee decide tomarse un tiempo. Para ello viaja a la ciudad extranjera de Hamburgo, pero eso no impedirá que siga pensando en lo que dejó atrás.


bafici

On the Beach at Night Alone, la película más franca, directa y personal de Hong, es un film a corazón abierto, una historia muy íntima en la que, sin modificar su estilo habitual, el director emociona como pocas veces lo ha hecho. De carácter autobiográfico, narra la historia de una actriz que se enamora de un cineasta casado y lo que sucede una vez que la relación se complica. La película se estructura como una serie de diálogos sobre el tema del amor en las clásicas mesas de Hong regadas de soju y cerveza. Y en ellas, la dura experiencia de la protagonista parece convertirla en una autoridad en el asunto. On the Beach at Night Alone tiene humor, pero la tristeza que engloba a esas conversaciones hace que sea melancólica y dolorosa. Como corresponde a las complicadas historias de amor.


link: https://www.youtube.com/watch?v=AkBJ9QGtvRA

2

Estiu 1993

Carla Simon (España)


Frida (Laia Artigas), una niña de seis años, afronta el primer verano de su vida con su nueva familia adoptiva tras la muerte de su madre. Lejos de su entorno cercano, en pleno campo, la niña deberá adaptarse a su nueva vida.

Cine independiente

¿Cómo manejar el modo en que la muerte puede llegar a instalarse en la vida, las ideas y los sentimientos de una persona de seis años? Este enigma, inadmisible y pavoroso para los adultos, reside en el centro de Estiu 1993, un film sembrado de sonrisas, luz, juegos y celebraciones familiares, y que a pesar de todos estos ingredientes no pierde en ningún momento su condición de luto silencioso, de duelo hablado en susurros cuando los niños no están presentes. Ajena a pirotecnias melodramáticas y de una contención afilada, la ópera prima de Carla Simón es de modo esencial un film sobre el exilio y el desarraigo, sobre cómo aprender a convivir con ambos y con ese sentimiento que Cesare Pavese supo llevar a la esencia en su “Nocturno”: “Pero vives en otra parte. / Tu sangre tierna se forjó en otra parte”.


link: https://www.youtube.com/watch?v=fm9QiTqOUdI

1

La Fabrica de nada

Pedro Phino (Portugal)


Una noche, un grupo de trabajadores se da cuenta de que la administración está robando maquinaria y materiales de su propia fábrica. Cuando se preparan para organizar el equipo y la producción, se les obliga a no hacer nada, como represalia, mientras las negociaciones para su despido están en marcha. La presión desencadena una revuelta entre los trabajadores, lo que afectará a todo lo que les rodea.


cine 2017

Suerte de mixtura entre Recursos humanos, de Laurent Cantet, y el cine de su compatriota Miguel Gomes (con el que se relaciona por la combinación entre documental y ficción, el uso ampuloso de la música popular, el registro de la intimidad de personajes comunes, la mirada política y la desmesura de su propuesta), la película de Pedro Pinho -ganadora del premio FIPRESCI de la crítica internacional- resultó una de las pocas sorpresas que regaló Cannes 2017.

El film -inspirado en las experiencias autogestionarias del taller FATELEVA que entre 1975 y 2016 se encargó de la antigua fábrica de ascensores Otis- sintoniza de forma directa con la situación de crisis de Europa en general y de Portugal en particular al exponer la sensación de desamparo y precarización de los obreros y sus dificultades para organizarse y sostener posturas comunes.

Este cuarto largometraje de Pinho comienza con un intento de vaciamiento de la fábrica en medio de la noche que los propios trabajadores descubren y detienen. Poco después llegan al lugar nuevos responsables de administración y recursos humanos que, en verdad, viene a reducir la plantilla mediante diversas ofertas: despidos disfrazados de retiros voluntarios o acuerdos entre ambas partes.

Mientras avanzan las negociaciones, la cámara de Pinho muestra también la situación hogareña de algunos operarios (sus desniveles de autoestima se aprecian tanto en el terreno sexual como en la relación de un padre con su hijo) y la dinámica interna en una fábrica que deja de producir y que les genera horas y horas de tiempos muertos.

Como rareza (al menos para nosotros) aparece promediando las tres horas del film el realizador Danièle Incalcaterra (Tierra de Avellaneda, El impenetrable) para ofrecer una mirada sobre la experiencia argentina post-2001 en cuanto a fábricas recuperadas por sus obreros, sobre todo con el caso de cerámicas Zanón (Cooperativa Fasinpat). En ese sentido, Incalcaterra forma parte de la veta más politizada y discursiva de un film en el que se polemiza también en el terreno intelectual sobre las contradicciones y la crisis del capitalismo (salvaje).

La otra sorpresa de un film dominado por la austeridad tiene que ver con la irrupción de escenas musicales con coreografías improvisadas a cargo de los propios obreros. Una forma de apostar a lo lúdico y al artificio entre tanto sufrimiento, decadencia y frustración de la realidad.



link: https://www.youtube.com/watch?v=OP1I-3kHesE

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